Crítica ao disco de Anthony Phillips - 'Private Parts & Pieces XII: The Golden Hour' (2024)

 Anthony Phillips - 'Private Parts & Pieces XII: The Golden Hour' (2024)

(31 de maio de 2024, Esoteric Antenna/Cherry Red Records)

Estamos felizes neste segundo terço do ano de 2024 porque no final de maio passado “Private Parts & Pieces

Anthony Phillips

Os primeiros 19 minutos do álbum são ocupados pela 'Wychmore Hill Suite' cujas quatro seções carregam os títulos autônomos 'Country Mile', 'Ring Of Steel', 'Peaceful Land' e 'Jack The Lad'. Curiosamente, isso também aconteceu nos Volumes II, IV e VII da série “Private Parts & Pieces”, mas bem, vamos nos concentrar hoje nesta ‘Wychmore Hill Suite’. A primeira seção é baseada em ágeis cadências pastorais conduzidas por violões de 12 cordas que carregam uma aura alegre. O brilho cresce pouco a pouco dentro de limites bem definidos. A segunda secção dirige-se para um exotismo flamenco onde as guitarras performáticas se amalgamam num ambiente sofisticado, que se abre confortavelmente para variantes de swing majestosas. A terceira seção, que dura cerca de 6 minutos (sendo o item mais longo do álbum), foca em uma atmosfera serena com clima reflexivo. Os ares impressionistas da composição são levados pelas vibrações renascentistas do arranjo final. Algum breve momento de exaltação se intromete graciosamente durante o último terço. Finalmente, a quarta seção retoma o brilho da primeira, ao mesmo tempo que acrescenta certas nuances majestosas da segunda. Na hora de 'Twilight Of A Diva', PHILLIPS fica ao lado do piano e cria uma bela melodia cheia de melancolia serena, fazendo uma série harmônica típica do jazz clássico reformulada sob diretrizes impressionistas, quase como se SATIE estivesse fazendo uma modificação de um rascunho de uma sonata inacabada de GERSHWIN. 'High Flight' desenvolve um aprofundamento das arestas impressionistas para transferi-las para uma atmosfera flutuante da nova era baseada no uso de camadas oníricas de múltiplos sintetizadores. As orquestrações minimalistas aludem a algo celestial enquanto algumas notas lacônicas de cordas emergem esporadicamente para fornecer alguns ornamentos cristalinos. 'Sarabande Noir' é pura beleza exorcizada por uma dupla de violões clássicos pronta para traçar a paisagem interior perfeita que pulsa sob o olhar melancólico de um mundo parado.

Quando chega a vez de 'Kathryn Downes Trad.', o piano mais uma vez assume o palco para capturar outro momento de gentil introspecção; Os breves espaços vazios entre as notas acentuam aquele ar de interioridade inerente ao solene desenvolvimento temático. A peça que se segue intitula-se precisamente “A Hora Dourada” e o seu clima é de galanteria sóbria e sedutora que esconde em parte uma espiritualidade lúdica. Até certo ponto, conecta-se estilisticamente com a terceira seção da 'Wychmore Hill Suite', mas com um toque adicional de graciosidade. 'Hour Glass' retorna ao paradigma SATIE em uma sucessão inspirada de batidas de piano restritas que se harmonizam como uma onda suave sob um céu calmo à noite. Quando chega a hora da versão cantada de 'Roads In Between' (a versão instrumental aparece no box set “Private Parts & Pieces IX-XI”, no CD extras), uma evocativa balada progressiva que traz muitas lembranças é revelada .da ideologia de PHILLIPS durante o período 1978-79 e algumas coincidências com o paradigma Cameliano. A partir daqui, todas as peças têm durações curtas entre 43 segundos e 2 ¾ minutos, sendo a primeira delas 'Benediction'. Esta peça é claramente orientada para o barroco baseado na guitarra clássica enquanto a seguinte, intitulada 'Soliloquy For Sylvie', caminha para uma atmosfera introspectiva onde a guitarra clássica cria os seus floreios cristalinos sobre um fundo orquestral de sintetizadores. A miniatura 'Rushlight' desenvolve um tema minimalista em cascata de um acorde com o violão de 12 cordas; Por seu lado, 'New World' estabelece um exercício new age numa base rítmica fusionesca programada, enquanto a estrutura sonora é extremamente delicada. 'Cirrus' pega ecos das vibrações meditativas da peça anterior e mergulha nelas, dando-lhes uma elevação celestial com bordas abstratas e minimalistas. 'Under The Southern Stars' tem um motivo de piano cujas cadências expressivas estão claramente enraizadas no padrão romântico, muito alinhado com LISZT, na verdade. Uma composição realmente cativante. 'Sea Drift' é outra miniatura que se insere num cenário introspectivo marcado por uma serenidade envolvente. O minimalismo crepuscular de 'Night Spectre' e o calor cristalino de 'Mean Streets' acrescentam mais ecletismo ao repertório.

Os últimos 5 ¾ minutos do setlist são ocupados pela sequência de 'Sky Diving', 'Summer's Lease' e 'His Final Bow'. O primeiro dos temas mencionados estabelece um parâmetro orquestral para um motivo de inspiração oriental (coincidentemente semelhante a JADE WARRIOR), enquanto o segundo expande novamente as nuances impressionistas no piano. De qualquer forma, 'His Final Bow' retoma essa faceta da nova era minimalista com inclinações orquestrais medidas para prestar homenagem a Ralph Bernascone, um antigo colega de PHILLIPS que recentemente se aposentou do mundo da música. Tudo isso foi a alegria de “Peças e Peças Privadas

[Resenha dedicada a duas grandes pessoas: Jorge Pérez Perri, que nos alertou sobre a existência deste lindo álbum assim que foi lançado, e; a doce e linda Rosa Elvira Vargas, que fez o presente de aniversário.]

- Amostras de 'Private Parts & Pieces XII: The Golden Hour':

Crítica ao disco de Focus - 'Focus 12' (2024)

 Focus - 'Focus 12'

(5 de julho de 2024, dentro e fora da Focus Records / Cherry Red / Spirit of Unicorn Music)

Desta vez é apresentada a ligação entre a lendária banda holandesa FOCUS e o número dos meses do ano. Ou seja, aqui temos a novidade do lendário grupo holandês, “ Focus 12 ”, o mesmo que foi lançado no dia 5 de julho. A publicação foi feita através da tripla parceria da In And Out Of Focus Records, Cherry Red e Spirit Of Unicorn Music. Tal como acontece com os lançamentos recentes de fonógrafos, a formação atual do FOCUS consiste em Thijs Van Leer [órgão, piano, flauta e sintetizadores], Pierre Van Der Linden [bateria], Menno Gootjes [guitarras, piano e sintetizadores] e Udo Pannekeet [baixos, sintetizadores e programação]. Estes dois últimos, os mais novos da banda, produziram este novo álbum. Vale ressaltar também que o maestro Roger Dean mais uma vez assume a capa. Como visto na instrumentação, há uma expansão logística no potencial de exuberância melódica e harmônica no papel dos teclados, mas, por outro lado, o que o pessoal da FOCUS está elaborando aqui é uma nova órbita em torno de seu sol musical que é já tem mais de meio século. Ressalta-se que, embora o novo álbum do FOCUS se chame “Focus 12”, não há em seu repertório nenhuma música chamada 'Focus 12', mas sim 'Focus 13'. Claro que existe 'Focus 12': é uma peça divulgada pelo grupo nas redes sociais e no CD+DVD “Focus 50: Live In Rio – Completely Focussed”, e é uma composição sóbria e melancólica onde o Piano guia os eflúvios sutis que se criam em cumplicidade com o violão em determinados momentos. Uma composição muito bonita em um item fonográfico essencial em qualquer boa biblioteca de música progressiva, mas ei, é hora de nos concentrarmos nos detalhes do repertório contido no álbum “Focus 12”.

Com duração de pouco menos de 4 minutos e meio, 'Fjord Focus' abre o álbum com uma demonstração de extroversão bem típica do paradigma histórico da banda. A questão move-se com vivacidade convincente dentro do paradigma do PAT METHENY GROUP através do filtro histórico dos próprios FOCUS na sua forma particular de se orientarem ao longo do caminho jazz-progressivo. O groove é marcante por si só e a precisão robusta do veterano Van der Linden o torna ainda mais marcante, e todo o brilho é aumentado com o surgimento de um fabuloso solo de guitarra no meio do caminho. Com uma seção final liderada por um belo solo de flauta, o vigor se acalma um pouco para encerrar o caso com elegância cristalina. Ótimo começo de álbum O próximo é 'Focus 13' (que já sabemos que não pode ser chamado de 'Focus 12'), como esperado, uma composição introvertida com raízes românticas e certas nuances impressionistas adicionadas para realçar a base harmônica. A peça aproveita bem o espaço de 5 minutos (é, na verdade, a mais longa do álbum). A geminação de órgão e guitarra percorre naturalmente a espiritualidade serena da primeira parte da composição enquanto o baixo faz alguns ornamentos prudentes. A meio do caminho, as coisas aceleram com um dinamismo retumbante que remonta ao lado mais extrovertido daquela inesquecível fase de 1971-73, algo que permite à guitarra brilhar num solo eletrizante e contundente. O clímax coletivo é verdadeiramente chocante. algo que encontra seu contrapeso oportuno nos evocativos fraseados de piano que iniciam 'Béla', a próxima faixa do álbum. É uma maravilhosa balada progressiva cujas arestas expressivas a meio caminho entre o blues tradicional e o jazz-fusion dos anos 70 lhe conferem uma riqueza especial quando todo o conjunto entra em ação. A composição colectiva ‘Meta Indefinita’ mergulha de cabeça na área do jazz-rock com a sua dose oportuna de requinte estrutural. Os trechos do violão, alternando momentos de sutileza com outros de expansão frontal, dialogam fluidamente com os vôos bem definidos da flauta enquanto o duo rítmico cria uma engenharia imponente que vemos frequentemente em obras clássicas de LARRY CORYELL e TERJE RYPDAL. É como se o carácter contemplativo de ‘Béla’ se tivesse deixado envolver por mantos majestosos que, simultaneamente, aludem ao esplendor e ao mistério.

'All Aboard' (composta por Pannekeet) centra-se num sublime groove fusionesco cuja graciosidade impulsiona o magnetismo intrínseco da composição; O facto da flauta ser o primeiro instrumento condutor ajuda muito a reforçar aquela que será a atmosfera central da peça. Poucos momentos depois de ultrapassar a fronteira do terceiro minuto, o grupo sobe para um exercício de agilidade e vivacidade baseado numa jam estruturada em torno de um andamento inusitado. Temos que ver como o Maestro Van der Linden brilha mais uma vez! Aqui está uma das obras composicionais mais coloridas e sofisticadas que foram criadas no workshop FOCUS desde seu retorno aos ringues em 2002. Definitivamente, em seu espaço de 4 minutos e meio, essa música que fica como o zênite diz muito disso. álbum... embora ainda haja mais para curtir. 'Born To Be You' é uma miniatura centrada no dueto de piano e guitarra cujas tonalidades impressionistas nos fazem regressar aos lugares introspectivos e misteriosos da visão musical do maestro Van Leer; os ornamentos de sintetizador que surgem na segunda metade proporcionam um momento de luminosidade intrigante. Daqui surge 'Nura', uma peça de quase 4 minutos cujo prólogo é marcado por um novo exercício de lirismo cristalino e calmo, conduzindo logo a uma alternância com passagens marcadas por uma jovialidade comedida numa tonalidade jazz-progressiva. Quando chega a vez da música curiosamente intitulada 'Bowie', o piano cria uma sonata bastante eloquente onde convergem o romantismo e o barroco, algo muito adequado para uma homenagem póstuma ao versátil Camaleão do Rock. 'Positano', batizado em homenagem a uma comuna italiana que possui um lindo spa, começa com um sereno prólogo de piano antes de um groove extrovertido se instalar em cujas atmosferas e fragmentos centrais lembram os da faixa #4. 'Gaia' traz consigo o encerramento do repertório, expressando inicialmente uma firme continuidade com os aspectos mais introvertidos do repertório anterior, incorporando uma suntuosidade peculiar à referida obra. Isto emerge mais intensamente quando o desenvolvimento temático se volta para uma agradável viagem fusionesca onde o tripé guitarra, flauta e baixo exibe um esquema melódico sedutor cujo impulso adicional é mobilizado pelo swing sofisticado da bateria. O fade-out nos deixa querendo mais, mas é hora de dizer adeus ao álbum.

Como balanço final, “Focus 12” pode ser o mais notável de todos os álbuns concebidos pela formação dos Srs. Van Leer, Gootjes, Pannekeet e Van der Linden, a mesma que vem carregando com vigor a lendária tocha olímpica FOCUS. ., dignidade autêntica e criatividade. Achamos optimista e cativante que esta banda se mantenha de pé de forma tão convincente: este álbum pretende definitivamente ser um dos mais notáveis ​​da cultura do rock artístico ao longo dos 12 meses do corrente ano de 2024. Portanto, em breve, parece-nos a obra mais notável do catálogo FOCUS nesta etapa de ressurreição que se iniciou no início do novo milênio.

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- Amostras de 'Focus 12':

Fjord Focus:

Focus 13:

All Aboard:

Gaia:

Ray Lema - Nangadeef 1989

 

Se  "Rock-It" de Herbie Hancock tivesse sido gravado pela diáspora zairense em Paris, poderia ter soado algo assim. Embora os pontos baixos sejam bem genéricos, os frequentes trovões neste disco voltado para o futuro são dignos de  Youssou N'Dour  no seu melhor.  Lema  se envolveu com música tocando órgão de igreja por cinco anos. Quando entrou na faculdade, ele já tocava teclado em clubes de Kinshasa para artistas como  Kalle , Abeti,  M'pongo Love e  Tabu Ley . Ele trabalhou com o Ballet du Zaire e de 1974 a 1978 viajou pelo país estudando folclore. Ele ganhou uma bolsa Rockefeller para estudar nos EUA em 1979.  A base de Lema  em folclore e coreografia, assim como música, o ajudou a se destacar nos anos 80 e a manter uma reputação como um músico soukous não contente em ser rotulado naquele estilo. Ele assinou recentemente com a gravadora internacional Mango. 

Jim Weider's Project Percolator - Pulse 2009

 

Nascido em Woodstock, NY, o infame sideman Jim Weider entrou na indústria musical assim que pôde. A área era um viveiro de talentos nacionais, com artistas como Bob Dylan and the Band gravando lá. Ele começou a gravar e a contratar compositores para apoio, eventualmente juntando dinheiro suficiente para se mudar para Nashville. Ele se juntou à banda de turnê de Johnny Paycheck e se sustentou com trabalho de sessão e tocando em shows locais. No início dos anos 80, Weider voltou para sua cidade natal e começou uma turnê com Robbie Dupress. Quando 1983 chegou, ele conheceu o ex-baterista da Band, Levon Helm, que o convidou para se juntar à sua banda de turnê. Helm ficou muito impressionado com Weider, então quando a Band estava pronta para se reunir em 1985, Weider assumiu o lugar de Robbie Robertson quando Robertson recusou a reunião. Ele continuou a se apresentar com a Band conforme a década passava, eventualmente tocando com o grupo na recriação de Roger Waters de The Wall no Muro de Berlim. Em 1993, ele também tocou com o grupo no concerto de tributo a Bob Dylan no Madison Square Garden e no Baile de Posse de Bill Clinton. Além dessas apresentações, ele também se manteve ocupado tocando em álbuns de Robbie Dupree, Artie Traum, Paul Burlison, Rick Danko e muitos outros. Sua participação na banda durou mais do que o mandato original de Robbie Robertson, pois ele permaneceu na banda durante os anos 90, até mesmo se apresentando com eles no Woodstock '94. Quando ele teve um tempo livre do grupo, ele lançou vários vídeos instrucionais de sucesso para violão e, finalmente, lançou seu próprio álbum solo com os Honky Tonk Gurus, intitulado Big Foot, em 1999.

Asgard - In The Realm Of Asgard 1972

 

Como esse disco saiu pelo selo Threshold do Moody Blues, ele inevitavelmente recebeu alguma comparação com seus patronos. No entanto, não é muito parecido com o Moody Blues, além de compartilhar a característica de ser mais influenciado pelo pop do que muito rock progressivo. É mais bombástico do que o Moody Blues em seus vocais estridentes, melodias e letras arqueadas sérias. Embora não seja extremamente semelhante ao Kansas, pode ter algum apelo para os fãs do tipo de art rock americano que o Kansas também forneceu, em parte por causa de sua gravidade com sabor pop, em parte porque o violinista Peter Orgil é uma grande parte do som do Asgard. Por tudo isso, ele simplesmente não fica na mente tanto - independentemente de você considerar isso uma coisa boa ou ruim - quanto as bandas de prog rock mais acessíveis como o Moody Blues e o Kansas, apesar do prêmio que eles colocam em harmonias vocais tensas. Em termos de letras, ele se encaixa perfeitamente com o lado mais ingênuo das visões investigativas do prog rock, como refletido por títulos como "Children of a New Born Age" e "Starquest", a última faixa decorada por sons sintéticos datados e penetrantes.

MUSICA&SOM

Neil Young - Time Fades Away 1973

 

Qualquer um que tenha acompanhado a carreira de Neil Young sabe o suficiente para não esperar uma noite simples de bons momentos suaves quando o vê em um show, mas em 1973, quando Young pegou a estrada depois que  Harvest  confirmou seu status como uma estrela do rock de primeiro escalão, esse conhecimento não era tão comum quanto é hoje. As inclinações naturais de Young para viajar contra a corrente das expectativas do público foram amplificadas por um relacionamento tempestuoso entre ele e sua banda em turnê, bem como a morte devastadora do guitarrista  Danny Whitten , que morreu de overdose de drogas logo após receber seu bilhete rosa durante a primeira fase dos ensaios da turnê. Os shows que se seguiram se transformaram em um exorcismo noturno da raiva e culpa de Young, bem como uma batalha entre ele e um público que, esperando ouvir "Old Man" e "Heart of Gold", não sabia o que fazer com o ataque elétrico que testemunhou. Ainda mais notavelmente, Young trouxe um caminhão de gravação móvel para capturar a turnê em fita para um álbum ao vivo e o resultado, Time Fades Away, foi um desfile musical irregular de carma ruim e loucura na estrada, abrindo com Young berrando "14 drogados, fracos demais para trabalhar" na faixa-título, e fechando com "Last Dance", na qual ele diz aos seus fãs "vocês podem viver sua própria vida" com todo o otimismo de um homem no convés de um navio afundando. Embora os críticos e fãs não tenham sido gentis com Time Fades Away em seu primeiro lançamento, décadas depois ele soa muito parecido com  Tonight's the Night  e  On the Beach , álbuns que exploraram o zeitgeist problemático da América em meados dos anos 70 de uma forma que poucos roqueiros tiveram coragem de enfrentar. Se as performances são frequentemente soltas e irregulares, elas também estão cheias de força emocional, e apesar das esperanças frustradas de "Yonder Stands the Sinner" e "Last Dance", "Don't Be Denied" é uma lembrança comovente da infância de Young e do que a música significou para ele, e é uma das performances mais poderosas que Young já gravou em vinil. Poucos roqueiros estiveram tão dispostos quanto Young a se expor diante de seu público, e Time Fades Away está entre os álbuns mais corajosos e dolorosamente honestos de sua carreira -- como a tequila que Young estava bebendo naquela turnê, não é para todos, mas você pode se surpreender com seus efeitos poderosos

Brandywine - Aged 1970

 

Um produto do boom do folk-revival do início dos anos 1960,  os Brandywine Singers  eram liderados pelos irmãos gêmeos  Rick  e  Ron Shaw , que nasceram e foram criados em New Hampshire. Encorajados a seguir carreira na música pelo folkie  Terry Gilkyson , os irmãos formaram o grupo em 1962, e durante os três anos seguintes eles desfrutaram de popularidade significativa no circuito folk universitário antes que o dever de guerra os obrigasse a sair da estrada. Nos anos que se seguiram, os Shaws continuaram se apresentando como uma dupla, e como membros dos Hillside Singers, eles fizeram o sucesso "I'd Like to Teach the World to Sing". Finalmente, eles reformaram  os Brandywines  em 1992, reunindo-se com o membro original Les Clark e completando a formação com o cantor/compositor Taylor Whiteside. O grupo reconstituído lançou World Class Folk em 1993.