Producer – Mitsuo Takaku, Yoshitaka Minami Arranged By (Brass) – Nick DeCaro (Tracks 2, 6) Arranged By (Rhythm) – Leon Pendarvis (Tracks 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9) Arranged By (Rhythm) – Yoshitaka Minami (Track 10) Arranged By (Rhythm) – Tony Levin (Track 11) Arranged By (Strings) – Nick DeCaro (Tracks 1, 2, 8) Arranged By (Strings) – Akira Inoue (Track 9) Arranged By (Woodwinds) – Leon Pendarvis (Track 5) Concertmaster – David Nadien (Tracks 1, 2, 8) Conductor – Nick DeCaro (Tracks 1, 2, 8) Mixed By – Tamotsu Yoshida Recorded By – Joe Blaney
Art Direction, Design – Teruhisa Tajima Painting – Edward Hopper
Mixed At CBS/Sony Shinanomachi Studio Recorded At Electric Lady Studios Recorded At The Hit Factory Recorded At Shinamachi Studio, Tokyo Phonographic Copyright CBS/Sony Inc Copyright CBS/Sony Inc
Leonardo Favio – Fuiste Mia Un Verano (LP CBS – 8901, 1968/Argentina).
Género: Balada, Pop.
No dia 26 de novembro de 1968 “Fuiste Mía Un Verano” chegou às lojas de discos para desencadear uma verdadeira febre, já que os milhares de fãs de Favio esgotaram a primeira edição, quebrando o recorde do álbum mais vendido em menos tempo. Muitas das canções neste LP são clássicos atemporais da canção popular como, “Ella... Ella Ya Me Olvido, Yo La Recuerdo Ahora”, “O Quizas Simplemente Le Regale Una Rose” ou a faixa-título do álbum, “Fuiste Mia Un Verano “. Uma pequena pérola surpreendente é a versão da canção de Spinetta “Para Saber Cómo Es La Soledad”.
No verso do álbum há um texto que inclui uma reflexão de Favio dirigida aos jovens da época: “… diga-lhes, por exemplo, que o amor existe, que é mais corajoso desertar do que matar, e que o homem apesar de si mesmo, é tão sensível e frágil como um pássaro”.
Favio, para além de cantor foi também cineasta, mas este álbum foi a semente que o cantor plantou para o crescimento do grande artista que foi Leonardo Favio.
Fuad Jorge Jury ou Leonardo Favio (nascido em Las Catitas/Mendoza, em 28 de maio de 1938 - falecido em Buenos Aires, em 5 de novembro de 2012), foi um cantor, compositor, artista e cineasta argentino. “Fuiste Mía Un Verano” é também o título de um filme argentino, dirigido por Eduardo Calcagno segundo o seu próprio guião escrito em colaboração com Adrián Suárez Passo, que se estreou em 3 de julho de 1969 e que teve como protagonistas o próprio Leonardo Favio, Héctor Pellegrini, Emilio Disi e Susana Giménez. O filme retrata a vida de um jovem artista desde a sua infância até ao seu triunfo.
Faixas/Tracklist:
A1 - Asi Es Carolita (Leonardo Favio) 5:00
A2 - Amanecer y La Espera (Leonardo Favio) 3:45
A3 - Ella... Ella Ya Me Olvido, Yo La Recuerdo Ahora (Leonardo Favio) 3:45
A4 - Ni El Clavel, Ni La Rose (Leonardo Favio) 3:27
A5 - Fuiste Mia Un Verano (Leonardo Favio, Vico Berti) 2:50
B1 - No Ser Dios y Cuidarlos (Jacko Zeller, Leonardo Favio) 3:46
B2 - Quiero Aprender de Memoria (Leonardo Favio) 3:07
B3 - Para Saber Como Es La Soledad (Edelmiro Molinari, Luis Alberto Spinetta) 2:50
B4 – Anny (Leonardo Favio, Vico Berti) 2:50
B5 - Alguna Vez Una Cancion (Qué Tal?) (Favio, Leonardo Favio) 3:30
B6 - O Quizas Simplemente Le Regale Una Rose (feat. Carola, Leonardo Favio) 3:20
NOTA: Direcção de Orquestra e Coro sob a regência de Marito Cosentino.
Leo Dan – Los Grandes Éxitos de Leo Dan (LP CBS – DCS-636, 1971).
LP considerado raro.
Género: Pop, Balada.
Leopoldo Dante Tévez, mais conhecido como Leo Dan (Estação Atamisqui, Santiago del Estero, 22 de março de 1945), é um cantor, compositor e actor argentino. Durante a sua carreira, o cantor gravou mais de 70 discos na Argentina, Peru, Chile, Colômbia, Espanha e México.
Aos vinte anos, Leo viajou para Buenos Aires onde apareceu na CBS e, imediatamente, assinou o seu primeiro contrato com a gravadora. O seu primeiro grande sucesso "Celia" alcançou o topo do ranking de popularidade uma semana depois de ser lançado. Seguiram-se outros êxitos como, “Fanny”, “Cómo Te Extraño Mi Amor”, “Estelita”, “Libre Solterito y Sin Nadie”, “Santiago Querido”, “Qué Tiene La Niña”, “Por Un Caminito”, “Solo Una Vez” e muitos mais. Dan fez o seu próprio programa de televisão, intitulado “Bajo El Signo de “Leo”, do Canal 9 da Argentina. Com a sua esposa, decidiram mudar-se para Espanha, onde Leo Dan continuou a gravar e obteve diversos sucessos.
Em 1970, devido ao grande êxito das suas composições, Leo Dan decidiu mudar-se com a família para o México, onde residiria por dez anos. Finalmente, em 1980, Leo Dan e a família regressaram à Argentina, onde compõe sucessos como "Más Que Un Loco", “Pídeme la Luna”, “Fue Una Noche de Verano”, “Ojos Azules», entre outros.
Leo Dan compôs mais de 1500 canções e as suas canções foram gravadas em diferentes estilos, tropical, folclore, cumbia, tango, vallenato, rancheras, etc. Suas composições foram traduzidas para o italiano, português, alemão, francês, inglês e japonês.
Dan já vendeu mais de 40 milhões de cópias em todo o mundo e participou em quatro filmes.
Actualmente reside em Miami com sua família, onde continua a gravar, a compor e a apresentar-se pela América Latina, Estados Unidos, Austrália, Europa e Canadá. Leo Dan é considerado um dos principais representantes argentinos do estilo musical “Nueva Ola” que marcou a música hispano-americana entre os anos sessenta e setenta. Recebeu vários prémios pelas suas múltiplas realizações musicais.
Género: Blues Rock, Pop Rock, Balada, Rock Psicadélico, Beat, Compilação.
Los Abuelos de la Nada.
A compilação “Mandioca Underground” reúne vários artistas e grupos argentinos, de beat e pop/rock, lançada em 1969 pelo mítico selo Mandioca, considerada a primeira compilação de rock argentino. Em "Mandioca Underground" podemos encontrar as primeiras gravações de artistas que depois foram ícones do rock no seu país como, Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris ou Los Abuelos de la Nada. Do álbum destacamos Samantha Summers, com a canção “You”, Miguel Abuelo numa versão diferente de "Mariposas de Madera" e em "Levemente o Triste", Moris com a sua canção "Escuchame Entre el Ruido" e Vox Dei (ainda em quarteto, com Juan Carlos Godoy), com “Azúcar Amarga”.
Faixas/Tracklist:
A1 – Manal - No Pibe (J. Martínez) 3:41
A2 - Samantha Summers – You (G. Gromponel) 2:41
A3 - Vox Dei - Azúcar Amarga (W. Quiroga) 2:30
A4 - Miguel Abuelo – Mariposas de Madera (M. Abuelo) 2:26
A5 – Manal – Para Ser Un Hombre Más (J. Martínez) 4:11
A6 – Hielo –Monsieur Ducau (Meda Maturano) 2:11
B1 - Piel Tierna – Candy (Al-Gussy) 2:49
B2 – Moris – El Oso (Moris) 2:53
B3 – Xawks – Territorio Prometido (Luich) 2:12
B4 – Moris – Escúchame Entre El Ruido (Moris) 5:09
B5 - Los Abuelos de La Nada – La Estación (Pappo) 3:58
B6 - Miguel Abuelo – Levemente O Triste (M. Abuelo) 1:50
O lado A começa com Phil definindo o cenário de sua reentrada no mundo após perder sua esposa - ele descreve a inevitabilidade de mudar para um novo estágio na vida, mas como ele ainda lida com as repercussões de seu passado todos os dias. Phil se concentra fortemente em sua filha neste lado, incluindo o destaque do ruído inicial de "Swallowed Alive" (que apresenta os vocais de sua filha), bem como em "My Canopy". O primeiro lado atinge o clímax em "I Walk" e "(soft air)", com uma construção de guitarras crocantes, ondas de bateria estrondosas e trompas berrantes. É mais do que satisfatório ouvir Phil ficar tão lo-fi e alto com o som depois que ele obviamente foi mais contido na última década - e mesmo entre 2005-2015 sua música muitas vezes não era tão alta ou barulhenta.
O lado B vê Phil voltar seu foco para a natureza e os elementos, um tema familiar em seu trabalho. Ele realmente aumenta a experimentação sonora aqui, entre as paisagens sonoras mais eletrônicas de "Wind & Fog" e a recriação de gravação de campo em "I Heard Whales (I Think)", que é um dos meus momentos favoritos do álbum. "I Spoke With a Fish" é cheio de destaques, incluindo a voz de peixe autotunada, hi-hats de trap e 808s ouvidos brevemente. Phil brinca com muitas imagens familiares nesta seção, mas aborda os assuntos de uma perspectiva mais aberta e solta, precedendo a transição para a segunda metade do álbum. Como antes, esta parte do álbum se desenvolve em direção à sua última música, "Myths Come True", apresentando um mar crescente de guitarras e percussão.
O lado C abre com "Non-Metaphorical Decolonization" e fornece uma redefinição mental no álbum. Phil começa reconhecendo realidades do mundo externo, política e sociedade - um tópico que ele normalmente reserva para criar separação. Em Night Palace, no entanto, Phil duramente critica como aspectos de sua visão de mundo - meditar, ter suposta conexão com a terra e uma história profundamente enraizada - são invenções construídas sobre racismo, subjugação e violência. Além disso, as invenções exigem ser cego ao sofrimento ao nosso redor, com a forma como as pessoas ignoram as atrocidades na Palestina ou as realidades condenatórias das mudanças climáticas. Como alguém que pode ser tão pretensioso quanto perspicaz, ouvir Phil abordar esses tópicos sem rodeios foi uma lufada de ar fresco. Ele continua a explorar seu relacionamento com a natureza e o mundo material em grande parte deste lado, incluindo "November Rain", "Co-Owner of Trees" e "Writing Poems". Eu estava me perguntando como Phil poderia inovar na visão de mundo que ele apresentou em sua música; ele faz isso reconhecendo o contexto em que vivemos e priorizando a consciência do que está acontecendo ao nosso redor, uma evolução importante em sua filosofia.
O lado final, apenas 3 músicas, começa resumindo os temas que foram estabelecidos até agora. Phil se aprofunda no isolamento e na evasão, no pessimismo, no mundo natural e na paternidade - e então em Demolition. No restante do álbum, Phil destrói as suposições e conceitos que ele estabeleceu em sua música ao longo dos anos. Na faixa "Demolition" - 12 minutos, principalmente palavra falada - Phil descontrói a automitologia que ele construiu, redefinindo a si mesmo e seu relacionamento com a terra, outras pessoas e a sociedade em geral. Os símbolos, motivos e arquétipos presentes na música de Phil são forçados a novos significados.
Por fim, na conclusão do álbum, Phil aborda as ideias de "Now Only" e "There's No End", que por suas próprias palavras resumem todas as músicas que ele já fez. Mas agora, Phil declara que a impermanência é apenas mais uma coisa que sua mente fez - que nada surge em primeiro lugar, portanto nada vai embora. Para mudar para essa mentalidade, olhar para o mundo e dizer a si mesmo: "Isso não surgiu", Phil finalmente declara: "Preciso de novos olhos". Gostaria que mais pessoas fossem como Phil e continuassem aprendendo, continuassem tentando abrir os olhos, mesmo quando envelhecerem e se cristalizarem em suas opiniões e autoconceitos - espero permanecer fluido e aberto a mudanças à medida que envelheço também.
Quando Kelly Lee Owens montou ' LP.8 ' em 2022, esse projeto apresentou uma mudança de suas tapeçarias habituais de house minimalista e techno para algo que é muito sombrio, mas também intrigante, analisando entre produção e melodias que devem mais a uma paleta pós-industrial enquanto mapeia em ambiente mais suave e arrulhos vocais que fazem esses elementos distintos colidirem de uma forma magnífica. É um disco que instila uma qualidade impecável para Kelly Lee Owens como artista e certamente coloca mais curiosidade em relação a qualquer som que ela seguirá, onde todas as apostas estão encerradas sobre para onde ela irá após o talento impressionante de ' LP.8 '. Dois anos depois desse disco, ela continua fazendo uma mudança no tom e na expressão, eventualmente pousando em ' Dreamstate ' com um estado de espírito brilhante.
Em comparação com ' LP.8 ', 'Dreamstate' inverte alguns elementos ao se inclinar para o lado progressivo da house music e dá mais brilho a muitas das músicas que ela fez - com colaborações de produção de Bicep, Tom Rowlands e George Daniel. Enquanto ' LP.8 ' toca em alguns tons alienígenas e ameaçadores contrastados com o ambiente arrepiante, ' Dreamstate ' foca nas texturas etéreas e melodias ensolaradas que Kelly Lee Owens consegue transmitir muitas paisagens sonoras fantásticas em todo o tabuleiro enquanto ela coloca seu canto alegre e anseios sinceros em primeiro plano. As ondas densas semelhantes a mantras de ' Dreamstate ' transmitem aquele ar sonhador enquanto a música começa com uma atmosfera cadenciada e vocais emotivos pouco antes de fazer a transição lenta para as imensas batidas house e chamadas vocais no final, as explosões melódicas em ' Love You Got ' cravam seus anseios eufóricos enquanto os vocais arejados de Kelly Lee Owen assumem o foco que dispara através do crescendo e todos os seus grooves embaralhados, o crescendo crescente que é apoiado por um sintetizador de órgão em ' Higher ' que aumenta seu pulso melódico em meio a vocais que tentam atingir uma elevação mais alta, e as ondas deslizantes de melodias de sintetizador que vêm através de ' Rise ' que mais tarde levam a paredes reverberadas mais arrebatadoras de atmosfera.
Claro, em meio a esses tons pulsantes, Kelly Lee Owens implementa melodias mais lentas para encapsular ainda mais esse anseio por uma faísca dentro deste mundo. ' Ballad (In The End) ' é um excelente exemplo disso, já que as adições de cordas cercam as passagens brilhantes do sintetizador e os vocais suaves de Kelly Lee Owen ecoam esse desejo sincero em qualquer dimensão para a qual ele se dirige, assim como o sintetizador mais rápido e as linhas percussivas em ' Time To ' que vêm depois da atmosfera solene e dos toques vocais maravilhosos, e especialmente o desejo puro de 'Trust and Desire ' que termina o disco com nada além de teclas e cordas que envolvem os vocais de Kelly Lee Owen, onde essa seriedade é ouvida claramente sem a eletrônica para acompanhar essa mensagem. Às vezes, é melhor ter esses desejos abertos nos espaços mais íntimos, afinal.
Embora essas pedras de toque eufóricas caiam muito bem, ainda há algumas oportunidades perdidas ou pelo menos alguns passos em falso em algumas músicas. Talvez alguns desses passos em falso venham das próprias progressões que poderiam ter oferecido picos mais nítidos para realmente permitir que essa natureza eufórica surgisse, pois há certas músicas que podem carregar uma melodia feliz, mas não a levam a um ponto em que crie um crescendo ou ritmo estimulante. No entanto, essa oportunidade perdida também pode vir em direção às faixas puramente instrumentais que poderiam ter tido mais da presença de canto de Kelly Lee Owen, o que adicionaria muito mais talento a elas, e poderia ter havido ênfase nesses tons melancólicos para que o anseio ganhasse uma ressonância muito mais impecável.
Mas apesar de todas essas críticas, Kelly Lee Owens ainda conseguiu transmitir uma expressão diferente, mas ainda potente, que envolve ' Dreamstate ', onde abraçar um tom eufórico cativante emparelhado com melodias inclinadas para o house progressivo é realmente abraçado - tudo emparelhado com algumas das vocalizações expressivas de Kelly Lee Owen até o momento. Embora possa não ser tão alucinante quanto o que ela cavou em ' LP.8 ', este novo disco prova que ela ainda está mudando com uma resolução elevada que é maravilhosamente manifestada em seu disco mais brilhante e sincero até o momento. Dentro dessas pastagens oníricas, há muita ternura que vale a pena valorizar.
Lançado no final de 1964, "I Can't Explain" foi o primeiro single do Who. Sua história, na verdade, remonta a um ano antes. Este não é exatamente o primeiro disco do famoso quarteto. Já haviam gravado outro single, "Zoot Suit", mas com o nome High Numbers, nome imposto pelo então empresário, Peter Meadon, também compositor do título. Foi um fracasso e o Who se separou de Meadon enquanto retomava seu nome inicial. À medida que a banda encontrava novos empresários, Kit Lambert e Chris Stamp, Pete Townshend, o guitarrista, começou a escrever uma música sobre sua incapacidade de se comunicar verbalmente adequadamente. O título, naturalmente, se chamará “Não consigo explicar”.
Percebendo o potencial, Lambert e Stamp conseguiram convencer o produtor Shel Talmy (famoso por seu trabalho com os Kinks) a vir ouvi-los.
“Corri para o meu gravador para ouvir 'You Really Got Me'”, escreve Townshend . “Eu endureci 'I Can't Explain' e mudei a letra para que fosse sobre amor e não sobre música. Tentei fazer com que soasse o mais próximo possível dos Kinks, para que Shel gostasse. »
O produtor é de facto seduzido por este riff cativante que recorda os seus potros e concorda em gravá-lo, mas nas suas condições.
“Falta de sorte” , escreve Roger Daltrey “Shel Talmy […] nos impõe um pano de fundo de harmonia em três partes completamente Beach Boys que Pete ainda hoje amaldiçoa. »
O guitarrista, porém, não parece concordar totalmente com essa versão, segundo ele, os backing vocals já estavam na versão inicial: “Porque havíamos ensaiado a música com backing vocals estilo Beach Boys, mas que tivemos dificuldade de dominar. ., Shel convidou três cantores, The Ivy League, para cantar para nós. »
Mas o produtor não parou por aí e convidou músicos de estúdio.
“Keith pediu alegremente ao baterista para ir embora – o que ele fez. Townshend continua : “ Como Shel não tinha certeza se eu conseguiria fazer um solo, ele convidou seu guitarrista de estúdio favorito, Jimmy Page, para vir. »
A presença do futuro líder do Led Zeppelin é confirmada por Daltrey: “'Ah, merda...', essa foi a minha reação; Pete foi um pouco menos conciso, mas, de qualquer forma, o que poderíamos ter feito? Eu teria gostado que Pete fosse o guitarrista principal e que permanecêssemos fiéis ao nosso estilo, em vez de imitar uma banda sonhada por algum maldito ianque, mas não tivemos escolha. Naquela época gravamos ao vivo, sem mixagem, [...] Adicionar um solo de Pete depois teria sido terrivelmente complicado e com o risco de destruir toda a coerência do disco. »
Page, no entanto, não parece se lembrar de ter sido o solista da peça, como escreveu em suas redes sociais: “Embora tenha sido contratado para tocar nesta sessão, não era realmente necessário, mas toquei em algum lugar nos bastidores. . »
Então o solo é de Page? De outro músico de estúdio? Ou mesmo assim de Townshend? Difícil decidir. O estilo de Page não é aparente, mas um bom guitarrista de estúdio deve se misturar ao estilo do artista para quem está tocando. Independentemente disso, após o seu lançamento, o single obteve sucesso crescente, alcançando a oitava posição nas paradas britânicas em abril de 1965. A carreira do Who foi lançada em seu país natal. Para a América, teríamos que esperar um pouco mais. Talvez tenha sido isso que diminuiu a opinião de Daltrey sobre este primeiro single.
“Roger achou que 'I Can't Explain' era pop comercial, muito suave, e declarou que nunca mais gravaria algo tão insípido. » Townshend disse.
Isso não impede o cantor de declarar na sua autobiografia que o título é um “excelente sucesso” e que “até hoje sempre abrimos os nossos concertos com ele. » , o que, se não for totalmente verdade para todos, é verdade para muitos deles.
“I Can't Explain” é hoje um dos fundamentos do Rock dos anos 60. E se é certo que o Who se saiu melhor na sequência, deve a ele o início de sua formidável carreira.
Seventh Avenue South é o oitavo álbum do cantor e compositor japonês Yoshitaka Minami , lançado em 1982 (CBS)
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