Blocco mentale: Poa (1973)

 

Como todos sabemos, o Prog foi uma superação do Beat e dos seus valores existencialistas. Na prática, porém, sabe-se que nem todos
os músicos pop da primeira vaga conseguiram desvincular-se completamente da sua influência e questionar os seus argumentos imaturos e saudosos: pacifismo, ecologia, universalidade, fé e igualdade.
Desde que o Pop italiano nasceu em 1970, foram necessários mais dois anos para que as ideias do Underground e da Contracultura dessem origem a um estilo moderno e indígena e só graças a uma evolução artística, social e política, grupos muito mais conscientes nasceram em 1973 e conflitantes.
Porém, mesmo naquele ano de tensões e austeridade , alguém ainda lutou para encontrar o seu próprio equilíbrio e certamente o “ Bloqueio Mental ” representou plenamente o último desdobramento da incerteza entre a celebração da era de Aquário e o novo rumo contaminante que agora se encontrava. totalmente consolidado.
Formada na Úmbria em 1972 entre Viterbo, Civita Castellana, Ronciglione e Tuscania , a banda incluía cinco elementos estruturados numa formação clássica (guitarra, baixo, bateria, teclados e instrumentos de sopro) mais um sexto elemento nos bastidores na figura do letrista Cláudio Merloni .

Nenhum dos cinco tinha experiência anterior notável, exceto o baixista Angeletti - o único do grupo cadastrado no Siae - que gravou o single 45 rpm " Rondini Bianche " com o grupo beat " Falisci ".
Inscritos no minúsculo selo “ Titania” , os Blocco Mentale gravaram em muito pouco tempo o seu único álbum “ Poa ” (=em grego “ Erba ”), impresso em cerca de 2.000 exemplares, centrado na temática da ecologia e suspenso entre uma vacilante utilização de recursos estilísticos do Prog e desenvolvimento de temas caros aos anos 60.
 
Dotado de uma maravilhosa capa em que uma janela central revelava a fotografia de uma flor, o álbum consistia essencialmente em duas faces ininterruptas compostas por seis movimentos contíguos.
A gravação é extraordinariamente clara também graças ao uso de um gravador futurista de oito pistas (um luxo para um grupo Prog menor ), mas muitos detalhes revelaram em retrospecto a fraqueza do projeto.
Os textos eram pouco incisivos diante da complexidade do debate contemporâneo (" Nasce uma flor. Até uma pétala pode fazer barulho. De perto sinto seu calor. O céu se abre e descubro o orgulho da manhã. Sua luz traz a esperança...” ) e muitos acréscimos com sabor de Prog , revelaram uma certa confusão composicional a ponto de parecerem “ fillers ”.

Ao ouvir, percebe-se que a boa vontade foi grande e a banda não poupou esforços em decorar cada movimento com breaks e backbeats (" Pane e Mele "), mas a prevalência de partes acústicas com sabor beat-melódico inexoravelmente relegou todo o trabalho a um passado agora distante.

Provavelmente se “ Poa ” tivesse sido publicado apenas dois anos antes, teria se tornado um clássico do Prog italiano mas, como repito muitas vezes, uma obra deve estar relacionada com o seu limiar histórico e em 1973, Blocco Mentale estavam inexoravelmente datados.
Isto apesar da excelência de muitas passagens do álbum e do indubitável fascínio do seu groove acústico-prog .

Temporariamente dissolvido após " Poa " por motivos de recrutamento militar, o Blocco Mentale se reformou logo depois, celebrando o reencontro com um concerto memorável no Pao Pao em Civita Castellana , um novo single de 45 rpm (" Love morre aos vinte anos ") e a formação de uma nova banda comercial que certamente lhes deu muito mais satisfação comercial: Limousine que, no entanto, não tinha nada de Prog , Pop ou Beat . De certa forma foi melhor assim porque em 1973
a música Prog tinha muito mais a dizer para se destacar e crescer.

Osanna: Tempo (2013, doppio DVD)

 

Olhando para algumas produções contemporâneas selecionadas, fica claro que há algo que não só mantém a atenção no Prog italiano , mesmo para além das comemorações do seu 40º aniversário , mas que alimenta constantemente o seu futuro . É uma vantagem chamada qualidade e certamente está crescendo em relação ao que estávamos acostumados anos atrás. 

A era das reimpressões montadas de certa forma para aproveitar a primeira onda de interesse, da documentação precária e do jornalismo pouco confiável parece ter acabado, de fato: pelos sinais que chegam de todo o mundo, percebo um desejo renovado de investimentos por conta própria Progressivo e um desejo activo de tratá-lo como realmente era : um fenómeno sociocultural exclusivo a nível europeu, bem como um dos estilos musicais mais refinados que a Itália alguma vez produziu desde a reconstrução até hoje.

 Uma convicção que creio ser sustentada tanto pela exaustividade das análises desenvolvidas nos últimos anos (entre as quais incluo também imodestamente as minhas ) como pelo esforço constante e conjunto de alguns excelentes documentaristas que hoje conseguiram licenciar produções de altíssimo perfil : de Franco Brizi a Matthias Scheller , de Augusto Croce a Alessio Marino , de Claudio Pescetelli a Michele Neri , passando naturalmente por todos os pais históricos da literatura Prog italiana como seu amigo Paolo Barotto , novos empresários como Selena e Andrea di Selena Records e observadores refinados do calibre de Odoardo Sermellini , Riccardo Storti, Gianluca Casiraghi, Francesco Mirenzi e todos os outros Autores e Artistas com “A” maiúsculo que não mencionarei agora por questões de espaço, mas que sabem perfeitamente o quanto Eu os respeito. 

E deixei deliberadamente de lado um motor progressivo por excelência, Black Widow Records de Gênova , para falar hoje com vocês sobre um excelente lançamento deles que na minha opinião deveria estar presente em todas as locadoras que se prezem. 

Este é o DVD duplo “ Tempo ” que ilustra e retrata em aproximadamente três horas de música, testemunhos, filmes originais e emoções variadas , a história de um dos grupos Prog mais conceituados que a Itália já teve: Osanna . 

Só de olhar, pesar e mesmo sem ter retirado o celofane, o objeto já parece precioso por si só: grafismo elegante, caixa sólida, uma bela espessura e um certo peso : duas onças e meia, para ser mais preciso. O que não é pouca coisa. 

Desembrulhado então, aí está a surpresa. No pacote não estão apenas as duas mídias digitais bem incluídas, mas um livro de vinte páginas com fotografias coloridas inéditas , história completa do grupo de Franco Vasio , letras, créditos e uma playlist de dar água na boca. 

No primeiro DVD, o concerto completo da "nova" Osanna gravado no Trianon de Nápoles no dia 24 de outubro de 2012 com surpresas e convidados especiais ( Gianni Leone e David Jackson acima de tudo) e no segundo, todos e repito todos o vídeo clipes que a “ histórica ” Osanna gravou para Rai e Tele Capodistria entre 1971 e 1978. 
E de novo: mais nove invasões de vídeo de 2000 a 2009. Um fã progressista dificilmente poderia pedir mais. 

A produção conjunta de Viúva Negra, Afrakà, TV Koper e Rai-Eri é uma garantia de absoluta qualidade áudio, vídeo e historiográfica , no sentido de que nada é deixado ao acaso mas sim o resultado de uma investigação e rigor verdadeiramente impecáveis ​​sob todos os pontos de vista .  Em suma,

uma viagem no tempo , que reconstrói extensivamente as façanhas de um grupo fundamental para o nosso Prog, e também restaura o seu momento histórico: desde os primeiros clipes em preto e branco , incluindo uma peça extraordinária no Be-in em 1973 , até o imagens coloridas mais sofisticadas. Tudo apoiado por direção e áudio verdadeiramente excelentes . 

Tempo é, portanto, um objeto que não é apenas bonito de se possuir e olhar, mas também emocionante , útil e único . E é realmente de se esperar que outras produções semelhantes se sigam e que os enormes arquivos da Rai sejam definitivamente abertos para revelar todas as suas maravilhas. 
Mas não daqui a cem anos: AGORA! Que existe o desejo e o interesse de incorporá-los e que já atingimos a consciência necessária para codificá-los e repropor-los . 
Como no caso deste DVD duplo.

Mandillo: Mandillo (1976)

 

Desde as primeiras notas, esta obra de Mandillo , de 1976, deixa-te surpreendido pela sua compacidade sonora e qualidade executiva e, embora claramente inspirada no rock clássico , devolve uma sonoridade original e reconhecível . 

Assim que você coloca a agulha no disco, faixa após faixa surge quase toda a música dos anos 60 e 70: os Beatles do Sergeant Pepper ficam evidentes em " Dora Dollar ", enquanto em " Mamma Rosa " o espírito de " Enquanto minha guitarra gentilmente chora ” ressurge
Depois, há muito vaudeville , progressivo e faixas da costa oeste , uma referência aos Íbis em “ Signora Carolina ” em “ O melhor que nos resta ” e tudo isto sem nunca perder tom ou gosto . 

Tantos ferros no fogo, no entanto, parecem não ter fundamento fora da sala de gravação : tudo é sincero e imaculado , sem referências políticas, letras beirando o benfeitor, sem questionamentos sobre as transformações em curso , em suma, uma estranheza substancial ao próprio tempo histórico . 
Assim, quando começarmos a girar o vinil, alguém poderá realmente perguntar- se que sentido tem tal obra ou, em qualquer caso, o que gostaria de comunicar num ano de fronteira importante como 1976 . 
Muitos dos meus amigos já deram a resposta, inclusive Michele Neri e Augusto Croce : Mandillo seria essencialmente equivalente a um álbum criado entre amigos para se divertirem e desabafarem seu fregole improvisado .

Uma jam entre músicos que se divertiam alegremente tocando o que queriam, mas independente de tudo e de todos . Na verdade: tão egocêntricos que nem parecem pertencer à sua sociedade. Um populismo que atinge níveis verdadeiramente embaraçosos em “ No parque ” e “ Fora da cidade ”.

 “Tem isso no parque [...] Uma garotinha com a meia abaixada que tem medo de olhar para cima.
Manifestantes que tomam café da manhã por pouco tempo
. servir de toalha de mesa para nós e para os de lá" (No parque) "Vou refazer a estrada [...] e sentado no meu Land Rover volto para o meu Rancho Sentado ao piano, com os amigos no outros instrumentos estou tocando Rock'n'roll enquanto o sol se põe e o céu desaparece." (Fora da cidade) Em suma, um sinal claro de que no biénio 75-76 nem todos os artistas progressistas estavam conscientes das mudanças que estavam a ocorrer e sobretudo do facto de que, pouco depois, mesmo experiências como esta teriam tido cada vez menos sucesso ou possibilidade de serem produtos. 

Em muitos aspectos um sinal do iminente desligamento do rock italiano , Mandillo   soa portanto como um produto em si e é uma pena que toda a enorme bagagem de artistas como Maurizio Cassinelli e Bambi Fossati ( Garybaldi , Bambibanda e melodias ), de Aldo de Scalzi de Picchio dal pozzo e seu irmão Vittorio de New Trolls não estava acostumado a ousar mais : talvez fornecendo à excelente textura instrumental um melhor complemento literário . 
Mas é claro que este aspecto nem sequer foi levado em consideração. 

É, portanto, difícil julgar um álbum que é indiferente à história e, neste momento, talvez seja melhor não o fazer. 
Aproveite seus quarenta minutos de excelente técnica instrumental , finja que a letra está em um idioma desconhecido e os benefícios estarão garantidos até que a agulha entre na trilha .  Depois disso, porém, nada restará
de Mandillo .

“Secos & Molhados 2” (Continental, 1974), Secos & Molhados

 

O primeiro e autointitulado álbum dos Secos & Molhados, lançado em 1973, foi um sucesso avassalador. Combinando elementos de rock com influências progressivas e psicodélicas, e infundindo-as na música popular brasileira, o álbum cativou o público com seu som inovador e letras poéticas. Esta mistura única, juntamente com suas performances teatrais e personas andróginas no palco, rapidamente impulsionou Secos & Molhados ao estrelato. 

Seu impacto foi profundo, repercutindo profundamente no clima sócio-político do Brasil no início da década de 1970. Músicas como “O Vira” e “Sangue Latino” viraram hinos, capturando o imaginário de uma geração. Em fevereiro de 1974, seu show no Maracanãzinho quebrou recordes de público, atraindo 30 mil pessoas para dentro e deixando surpreendentes 90 mil do lado de fora. Este evento sem precedentes ressaltou a imensa popularidade e significado cultural da banda. A turnê internacional no mesmo ano sugeriu o potencial para uma carreira global. 

Apesar do sucesso, as tensões dentro da banda começaram a aumentar. Disputas financeiras e diferenças criativas começaram a prejudicar os relacionamentos. Ao retornar do México, Ney Matogrosso e Gérson Conrad descobriram que seu empresário, Moracy do Val, havia sido demitido. O poeta e jornalista português João Apolinário (1924-1988), pai de João Ricardo, assumiu o controle comercial da banda e propôs um novo modelo de participação nos lucros que reduziria Ney e Gérson de sócios a funcionários, o que aumentou a insatisfação. Ney Matogrosso, revoltado, chegou a rasgar a minuta do novo contrato em sinal de protesto. 

Mesmo assim, a banda entrou no estúdio Sonima em junho de 1974 para gravar seu segundo álbum. A atmosfera era tensa, marcada por desentendimentos e uma sensação palpável de mau presságio. O processo de gravação contou com algumas mudanças na formação na banda de apoio, com o baterista Norival D'Angelo substituindo Marcelo Frias. As contribuições musicais também sofreram uma ligeira mudança, com a inclusão do trabalho técnico de guitarra de Jorge Omar e do piano de Emílio Carrera, acrescentando uma textura diferente ao álbum. 

Batizado como Secos & Molhados, assim como o álbum anterior, o segundo álbum do trio é também chamado de Secos & Molhados 2. Musicalmente, o álbum segue o mesmo esquema do trabalho anterior, mesclando rock, folk music, MPB, psicodelia, rock progressivo e até música flamenca. 

Secos & Molhados na antológica apresentação no Maracanãzinho,
no Rio de Janeiro, no começo de 1974.

Secos & Molhados 2 apresenta um repertório de canções que combinam uma profunda carga poética, reflexiva e crítica, características marcantes na obra do grupo, especialmente nas composições de João Ricardo, tanto autorais quanto em parcerias. A análise das letras revela um perfil estético e poético multifacetado, rico em simbolismo e temas existenciais. 

O álbum inclui adaptações musicais feitas por João Ricardo de poemas de Fernando Pessoa (1888-1935), Oswald de Andrade (1890-1954) e Julio Cortázar (1914-1984), evidenciando uma conexão literária de alto nível. A qualidade das letras se destaca pela riqueza poética, originalidade e profundidade emocional. João Ricardo se revela um letrista talentoso, hábil em mesclar influências culturais diversas e abordar temas universais de forma inovadora e cativante. As letras das canções desse segundo álbum dos Secos & Molhados não apenas refletem a época em que foram escritas, mas também ressoam com questões e sentimentos atemporais, assegurando sua relevância contínua na música brasileira. 

“Tercer Mundo” é a faixa que abre o segundo álbum dos Secos & Molhados. Com letra em espanhol cantada brilhantemente por Ney Matogrosso, a canção foi inspirada no texto "La Prosa del Observatorio", do escritor argentino Julio Cortázar (1914-1984), publicado em 1972. A letra parece oferecer uma reflexão poética sobre a condição do "terceiro mundo" no contexto global, já que o próprio título da canção é um trocadilho sutil entre “tercer mundo” e “terceiro mundo”. A canção aborda a ideia de que as distinções entre os mundos primeiro e terceiro são ultrapassadas por uma nova consciência global. Essa nova dança da vida, que "nenhuma Izadora dançou" (referência à coreógrafa americana Isadora Duncan (1877-1927), muito provavelmente é uma alusão ao fato do termo “terceiro mundo” ser uma expressão nova na época, criada em plena Guerra Fria para classificar os países subdesenvolvidos que não eram alinhados nem ao grupo liderado pelos Estados Unidos nem ao liderado pela União Soviética. 

Um lindo e emocional solo de piano abre a faixa “Flores Astrais”, uma parceria de João Ricardo com o seu pai, João Apolinário, evocando imagens e temas cósmicos, explorando a relação entre a terra e o cosmos, entre o micro e o macro, mostrando como todos os elementos do universo estão interligados. O grito das estrelas e a luz que o repete sugerem um universo vivo e vibrante, cheio de energia e movimento. A proliferação de cores e flores astrais indica a criatividade infinita e a beleza do cosmos, enquanto o verme na lua cheia traz um elemento de humildade e cotidianidade, mostrando que mesmo as criaturas mais simples estão imersas no grande espetáculo do universo. 

O escritor argentino Julio Cortázar: seu texto "La Prosa del Observatorio", inspirou a
canção "Tercer Mundo", dos Secos & Molhados. 

Em “Não, Não Digas Nada”, Ney Matogrosso canta acompanhado apenas por um violão dedilhado e uma flauta. A canção é uma adaptação de João Ricardo de um poema do poeta português Fernando Pessoa (1888-1935), assinado sob o heterônimo Ricardo Reis. A letra começa pedindo silêncio: “Não, não digas nada / Supor o que dirá / A tua boca velada / É ouvi-lo já”. Os belos versos adaptados por João Ricardo do poema de Fernando Pessoa parecem uma crítica velada à censura estabelecida pelo regime ditatorial que governava o Brasil à época. Nesse caso, "Não, Não Digas Nada" guarda um parentesco com a canção “Fala”, do álbum anterior, que também é uma crítica à censura imposta pela ditadura militar. 

“Medo Mulato” é rica em imagens e simbolismos que exploram o tema do medo, especialmente aquele que surge à noite e está enraizado no imaginário cultural e popular: "No meio da noite / No meio do medo / Aos olhos insones / Os fantasmas passeiam". A cena se passa à noite, um tempo tradicionalmente associado ao desconhecido e ao medo. Toda essa alegoria apresentada na canção poderia ser uma alusão à ditadura militar e ao seu sistema de inteligência que seguia os passos daqueles contrários ao regime ditatorial. Qualquer um poderia estar sob a vigilância da inteligência da ditadura sem perceber, correndo o risco de ser preso, torturado e, por fim, morto: “O escuro esconde / Zumbis, lobisomens / Os bichos do mato / O medo mulato / E a morte passa / Num calafrio que corre / Dos pés à cabeça tapada”. Seriam os censores, os torturadores e todo regime opressor da ditadura os “zumbis, lobisomens e os bichos do mato” citados na canção? 

“Oh! Mulher Infiel” surpreende ao trazer um Ney Matogrosso cantando num tom mais grave. A letra explora temas sobre traição, desejo e decepção em um relacionamento amoroso. O eu lírico está preso entre a dor da infidelidade e a atração física e emocional que sente pela mulher. Ele reconhece a eficiência dela em seduzir e consumir sua vida, tanto nos momentos de paixão quanto nas interações mais transacionais. A repetição do lamento "oh! mulher infiel" enfatiza a angústia e a decepção sentidas pelo eu lírico, sugerindo uma tensão entre a atração irresistível e a dor da infidelidade. 

Encerrando o lado 1 do álbum, "Voo" faz uma série de comparações entre uma ave e uma nave para explorar o tema do voo de maneira poética e metafórica. Cada parte da ave (bico, olhos, coração, asas) é associada a uma parte correspondente da nave, destacando como a natureza e a tecnologia compartilham características essenciais para o voo. No final, a comparação da alma da ave com a alma do homem sugere que o desejo e a capacidade de voar são algo inerente ao espírito humano. O voo, portanto, é não apenas um feito tecnológico, mas uma manifestação do espírito humano, simbolizando liberdade, exploração e a união entre o homem e a natureza.

Secos &Molhados em 1974: João Ricardo (sentado), Gérson Conrad e Ney Matogrosso. 

"Angústia" abre o lado 2 do álbum tratando de temas existenciais, refletindo sobre a busca de significado em meio ao caos da vida moderna. A canção expressa a frustração e a dor dessa busca, capturando a luta contínua do ser humano para encontrar sentido em sua existência. Os versos "Na madrugada os sonhos se confundem / E a dor domina o amanhecer" evidenciam essa sensação de deslocamento e frustração.

A faixa seguinte é mais uma adaptação de um poema presente neste segundo álbum dos Secos & Molhados. “O Hierofante” é um poema de Oswald de Andrade (1890-1954), poeta e escritor modernista brasileiro, escrito por ele para a sua peça teatral A Morta, de 1937, e que foi musicado décadas mais tarde por João Ricardo para o segundo e homônimo álbum dos Secos & Molhados. A letra apresenta um tom de alienação, desconfiança e simbolismo, misturando elementos surrealistas e poéticos. A letra de "O Hierofante" reflete uma visão profundamente pessimista e isolacionista sobre a convivência humana. O eu lírico se sente alienado e desconfiado, incapaz de se conectar com qualquer grupo de pessoas. A imagem do escaravelho pintado de vermelho e os rumos tingidos da madrugada adicionam uma camada de simbolismo, sugerindo transformação, proteção ritualística e a mudança do destino. Com os Secos & Molhados, o poema virou um rock vibrante, destacando-se a vigorosa performance do baterista Norival D'Angelo. 

“Caixinha de Música do João” é uma faixa instrumental, mas que traz Ney fazendo vocalizações acompanhado pelo piano de Emílio Carrera. O arranjo é delicado e remete ao som de uma caixinha de música. 

O Secos & Molhados musicaram o poema "O Hierofante", do poeta modernista
Oswald de Andrade (foto), escrito por ele para a peça teatral A Morta, de 1937.

A canção "O Doce e o Amargo" apresenta uma poética reflexão sobre a condição humana, a natureza e a busca por significado em um mundo marcado por contrastes e dificuldades. "O Doce e o Amargo" reflete sobre a condição humana em um ambiente de dificuldades e contrastes. A segunda parte da canção sugere uma aceitação dos contrastes da vida, uma atitude de beber tanto o doce quanto o amargo, e de tentar extrair sentido mesmo das impossibilidades. Os versos finais expressam uma esperança de transformação, mesmo em uma "terra morta" de um "povo triste". A letra, portanto, aborda a luta humana contra a adversidade, a aceitação dos contrastes da vida, e a esperança de transformação e renovação mesmo nas condições mais árduas. 

"Preto Velho" faz referência a um dos personagens mais populares do imaginário cultural brasileiro e uma figura carregada de simbolismo e significado espiritual dos cultos afro-brasileiros como a Umbanda. Os versos começam descrevendo um "preto, tão preto", enfatizando a cor da pele da figura central, que é um homem negro, idoso, com uma barba branca. A repetição de "tão preto" sublinha a intensidade da cor, enquanto a "barba branca" contrasta com a pele, possivelmente sugerindo sabedoria e idade avançada. Os Secos & Molhados provavelmente utilizam essa figura para comentar sobre questões sociais e raciais no Brasil. O preto velho serve como um símbolo de resistência, resiliência e sabedoria cultural africana no contexto brasileiro. 

Com seu viés blues, “Delírio” toca em temas como desesperança e autossuficiência, rejeitando expectativas tradicionais e aceitando os paradoxos da vida: “Não busco a esperança / Nem a felicidade". A canção celebra a individualidade e a imaginação, refletindo uma consciência madura das complexidades existenciais.

 Fechando o álbum, "Toada & Rock & Mambo & Tango & etc." traz versos que parecem tratar da aceitação das limitações do conhecimento humano. Mas, ao mesmo tempo, levando-se em conta o estado de patrulha e autoritarismo em que se encontrava o Brasil em tempos de regime ditatorial, os versos podem sugerir o desespero do eu lírico em negar qualquer tipo de envolvimento com grupos opostos à ditadura, temendo sofrer prisão e tortura. 

Capa da edição 268 (20 a 26 de agosto de 1974), do jornal O Pasquim,
publicou entrevista com o empresário do trio, Moracy do Val, que contou detalhes
do fim dos Secos & Molhados.

Secos & Molhados 2 foi lançado em agosto de 1974, pouco antes do anúncio oficial da dissolução da banda. Embora incluísse a faixa "Flores Astrais", que obteve grande sucesso nas paradas, o álbum não conseguiu repetir o impacto comercial do álbum anterior. A ausência de uma entrevista coletiva de imprensa e de uma turnê de lançamento ressaltava a crise dentro do grupo. As gravações dos videoclipes de "Flores Astrais" e “Tercer Mundo” para o programa Fantástico, da TV Globo, foram as últimas aparições públicas do grupo antes do fim. 

No dia 11 de agosto de 1974, o Fantástico anunciou a dissolução dos Secos & Molhados, marcando o fim de uma era. O rompimento foi noticiado oficialmente um dia antes pelo Jornal da Tarde, destacando a saída de Ney Matogrosso e focando na discórdia interna da banda. A separação foi um choque para os fãs e até mesmo para os músicos da banda de apoio dos Secos & Molhados, causando turbulência emocional, principalmente para o guitarrista John Flavin. 

Cada integrante seguiu para suas carreiras solo, com João Ricardo, Gérson Conrad e Ney Matogrosso lançando seus próprios álbuns em 1975. Ney Matogrosso, em particular, encontrou grande sucesso e construiu uma carreira solo muito bem-sucedida, solidificando seu lugar na história da música brasileira. 

Em 1978, João Ricardo retomou os Secos & Molhados com uma nova formação, lançou o Secos & Molhados 3, que chegou a ter uma das faixas, “Quem Fim Levaram Todas As Flores?”, a alcançar algum sucesso. Essa formação não durou muito tempo. João Ricardo fez outras tentativas, mas todas fracassaram, nenhuma delas chegou perto da fama da primeira e mais famosa formação do grupo. 

Os Secos & Molhados deixaram um impacto duradouro na cultura musical brasileira, lembrados tanto pela sua música inovadora quanto pelo drama de sua dissolução. O segundo álbum é um símbolo desse legado complexo, capturando tanto o auge criativo quanto as tensões que levaram ao fim de uma das bandas mais icônicas do Brasil. A combinação de elementos acústicos e elétricos, a exploração de novos timbres vocais por Ney Matogrosso e as composições ricas em poesia de João Ricardo continuam a ressoar, mostrando que, apesar dos conflitos, a arte criada pelos Secos & Molhados permanece vibrante e relevante na música brasileira. 

Faixas 

Lado A

1."Tercer Mundo" (João Ricardo/Julio Cortázar)      

2."Flores Astrais" (João Ricardo/João Apolinário)   

3."Não: Não Digas Nada" (João Ricardo/Fernando Pessoa)

4."Medo Mulato" (João Ricardo/Paulinho Mendonça)        

5."Oh! Mulher Infiel" (João Ricardo)

6."Voo" (João Ricardo/João Apolinário)       

 

Lado B

7."Angústia" (João Ricardo/João Apolinário)

8."O Hierofante" (João Ricardo/Oswald de Andrade)          

9."Caixinha de Música do João” (João Ricardo)

10."O Doce e o Amargo" (João Ricardo/Paulinho Mendonça)        

11."Preto Velho" (João Ricardo)        

12."Delírio" (Gérson Conrad/P. Mendonça)

13."Toada & Rock & Mambo & Tango & Etc" (João Ricardo/Luhli)

 

Secos & Molhados: Ney Matogrosso (vocal), João Ricardo (violões de 6 e 12 cordas, harmônica de boca e vocal), Gérson Conrad (violões de 6 e 12 cordas e vocal). 

Músicos convidados

Norival D'Angelo (bateria, timbales e percussão)

Sérgio Rosadas (flauta transversal e flauta de bambu)

John Flavin (guitarra elétrica e violão de 12 cordas)

Willi Verdaguer (baixo elétrico)

Triana Romero (castanholas)

Jorge Olmar do Nascimento (violões e viola)

Emílio Carrera (piano e teclados)

 

"Tercer Mundo"

"Flores Astrais"

"Não: Não Digas Nada"

"Medo Mulato"

"Oh! Mulher Infiel"

"Voo"

"Angústia"

"O Hierofante"

"Caixinha de Música do João”

"O Doce e o Amargo"

"Preto Velho"

"Delírio"

"Toada & Rock & Mambo & Tango & Etc"