Depois de eletrizar os anos 70 com sua poderosa mistura sonora de glam rock, protopunk, blue-eyed soul, post punk e art rock, o camaleão da música David Bowie deu início aos anos 80 com um estrondo com Scary Monsters (and Super Creeps) , lançado em setembro de 1980. O primeiro single do álbum é o brilhante "Ashes to Ashes", que continua a saga do astronauta fictício Major Tom, que começou com o clássico de Bowie de 1969, "Space Oddity". O segundo single é o ataque de funk/dance/rock de alta voltagem "Fashion". Bowie já havia mostrado suas fortes credenciais de funk em faixas como "Golden Years", "Stay" e "Fame", então não é surpresa que "Fashion" seja tão funky. O groove é alimentado por uma linha de baixo piledriver e uma batida gigantesca. O mago da guitarra Robert Fripp arrasa com seu trabalho inventivo de guitarra solo. O funk é ainda mais aprofundado por alguns licks de guitarra rítmica perversos. "Fashion" era originalmente uma música de reggae intitulada "Jamaica", mas Bowie e sua banda gradualmente começaram a funkificar o groove conforme a sessão avançava até que ele evoluiu para a joia do funk que conhecemos hoje.
Em “Fashion”, Bowie critica a indústria da moda por sua superficialidade e comercialismo. Com ironia, ele traça paralelos entre aqueles que aderem servilmente às tendências da moda e o fascismo: “Nós somos o esquadrão de capangas e estamos chegando à cidade.” Bowie ficou inicialmente fascinado com a cena disco/fashion dos anos 70, mas depois se desgostou quando ela se tornou inorgânica, comercializada e regimentada. Ele compartilhou seus pensamentos sobre isso em uma entrevista antiga: “Quando comecei a ir a discotecas em Nova York no início dos anos 70, havia um entusiasmo muito poderoso e a cena tinha um curso natural sobre isso. Parece agora ser substituído por uma determinação insidiosa e sombria de estar na moda, como se fosse realmente uma vocação. Há uma aura estranha sobre isso.”
Bowie foi um ícone influente da moda durante a maior parte de sua carreira; ele estava constantemente definindo novas tendências da moda com sua imagem e persona em constante evolução. Cada uma de suas novas eras musicais envolveu uma transformação drástica de sua aparência e som. Ele serviu como modelo para camaleões pop/fashion superstars como Madonna, Prince e Lady Gaga.
“Fashion” foi escrita por Bowie, e ele a coproduziu com o músico, cantor e produtor Tony Visconti. A música foi lançada em 20 de outubro de 1980 pela RCA Records. Ela alcançou a posição #5 na parada de singles do Reino Unido. Ela também teve um bom desempenho nas paradas da Suécia (#7), África do Sul (#8), Noruega (#9), Irlanda (#11) e Nova Zelândia (#22). E subiu para a posição #22 na parada de danceterias da Billboard nos EUA.
“Fashion” foi sampleada em quatro músicas, segundo WhoSampled.com. Ela foi apresentada nas trilhas sonoras dos filmes Clueless (1995) e Raising Helen (2004). A música também foi usada para uma homenagem à indústria da moda durante a cerimônia de encerramento das Olimpíadas de Verão de 2012 em Londres. A New Musical Express (NME) classificou "Fashion" como a oitava melhor música de 1980.
Aqui está o pessoal completo de “Fashion”: David Bowie (vocal principal e de apoio), Robert Fripp (guitarra principal), Carlos Alomar (guitarra base), George Murray (baixo), Dennis Davis (bateria) e Andy Clark (sintetizador).
O diretor David Mallet filmou o videoclipe da música em uma boate de Nova York chamada Hurrah. Cenas de Bowie se apresentando no palco com sua banda são intercaladas com cenas de dançarinos ensaiando e uma procissão de New Romantics do lado de fora de uma cozinha comunitária. (The New Romantic foi um movimento de subcultura underground do final dos anos 70 que foi caracterizado por sua moda extravagante e extravagante.)
Bowie frequentemente tocava “Fashion” em concertos, e ele nunca deixava de trazer doses massivas de funk todas as vezes. A música sempre obtinha uma resposta empolgante do público.
David Bowie cantando "Fashion" no The Jonathan Ross Show em 2002
1977 foi um ano marcante para o funk e a música R&B. Naquele ano, Parliament, Isley Brothers e Earth, Wind & Fire lançaram álbuns que estão entre seus melhores trabalhos. 77 também viu uma série de outros grandes lançamentos de grandes bandas de funk, como Brick, Cameo, The Commodores, Slave e Brothers Johnson. O segundo álbum de Bootsy Collins, Ahh...The Name Is Bootsy, Baby!, foi outro excelente lançamento de funk naquele ano. Ele incendiou o mundo da música no ano anterior com seu fantástico álbum de estreia Stretchin' Out in Bootsy's Rubber Band , que recebeu toneladas de amor de fãs de funk e críticos musicais. Incrivelmente, Ahh...The Name Is Bootsy, Baby! é ainda melhor. É amplamente aclamado como o melhor álbum de Bootsy e aparece regularmente nas listas dos melhores álbuns de funk de todos os tempos. O carismático funkster e seu talentoso Rubber Band trouxeram seu jogo A para esta coleção soberba.
O álbum começa com a emocionante e tremendamente funky faixa-título. É impulsionado pela poderosa linha de baixo de Bootsy, que é aumentada por um Mu-Tron III Envelope Filter para dar a ele um som elástico funky. A faixa apresenta um arranjo de metais matador e alguns licks de guitarra rítmica de chicken-scratch. Bootsy, assumindo seu alter ego funky-fantasma Casper, responde às perguntas de seus fãs fervorosos com respostas espirituosas. Além disso, a lenda do sax Maceo Parker serve como mestre de cerimônias e animador da banda na abertura da música, apresentando Bootsy e sua equipe funky com entusiasmo. Bootsy frequentemente abria seus shows ao vivo com esta emocionante faixa funk, que eventualmente se tornou sua música tema.
A segunda faixa do álbum é o eletrizante funk "The Pinocchio Theory". O nível de funk neste groove imaginativo é estratosférico. É perfeitamente arranjado e ostenta a musicalidade impecável da Rubber Band. A faixa é elevada pelo trabalho inventivo de teclado de Bernie Worrell e Joel "Razorsharp" Johnson e as incríveis paradas de instrumentos de sopro do Horny Horns. E Bootsy faz chover uma tempestade de funk com seu furioso trabalho de baixo. O verso "Não finja o funk ou seu nariz crescerá" é uma reviravolta inteligente no paradoxo de Pinóquio de que mentir fará seu nariz crescer. Também serviu de inspiração para o arqui-inimigo do Dr. Funkenstein, Sir Nose D'Voidoffunk. A música também apresenta um arranjo vocal maravilhoso que inclui Gary "Mudbone" Cooper e Robert "P-Nut" Johnson soletrando "RUBBER FANS". Na abertura da música, Bootsy proclama: "Este é o singalong mais funk do mundo". Nenhuma mentira contada.
Bootsy traz seu humor cômico característico e charme bobo para o irresistível “Rubber Duckie”. O groove superfunky apresenta trabalho criativo de sintetizador e linhas de sopro brilhantes. O trabalho vocal também é de primeira, com Mudone e P-Nut arrasando com suas harmonias suaves.
Uma das coisas que distingue este álbum de muitos outros álbuns de funk é que as baladas são tão fortes quanto os cortes de funk. “What's a Telephone Bill?” e “Munchies for Your Love” são ambas excepcionais e estão entre as melhores baladas da discografia do P-Funk.
“What's a Telephone Bill?” é uma balada soul majestosa onde Bootsy serve uma performance de baixo deslumbrante. Seus solos de baixo liquid-funk nesta faixa são simplesmente alucinantes. Todos os elementos nesta faixa incrível se encaixam perfeitamente, do esplêndido arranjo musical ao impressionante trabalho vocal. Esta jam lenta cativante se destaca bem após repetidas reproduções.
“Munchies for Your Love” leva os ouvintes a uma jornada sonora emocionante. A música é lindamente arranjada e produzida. Começa silenciosamente com partes delicadas de guitarra, teclados suaves e o baixo escorregadio de Bootsy. Então, lentamente constrói um crescendo arrebatador onde Bootsy, Mudbone e P-Nut liberam uma declaração apaixonada de seu vício amoroso. Esta poderosa seção climática apresenta uma bateria sensacional de Jerome Brailey. A música usa “munchies” (um desejo forte e repentino por comida, geralmente depois de fumar maconha) como uma metáfora para intenso anseio romântico e desejo sexual. “ Seu amor é meio doce, doce o suficiente para comer/Estou viciado em você, estrela de chocolate/Eu tenho larica pelo seu amor.” O trabalho de baixo de Bootsy é fenomenal nesta faixa, e ele faz ótimo uso dos pedais de delay Mu-Tron III e Echoplex para realçar a vibração cósmica e psicodélica da música. Esta faixa é uma joia absoluta.
"Can't Stay Away" é um raio de sol funky. Bootsy estabelece uma linha de baixo doce neste groove alegre e contagiante. E Mudone serve uma de suas melhores performances vocais. Seus vocais são ao mesmo tempo melífluos, suaves como manteiga e incrivelmente emocionantes. O fantástico trabalho vocal do cantor neste álbum mostra o quão essencial ele foi para o som singular da Rubber Band. O álbum fecha com uma curta reprise da faixa-título.
Ahh...The Name Is Bootsy, Baby! mostra a grande versatilidade de Bootsy como músico, compositor e produtor. Ele coproduziu o álbum com George Clinton e coescreveu todas as suas faixas. Além do baixo, ele tocou guitarra e bateria em algumas das músicas. Por exemplo, ele tocou guitarra e bateria em "The Pinocchio Theory" e "Can't Stay Away". O álbum também mostrou o quão incrivelmente talentosos eram todos os membros do Rubber Band.
O álbum, que foi lançado pela Warner Bros. Records, liderou a parada de álbuns de R&B da Billboard e chegou ao 16º lugar na Billboard 200. Foi certificado ouro pela RIAA com 500.000 cópias vendidas. “The Pinocchio Theory” teve uma forte exibição na parada de singles de R&B da Billboard, chegando ao 6º lugar, e “Can't Stay Away” teve um desempenho sólido nessa parada, subindo para o 19º lugar.
O pessoal completo para o álbum foi Bootsy (baixo, bateria, guitarra, vocais), Phelps “Catfish” Collins (guitarra), Gary “Mudbone” Cooper (vocais, bateria), Garry Shider (guitarra), Frankie “Kash” Waddy (bateria), Bernie Worrell (teclados), Jerome Brailey (bateria), Joel “Razorsharp” Johnson (teclados), Glenn Goins (guitarra), Robert “P-Nut” Johnson (vocais), Michael “Kidd Funkadelic” Hampton (guitarra); e os Horny Horns: Maceo Parker (saxofone), Fred Wesley (trombone), Rick Garner (trompete) e Richard “Kush” Griffith (trompete). Além disso, os Brecker Brothers, Michael (saxofone) e Randy (trompete), contribuíram com seus talentos consideráveis para o álbum. E Bootsy e Fred Wesley cuidaram de todos os arranjos de metais para esta coleção.
Ahh...The Name Is Bootsy, Baby! é outra joia na coroa do P-Funk e um dos melhores segundos álbuns da história da música funk.
Track listing: You May Be Right / Sometimes a Fantasy / Don’t Ask Me Why / It’s Still Rock and Roll to Me / All For Leyna / I Don’t Want to Be Alone / Sleeping with the Television On / C’Etait Toi (You Were the One) / Close to the Borderline / Through the Long Night
14 de junho de 1980 6 semanas
Após o sucesso de 52nd Street , Billy Joel pegou a estrada com uma turnê que o encontrou como atração principal em enormes estádios ao ar livre. Tocar para públicos tão grandes certamente teria um efeito em sua música, e isso pode ser ouvido em Glass Houses .
“Eu queria escrever músicas maiores que tivessem muita energia nelas”, diz Joel. “Quando comecei a escrever músicas para Glass Houses , senti que precisava fazer músicas que fossem maiores, pudessem ser mais altas, muito mais rápidas, mais curtas e mais impactantes.”
Em 1980, a influência do new wave e do punk não podia ser negada, nem mesmo por Joel, um superstar que era considerado principalmente um cantor pop antes de Glass Houses . "Havia uma influência do new wave, mas eu não estava tentando fazer new wave", diz Joel, que achava que os atos do new wave eram pouco mais do que uma atualização das bandas que ele cresceu ouvindo, incluindo Standells, Them, Shadows of the Knight e ? & the Mysterians. "Foi realmente daí que veio minha inspiração, não tanto das bandas do new wave em 1980, mas das bandas de power-pop de meados dos anos 60." Joel expressou esses sentimentos em "It's Still Rock and Roll to Me", o segundo single do álbum, que se tornou o primeiro hit número um de Joel. A música também mostrou Joel mirando nos críticos de rock e na própria relevância da crítica de rock.
Se isso não soa como um assunto de abalar a terra, Joel seria o primeiro a concordar. “Muito do assunto é bastante juvenil”, diz Joel. “Uma música como 'All For Leyna' poderia ter sido escrita por um garoto de 16 anos. Na verdade, eu estava pensando como um garoto de 16 anos quando escrevi isso.”
O álbum não foi um festival de rock completo, no entanto, pois fechou com a balada "Through the Long Night". Joel diz: "Isso foi um afastamento de quase tudo o mais que está no álbum. Sou eu fazendo as harmonias". Enquanto Joel diz que cortar essa faixa foi uma "dor no saco", Glass Houses foi, no geral, uma experiência agradável. "Esse foi um dos álbuns mais divertidos que já fiz", ele relembra. "Não tanto que foi divertido escrever, mas foi divertido gravar e tocar. Foi muito simples e os aspectos de produção naquele álbum foram muito perceptíveis".
Em algumas faixas, os vocais de Joel vão de um efeito de rastreamento duplo para completamente secos, uma sensação que o produtor veterano Phil Ramone inicialmente hesitou em empregar. “Era meio Elvis Presley-ish de certa forma”, diz Ramone. “Era um lado de Billy que as pessoas realmente não tinham visto antes. Ele não era esse artista superproduzido e exuberante. Sua declaração 'It's Still Rock and Roll to Me' é muito sobre o que Glass Houses era. Foi um bom ponto de virada. Manteve sua carreira e seu ímpeto em um muito direto com seu público.”
Glass Houses chegou ao topo em sua 13ª semana na parada, tornando-se o segundo álbum consecutivo de Joel em primeiro lugar. Enquanto os outros álbuns de estúdio de Joel dos anos 80 continuariam no top 10, levaria quase uma década para ele retornar ao topo.
OS CINCO PRINCIPAIS Semana de 14 de junho de 1980
1. Glass Houses, Billy Joel 2. Against the Wind, Bob Seger & the Silver Bullet Band 3. Just One Night, Eric Clayton 4. The Wall, Pink Floyd 5. Mouth to Mouth, Lipps Inc.
Comentário: Único e raro álbum desta banda vindo de Frísio, na Holanda, formado a partir de membros de outros pequenos grupos locais para gravar este disco ao vivo. Com apenas 3 faixas próprias e a maioria de covers, o som gira em torno do rock clássico tradicional, sem nada inovador e típicas doses de blues e hard. O instrumental é simples, destaque para guitarra e algumas passagens de saxofone e percussão; as letras são todas em inglês. Uma daquelas obras que vale mais pela raridade do que realmente sua qualidade.
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