“ Quadrophenia ” do The Who é um álbum de rock épico e atemporal que merece uma análise detalhada. Mas acredito que um desenho superficial – o meu hoje – aliado a uma escuta completa, pode ser mais útil à causa, que visa aproximar os neófitos do rock.
Lançado em 1973, o álbum representa um dos pontos altos da carreira do The Who e um clássico atemporal do gênero.
É a segunda ópera rock da banda depois de " Tommy ", e também é o único álbum do Who inteiramente escrito apenas por Pete Townshend .
A obra é um álbum conceitual que conta a história de Jimmy, um jovem mod da Londres dos anos 1960. A trama explora os desafios e frustrações que assolam o garoto enquanto ele tenta encontrar sua identidade em um mundo caótico e muitas vezes hostil. O álbum aborda temas como alienação, rebelião juvenil, amor, autodestruição e autoaceitação.
Musicalmente, “ Quadrophenia ” é um tour de force. The Who demonstra sua extraordinária capacidade de criar músicas poderosas e envolventes, mas o que torna o álbum tão especial é a capacidade da banda de transmitir emoção através da música. A voz de Roger Daltrey é cheia de paixão e intensidade, capturando perfeitamente o tormento interior de Jimmy. As letras de Townshend são ricas em poesia e oferecem uma narrativa envolvente e a seção rítmica é um dos pontos fortes do álbum.
O álbum também apresenta uma variedade de estilos musicais, que vão desde o rock pesado e energético de canções como " The Real Me " e " 5:15 " até a delicada balada " Love Reign O'er Me ". O uso de instrumentos orquestrais e arranjos complexos acrescentam profundidade e dimensão ao trabalho.
Um dos destaques de “ Quadrophenia ” é a produção impecável de Kit Lambert e dos próprios Who, capazes de criar uma obra-prima absoluta.
O álbum captura a alma e o espírito de uma geração inteira, oferecendo uma trilha sonora icônica para uma adolescência rebelde. Sua combinação de música excepcional, letras profundas e narrativa envolvente fazem dele um álbum que vale a pena ouvir e apreciar até hoje.
Foi dito:
“Toda a grandeza do The Who está contida aqui”
Alguns anos depois, em 1979, “ Quadrophenia ” virou filme – dirigido por Franc Roddam – um filme que contribuiu para evidenciar uma cultura, um modo de vida, um período importante amplificado pela música do Who.
Falemos de Galadriel , uma banda espanhola de música progressiva fundada em Madrid em 1985, que não deve ser confundida com a banda progressiva australiana de mesmo nome do início dos anos setenta...
Sofisticada banda espanhola de Neo Prog, com vocais em inglês e espanhol, no estilo de Jon Anderson, mas a música não é como a do YES.
O som do GALADRIEL é suave e muito bem processado com mudanças dinâmicas e transições acústicas agradáveis. Sua música segue mais a linha do som progressivo clássico italiano (como o antigo PFM, por exemplo).
"Chasing the Dragonfly", o segundo álbum da banda espanhola, combina sabores étnicos com um estilo neo prog muito banal para um som geral único. Recomendado.
" Flowers " é o décimo álbum dos Rolling Stones , lançado originalmente em 1967 como uma coleção de canções não incluídas em seus álbuns britânicos anteriores. É um disco que oferece um panorama interessante dos primeiros estágios da carreira da banda, oferecendo uma mistura. de faixas de diversas sessões de gravação e foi destinado ao mercado norte-americano.
Lançado em 15 de julho de 1967, é uma compilação de sucessos e músicas nunca antes lançadas em LP. Especificamente, três músicas ainda eram inéditas na época: My Girl , uma repescagem das sessões de Out of Our Heads , Ride On, Baby e Sittin' On a Fenc, e que remonta às sessões de gravação de " Aftermath " .
O título refere-se ao gráfico da capa, que retrata hastes de flores sob o rosto de cada integrante do grupo. Um fato curioso e perturbador é que o único caule retratado sem folhas é aquele sob a cabeça de Brian Jones, que morreria dois anos depois.
“ Flowers ” alcançou o terceiro lugar nas paradas dos EUA durante o final do verão de 1967 e foi certificado ouro.
Em agosto de 2002, o álbum foi remasterizado e relançado nos formatos CD e SACD digipak pela ABKCO Records.
Pessoalmente, sublinho como as músicas contidas no álbum são verdadeiramente representativas da sonoridade da banda no final dos anos 60, muitas delas conhecidas em forma de singles, certamente capazes de dar som e imagem a uma época de importantes acontecimentos culturais. e transição musical.
Estes são, PARA MIM, os verdadeiros Rolling Stones! Mas vamos chegar a um pouco de objetividade.
O álbum abre com " Ruby Tuesday ", uma das músicas mais famosas da banda, caracterizada por um clima melancólico e um belo arranjo instrumental, um dos momentos mais altos de " Flowers ", capaz de mostrar o lado mais melódico e introspectivo do Pedras rolantes.
Outras canções que merecem destaque são “ Mother's Little Helper ”, que aborda temas como sociedade e uso de drogas, e “ Let's Spend the Night Together ”, uma peça enérgica e apaixonante. Ambas as músicas demonstram a habilidade de composição da banda em criar músicas cativantes, mas significativas.
Porém, é importante destacar novamente como "Flowers " é um álbum de "compilação" e, portanto, carece da coesão temática ou estilística típica dos álbuns de estúdio tradicionais. A seleção de músicas pode, portanto, parecer um pouco heterogênea às vezes, mas isso pode ser atribuído à sua natureza de compilação.
No entanto, "Flowers" oferece uma janela interessante para o período de transição dos Rolling Stones entre seus estágios iniciais como banda de ritmo e blues e seu subsequente desenvolvimento de um estilo mais experimental e psicodélico. A performance vocal de Mick Jagger é notável ao longo do álbum, assim como a poderosa seção rítmica de Keith Richards na guitarra e Brian Jones nos teclados.
Em última análise, podemos dizer, com a certeza de não estarmos errados, que “Flowers” é um álbum que vale a pena ouvir, tanto para os fãs da banda como para todos os interessados no rock dos anos 60. Embora não seja um álbum de estúdio tradicional, oferece uma seleção de canções notáveis e representa uma etapa importante na carreira dos Rolling Stones.
Faixas ( clique no título para ouvir )
Todas as músicas de Jagger/Richards, exceto onde indicado.
Keith Richards – guitarra elétrica, violão, backing vocals, baixo em Ruby Tuesday e Let's Spend the Night Together
Brian Jones - guitarra elétrica e acústica, teclados, baixo, koto em Take It or Leave It e Ride On, Baby , dulcimer em Lady Jane , flauta doce e flauta em Ruby Tuesday
Bill Wyman - baixo, backing vocals, órgão, percussão
Criado em meados de 2008, o grupo de Música Instrumental “Kaoll & Lanny Gordin” tem como objetivo a valorização e difusão deste segmento no cenário musical. Influenciado por grupos dos anos 60 e 70 como “Pink Floyd”, “Jimi Hendrix” e artistas do Movimento Tropicalista, o projeto conta com a presença ilustre do lendário guitarrista “Lanny Gordin”, um dos pilares da própria Tropicália, participante de trabalhos memoráveis com Hermeto Pascoal, Gal Costa, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Jards Macalé, Banda Performática, entre outros. Através de elementos da música brasileira e psicodélica universal, a banda apresenta um trabalho consistente de composições autorais presentes nos álbuns “Kaoll 04″ (2008) e “Auto-Hipnose” (2010), releituras de faixas do disco “Lanny Gordin” (2001), temas de jazz e blues, fusões e mantras contemporâneos. Além de Gordin, a formação conta com o guitarrista e idealizador do projeto Bruno Moscatiello, com o baterista Dokter Leo, além de Carlos Fharia no contrabaixo, Tiago Mineiro nos teclados/piano e Yuri Garfunkel na flauta transversal. O grupo tem se apresentado constantemente no circuito da capital, interior paulista e outras regiões do país, sempre com foco nos principais espaços dedicados à cultura da música instrumental. A banda encontra-se em fase de divulgação de seu segundo álbum de estúdio intitulado “Auto-Hipnose”, que contou com a participação especial do exímio instrumentista brasileiro Michel Leme em duas faixas antológicas: “Groselha (O Sapato)” de Lanny Gordin e “Música Kármica” composta por Lanny e pelo próprio Michel. O disco revela a real experiência auditiva do universo experimental do grupo, propondo uma profunda viagem introspectiva aos apreciadores da boa música instrumental e trazendo o gênio da guitarra brasileira em um momento de total inspiração e liberdade criativa que permeiam o trabalho através de sutis melodias e improvisos extraordinários, além das já reverenciadas progressões de acordes que o notabilizaram como um dos grandes mestres da harmonia. Temas como “Horizontes”, ” Khan El Khalili” e “Flutuante” revelam o dna do grupo reforçando tendências já implícitas no primeiro álbum “Kaoll 04″.
Discaço foda que não me canso de ouvir, pra quem curte música instrumental com pegada brasileira, jazzy e psicodélica (tudo ao mesmo tempo) é um prato cheio, fico honrado de ajudar a divulgar essa banda maravilhosa que conta com meu guitarrista brasileiro favorito, o mito Lanny Gordin que toca demais no disco, assim como todo a banda muito afiada.
Quarto Lp do grande cantor Milton Nascimento, gravado em 1970 com participação do grupo psicodélico Som Imaginário, com uma sonoridade muito mais visceral e experimental que seus 2 primeiros álbuns mais voltados ao samba jazz.
Nascida de um projeto para acompanhar o cantor Milton Nascimento no show “Milton Nascimento, ah, e o Som Imaginário”, a banda contou com a participação dos músicos Zé Rodrix (vocal, órgão, flautas e percussão), Wagner Tiso (piano e órgão), Tavito (violão e guitarra), Luiz Alves (baixo), Robertinho Silva (bateria) e Frederyko (guitarra) – atualmente conhecido como Fredera, além da participação especial do percussionista mundialmente conhecidoNaná Vasconcelos, que substituiu Laudir de Oliveira que foi tocar com a banda americana Chicago.
O disco começa com a clássica Para Lennon & McCartney, letra critica dos irmãos Borges (Lô e Márcio) com uma sonzera pesada com guitarra fuzz e pegada suingada.
Depois cai na calmaria folk de Amigo, amiga,cheia de efeitos de percurssão do Naná, passa pela latinidade em Maria 3 filhos (com levada torta) e Canto Latino e volta ao folk em Clube da Esquina (outra do Lô) .
Durango Kid uma bela música de Toninho Horta com uma pegada soul do Som Imaginário é mais um ponto alto do play. Pai grande é a mais experimental, abusa de efeitos que remetem a África e Alunar é outra letra bela e surrealista do então garoto Lô Borges, o instrumental também é tão psicodélico quanto a letra.
O disco encerra com uma releitura de A Felicidade de Tom e Vinicius e nas 4 faixas bônus, alguns temas com levada de samba jazz que saíram em trilhas sonoras da época
“Em outubro, Caetano (de 1968), Gil e Mutantes faziam uma temporada de shows na boate carioca Sucata. O boato de que Caetano teria cantado o Hino Nacional com versos ofensivos às Forças Armadas serviu de pretexto para que fosse suspensa. Ainda em outubro, os tropicalistas conseguiram um programa semanal na TV Tupi. “Divino, Maravilhoso” contava com todos os membros do grupo e de convidados como Jorge Ben, Paulinho da Viola e Jardes Macalé. ”
CAETANO VELOSO E OS MUTANTES – ao Vivo PHILIPS – 441.429 Psych – 1968
Adicionei de bônus É Proibido Proibir (versão estúdio) também com Caetano , Glória aos Reis do Confim do Além que saiu em um Lp de Festival em 1968 também e as duas faixas do compacto raríssimo O’Seis (os pré Mutantes)
Sensacional e de boa qualidade essa gravação (coisa rara na época).
Faixas: 01. Mini Neila 02. GB em Alto Relevo 03. Patrícia 04. Telhados do Mundo 05. Freedom 06. Capitão de Papel 07. Amanha Não Sei 08. Será que Eu Pus um Grilo na sua Cabeça? 09. Passam Anos, Passam Anas 10. Cabeça Feita
O COMPOSITOR CARIOCA Guilherme Lamounier é um nome tão pouco lembrado que nem teve tempo de se tornar uma “lenda” – raras vezes seu nome foi mencionado em revistas de música e o disco em questão seria bem pouco citado, apesar de ser uma obra-prima do pop nacional. Seus maiores sucessos, “Enrosca” e “Seu melhor amigo”, foram eternizados por um cantor cujo nome já afasta fâs de pop-rock: Fábio Jr. (“Enrosca” também foi gravado por… bem… Sandy & Junior). Seu papel durante os anos 70 acabou restrito, em vários momentos, aos bastidores – ele compôs outras inúmeras canções, numa linha que trafegava entre o rock, a MPB e a soul music nativa, que acabariam gravadas por Zizi Possi, Rosa Maria, Roupa Nova, Frenéticas, Jane Duboc e outros. Também responsabilizou-se por vários temas de novelas globais, além de trabalhar ao lado da dupla Robson Jorge & Lincoln Olivetti em várias empreitadas.
Guilherme vinha de família de músicos: o avô, Gastão Lamounier, era compositor e o primo, Gastão Lamounier Junior, também tornou-se compositor e músico, trabalhando com Erasmo Carlos, Banda Black Rio, grupo Karma e vários outros (“Tem que ser agora”, gravada por Pedro Mariano em 2000, é de Gastão e Luiz Mendes Junior). Outro primo famoso era Ricardo Lamounier, DJ da boate setentista New York City Discothéque. Antes de Guilherme Lamounier, Guilherme já havia gravado um outro disco, hoje também obscuro, pela Odeon – lançado em 1970 com produção de Carlos Imperial e participação de Dom Salvador e Maestro Cipó, o disco é definido por um site de venda de discos raros como “uma versão crua e rude de Wilson Simonal”, contendo “funks pesados” como “Cristina” e “A casa onde ela mora”. O álbum de 1973, um dos raros discos nacionais lançados pelo selo Atco, da WEA – que era representada no Brasil pela Continental, durante os anos 70 – pode ser definido como um feliz encontro entre folk, pop, rock (pesado em alguns momentos) e o acento soul que marcaria praticamente tudo feito por Guilherme. Era uma coleção de 10 belas melodias que, ouvidas hoje, dão pena por quase não terem freqüentado as rádios. De lá para cá, este disco jamais seria reeditado.
Guilherme Lamounier foi fruto de uma parceria entre o cantor e Tibério Gaspar, que assinou as letras de todas as músicas – as fotos do encarte, sempre trazendo a dupla, dão a entender que Tibério, mais conhecido por suas parcerias com Antonio Adolfo (“Sá Marina”, “Juliana”) foi fundamental para o desenvolvimento do álbum. Tocado ao violão e ao piano, com discretas guitarras, o disco abria com uma balada quase Beatle, “Mini-Neila”. A melodia, de matar Noel Gallagher de inveja, era acentuada pelo belo arranjo de cordas – creditado, no encarte, a um tal de Luiz Claudio – e completada por um belo refrão, um dos melhores do disco. Depois vinha o som folk e viajante de “GB em alto relevo”, uma melodia cheia de surpresas e de acordes escondidos, que mostram a excelência de Lamounier como artesão pop. “Patrícia”, outra balada folk, entra no álbum lembrando Lô Borges e traz uma letra cheia de imagens fortes, sexuais. “Os telhados do mundo” é quase progressiva, trazendo percussão, efeitos sonoros, guitarras, órgão e uma letra psicodélica, libertária (“não me interessa saber o que vocês pensam de mim por aí/só interessa saber quem sou ou o que não sou por aqui”). Todas as letras do álbum oscilavam entre o romantismo e uma espécie temática jovem dos anos 70, com imagens de teor quase hippie.
Bem distante do tal “Wilson Simonal cru” do primeiro disco, Guilherme cantava de uma forma quase black, alternando tons rockeiros com vocais roucos e gritados, lembrando por vezes uma versão carioca de Arnaldo Baptista (com quem até se parecia fisicamente). Esse modo de cantar aparecia em músicas como “Freedom”, soul acústico pesadíssimo, com linhas de baixo vigorosas e um forte trabalho de metais, quase lembrando uma trilha de filme. Ou mesmo em “Cabeça feita”, hard rock doidaralhaço que, dois anos depois, seria gravado pelo grupo carioca O Peso – e que fechava o disco com guitarras na cara do ouvinte e uma letra bandeirosa e libertária. O disco ainda trazia baladas com um pé no soul, como “Capitão de papel” (cuja letra, bem anos 70, citava personagens de histórias em quadrinhos) e a belíssima “Amanhã não sei”, conduzida por violão, piano e órgão Hammond e explodindo em um forte arranjo de cordas no final. Completando, ainda havia a curiosa “Será que eu pus um grilo na sua cabeça?” – balada hippie com letra bucólica e romântica, que não citava em momento algum o longo nome da música – e a balada hard “Passam anos, passam anas”, seis minutos de fazer os Black Crowes roerem os cotovelos de inveja (a música até lembra um pouco “Descending”, do Amorica).
Na época de Guilherme Lamounier, o cantor já colaborava com músicas para trilhas de novelas – ele já havia gravado, na onda dos cantores brazucas que pagavam de inglês, o tema “What greater gift could there be” para a novela global O homem que deve morrer. Continuou assinando outros temas, como a disco-track sacana “Requebra que eu curto” (O pulo do gato, 1978) e até mesmo “Enrosca”, cuja versão original era um pop-rock pesadinho (da novela Locomotivas, 1977). Guilherme também escreveu músicas para filmes dos anos 70, como a pornochanchada Cada um dá o que tem (de Carlo Mossy). Sua carreira discográfica é que permaneceu no pára-e-anda por um belo tempo. Ainda na Continental, Guilherme lançou um single com “Vai atrás da vida (que ela te espera)” e deu uma sumida, lançando apenas outros compactos. Em 1978 sairia outro Guilherme Lamounier, desta vez pela Som Livre – revelando “Serenatas perfumadas com jasmin”, da trilha de Pecado rasgado.
De lá para cá, pouco se ouviria falar de Lamounier – a não ser por uma ou outra regravação. Seu ultimo disco sairia em 1983, um single com a zoada “Eu gosto é de fazer o que ela gosta”. Pouco se sabe sobre a vida de Guilherme hoje, o que ele anda fazendo e se ainda trabalha – pesquisando na internet, é impossível achar informações sobre a vida dele e até mesmo o site Cliquemusic, que possui um bom material para pesquisa sobre MPB, não tem um verbete com o nome do cantor. As fofocas e boatos sobre a vida de Lamounier se acumulam até entre alguns de seus antigos amigos, já que não há muita informação. E Guilherme Lamounier permanece inédito em CD, mesmo com os vários projetos que a WEA vem fazendo para reeditar discos do catálogo da gravadora Continental. Para quem quiser conhecer o álbum, há cópias em CD-R rolando por aí.
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
