Se calhar o primeiro sinal de caminhos que no futuro seriam mais nítidos surgiu em The Tennant, um instrumental que fechava o alinhamento do álbum de 1978 Obscure Alternatives… Mais adiante Ghosts, do álbum de 1981 Tin Drum, seria já um claro apontar de possíveis rotas e destinos nos horizontes de David Sylvian (e não por acaso foi, da obra dos Japan, o tema que o vi a tocar a solo e a incluir em antologias em seu nome).
Mas entre The Tennant e Ghosts há mais um episódio a considerar neste percurso. Nightporter surgiu em 1980 no alinhamento do álbum Gentlemen Take Polaroids e teve depois edição em single em 1982.
A versão que aqui fica recorda uma atuação (ao vivo) no programa The Grey Old Whistle Test da BBC2, em outubro de 1982, com um arranjo diferente do que escutamos em disco.
Tinham surgido em Nova Iorque em 1985 e, juntamente com os Jungle Brothers e De La Soul estiveram na origem do coletivo Native Tongues, que procurou encontrar novos caminhos para o (emergente) hip hop e, acima de tudo, expressar marcas de identidade da cultura afro-americana. Q-Tip, a voz e principal força criativa dos A Tribe Called Quest, colaborou no álbum de estreia dos Jungle Brothers e esteve presente nas sessões de gravação de 3 Feet High and Rising dos De La Soul, que seria editado em 1989.
O ano seguinte assistiu finalmente à estreia em disco dos A Tribe Called Quest, que em abril apresentam o álbum People’s Instinctive Travels and The Paths of Rhythm, que o tempo transformaria num clássico. O disco teve como avanço I Left My Wallet In El Segundo (que conheceria reedição com nova mistura em 1991), cabendo a Bonita Applebum o papel de ser a “voz” de apresentação do álbum nas rádios por altura da sua edição. O tema deixava claro um interesse pelo jazz que, de resto, se tornaria ainda mais evidente no segundo álbum do grupo, editado no ano seguinte. Este single antecedeu Can I Kick It?, que daria aos A Tribe Called Quest maior exposição ainda nesse mesmo ano.
Bonita Applebum surgiu essencialmente na forma de um máxi-single de 12 polegadas. Mas no Reino Unido foi editado um sete polegadas deste single.
Obviamente, este grupo à parte na esfera prog é apenas assunto de Catherine Ribeiro e Patrice Moullet. Na verdade, Denis Cohen saiu rapidamente, substituído por Claude Tiebault no percufone e Patrice Lemoine no órgão. Esta nova formação foi publicada pela Phillips Âme Debout em 1971 no Festival com a participação de Jean Sébastien Lemoine no baixo.
Este terceiro LP consiste em 8 faixas. Como sempre encontramos o folk melancólico e doloroso caro à cantora com “Diborowska”, “Le Kleenex, Le Drap Et l'Étendard” e “Dingue”. Mas este disco vale pelas três longas faixas que dão título homônimo, “Alpe 1” e “Alpes 2” com duração média de 6 minutos.
O título homónimo que abre este LP é conduzido por uma percussão inebriante conferindo um aroma orientalizante onde Catherine Ribeiro surge possuída, torturando a sua voz.
O instrumental “Alpe 1” é mais cósmico com este órgão tenaz deixando Patrice Moullet improvisar com o seu cosmofone. “Alpe 2” convida à meditação até que o cosmofone entra num delírio galopante enquanto ao longe a cantora, como que enfeitiçada, se transforma em tribulações incompreensíveis.
O resto é o interlúdio acústico “Alpilles”, pequenas montanhas provençais situadas entre Durance e a planície de Crau, bem como as vocalizações quase religiosas de “Aria Populaire”.
Músicos: Catherine Ribeiro: Vocais Patrice Moullet: Guitarra, Cosmofone, Percufone, Coro Claude Thiebault: Percufone Patrice Lemoine: Órgão + Jean Sébastien Lemoine: Baixo
Títulos: 1. Ame Debout 2. Diborowska 3. Alpes 1 4. Alpes 2 5. Alpilles 6. Aria Populaire 7.Le Kleenex, Le Drap De Lit Et L’Étendard 8. Crazy
Fanny Hill , impressa em 1972, esteve longe de atingir o sucesso esperado, mas foi o suficiente para circular. Freqüentemente, no ato de abertura, o tecladista/vocalista Nickey Barclay, o baixista Jean Millington, a guitarrista June Millington e a baterista Alice de Buhr dividem o palco com o cantor/multi-instrumentista Todd Rundgren por um tempo. Este último foi convidado a produzir a 4ª obra de Fanny para substituir Richard Perry. Algo que ele aceita, achando a experiência interessante.
Essa colaboração resultou na chegada de Mother's Pride às lojas em fevereiro de 1973 em nome da Reprise. Se encontrarmos esse rock tingido de soul e country, Todd Rundgren reorienta a música do combo de Los Angeles. Ele se livra da tendência ao hard rock que caracterizava Fanny Hill para oferecer um pop rock rico em melodia. As guitarras agressivas desaparecem em favor de teclados com sons menos cavernosos e coros tentadores e até sublimes. O que ameniza tudo onde obtemos um LP de soft rock composto principalmente de baladas.
É neste registo que começa Mother's Pride , com "Last Night I Had a Dream" de Randy Newman. Música dolorosa, mid tempo, nervosa em alguns lugares que surpreende com seus efeitos eletro. Momento raro em que as seis cordas elétricas são expressivas, rumo a uma viagem cósmica. Chega “Long Road Home”, uma frágil canção folk que apresenta a nostálgica e angelical “Old Hat”, um cover de Uncle Dog. Neste mesmo cenário deparamo-nos com “Beside Myself” bem como com a delicada “Regular Guy” e “Feelings” e a sua flauta irreal (John Payne). Mais complexo vem o luminoso “Is It Really You?” » com influências de ragtime e gospel onde o saxofone faz parte da festa (fornecido por John Payne).
Há, porém, faixas um pouco mais elevadas sem quebrar a casa, como o country rock chiclete “Solid Gold”, a alegre “All Mine” e seu sax abrasivo, o ritmo e blues “Summer Song” bem balançado e acobreado com deriva de Southenrock. Isto é seguido pelo country folk “Polecat Blues” para saloon antes de ir para Nova Orleans com este sax e trombone (creditado a Barry Rogers). “I Need You Need Me” é sombrio e assustador. O caso termina com "I'm Satisfied" um pouco mais explosivo nos lembrando um pouco de Fanny Hill .
Se este Orgulho de Mãe não é tão impactante quanto seu antecessor, ainda assim continua desinteressante por oferecer músicas legais e gostosas de ouvir. Mas será o começo do fim para Fanny. Na verdade, June Millington não está satisfeita com o trabalho de Todd Rundgren. Na verdade, as tensões aumentam entre os membros, mais particularmente entre o guitarrista e Nickey Barclay, a força criativa do grupo. June Millington bate a porta seguida por Alice de Buhr, que não consegue imaginar o que acontecerá a seguir sem ela. Mas a dupla restante não disse a última palavra.
Títulos: 1. Last Night I Had A Dream 2. Long Road Home 3. Old Hat 4. Solid Gold 5. Is It Really You? 6. All Mine 7. Summer Song 8. Polecat Blues 9. Beside Myself 10. Regular Guy 11. I Need You Need Me 12. Feelings 13. I’m Satisfied
Músicos: June Millington: Guitarra, Vocais Jean Millington: Baixo, Vocais Nickey Barclay: Teclados, Vocais Alice de Buhr: Bateria, Coro + John Payne: Saxfone, Flauta Barry Rogers: Trombone The Fannets (Todd, Jocko, Todd): Backing vocals
There Existed an Addiction to Blood de 2019 foi a incursão completa do clipping. no horrorcore depois de se aventurar com faixas de álbuns anteriores como Body and Blood , e essa tentativa original no gênero subestimado foi bem incrível. Então foi uma surpresa quando foi anunciado aparentemente do nada que There Existed an Addiction to Blood era na verdade a primeira metade de uma duologia planejada de álbuns de horrorcore que teve que ser adiada de última hora devido à COVID.
Agora que o clipping. está estabelecido como capaz de acompanhar os grandes do horrorcore, como seu sucessor se compara ao original? Ele não apenas corresponde à qualidade incrível de sua irmã, como de alguma forma a excede.
Fica claro desde a abertura arrogante Say the Name que a entrega fria e suave de Daveed é tão simultaneamente confiante e um pouco desequilibrada como sempre. Essas letras são sombrias e pesadas, fazendo referência ao clássico de terror de 1990 Candyman . O terror sempre foi um gênero que explora questões sociais e econômicas por meio de lentes enervantes, e Candyman não é diferente. clipping. usa a história para explorar seus temas de desigualdade racial e injustiça, uma história em que o ícone homônimo do terror foi injustamente linchado por dormir com uma mulher branca.
Esses temas de usar o terror para explorar questões muito reais e sérias percorrem todo o álbum. Pain Everyday instrui as vítimas de turbas de linchamento sobre como assombrar os perpetradores do crime até que os infratores cometam suicídio por medo. Body for the Pile reconta as mortes de três policiais diferentes como uma história distorcida de vingança e fantasia, censurando os nomes de um policial para deixar claro que Daveed está pensando em um policial específico e provavelmente real com quem teve um encontro. Check the Lock conta a história de um traficante de drogas mergulhando na insanidade enquanto sua paranoia sobre o que poderia acontecer com ele começa a se acumular.
Todos esses temas e mensagens dão às letras deste álbum uma vantagem sobre simplesmente prestar homenagem a uma série de filmes de terror, o que este álbum também faz com faixas como She Bad , que parece fortemente influenciada por The Blair Witch Project . Ou até mesmo situações de terror horríveis, como Something Underneath , que detalha demônios surgindo do Inferno para purgar a Terra de humanos.
Todas essas letras não funcionariam, é claro, a menos que fossem acompanhadas por um acompanhamento instrumental apropriado, e o impulso mais pesado em direção ao hip hop industrializado neste disco cobre isso. Artistas de ruído aparecem neste projeto, como Ho99o9, e é fácil ver a influência. Muitas das faixas aqui são pareadas com explosões sônicas e ásperas de ruído e explosões quentes e irregulares de fuzz. Daveed em muitas faixas soa como se estivesse fazendo rap sobre despedaçar pessoas membro por membro no meio de uma fábrica com defeito e à beira da explosão. Os sons ambientais mais sutis adicionados em faixas como She Bad também contribuem muito. A entrega fria misturada com os sons fracos de grilos noturnos e o rangido rastejante de um antigo portão enferrujado dão ao álbum um bom equilíbrio de pura emoção de bombeamento cardíaco e os momentos de construção de tensão mais silenciosos e moderados.
Como todos os álbuns de recorte, não estaria completo a menos que terminasse em um desvio surpreendente e não é diferente aqui com a faixa de encerramento Secret Piece . Uma ideia experimental de Yoko Ono, Secret Piece é uma composição musical onde o artista deve tocar uma única nota pelo maior tempo possível durante o amanhecer, enquanto o Sol começa a nascer e os pássaros acordam e cantam alegremente uns para os outros. Muitos dos colaboradores do álbum dão sua própria parte a esta faixa costurando um encerramento caloroso de três minutos com notas ligeiramente assustadoras misturadas com os pássaros alheios ao fundo. Isso cria uma maneira incrivelmente atraente e tematicamente adequada não apenas para terminar este álbum, mas também a primeira metade desta duologia. Como um filme de terror, o Sol eventualmente nasce e a ameaça se foi, mas também como um filme de terror, o ambiente um tanto ameaçador das notas prolongadas extrai a ideia de que o Sol só pode ficar fora por um certo tempo e, uma vez que ele se põe novamente, os horrores começam de novo.
Ao longo desta década, Jean me impressionou repetidamente com suas fusões de gênero que ultrapassam limites. Ele parece evoluir seu som a cada ano com um novo álbum ou uma série de singles. Em Glimmer of God , de 2024, Jean entregou seu álbum mais sombrio até agora, inspirando premonições de sua própria morte, autorreflexão e uma visão sobre a travessia para o outro lado, daí o título.
Emergindo com um novo single em agosto, " Die for Me ", com Lil Yachty , parecia que os ouvintes estavam prestes a outro desvio sonoro de Dawson. A faixa apresenta um piano proeminente e oprimido conduzido por alguns tambores arejados. Camadas de sintetizadores cinematográficos elevam a faixa a novos patamares para Jean estrear seus novos e aprimorados vocais. As notas que ele atinge nesta faixa são excelentes. Lil Yachty escreve o segundo verso retratando um amante obsessivo que acrescenta à vibração misteriosa da faixa e aos temas de obsessão pela morte. “ Houston ”, uma faixa que Jean dedicou à sua falecida avó, chegou como o segundo single, mostrando o outro lado da moeda; synthpop. A faixa é um banger sombrio para rádio com um dos melhores ganchos de Jean até agora. Não consegui tirá-la da cabeça desde que a ouvi em setembro. A batida dançante juntamente com os sintetizadores atmosféricos prepararam Jean para uma bela exibição vocal sobre crescer e ver a luz.
Depois dos dois singles e um terceiro que veremos mais tarde, o álbum foi lançado. Como um todo, Jean está realmente se olhando no espelho neste. A primeira letra do álbum é, “Darlin', if I die would you bring me flowers often?” que parece Jean perguntando como ele pode ser lembrado ou uma maneira de lidar com sua morte. “Darlin'” é uma introdução triste com guitarra que traz o ouvinte ao mundo enquanto Jean continua pedindo que seus ossos sejam regados com luz. “Black Sugar” é o primeiro verdadeiro sucesso em que ouvimos Jean levar seu som em direção ao pop dos anos 80, ecoando alguma inspiração do Prince, embora um pouco mais sombrio. No geral, essa faixa é funky e cativante, completa com cordas e gaita no back-end. Em “Play Dead”, Jean está barganhando um pouco mais com sua morte, exigindo onde estão suas rosas enquanto nos leva por esse híbrido rap-punk atmosférico. As referências bíblicas estão em pleno vigor, vendo Jean “vendo sua vida em três” (muito parecido com a Santíssima Trindade), um anjo em sua cama e se comparando a Moisés. É uma faixa interessante, se não um pouco desconexa, que é mais ou menos como muito de Glimmer of God é.
Embora o synthpop seja uma ótima direção para Jean, alguns momentos não refinados e confusos surgem no meio e no fim do álbum. Há alguns cortes do tipo interlúdio no meio do álbum que poderiam ter sido expandidos. “Paranoid Echo”, por exemplo, é um belíssimo e assombroso 46 segundos que apresenta algumas súplicas fantasmagóricas de Jean. “The Boy and The Swan” é agradável o suficiente, mas mais uma vez precisa de alguma expansão. “Murciélago” é um momento-chave no álbum liricamente com Jean implorando por sua vida de uma vez por todas, mas é criminalmente curta. “Slow Heavy Ecstasy” é a faixa mais notável nesse sentido, explorando a armadilha psicodélica, com Jean fluindo sem esforço sobre a batida sintética “brilhante”.
Quanto ao restante do álbum, “You're Bleeding Everywhere” inicia uma sequência de ótimas faixas com um banger glamoroso sobre mutilação? Isso mesmo, basta ouvir o refrão. Falando sério, a produção dos anos 80 e a entrega de Jean fazem disso um grande destaque. “200 Cigarettes” é um dos cortes mais pessoais com Jean lamentando sentir o peso do mundo e fazendo referência à lua, bem como “Houston”. “P4IN” foi o último single que mencionei antes. Sinto-me um pouco confuso, mas gosto da performance de Jean sobre a produção digital esmagadora. Bones parece um pouco deslocado, mas posso ignorar isso. “Bubba”, por outro lado, fará você levitar. É uma balada sobre se sentir pequeno no mundo, trazendo de volta os temas de estar fora de controle da própria vida. A ideia de tamanho surge mais uma vez com Jean se sentindo pequeno em comparação ao mundo, à lua e a Deus. Parece que ele está aceitando esse fato em vez de barganhar com isso no início do álbum. “Electric Children” parece reconhecer o diabo e usa a ideia de “fogo” como uma forma de afastar todos com tudo eventualmente queimando ao seu redor. O mais próximo então vê Jean entendendo que ele é o fogo que destrói tudo ao seu redor, perguntando diretamente "Qual é a diferença que todas as minhas decisões pulam em torno da religião?"
Apesar de ser um pouco bagunçado como seu mais longo até agora, Glimmer of God é outro ótimo álbum de Jean Dawson . Conceitualmente, parece mais focado do que discos anteriores com os temas de Deus e religião contando uma história de autorreflexão que não é tão religiosa.
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