IL FAUNO DI MARMO • Canti, Racconti e Battaglie • 2013 • Italy [Rock Progressivo Italiano]

Vindo da província de Gorizia, a história de Il FAUNO DI MARMO retorna ao início dos anos 90, em uma primeira versão da banda inicialmente chamada MIRROR TRAIN (com base em uma faixa de OSANNA), depois mudando para IL TRENO DEGLI SPECCHI, dirigido pelo cantor/flautista Luca Sterle. Existe uma única gravação em um bootleg ao vivo em 1994 dessa época. A banda ressurgiria em 2001 sob o nome de THE REBUS, gravando dois discos de produção própria, "The Rebus" (2002) e "Acroterius" (2005). Em 2012 assinaram contrato com o selo independente Verona Andromeda Relix adotando um novo nome, IL FAUNO DI MARMO, substituindo outro projeto de mesmo nome vinculado ao Andromeda Relix e formado por Erik Spedicato (bateria), Roberto Vanni (guitarra), Massimo Cavallari (teclados) e Roberto Galli (baixo) que se separaram após gravar apenas uma faixa, um cover do HAIKARA lançado em 2009 em um álbum tributo ao Rock Progressivo finlandês pela Musea Records, Tuonen Tytar II.  O dono da gravadora, Gianni Della Cioppa, gostou do nome (inspirado em uma minissérie da TV italiana dos anos setenta baseada no romance "The Marble Faun" de Nathaniel Hawthorne) e, com o consentimento de todos os envolvidos, deu-o como um legado para a banda que ele acabara de inscrever e que aceitou de coração a nova marca.

Finalmente, em 2013 IL FAUNO DI MARMO lançou seu primeiro álbum oficial intitulado "Canti, Racconti e Battaglie" (música, contos e batalhas) com uma formação de Luca Sterle (vocal, flauta), Valerio Colella (guitarra, kazoo, backing vocals), Alberto Ballaré (baixo, backing vocals), Francesco Bonavita (órgão, piano, Moog, Mellotron, clavinete, bandoneon) e Luca Carboni (bateria). Durante as gravações contaram com a ajuda de alguns convidados como Simone D'Eusanio (violino), Alessandro Serravalle (guitarra – do GARDEN WALL), Federica Sterle (vocal) e Andrea Tomasin (percussão) que contribuíram para enriquecer a sonoridade e o resultado. A embalagem traz uma bela obra de Francesca Capone que de alguma forma tenta capturar o espírito deste trabalho e representa uma flor mágica com caule longo e raízes muito profundas. Na verdade, este álbum é fruto de muitos anos de trabalho duro e paixão musical e você pode sentir essa paixão do início ao fim. As fontes de inspiração da banda são aparentes e vão desde LED ZEPPELIN e JETHRO TULL até os antigos mestres da cena do Rock Progressivo italiano dos anos setenta, mas a composição das músicas é muito boa e a banda revela uma grande personalidade.

A música é caracterizada por vocais ásperos, elementos clássicos, influências Folk fortes, Hard Prog com ênfase em órgãos bombásticos, guitarra pesada e passagens de flauta "selvagem", talvez comparáveis em partes com JUMBO, OSANNA e até DELIRIUM. A banda adiciona ainda violões vocais femininos, improvisações de Jazz e algum psicodelismo também.

A peça de abertura "Benvenuti Al Circe" é um ótimo Rock Progressivo acelerado com muito órgão Hammond, vocais emocionais por Luca Sterle e a segunda voz Frederique Sterle, e com muitas mudanças de andamento e um belo solo de violino. Esta peça vem do repertório de IL TRENO DEGLI SPECCHI, a banda anterior de Luca e Federica Sterle que esteve ativa nos anos noventa, mas nunca teve a chance de gravar um álbum. A música se encaixa perfeitamente na letra e apresenta muitas mudanças de ritmo e clima. É sobre abuso de animais de circo. 

A faixa seguinte "Madre natura" (Mãe, Natureza) é uma faixa alegre que lembra JETHRO TULL, e retrata uma dança ritual atemporal em homenagem à Mãe Natureza. Há crianças brincando e pessoas dançando em roda, de mãos dadas, enquanto a música evoca um forte sentimento de positividade. Os raios de sol atravessam o céu enquanto os cheiros de incenso voam e se espalham por toda parte... Você pode encontrar uma primeira versão desta peça no álbum homônimo "The Rebus" de 2002.

O longo e complexo épico "Hop Frog" é mais uma faixa composta por Luca Sterle nos anos noventa que aqui ganha nova vida graças ao contributo de todos os músicos envolvidos. É um faixa "matadora", 11 min à la BIGLIETTO PER L'INFERNO meeting PFM, mas tudo feito no estilo IL FAUNO DI MARMO, bela flauta e sofisticado hammond. Foi inspirada em "Hop-Frog", conto de Edgar Allan Poe ambientado na corte de um país imaginário. Conta a história da vingança do tolo do rei, um anão deformado chamado Hop Frog, que, durante um baile de máscaras, com seu último truque de bobo da corte ateia fogo ao rei e seus ministros vestidos com fantasias de ourang-outangs... "Queime, queime o rei vil / Queime, queime no fogo / Queime, queime o rei vil / Na estaca de Hop Frog...". "Agora vejo claramente." ele disse, "que tipo de pessoas são esses mascarados. Eles são um grande rei e seus sete conselheiros particulares, - um rei que não tem escrúpulos em atacar uma garota indefesa e seus sete conselheiros que o encorajam no ultraje. Quanto a mim, sou simplesmente Hop-Frog, o bobo da corte – E esta é minha última piada. "Magic Kazoo" é uma faixa psicodélica com um sabor exótico. Convida-o a fazer uma viagem numa nave espacial muito estranha e a partir numa viagem musical interestelar, através de deslumbrantes luzes estelares e asteróides dançando em anel, em direção a uma nova realidade... "Talvez seja apenas uma imaginação / Uma voz chamará eu de volta / Talvez não passe de uma imaginação / Uma voz falará comigo...".

Em seguida vem "Nova Res", uma bela peça instrumental que mistura psicodelia, linhas melódicas doces e Rock latino. Isso leva a "Non mollare mai" (Nunca desista), uma faixa alegre e cheia de energia positiva que o convida a lutar pelo que é realmente importante em sua vida, buscando uma saída da escuridão de uma crise pessoal, deixando para trás soluções falsas, como bebidas ou drogas. "La battaglia di Kosovo-Polje" (A batalha de Kosovo-Polje) é uma nova versão de uma peça do álbum anterior do REBUS, "Acroterius". Apresenta fortes influências étnicas e uma atmosfera marcial. Conta a história da batalha travada em 1389 entre o exército sérvio liderado pelo príncipe Lazar Hrebeljanovic e as tropas invasoras do Império Otomano. Esta batalha também é conhecida como Batalha do Campo do Melro e é particularmente importante para a história, tradição e identidade nacional da Sérvia... "Príncipe Lazar, que silêncio! / Kosovo Polje chora pelo seu povo / Os melros voam sobre os cadáveres / Os homens morrem pela sua pátria / Os invasores são os vencedores / E a lua crescente está alta no céu...". "Un Villaggio, Un'Illusione" (Uma aldeia, uma ilusão) é um lindo cover do QUELLA VECCHIA LOCANDA que a banda interpreta aqui com paixão. Isso leva ao épico conclusivo "Dorian Gray", inspirado no romance de Oscar Wilde, O Retrato de Dorian Gray. A música e a letra retratam um homem problemático que vendeu sua alma em troca da beleza eterna. Mas a morte e o remorso o assombram... "Se você olhar para o seu retrato / Você está chateado, Dorian Gray / É como um feitiço que confunde a realidade / Uma alma maldita está crescendo dentro de você / Sua inocência está perdida / Que caminho você escolherá? ? / Diabulus ita est / Demoni vocant te / Essa é a Morte atrás de você...". Um final maravilhoso para um álbum muito interessante e mais do que um ótimo lançamento. Há de se mencionar também o excelente o trabalho de arte. Esse é um dos álbuns de Heavy Prog mais intrigantes da escola italiana, ainda pouco conhecido no meio Prog.

Resenha original: ItalianProgMap

RECOMENDADO!

                                      

Tracks:
1. Benvenuti Al Circo (7:02)
2. Madre Natura (3:28)
3. Hop Frog (11:06)
4. Magic Kazoo (5:57)
5. Nova Res (4:53)
6. Non Mollare Mari (3:00)
7. La Battaglia di Kosovo Polje (3:42)
8. Un Villagio, Un'illusione (3:51)
9. Dorian Gray (8:56)

Time: 70:00

Musicians:
- Luca Sterle / vocals, flute
- Valerio Colella / guitars, kazoo, backing vocals
- Alberto Ballare / bass, backing vocals
- Francesco Bonavita / organ, piano, Moog, Mellotron, clavinet, bandoneon
- Luca Carboni / drums
with:
- Simone D'Eusanio / violin
- Alessandro Serravalle / guitar
- Federica Sterle / vocals
- Andrea Tomasin / percussion

BUBU • El Eco Del Sol • 2018 • Argentina [Eclectic Prog]

 

Após 40 anos "El Eco del Sol" é o segundo lançamento dos argentinos do BUBU reformado em 2016 com novos integrantes. A banda já havia lançado um EP de 3 músicas, e todo conteúdo deste EP, está disponível aqui. Vocais grandiosos e angelicais introduzem o álbum em "Resplandor", não deixando de lembrar do YES harmonicamente, à medida que a música se move em torno do minuto 1, lembra UNIVERSAL TOTEM ORCHESTRA. Excelente música, Sombria, complexa, com trompas e cordas, sem falar mais uma vez nos vocais épicos do grupo.

De tom mais suave, "El Eco del Sol", quase cognato de "O Eco do Sol", constrói-se na primeira metade. Ótima faixa clássica. A mudança silenciosa em torno do ponto médio é um destaque definitivo. Por volta do minuto 6 há mais uma mudança. Ótima batida, ótima melodia - também no final. "Ariel" é adorável. O que mais há a dizer?  Apropriadamente seguida pela inicialmente ainda mais suave "Omer". A música então continua com todo o conjunto. A seção intermediária é muito moderna, mas atemporal. Ainda mais adorável.

A mixagem baixa de "Cielo Negro" é uma escolha muito estranha. Sobressai como um polegar muito enlameado e dolorido. Instrumentação muito tensa colocada no topo de uma linha de baixo ondulante. O solo de sax por volta do minuto 4? Muito bom. A música em si é muito boa; apenas estranha em termos de produção... Talvez nunca tenha sido remasterizada para o lançamento do LP (já que esta é uma das 3 faixas originalmente do EP mencionado).

Os primeiros 3 minutos de "Penas", são suaves impulsionados por graves e um ritmo constante no passeio. Vale a pena esperar pela construção e pela tensão, pois ela quebra no minuto 3 (exatamente?) para um groove intenso. Especificamente, na segunda parte, há um riff que rola, trocado pela guitarra, violino e sax para produzir um efeito maravilhoso. "Por la mañana" é outra peça que mistura deliciosamente expressões Progressivas mais antigas com frescor. Excelente composição, excelentes melodias mais uma vez. Especialmente à medida que se aproxima do fim. E finalmente está "La Vaca Roja", uma música de sentimentos e tons mutáveis. Certamente um fechamento fenomenal.

A performance em "El Eco Del Sol" é contundente e cada faixa mostra um alto nível de criatividade e composições maduras. Assim, os fãs da estréia da banda, embora o som tenha mudado naturalmente, perceberão que todas as características principais continuam lá e com força total. O álbum também funciona para quem procura Prog contemporâneo devido ao seu som atualizado e fresco.

RECOMENDADO!

                                   

Tracks:

1. Resplandor (3:49)

2. El Eco Del Sol (9:05)  ◇

3. Ariel (3:45)  ◇

4. Omer (6:49)

5. Cielo Negro (5:41)  ◇

6. Penas (7:25)  ◇

7. Por La Mañana (3:52)

8. La Vaca Roja (7:39)  ◇

Time: 48:05

Musicians:

- Federico Silva / electric & acoustic guitars

- Virginia Maqui Tenconi / keyboards, choir conducting

- Alvar Llusá Damiani / electric & acoustic violins

- Emilio Tomás Ariza / flute, backing vocals

- Juan Ignacio Varela / tenor saxophone

- Daniel Andreoli / bass, composer

- Julian Bachmanovsky / drums

With:

- Pablo Murgier / keyboards

- Anibal Dominguez / flute

- Manuel De La Cruz Zambrano / percussion

- Lucas Aguirre / voice

- Oscar Amaya Agostina Tudisco / backing vocals

- Ana María Battezzati / backing vocals

- Pablo Mancuso / backing vocals

- Florence Stefanelli / backing vocals

- Abigail D'Angiolillo / backing vocals

- Paula Liffschitz / backing vocals

- Tina Haus / backing vocals

 

MUSICA&SOM

CRONOLOGIA

(2016) Resplandor《

.

Após 40 anos "El Eco del Sol" é o segundo lançamento do

Marco Antônio Araújo • Influências • 1981 • Brazil [Prog Folk, Eclectic Prog]

 

Poucos comentam a obra e vida de Marco Antônio Araújo, um dos maiores representantes da Música Mineira dos anos 80 e que ganhou o epíteto de "Egberto Gismonti da década de 80". Marco era um tesouro local e, justamente quando começava a ter seu nome conhecido nacionalmente, veio a falecer no dia 6 de janeiro de 1986, vítima de um aneurisma cerebral, após ficar cinco dias internado na UTI do Prontocor, em Belo Horizonte. Um fim trágico para um músico que havia dedicado o último disco ao filho recém-nascido, Lucas.

Marco nasceu na capital mineira, no dia 28 de agosto de 1949. Como todo adolescente nos anos 60 se apaixonou pelos BEATLES e pelos ROLLING STONES e resolveu, em 1968, ingressar no grupo VOX POPULI, que contava com Tavito e Fredera, que depois formariam o SOM IMAGINÁRIO. Ficou um ano no grupo, que lançou um compacto, "Pai-Son" (parceria com Zé Rodrix), pela gravadora Bemol.

Marco já estava absolutamente apaixonado pela música e resolveu abandonar o curso de economia e o emprego em um banco para se dedicar a ela. Em 1970, resolve morar em Londres, onde ficaria dois anos "tietando" (expressão do próprio músico) grupos como LED ZEPPELIN, DEEP PURPLE, PINK FLOYD, ROLLING STONES, etc. Cansado de correr atrás dos grupos, viu que deveria voltar ao Brasil e começar a carreira de músico.

Assim, retorna ao Brasil e vai morar no Rio de Janeiro, onde foi estudar composição com Esther Sciar e aprendeu violão clássico e violoncelo com Eugen Ranewsky e Jacques Morelenbaum, na Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Começa a compor trilhas sonoras para cinema, teatro e balé, entre eles a peça "Rudá", de José Wilker e Cantares, um balé apresentado pelo grupo CORPO. Marco acaba se apaixonando e casando com uma das bailarinas, Déa Marcia De Souza.

Mostrou-se um músico brilhante e volta para BH, em 1977, e passa a integrar a Orquestra Sinfônica de Minas Gerais, onde ficaria até o fim da vida. Fez pequenos shows no ano seguinte, onde era acompanhado pelo grupo MANTRA. As composições instrumentais mesclavam o Rock Progressivo com a mais pura tradição mineira de quadrilhas, modinhas e serestas. Entre 1978 e 1979 apresentou os shows "Fantasia" e "Devaneios", tendo a companhia de Carlos Bosticco (flauta), Hannah Goodwin, no violoncelo, seu irmão Alexandre Araújo na guitarra, Gregory Olson, no contrabaixo, Benoir Clerk, na trompa e Sergio Matos, na percussão.

Aos poucos vai formando um grupo de músicos que o acompanharia: Alexandre Araújo (guitarra), Ivan Correia (baixo), Mario Castelo (bateria), Eduardo Delgado (flauta), Antonio Viola (violoncelo), Max Magalhães (piano) e Lincoln Cheib (bateria).

Em 1981 edita, de forma independente, o primeiro LP, "Influências", que recebe grandes elogios da crítica especializada e é divulgado com 74 shows. O disco ganha boa receptividade fora de Minas Gerais e Marco monta uma produtora independente, Strawberry Fields, a canção dos BEATLES que o fez amar o quarteto. É um disco bastante audacioso, a começar pela ótima levada da faixa-título, com seu tema central feito pelo violão elétrico acompanhado por um um naipe de metais formado por Edmundo Maciel e Edson Maciel (trombone) e Amilton Pereira e Mauricio Silva (trompete), e ainda a essencial participação de Eduardo e Alexandre, os principais músicos por detrás das peças criadas por Marco Antônio. 

O talento e genialidade como compositor ficam para as duas suítes do lado B: "Panorâmica", com sua introdução misturando flauta, harmônicos e uma maluca escala de baixo, e transformando-se em uma linda peça com solos alternados de guitarra e flauta, variando entre momentos pesadíssimos e outros essencialmente leves; "Folk Song", uma suíte dividida em duas partes distintas, a primeira com sons de pássaros, vocalizações e a steel guitar de Alexandre fazendo suas intervenções sobre o dedilhado hipnótico do violão, e a segunda mais popular, alegre e com guitarra, violão, flauta, baixo e bateria trabalhando como se fossem um único instrumento. "Cantares" é a canção ideal para ser apresentado ao músico mineiro, com um incrível arranjo musical para violão, flauta, guitarra e violoncelo. Marco Antônio ainda dá um espetáculo a parte dedilhando seu violão em "Bailado" e "Abertura n° 2", que lembram bastante o RECORDANDO O VALE DAS MAÇÃS em sua segunda geração, nos anos 90, sendo que na última, o solo de Eduardo - acompanhado apenas por barulhos percussivos e o dedilhado do violão - é para encharcar os lenços com lágrimas. 

A versão em CD trouxe dois bônus: "Entr'Act I & II", uma tensa peça levada apenas pelo complicado dedilhado de violão clássico e uma insana flauta,  e "Floydiana II", destacando Max Magalhães na introdução, feita com o piano, dessa faixa que é a sequência de um dos grandes sucessos do músico, registrado em seu segundo LP. A ordem das canções também foi alterada em relação a um dos grandes álbuns de estreia do Rock Progressivo nacional. Confira!

Fontes de pesquisa:

BR320

Baú do Mairon

Alexandre Araújo

                                       

Tracks:

01. Panorâmica (10:01)

02. Influências (6:26)

03. Bailado (5:04)

04. Abertura Nº 2 (8:32)

05. Cantares (5:22)

06. Folk Song (10:27)

Bonus Tracks:

07. Entr' Act I & II (4:40)

08. Floydiana II (7:10)

Musicians:

- Marco Antônio Araújo: Guitars

– Ivan Correa: Bass

– Antonio Viola: Cello 

– Mario Castelo: Drums

– Philip Doyle (2) (faixas: A1, A2, B3): Flugelhorn 

– Eduardo Delgado: Flute, Percussion

– Alexandre Araújo, Marco Antônio Araújo: Guitar 

– Grupo Mantra: Performer

– Edmundo Maciel (faixas: A1): Trombone

- Edson Maciel (faixas: A1): Trombone

– Amilton Pereira (faixas: A1): Trumpet 

- Mauricio Silva (faixas: A1): Trumpet

MUSICA&SOM

CRONOLOGIA

》Quando a Sorte te solta um 

Cisne na Noite (1982)

NEUSCHWANSTEIN • Fine Art • 2016 • Germany [Symphonic Prog]

 

Lançado em 2016, "Fine Art" é o terceiro álbum lançado sob o nome da banda NEUSCHWANSTEIN. Em 1979, a banda lançou seu primeiro álbum "Battlement", do qual "Fine Art" pode ser considerado um sucessor - em alguns aspectos. Não só o estilo difere, mas também a formação, com Thomas Neuroth sendo o único membro fundador original do NEUSCHWANSTEIN que trabalhou no projeto. Todos os outros colaboradores são familiares e músicos associados.

Nesse disco sons orquestrais sinfônicos Neo-românticos encontram o Rock. Unidos e opostos em harmonia e confronto. Entrelaçado em uma complexidade fugal e totalmente livre. Emocional e autêntico. Instrumental, como nos primeiros anos. Música que conta histórias. Música de programa.

É assim que o compositor descreve a sua própria música, e com isto fica claro que esta não pode de fato ser uma sucessora pura no estilo de "Battlement". "Fine Art" é um álbum cheio de contrastes. Às vezes pode-se ouvir Rock Progressivo, às vezes até um pouco de Heavy ou Hard Rock no melhor estilo DEEP PURPLE, depois voltando à orquestra sinfônica Neo-romântica. A combinação de banda de Rock e orquestra domina, onde as duas agem não como antagonistas, mas a banda funciona como uma parte firmemente integrada da orquestra. Diz Thomas: "Eu queria fazer algo que ninguém está fazendo ou fez assim antes. Orquestra e banda de Rock. Para ver isso de uma vez por todas. Uma orquestra com instrumentos adicionais, uma banda bastante ampliada. Não basta que um seja o acompanhamento do outro. "Guitarra elétrica na orquestra! Adicione o Hammond!" É isso que você deve cantar alto e o tempo todo."

Da mesma forma, Jon Lord já ousou este difícil ato de equilíbrio com o seu "Concerto para Grupo e Orquestra". Ao contrário do Concerto de Jon Lord, onde os instrumentos de Rock são tratados como instrumentos solo por longos períodos, aqui eles são partes integrantes de toda a estrutura sonora. Mesmo quando, por exemplo, a guitarra elétrica de Musenbichler atua como solista, ela não se impõe ao ouvinte, mas é surpreendentemente contida em termos de volume, de modo que todos os instrumentos podem ser ouvidos em pé de igualdade, próximos e entre si. Visto sob esta ótica, "Fine Art" é sem dúvida um exemplo de Rock sinfónico e junta-se às obras de THE NICE, Emerson, Lake & Palmer ou EKSEPTION. Portanto, não é surpresa que o álbum tenha se tornado 99% instrumental. Das 10 faixas (9 do LP), três são adaptações de composições clássicas, nomeadamente de Claude Debussy, Camille Saint-Saëns e J. A. P. Schulz. Confira!

                             

Tracks:

1. Fetes (Claude Debussy) (10:22)

2. Per Omnem Vitam (4:49)

3. God's Little Plan (1:34)

4. Florence Coleman - Part One (3:55)

5. Florence Coleman - Part Two (3:09)

6. The Angels of Sodom (3:05)  ◇

7. Die Geschichte Vom Kleinen Hahnchen (2:30)

8. The Distributor (5:21) *

9. Der Mond Ist Aufgegangen (J. A. P. Schulz) (2:57)

10. Wehmut, Stark Wie Banyuls (Camille Saint-Saens) (3:56)  ◇

Time: 41:38

* Absent from LP edition

Musicians:

- Robby Musenbichler / guitar

- Valentin Neuroth / guitar

- Karel Szelnik / keyboards

- Thomas Neuroth / keyboards

- Sabine Fröhlich / violin, viola

- Gary Woolf / concert flute

- Gudula Rosa / descant recorder

- Rainer Kind / drums

MUSICA&SOM

CRONOLOGIA

(2008) Alice in Wonderland《

.

Lançado em 2016, "Fine Art" é o terceiro álbum lançad

Billy Idol - Rebel Yell, Costa Mesa, CA 1990

 

Billy Idol – Live On Air (FM Broadcast, Costa Mesa 1990)

MUSICA&SOM

1 Licenze To Thrill 2:04

2 Cradle Of Love 4:32

3 Do Not Stand In The Shadows 3:09

4 Pumping On Steel 5:18

5 Eyes Without A Face 5:18

6 Whyte Wedding 4:39

7 Sweet Sixteen 4:04

8 Prodigal Blues 8:10

9 Flesh For Fantasy 6:33

10 L.A. Woman 5:15

11 Mony Mony 3:40

12 Rebel Yell 4:39

13 Got To Be A Lover 6:00

Billy Idol – Live On Air (FM Broadcast, Costa Mesa 199

ALAN PARSONS (feat. John Entwistle, Ann Wilson) - A Walk Down Abbey Road: Live in Brooklyn, NY 2001

 

A WALK DOWN ABBEY ROAD: A TRIBUTE TO THE BEATLES

ALAN PARSONS (feat. John Entwistle, Ann Wilson) - A Walk Down Abbey Road: Live in Brooklyn, NY 2001

MUSICA&SOM

CD-01

01.Magical Mystery Tour

vocals David Pack, Ann Wilson

02.Open My Eyes

vocals Todd Rundgren

03. Sirius

04. Eye In The Sky

vocals David Pack

05.Crazy On You

vocals Ann Wilson

06.My Wife

vocals John Entwistle

07.Hello, It's Me

vocals Todd Rundgren

08.Don't Answer Me

vocals David Pack

09.Biggest Part Of Me

vocals David Pack

10.How Much I Feel

vocals David Pack

11.Bang The Drum All Day

vocals Todd Rundgren

12.The Real Me

vocals Godfrey Townsend

13.Dreamboat Annie

vocals Ann Wilson

14.Games People Play

vocals David Pack, Ann Wilson

15.Barracuda

vocals Ann Wilson

16.My Generation

vocals David Pack, Todd Rundgren

CD-01

01.Back In The U.S.S.R.

vocals David Pack

02.Lady Madonna

vocals Todd Rundgren

03.I'm Down

vocals Ann Wilson

04.Fool On The Hill

vocals David Pack

05.While My Guitar Gently Weeps

vocals Todd Rundgren, Ann Wilson

06.Here Comes The Sun

vocals Godfrey Townsend

07.Lucy In The Sky With Diamonds

vocals David Pack, Ann Wilson

08.You've Got To Hide Your Love Away

Todd Rundgren acoustic solo

09.Maybe I'm Amazed

vocals Ann Wilson

10.Rain

vocals Todd Rundgren

11.Blackbird

Alan Parsons acoustic solo

12.Me And My Monkey

vocals Ann Wilson

13.Revolution

vocals Todd Rundgren

14.Day Tripper

vocals David Pack, Todd Rundgren

15.Ticket To Ride

vocals David Pack, Todd Rundgren

16.I Want To Hold Your Hand

vocals David Pack, Todd Rundgren

17.Hey Jude

vocals Ann Wilson

18.Birthday

19.Golden Slumbers

vocals Ann Wilson

20.Carry That Weight

21.The End

A WALK DOWN ABBEY ROAD: A TRIBUTE TO THE BEATL

Molly Hatchet- Molly Hatchet (1978, Southern Rock, EUA)

A partir dos princípios/mediados dos últimos séculos, novas formas musicais estavam surgindo no sul dos Estados Unidos. UU. Uma mistura de blues, country e gospel junto com a invasão britânica do rock n´roll seria o que confluiria na definição de «Rock Sureño». A música foi combinada com um certo estilo, imagem e emoção especial, e daí surgiram grupos impressionantes como The Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd… e este grupo de Jacksonville (Flórida) chamado Molly Hatchet.

Como muitos sabem, o nome vem do nome de uma famosa atriz do século XVII, chamada Molly, que degollaba a seus amantes com uma hacha à qual chamava Lizzy Borden. Por ele era conhecido pelo sobrenome de Hatchet Molly… que ao postre ele daria a ideia perfeita para o nome desta Banda. A estreia disco, homônima, incluiu na formação Danny Joe Brown, Dave Hlubek, Duane Roland, Steve Holland, Banner Thomas e Bruce Crump. O disco foi editado pela Epic Records em 1978 e imediatamente consiguiu cifras de multiplatina. Com ela, a banda rapidamente conquistou a reputação de trabalhar duro, tocar ainda mais duro e viver deprisa, através de uma intensa atividade de giro que eles emparentaram com as bandas maiores de aquel momento no continente norte-americano.

Molly Hatchet vende a tolva pataleando e gritando em sua estreia. Molly Hatchet não demorou a se tornar popular, com legiões de fãs. Canções como "Bounty Hunter", e o cover da Allman Brothers Band, "Dreams I'll Never See" ajudaram a construir uma base sólida de fãs que ainda se mantinha firme. Em última análise, um esplêndido disco de estreia de uma banda que, no estilo mais puro do sur, teve sua cota de altibajos.