terça-feira, 14 de janeiro de 2025

Perigeo: Non è poi così lontano (1976)

 

O perigeu não está tão longeÀs vezes acontece, por hábito ou por inércia mental, que julguemos um artista apenas pelas suas obras mais representativas, acabando por encerrá-lo numa espécie de jaula expressiva ou, pior ainda, iconizá-lo a ponto de considerar algo diferente dele. é arriscado .
Claro que isso é um erro.

É uma discussão que só poderia ser válida quando se fala de personalidades fracas ou para uma determinada franja do mercado.
Muitas vezes, porém, a genialidade de um autor, de uma banda ou de um personagem se manifesta precisamente nas mudanças de estilo , na mudança do eixo do conflito , na rediscussão e na continuação.

Imagine como seria Miles Davis se tivesse passado a vida inteira fazendo Be-Bop . Pense na riqueza que as reviravoltas caprichosas de grandes mestres contemporâneos como Frank Zappa, Bob Dylan, David Bowie, os Beatles ou Caetano Veloso , para citar alguns, deram à música .
No entanto, a coragem consciente 
de tais mudanças nem sempre corresponde à mesma quantidade de elasticidade mental por parte dos críticos e, portanto, uma infinidade de discos do calibre da “ Metal Machine Music ” ou dos nossos “ Pensamentos e Palavras ” tiveram que ser descartados. pelas bifurcações de Caudine antes de entrar para a história.
Na Itália dos anos 70 isso acontecia muitas vezes também com o Prog italiano que, no entanto, coincidentemente, após 40 primaveras, tornou-se um dos gêneros mais amados e respeitados até mesmo pelo público mais jovem.


Voltando a nós, fiz esta premissa justamente porque num contexto Prog, mesmo o último trabalho do Perigeo foi vítima daquela mentalidade conservadora que na época não aceitava que a mais sofisticada banda italiana de Jazz-Fusion revisasse de alguma forma o própria sintaxe , relaxar e sobretudo adoptar códigos mais comunicativos face às mudanças sociais em curso .

Perigeo , como já dissemos muitas vezes, esteve extremamente envolvido no movimento alternativo e compreendeu perfeitamente que o movimento incorporava agora subjetividades sempre muito atentas ao discurso musical, mas ao mesmo tempo muito menos sofisticadas que as do anterior cinco anos . componente subclasse foi gradualmente substituindo-operigeu

classe média que liderou as lutas a partir de 68 e certamente, sendo os grandes comunicadores que foram, Biriaco e seus associados sabiam que deveriam ter adotado uma linguagem mais imediata.
Eles o fizeram, e prontamente seu LP de 1976 “ Non è poi so far ” teve que suportar acusações de “ convencionalidade ”, “ simplificação ” e “ cansaço criativo ”.


Ainda hoje, se lermos as críticas mais recentes a seu respeito, este álbum de trinta e três rpm é considerado um álbum de “ duas estrelas ” em comparação com as cinco do Azimut ou “ Todos temos um Blues para chorar ” e esta malícia jornalística estava no olhos de muitos entre os principais motivos da primeira dissolução do grupo que se transformou 4 anos depois 
em outra entidade, cientes das evidências de que após o desastre social do Parque Lambro '76 , o grupo " Vale dos Templos " não existiria mais ter

Além disso, por mais " formais" que possam parecer certas canções de " Non è poi so far ", como " Fata Morgana ", " New Vienna " ou " Take Off " , eu pessoalmente não. Não vejo por que, portanto, deveriam ser degradados apenas porque são portadores de uma forma de expressão mais coloquial. Prefiro ousar dizer que a atitude do Perigeu foi corajosa , em sintonia com os tempos e, no entanto, estilisticamente impecável. “Tarlumbana”, “Myosotis” ou “ Terra rossa” poderiam facilmente ter pertencido a qualquer álbum dos cinco anos anteriores, mas não foi o caso porque evidentemente o “ relâmpago ” acústico parcial presente em “ Non è poi so far ” teve que ser aconteceu em 76 porque esse foi o momento historicamente oportuno . Não antes. Depois não. Não é por acaso que o encarte diz: "Nossa música tem sido rotulada de diversas maneiras: “jazz-rock”, “progressivo” e assim por diante. Rótulos que não aceitamos e não rejeitamos. É apenas a música que queríamos. e saber fazer: tradução imediata em sons das nossas sensações, dos nossos sentimentos ” Palavras que podem parecer banais, mas ditas por alguém que soube envolver com a sua coerência uma das gerações mais criativas do pós-guerra, são equivalente a um verdadeiro manifesto artístico.tony sidney








Equilibrados até à última nota, honestos até à última afirmação, pioneiros de um caminho que continua até hoje, os Perigeo são considerados em todos os aspectos uma das maiores bandas que cruzaram a Itália nos anos 70.














Area: Maledetti (1976)

 

área amaldiçoada 1976Depois de um ano de intensa actividade ao vivo imortalizada pelos excelentes " Are(A)zione ", os Area , que eram agora o único grupo verdadeiramente representativo da Contracultura , celebraram com " Maledetti " (1976) mais uma fase da sua complexa evolução.
Depois das provocações de Arbeit e Caution e da aparente détente de Crac , a celebração do caos pós-industrial surge na mente do quinteto milanês .

Estamos em 1976 e há um ar de plena crise , e não só a económica que se manifestou através da desvalorização da lira e da austeridade mas, sobretudo, aquela inerente ao mundo do trabalho que teve que lidar com uma pesada carga patronal 'ofensiva que visa eliminar pelo menos 15 anos de lutas dos trabalhadores . Acrescente-se a isto as lutas pela habitação, pelas mulheres e pela luta armada , e haverá muito que pensar sobre um sistema em transição de uma fase " pré-industrial do pós-guerra " para uma fase " pós-fordista " que antecipará a fase terciária. setor.
Uma transição profunda que também 
modificaria parcialmente um dos coletivos mais importantes da história do Prog italiano.

Em Junho o movimento irá parar e as oportunidades de actuar ao vivo serão cada vez menores, em paralelo com uma mudança radical no público. Area decidirá, portanto, dedicar a maior parte de 76 aos estudos individuais que se materializarão tanto nos discos solo de Stratos, Tofani Fariselli , como em diversas viagens iniciáticas. Demetrio na Grécia, Giulio e Ares no País Basco e em Itália onde tocarão durante um curto período na orquestra de Mingardi , tomando a decisão de querer concentrar-se muito mais no Jazz do que na experimentação. Oportunidades de actuação colectiva de


Paris a Lisboa não faltam , mas pouco antes de entrarem em estúdio, Capiozzo e Tavolazzi estabeleceram que para eles o caminho da Área já não era o único viável. Felizmente, a decisão não os impediu de colaborar no novo álbum, mas, independentemente disso, já estava claro há algum tempo que o grupo iria de qualquer forma expandir-se para experiências mais abertas e issostratos fariselli tofani lacy bullen

na verdade, tomou forma no outono com a contratação do saxofonista Steve Lacy e do percussionista Paul Lytton , com quem Tofani, Stratos e Fariselli já haviam realizado um concerto no Statale em Milão.

Em essência, " Maledetti ", lançado no final de 1976, ficará para a história por ser um dos álbuns mais ecléticos do Area , sem abrir mão de uma forte poética social que, se pensarmos bem, ainda hoje soa incrivelmente moderna. .
Conceitualmente, imaginamos que um cérebro de plasma eletrônico contendo 
toda a memória da humanidade fica descontrolado devido à forte confusão social (" Diforismo Urbano ") e dispersa todos os seus vestígios: da era clássica à moderna (" Evaporação ", " Brandenburgo Massacre "). Neste ponto, as Áreas propõem indiferentemente três soluções: 1) Confiar o poder aos idosos que, com a sua memória histórica, poderiam não só orientar a sociedade, mas reaplicar os seus conteúdos de forma revolucionária (“ Gerontocracia ”) 2) Dar poder às Mulheres que, sempre deixados de lado, poderiam resolver o caos com novas regras. (“ Scum ”, do livro ultrafeminista homônimo de Valeria Solana , a agressora de Andy Warhol ) 3) Recriar a história com a liberdade da imaginação, dando poder às crianças (“ Rodada, redonda, redonda ”) Se a maior parte do álbum é confiada à narração do tema principal (incluindo o desmembramento da cultura clássica) , precisamente por não ter definido qualquer solução, a sua conclusão (“ Caos II ”) é confiada ao celebração da liberdade de escolha através de um uso relacionado de sensações . Tecnicamente, cada músico extraía aleatoriamente notas correspondentes a diferentes sensações e improvisava-as consecutivamente durante cerca de noventa segundos, desligando-se e reconectando-se ocasionalmente com o resto do grupo. Tudo isto para reiterar que “mesmo na desestruturação há espaço para a tomada de consciência”: uma ideia com sabor “ situacionista ”



gerontocracia 1976
” que reafirmou não só a imensa criatividade do grupo, mas também a sua extraordinária capacidade de leitura de acontecimentos sociopolíticos.

Musicalmente o álbum é muito afetado pela injeção de Jazz trazida também por outros colaboradores como Walter Calloni, Hugh Bullen , os irmãos Arze e Eugenio Colombo , mas isso sem nunca abrir mão de verdadeiros momentos de Prog Mediterrâneo ou de vanguarda consciente .
Em alguns momentos prevalecem as " digressões " individuais (por exemplo, " Scum ") e muitos consideraram o álbum dispersivo, mas o grande rigor intelectual do álbum obriga-nos a considerar " Medetti " como uma peça extraordinária e essencial na história do Prog italiano.



Il Giro Strano: La divina commedia (1973, pubb. 1992)

 

a estranha virada a divina comédiaO sexteto Giro Strano é mais um daqueles grupos que, assim como Eneide , Il Sistema e Buon Vecchio Charlie, nunca conseguiram lançar um LP durante sua atividade.

O grupo foi formado em Savona no verão de 1971 sobre as cinzas de Tramps e Voodoo , duas bandas bastante conhecidas na região, e imediatamente começou a ser notado em vários festivais pop importantes, incluindo o de Villa Pamphili e o Pop Meeting em Gênova.

A certa altura chega a oferta contratual, mas tal como no caso dos Tramps , Giro Strano também é convidado a deslocar-se a Roma para as sessões de gravação . Nenhum dos membros se sente bem e a aventura termina.
O cantor Mirko Ostinet tentou carreira solo sem sucesso, enquanto Alessio Feltri formou a Corte dei Miracoli em 1976 e posteriormente uma nova edição do Giro Strano .
Felizmente, algumas das gravações do grupo que datam do período '72-'73 e deixadas na naftalina durante 20 anos foram recuperadas em 1992 pela Mellow Records que as recombinou num álbum intitulado " The Divine Comedy ".
Porém, poucos se dedicarão também a esse esforço, relegando a formação à mesma obscuridade em que passou a sua existência.

Pessoalmente, não quero insistir na validade ou não de certas repescagens discográficas que, se por um lado têm o sabor nobre da hagiografia , por outro lado honestamente suscitam algumas dúvidas, especialmente no caso de certos lançamentos tão modesto que nem sequer têm valor testemunhal.
Neste caso, porém, estamos diante de um CD que, além de uma das covers mais feias que já vimos , traz cinco músicas retiradas de fontes amadoras que, no fim das contas, também reservam agradáveis ​​​​surpresas.

o estranho passeio por SavonaClaro que é preciso mesmo ser um amante do pop italiano para mergulhar na audição desta longa hora de música, porém, limitando-nos a uma perspectiva historiográfica e deixando de lado a óbvia calúnia técnica , devemos admitir que se ao menos esta banda tivesse sido capaz de gravar profissionalmente e talvez com a ajuda de um arranjador, provavelmente não teria ficado desfigurado em comparação com colegas muito mais famosos.

Para o verificar, porém, é necessário contornar pelo menos as duas primeiras canções (" Il 13° transistor" "Ilcorredor nero ", as mais bem gravadas e cuidadas) que, para além do colorido do sax que lhes confere um certa originalidade, apresentam um ritmo substancialmente formal : ritmo hard-prog, voz aguda e hipermodulada que intercala os breaks (não exatamente novidade aqui) , breaks dinâmicos, pontes atonais, mudanças de tempo no solo de bateria, o barrocos, teclados emersonianos e assim por diante.

Só a partir da terceira faixa e infelizmente paralelamente ao declínio do som, surge uma vitalidade composicional sem precedentes (por exemplo: as partes central e final de " Vecchio Oldsea ") ladeada por uma capacidade de desestruturação em constante mudança que permite ao sexteto agilmente reunimos até mesmo algumas micro suítes agradáveis ​​e animadas , como a louvável faixa-título .

Alessio sentiu a estranha viradaEmbora penalizadas por um espectro acústico decididamente modesto , as capacidades técnicas do Giro Strano parecem indiscutíveis e, a partir da terceira peça, até os mais primorosamente criativos surgirão na utilização de soluções que teriam apelado até ao Balletto di Bronzo ou a Medalha Rovescio della .
Sejamos claros: ainda nada de particularmente original dadas as coisas boas que circularam na Itália entre 72 e 73, mas tudo potencialmente mais do que viável para uma potencial publicação e os seis caras do " Giro " que certamente também sabiam disso , intimidados pela necessária viagem a Roma, tiveram que tomar consciência dos seus limites. Pecado.

Afinal, o caminho para a celebridade é também e sobretudo feito de situações transversais .
A história do rock está repleta de artistas que tiveram que abdicar por motivos não relacionados apenas à música.



IKARUS ● Ikarus ● 1971 ● Alemanha [Eclectic Prog/Jazz-Rock/Fusion]

 


A Alemanha não só foi o berço de grandes bandas de Krautrock, como CANASH RA TEMPELAMON DUUL II, etc., mas também deu enormes frutos Progressivos mais clássicos dentro do gênero, e podemos citar alguns bem conhecidos como ELOYNOVALISGROBSCHNITT, etc. O IKARUS é mais uma daquelas bandas Progressivas alemãs que ficaram nas sombras da história, mas deixando para trás um trabalho incrível. Trata-se de um sexteto de Jazz-Rock Progressivo, criado em 1970, em Hamburgo, e liderado pelo produtor e multi-instrumentista Joachen Peterson, que após finalizar o projeto IKARUS se dedicaria integralmente ao seu trabalho como produtor. A banda era integrada pelo já nomeado Jochen Petersen, além do pianista Wulf Dieter Struntz, o guitarrista Manfred Schulz, o baixista Wolfgang Kracht, o vocalista Lorenz Köhler e o baterista Bernd Schröder.

Em 1971 lançam esse seu primeiro e único trabalho, o homónimo "Ikrarus", que em linhas gerais é bastante árduo, consta de quatro extensas peças Progressivas, duas das quais têm entre 12 e 15 minutos de duração. A sonoridade é um Rock Progressivo um tanto rústico e sinfônico, não tão estilizado apesar de ter arranjos orquestrais, mas com uma elaboração profunda, de grande exibição, e uma complexidade marcante, em que aparecem elementos de Folk Rock, passagens pesadas e instrumentais, etc. É perceptível a presença da influência de KING CRIMSON e VAN DER GRAAF GENERATOR, um toque de Krautrock também é perceptível em alguns arranjos, mas em linhas gerais criam uma sonoridade árdua e própria, desenhada sob suas próprias regras Progressivas.

Com essa sonoridade avançada que tanto elaboram, refletem a visão profunda que têm sobre o uso e dinâmica dos riffs e sobre a combinação de melodias e passagens. A sonoridade é construída a partir de violões e mellotrons, bases rítmicas impecáveis ​​e diversas aplicações de cordas sinfônicas, flautas, saxes e guitarras elétricas. No primeiro tema, por exemplo, deixam alguns arranjos sinfônicos que beiram o clássico, para depois passarem para arranjos sinfônicos de cordas. Nas músicas seguintes continuamos a ver os arranjos sinfônicos, entremeados com muita mudança e fluidez de passagens. A última peça do álbum, chamada "Early Bell's Voice", que embora dure apenas 7 minutos, metade da duração das outras duas, ainda é mais complexa que as anteriores. Há também espaço para uma certa abordagem à extravagância composicional ou Avant Prog, extravagância que os leva a desenvolver uma sonoridade que, embora muito complexa, é ao mesmo tempo algo minimalista, as progressões e passagens são formadas com frequentemente melodias repetitivas e simples. E ao mesmo tempo são um tanto dark e rústicos, uma rusticidade um tanto pós-psicodélica.

Dessa mistura de sons tão particular, sai um Rock progressivo bem poético, tipo Art-Rock, com melodias épicas, letras que falam da devastação do mundo, e uma complexidade que, por momentos, exige ser ouvido várias vezes para poder apreciar o tremendo valor composicional que desenvolvem, um deleite para o ouvido Progressivo dos anos setenta.

Encontrei pouquíssimas informações sobre a história da banda, razão pela qual caio na dedução unilateral de que eles certamente se desintegraram sem deixar vestígios, após terem lançado seu único trabalho, história já repetida por muitas outras bandas fugazes de condição semelhante. Então nos resta esse trabalho de Rock Progressivo para degustar e conhecer o trabalho desses alemães.

Tracks:
01. Eclipse (Divided In Scyscrapers And Sooner Or Later)  (15:24)  
02. Mesentery  (6:11)
03. The Raven (including "Theme For James Marshall") (11:42)
04. Early Bell's Voice (7:51)
05. Sunwave (Traditional) - 15:16 **
** Bonus Track 5, as Beatique In Corporation recorded in Ernst-Merck Halle Hamburg, March 1970

Musicians:
*Wulf Dieter Struntz - Organ, Piano
*Jochen Petersen - 12 String Guitar, Alto And Tenor Saxophones, Flute, Clarinet, Vocals
*Manfred Schulz - Guitar, Vocals 
*Wolfgang Kracht - Bass, Vocals
*Lorenz Köhler - Lead Vocals
*Bernd Schröder - Drums, Percussion




IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA ● La Bibbia ● 1971 ● Itália [Rock Progressivo Italiano]

 


IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA, também conhecido como IL ROVESCIO, é um grupo musical italiano de Rock Progressivo fundado na cidade de Roma em 1970. Muitos fãs conhecem a banda simplesmente pela sigla RDM, segundo a moda da época (PFM e BMS). Sua música era dinâmica com muitas mudanças de ritmo. Seu primeiro álbum chamado "La Bibbia" é um trabalho conceitual baseado nas primeiras partes da Bíblia. Seu melhor trabalho viria anos depois quando usaram uma orquestra clássica em "Contaminazione" de 1975.

Este trabalho tem pouco a compartilhar com a música sinfônica que foi tocada por algumas bandas lendárias da Itália. A intrigante faixa de abertura "Il Nulla " é bastante obscura: soa mais como uma peça musical experimental. "La Creazione" se enquadra totalmente nessa categoria; mas o mesmo tipo de som se repete durante a maioria das músicas deste álbum de estreia. Existem também algumas influências psicodélicas que levam a um álbum satisfatório. Nenhum número gigante é apresentado e o Rock selvagem "Sodoma E Gomorrah" é muito no estilo de TEN YEARS AFTER. Trabalho de guitarra demoníaco, baixo pesado e sustentado, bateria rolante são a combinação de sons que você descobrirá enquanto ouve esta faixa instrumental. Estamos longe do gênero melódico italiano e se você for um pouco orientado para o Rock pesado, este álbum vai agradar, no entanto a produção não é o ponto forte. A música mais longa disponível, "Il Giudizio", é apenas uma jam Hard/Heavy: estrutura menos e barulhenta às vezes. O melhor da banda ainda estaria por vir.

Tracks:
01. Il Nulla (4:56)
02. La Creazione (5:17)
03. L'Ammonimento (5:19)
04. Sodoma E Gomorra (4:51)
05. Il Giudizio (10:15)
06. Il Diluvio (2:14)
Total: 32:52

Musicians:
- Pino Ballarini / vocals, flute
- Enzo Vita / guitars
- Stefano Urso / bass
- Gino Campoli / drums





JETHRO TULL ● Aqualung ● 1971 ● Reino Unido [Prog-Folk]

 


Lançado em 19 de março de 1971, pela Chrysalis Records, "Aqualung" é o quarto álbum de estúdio da banda britânica JETHRO TULL. É amplamente considerado como um álbum conceitual apresentando um tema central de "a distinção entre religião e Deus", embora a banda tenha dito que não havia intenção de fazer um álbum conceitual e que apenas algumas canções têm um tema unificador. O sucesso de "Aqualung" marcou uma virada na carreira da banda, que se tornou uma grande banda de rádio e turnês.

Gravado no novo estúdio de gravação da Island Records em Londres, foi o primeiro álbum com o tecladista John Evan como membro em tempo integral, o primeiro com o novo baixista Jeffrey Hammond e o último álbum com Clive Bunker na bateria, que saiu da banda logo após o lançamento do álbum. Algo diferente do trabalho anterior da banda, o álbum apresenta mais material acústico do que os lançamentos anteriores; e inspirado por fotografias de moradores de rua no Thames Embankment tiradas pela esposa do cantor Ian Anderson, Jennie, contém uma série de temas recorrentes, abordando a religião junto com as próprias experiências pessoais de Anderson.

É o álbum mais vendido de JETHRO TULL, vendendo mais de sete milhões de unidades em todo o mundo. Em geral, foi bem recebido pela crítica e foi incluído em várias listas de melhores revistas de música. O álbum gerou dois singles, "Hymn 43" e "Locomotive Breath". As composições abrangem uma variedade de gêneros musicais, com elementos de Folk, Blues, psicodelia e Hard Rock. A natureza "pesada de riffs" de faixas como "Locomotive Breath", "Hymn 43" e "Wind Up" é considerada um fator para o aumento do sucesso da banda após o lançamento do álbum, com JETHRO TULL se tornando "um grande ato de arena" e um "sucesso nas rádios FM" de acordo com AllMusic. Em uma mudança estilística dos álbuns anteriores, muitas das canções são acústicas. "Cheap Day Return", "Wond'ring Aloud" e "Slipstream" são "pontes" curtas e completamente acústicas, e "Mother Goose" também é principalmente acústica. Anderson afirma que suas principais inspirações para escrever o álbum foram Roy Harper e Bert Jansch.

Abrindo o disco, a faixa-título "Aqualung", a música mais conhecida do JETHRO TULL e uma das poucas que não são tocadas com flauta!! As letras são de Jennie, a primeira esposa de Ian. "Cross-Eyed Mary" é uma peça clássica do TULL em uma forte veia Rock, tão forte e clássica que o IRON MAIDEN tocou um famoso cover dela mudando a parte em sua guitarra elétrica barroca. "Cheap Day Return" é uma belo peça acústica curta em que Ian narra uma visita a seu velho pai no hospital e o título é derivada do nome da passagem de trem. "Mother Goose", é uma linda canção acústica com uma guitarra elétrica encantadora de "Monsieur Le Barre" na segunda parte. "Wond'ring Aloud", é outra faixa esplêndida em violão e piano (grande John Evan!). No álbum "Living In The Past" (1972), você pode encontrar outra versão mais longa desta música, com arranjos moderados e diferentes (com letras também diferentes) chamada "Wond'ring Again". "Up To Me" é uma peça mítica com aquela famosa introdução risonha (raramente tocada nos concertos ao vivo). "My God" é a verdadeira peça Progressiva desse álbum, com um ótimo arpejo acústico crescente na primeira parte, ótimas partes de guitarra elétrica e um memorável intermezzo coral. Essa música abre a segunda metade do álbum que foi concebido para ser a soma das opiniões de Ian sobre Deus e religião. "Hymn 43" é uma impressionante faixa tocada eletricamente que também foi lançada como single (além disso, raramente era tocada ao vivo!). "Slipstream": junto com "Cheap Day Return", a segunda das duas pequenas (curtas) jóias acústicas do álbum. "Locomotive Breath" a segunda música imortal histórica depois de "Aqualung". Ótima introdução de piano por John Evan e início repentino de uma guitarra explosiva de Barre! "Wind-Up" a terceira música esquecida nos shows ao vivo. "- When I as Young", assim começa a voz filtrada de Ian. A música é dividida em duas partes simétricas das quais a primeira começa em violão lento, a segunda em piano igualmente lento. Música incrível!!!

Há uma Edição Especial do 25º Aniversário com livreto luxuoso e colorido e caixa de CD muito bonita, e vale muito o dinheiro gasto pois a música é uma obra-prima; a produção e a qualidade sonora são de primeira qualidade! "Aqualung" é altamente indicado para todos os amantes do Prog!  

Tracks:
01. Aqualung (6:31)
02. Cross-Eyed Mary (4:09)
03. Cheap Day Return (1:23)
04. Mother Goose (3:52)
05. Wond'ring Aloud (1:56)
06. Up to Me (3:18)
07. My God (7:10)
08. Hymn 43 (3:18)
09. Slipstream (1:13)
10. Locomotive Breath (4:25)
11. Wind-Up (5:42)
Time: 42:57

Bonus tracks on 25th Anniversary edition remaster (1996):
12. Lick Your Fingers Clean (2:46)
13. Wind Up (Quad version) (5:23)
14. Excerpts from the Ian Anderson Interview (13:58) °
15. Songs for Jeffrey (2:51) *
16. Fat Man (2:56) *
17. Bouree (3:57) *

° Mojo magazine February 22 1996, interviewer John Bungey
* BBC recordings broadcasted 1968-69, previously unreleased

Musicians:
- Ian Anderson / vocals, flute, acoustic guitar, co-producer
- Martin Barre / electric guitar, descant recorder
- John Evan / piano, organ, Mellotron
- Jeffrey Hammond / bass, alto recorder, backing vocals (4)
- Clive Bunker / drums, percussion
With:
- David Palmer / orchestral arranger-conductor
- Glenn Cornick / bass (uncredited and unknown tracks participation)




KING CRIMSON ● Islands ● 1971 ● Reino Unido [Eclectic Prog]

 


Esse álbum do CRIMSON é onde a influência de Pete Sinfield se faz mais clara. Mellotron flutuante, saxofones, instrumentos de sopro, fazem de "Islands", um álbum realmente tranquilo e relaxante. As músicas são suaves e há até alguns estilos jazzísticos e Blues envolvidos. Há também lindos arranjos de cordas em "Sailor's Tale". E "Islands" é uma das músicas mais interessantes do CRIMSON: uma mistura suave e relaxante de piano cativante, pequenos instrumentos de sopro e vocais suaves, que podem ser ouvidos indefinidamente.

Os álbuns anteriores de Fripp e cia. começam com uma batalha, mas "Islands" entra com uma arte improvisada que sugere músicos de Jazz entediados enfrentando seu capitão progressista em uma indolência rebelde na primeira faixa "Formentera Lady". O novo vocalista/baixista Boz Burrel possui um pouco do charme sonolento de Gordon Haskell. O instrumental revelador ocorre em "Sailor's Tale", uma peça excêntrica que pelo menos sobe parcialmente as altas torres das conquistas passadas (embora as partes de bateria de Ian Wallace sejam notavelmente pouco inspiradas em alguns pontos). É um  instrumental catártico e louco, que realmente se destaca.

Há muitas coisas aqui que um álbum do CRIMSON pode alcançar: momentos de fúria alucinante, bolsões suaves de imagens artísticas nas letras de Peter Senfield, um comando legal de elementos orquestrais que exala pensamentos bonitos. "Islands" tem tudo isso, ao mesmo tempo em que testa a paciência de aventureiros menos resolutos com digressões em rajadas de saxofone, confrontos dissonantes e passagens estranhas. O refrão de "Ladies of the Road" é realmente maravilhoso, com participação vocal de Ian Wallace e Mel Collins. A guitarra de Fripp é excelente e sua instrumental "Prelude: Song of the Gulls" é uma de suas composições mais delicadas e pastorais. Não há como negar que  é um interlúdio refinado e digno da realeza. "Islands" é um final muito sutil para este álbum e uma espécie de continuação da música anterior. Este álbum serve como um álbum de transição, dos álbuns anteriores para os próximos álbuns incríveis. Se você gosta de KC, compre-o.

Tracks:
01. Formentera Lady (10:18)
02. Sailor's Tale (7:29)
03. The Letters (4:28)
04. Ladies of the Road (5:31)
05. Prelude: Song of the Gulls (4:14)
06. Islands (9:15)
07. (hidden track, begins one minute after Islands ends) (1:36)
Time: 42:51

Musicians:
- Robert Fripp / guitar, Mellotron, pedal harmonium (6), effects
- Mel Collins / flute, bass flute (6), saxes, backing vocals
- Raymond "Boz" Burrell / bass, lead vocals
- Ian Wallace / drums, percussion, backing vocals
- Peter Sinfield / lyrics
With:
- Paulina Lucas / soprano vocals (1)
- Keith Tippet / piano
- Robin Miller / oboe
- Mark Charig / cornet
- Harry Miller / double bass (1,6)
 
 


Destaque

Antonella Ruggiero – Sospesa (1999)

Continuamos com a discografia solo de uma das mais belas vozes femininas dos últimos trinta anos, Antonella Ruggiero. “Sospesa” é o título d...