MUSICA&SOM

domingo, 17 de novembro de 2024

Sandro y Los De Fuego ‎– Sandro y Los De Fuego (LP 1965 / Argentina)

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Sandro y Los de Fuego ‎– Sandro y Los de Fuego (LP CBS ‎– 8512, março de 1965 / Argentina).

Género: Rock, Beat.

“Sandro y Los de Fuego” é o primeiro álbum do grupo argentino com o mesmo nome, lançado pela CBS, em março de 1965.

Los de Fuego (também conhecidos como Sandro e Los de Fuego) foi uma das primeiras bandas argentinas de rock and roll. Formado em 1960, é considerado um dos grupos precursores do chamado “rock nacional” argentino com seu líder, Sandro.

O grupo foi formado em 1960 com o nome de Los Caniches de Oklahoma e gravou como primeiro single (demo), um rock em espanhol de Sandro, com o título de “Comiendo Rosquitas Caliente en el Puente Alsina”, um dos temas candidatos a ser considerado como a primeira canção de rock argentina gravada.

No início, Sandro fazia parte do grupo como guitarrista e era uma das vozes. Depois, deixou a guitarra para se tornar vocalista e figura proeminente do grupo. Em 1963 passaram a chamar-se Sandro y Los de Fuego, com a seguinte formação oficial: Juan José Sandri (guitarra solo), Enrique Irigoytía (guitarra ritmo), Héctor Centurión (baixo), Armando “Cacho” Luján (bateria) e Sandro (voz).

Naquela época o rock and roll já estava instalado na Argentina, há pelo menos cinco anos. Os primeiros ídolos do rock, como Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis e Bill Haley, foram acompanhados por bandas locais como Eddie Pequenino com Mr. Roll & Sus Rockers e artistas de rock latino e grupos que cantavam em espanhol, como Billy Cafaro e Los Dukes na Argentina, Ritchie Valens e La Bamba na Califórnia, e especialmente mexicanos, como Los Teen Tops, Los Blue Caps e Los Locos del Ritmo e dezenas de outros. Nessa década também começaram a chegar as bandas da chamada invasão britânica, entre as quais se destacaram os Rolling Stones e principalmente os Beatles.

Los de Fuego começaram a fazer versões do clássico rock anglo-saxão, mas em espanhol. O grupo fez muitas versões do rock anglo-saxão dos Beatles (Anochecer de un día agitado, Es una mujer, Perseguiré al sol, Desde mi ventana, Ámame, Boleto para pasear), algumas de Elvis Presley (Eres el demonio disfrazado, Mentes sospechosas, Melodía desencadenada, Llorando en la capilla, Mi oración), algumas de Chuck Berry (Música de Rock and Roll), Dave Clark Five (Alcáncennos si pueden), Ray Charles (Qué dije), The Animals (La casa del sol naciente), Bob Dylan (Soplando en el viento), Roy Orbison (Volando sobre dos ruedas), Little Richard (Tutti Frutti), Jerry Lee Lewis (Hay mucha agitación), Tom Jones (Dalila). Também produziu baladas latinas, como Dulce, de Alejandro Chemica, e Miguel and Isabel, de Luis Aguilé. Também, o que é mais importante, são as canções de rock compostas pelo próprio Sandro: Los brazos en cruz, El trovador, Solo y sin ti, Queda poco tiempo, Ave de Paso.

O grupo destacou-se pelo modo de cantar, pelos trajes e os movimentos que Sandro adoptou, abertamente inspirado em Elvis Presley, que mais tarde conquistaria uma identidade pessoal que o tornaria um dos cantores latinos mais famosos do mundo.

Em 1964 participaram na televisão argentina, nos Sábados Circulars de Nicolás "Pipo" Mancera. Sandro emitava os movimentos de Elvis o que lhe valeu o apelido de "Elvis criollo" ou "Elvis Latino", encerrando o seu show após saltar de um lado para o outro e atirar-se de joelhos para o chão.

Em 1966, Sandro deixou o grupo e passou a cantor a solo, com um estilo mais melódico e romântico.

Faixas/Tracklist:

A1 - Te Conseguiré (2:07)

A2 - Peggy Peggy (1:58)

A3 - Hay mucha agitación (2:48)

A4 - Un Mundo Sin Amor (2:48)

A5 - Anochecer de Un Día Agitado (2:34)

A6 - No Puedo Esperarte Más Nena (2:35)

A7 - En Mi Mente (1:43)

B1 - Lágrimas Solitarias (1:59)

B2 - Hippy Hippy Shake (1:47)

B3 - Pintados Por Dios (1:57)

B4 - Sospecha (2:45)

B5 - Los Brazos En Cruz (2:04)

B6 - Alegría Por Todas Partes (2:40)

B7 - Niñito (1:46)

BONUS:

C1 - My Bonnie (2:42)

C2 - Chin Chin (2:49)

C3 - El Dinero No Puede Comprarme Amor (2:08)

Integrantes/Members:

Sandro (voz)

Juan José Sandri (guitarra solo)

Lito Vazquez / Enrique Irigoytía (guitarra ritmo)

Héctor Centurión (baixo)

Armando “Cacho” Quiroga / Armando "Cacho" Lujan (bateria)

Cocteau Twins - Treasure (1984)

Treasure (1984)

Cocteau Twins

O mundo fantástico dos sonhos é algo que é frequentemente pesquisado, mas nunca foi substancialmente explicado. Isso surge particularmente da parede quase impenetrável de convolução e obscuridade dos sonhos. Os sonhos também são interessantes na medida em que podem ser vívidos ou pouco claros, prazerosos ou assustadores, e esquecíveis ou memoráveis. Esses fatores tornam os sonhos consideravelmente difíceis de categorizar. No entanto, esforços ainda são feitos, com sucesso ou sem sucesso, para definir em termos humanos, esse reino elusivo. Treasure é um desses esforços espetaculares.

Treasure, do Cocteau Twins, é uma das maiores realizações musicais da simulação de sonhos. Cada música projeta na psique uma utopia profunda e pitoresca, maravilhosamente composta em segmentos de sonhos etéreos. A voz entorpecente de sereia de Liz Fraser induz o ouvinte à condição necessária para cruzar o limiar entre o real e o irreal. O destino final é um mundo desprovido de quaisquer restrições mundanas e repleto de beleza intangível, mas profunda e inimaginável.

Treasure é essencialmente comprometido com todas as características únicas de um sonho típico. Justaposições complexas de ideias e conceitos, cenários bizarros, instâncias sutis de simbolismo e jargões frequentemente ininteligíveis e sem sentido que deixam uma marca às vezes duradoura na mente humana. Como um sonho, Treasure também é imprevisível e verdadeiramente incrível simplesmente por causa dos limites que transcende e sua gloriosa anormalidade. Ele evoca um amplo espectro de emoções que geralmente estão interligadas e sentidas quase simultaneamente, deixando o sonhador em um estado entre a realidade e a pura fantasia. A experiência sobrenatural deste sonho será uma da qual você nunca mais vai querer acordar.

A história de… « Hotel California » (EAGLES)

“A perfeição não se deve ao acaso”

Esta declaração de abertura foi feita por Glenn Frey, no lançamento de Hotel California em 1976, comentando sem falsa modéstia o trabalho realizado naquele que permanecerá aos olhos da maioria das pessoas como o mais talentoso dos álbuns dos Eagles. E a história da faixa-título – esta memorável canção de abertura que servirá de parâmetro para a construção de todo o álbum – confirma este tipo de aforismo para um artista exigente, o que poderia ter sido um epitáfio adequado para o seu falecido autor.

Todo mundo provavelmente sabe que a ideia por trás da música que se tornaria “Hotel California” veio de Don Felder. Como sempre, o guitarrista enviou a Glenn Frey e Don Henley uma série de demos, ideias de músicas submetidas ao seu bom senso. Era um método de trabalho comprovado dentro do grupo, e o ex-guitarrista Bernie Leadon, após a chegada de Felder, recomendou que seu amigo cumprisse as regras em vigor entre os Eagles. Os dois líderes naturais do grupo estavam abertos às ideias dos seus parceiros, mas a finalização das composições - melodias e letras - era domínio exclusivo deles, e o sucesso crescente do grupo provou que a receita funcionava perfeitamente.

Felder, portanto, gravou cerca de quinze demos. Entre essas ideias, essas progressões e variações diversas e um tanto erráticas, uma chamou particularmente a atenção de Frey e Henley: “Reggae Mexicano”, para usar os termos pelos quais Henley inicialmente designou a peça. Esta demo de Felder continha tanto a introdução do arpejo quanto o memorável solo final que não mudaria muito no momento da gravação final - Felder chegou a afirmar que Henley teria exigido que este solo fosse reproduzido de forma idêntica à demo, nota por nota; mas de acordo com outras versões, Joe Walsh também teria contribuído com sua pedrinha para a construção na última parte da justa de guitarra entre Felder e ele, esse formidável solo do qual o produtor Bill Szymczyk dirá que foi um dos grandes destaques de sua carreira.

Henley e Frey partiram, portanto, com um começo e um fim. Só faltou encontrar uma melodia e uma letra. A temática do hotel californiano será trazida por Frey, que quis construir uma história estranha, inspirada nos ambientes da série televisiva “A Quarta Dimensão”. Durante mais de quatro décadas, a exegese das palavras foi muito longe, com alguns comentadores até a afundarem-se no delírio completo. Nunca seremos realmente capazes de explicar cada uma das palavras cujo significado oculto sem dúvida divertiu Glenn Frey e Don Henley por muito tempo, mas certas passagens encontraram uma chave credível na própria boca de seus autores.

Baseando-se principalmente nestas falas: “Eles o apunhalam com suas facas de aço, mas simplesmente não conseguem matar a fera” , alguns construirão a lendária e sempre repetida metáfora da desintoxicação, vendo nas facas de aço (facas de aço) o agulhas usadas por viciados em drogas. Se a toxicodependência dos membros dos Eagles nesta altura é um autêntico segredo aberto, a explicação destas falas de Glenn Frey foi mais simples e inocente: estas “facas de aço” na realidade apenas esconderiam um regresso do elevador e uma aceno amigável ao grupo Steely Dan que, na música “Everything You Did”, se divertiu mencionando o nome dos Eagles de forma mais explícita.

Muito mais tarde, Don Henley dará algumas indicações sobre o significado geral dado às músicas do disco:

“Quase todos os nossos álbuns refletem os nossos comentários sobre o mundo da música e sobre a cultura americana em geral. O próprio hotel pode ser visto como uma metáfora não apenas para a construção do mito californiano, mas também para o sonho americano. Nos Estados Unidos, existe uma linha tênue entre sonho e pesadelo. »

E para especificar, a propósito da sua famosa canção: “É uma viagem da inocência à experiência” . Tema que mais tarde retomou a solo com “The End Of The Innocence”.

O sucesso de “Hotel California” como single, o próprio Don Felder não acreditou. As rádios sempre foram poderosos instrumentos de formatação, e uma música de 6 minutos e meio, começando e terminando com partes instrumentais, parecia ter poucas chances de convencer os programadores. A gravadora tentará obter uma versão abreviada da banda e de Bill Szymczyk, pedido ao qual se oporão categoricamente. A força da peça será mais poderosa que as absurdas regras comerciais das estações de rádio, e Felder rapidamente se alegrará por ter errado.

Como acabámos de ver, a perfeição desta peça não se deve, de facto, ao acaso. Por trás desta canção, cujo 50º aniversário em breve poderemos comemorar, por trás desta melodia, destas letras fascinantes e destes arranjos requintados que o público ainda não esquecerá, está o enorme trabalho colectivo que as Águias deixaram de realizar. desde seus primórdios. A música “Hotel California” é de certa forma a consagração disso.

A historia de « The Ballad Of John And Yoko » (THE BEATLES)

Em 20 de março de 1969, John Lennon casou-se com a artista de vanguarda Yoko Ono, com quem compartilhou sua vida por cerca de um ano. Depois de uma estadia bem divulgada em Amsterdã para protestar contra a guerra do Vietnã, John, durante a lua de mel, escreveu uma canção narrando suas aventuras pela Europa. De volta a Londres, ele o levou a Paul McCartney e o propôs como o próximo single dos Beatles. O entusiasmo de John é tanto que ele insiste que seja gravado o mais rápido possível. Paul compreende a importância deste título para o seu amigo, então num tumulto mediático entre as suas declarações políticas e as suas ações inconformistas que escandalizam a ainda muito decente sociedade burguesa dos anos 60, e concorda em ajudá-lo. George Harrison estando no exterior e Ringo Starr muito ocupado com as filmagens de The Magic Christian , John e Paul serão, portanto, apenas duas pessoas para gravar "The Ballad Of John And Yoko", John tocando guitarra solo além da guitarra base, Paul tocando bateria além do baixo (e alguns compassos de piano). Duas posições que cada um deles já ocupou ocasionalmente.

O que os dois ausentes pensam disso?

" Sem problemas. » diz Ringo “Em 'Why Don't We Do It In The Road' éramos apenas Paul e eu e a música foi lançada com o nome de Beatles. Isso não representou um problema para mim. Além disso, a bateria está, claro, em ''The Ballad Of John And Yoko''. »

“Também não me incomodou não estar registrado. » acrescenta George “''The Ballad Of John And Yoko'' não me preocupava. Se fosse The Ballad Of John And George And Yoko, eu teria tocado nela. »

Talvez para compensar, é o excelente “Old Brown Shoe” de George (contendo todo o grupo) que servirá como Lado B.

Esta colaboração entre Paul e John, que todos descrevem como estando em desacordo neste momento, especialmente devido a um desentendimento sobre a gestão da Apple Records, prova que a tensão entre os dois amigos não é tão dramática como as pessoas gostariam que os jornalistas acreditassem. . As fitas das sessões mostram-nos brincando, mesmo que a despreocupação do início tenha desaparecido.

Musicalmente, o título é carregado por um único acorde no violão (que só varia durante o refrão) pontuado por uma linha de baixo repetitiva, minimalista e pesada. A guitarra elétrica interage com os vocais em um estilo entre Country Rock e Blues Rock. Desde o final do intervalo cantado, a voz de Paul apoia a de John em harmonia, relembrando a simbiose que houve na primeira parte da carreira dos Beatles. Cada verso nos leva por parte da jornada dos noivos: Southampton, Paris, Gibraltar (onde se casam), Amsterdã, Viena e de volta a Londres.

“Parece uma balada antiquada. » John dirá “É apenas a história do nosso casamento, das nossas estadias em Paris e Amsterdã e tudo mais. É ''Johnny B. Escritor de brochura''. »

Uma passagem, porém, incomoda Paulo. Este “Cristo!” » em forma de interjeição que abre o refrão, que termina com “eles vão me crucificar” . O baixista, que conhece o lado provocativo de seu amigo, sente que não pode deixar de criticar a controvérsia dos Beatles sobre "mais popular que Jesus", que literalmente incendiou a América. Temendo que isso acrescentasse lenha ao fogo, ele tentou, sem sucesso, fazer com que ela mudasse as palavras. Aceitando finalmente que as coisas permanecem como estão, notaremos que cada vez que ele deixa João sozinho para cantar o “Cristo!” » , mesmo que o acompanhe no “vão me crucificar” . A relutância de Paulo não era infundada. Se o título não causa clamor como a declaração de 1966, ainda é censurado nas rádios americanas, o que sem dúvida fará com que o título não chegue ao número 1 lá como na Inglaterra (o último single do grupo a obter este lugar).