Jeff Parker ETA IVtet - The Way Out of Easy (2024)

The Way Out of Easy (2024)

Jeff Parker ETA IVtet

Caminhando com o PODER do contrabaixo, as exalações reconfortantes dos saxofones, a paleta expansiva da bateria e o espírito legal de "In a Silent Way" de Miles Davis (uma comparação honrosa), essas 4 faixas de 20 minutos correm e caem como uma cachoeira. O álbum é salpicado com estranhas decorações elétricas, enquanto seus ouvidos estão sendo massageados pelo saxofone brilhante que aparece para dizer olá bastante. A percussão é groovy pra caramba e todos os elementos se juntam para me deixar muito satisfeito. Você pode sentar e relaxar, ou ouvir com atenção e admirar todos os detalhes colidindo na mixagem.

A abertura "Freakadelic" é um ótimo exemplo de como o contrabaixo lidera a carga. Você pensaria que a linha simples em que ele se estabelece na primeira metade da peça seria irritante, mas na verdade é bem relaxante. Combinado com a batida forte e legal da bateria, dá à faixa uma ótima sensação de movimento e travessura. Então, quando a faixa muda o groove na segunda metade, é um momento bem impactante e faz você dizer "droga".

"Chrome Dome" é uma masterclass saltitante. Começa bem suave e espaçosa, mas logo se torna uma dança intrincada. O saxofone te conduz enquanto o baixo faz o que quer que seja. Enquanto isso, a percussão só consegue assistir e bombear um ritmo crocante que une tudo, tornando tudo perfeito e complexo. A eletrônica que entra na segunda metade dá ainda mais vida à faixa, com alguns acordes agridoces ecoando na desordem. Há também esse som estranho no canal esquerdo que só posso comparar a uma roda de carrinho rangendo, é muito bizarro, mas funciona bem. Apesar de tudo isso acontecendo, essa música é super relaxante e voa, como as outras.

Pulando para trás na lista de faixas, quero tocar brevemente em "Late Autumn". Enquanto as duas primeiras faixas que mencionei seguem em frente enquanto criam um caos controlado de instrumentos, esta música é mais silenciosa, com saxofone tranquilo e belos arpejos de guitarra que não chegam muito na sua cara. Logo, a percussão entra, mais uma vez preenchendo o ar frio e lembrando você de apenas vibrar.

Minha faixa menos favorita é "Easy Way Out", pois sinto que as ideias soltas que ela traz não são incrivelmente construídas, e o tempo de execução não é tão justificado quanto as outras. É certamente a música mais livre do álbum, tornando-a inegavelmente a menos memorável, apesar do uso satisfatório do triângulo (risos) e da variedade textural. O final da música é matador, eu admito, e a música ainda consegue me manter aquecido, mas é provavelmente a menos intrigante aqui.

Estou muito feliz com isso. Cada instrumento e som usado serve a um grande propósito de criar uma composição rica e compacta, com amplitude e expressividade. Acredito que se apenas 1 instrumento fosse retirado, essas peças pareceriam vazias. É isso que torna esse lançamento de 80 minutos tão digerível e incrível, ele tem a quantidade perfeita de recheio.

Ethel Cain - Perverts (2025)

Perverts (2025)

Ethel Cain

Esqueça o debate sobre o tempo de execução e aprecie um artista que lança no meio da semana. Tyler, the Creator lançou Chromakopia em uma segunda-feira para nosso trajeto de ida e volta do trabalho. Leva um minuto para descer as escadas, sacudir a bebida de ontem e se proteger no escritório em casa. Pervertidos. Objetivamente, a melhor ação que Ethel Cain poderia ter tomado em um lançamento como esse é subverter as expectativas não de seu público, mas de si mesma. Uma trajetória estava em andamento após Preacher's Daughter e há uma preocupação de ser rotulada na busca por seu sucesso. Em vez disso, uma potência de drone rock e darkwave aparece. Uma obra genuinamente sinistra que, para os dias mais frios de janeiro, as noites mais escuras, parece traumática das melhores maneiras. Deixe-se levar pelo movimento de Cain pressionando por um próximo passo de campo esquerdo. 

Que maneira de começar o ano, com um de seus lançamentos mais emocionantes e intensos. Perverts é um exercício de paciência, em permitir que uma narrativa se desenrole. Pedaços de silêncio ao longo do caminho fazem toda a diferença. Seu impacto é primordial para seu sucesso, a distância entre as imagens do dream-pop e Cain como um artista atual. Não se engane, esta é uma continuação dos tons tomados por Preacher's Daughter, mas Perverts tem uma sensação de recomeço, para dar ao vazio instrumental, mas não aos personagens, uma continuação. Este é um exercício sobre até onde um artista pode levar a boa vontade de um ouvinte. Nem tudo em Perverts é uma viagem difícil para os ouvidos, Cain fornece mais uma prova de seus talentos vocais no single principal Punish. O trabalho brutal de guitarra é a chave para esta faixa. Material impressionante elevado ainda mais por um toque escuro de exuberância instrumental que funciona tão bem ao adaptar aqueles fundamentos do drone rock.

Perverts é tanto sobre reinvenção quanto sobre a descoberta artística que ocorre apenas quando os artistas se empurram para o território que sempre quiseram visitar. Crucial para Perverts é a sensação de progressão natural, de uma ideia já totalmente desenvolvida na mente de Cain antes que aquelas primeiras notas zumbidoras de Houseofpsychoticwomn comecem. Perverts lida com um tom macabro, mas sincero. Desfocar a linha entre os dois é muito mais complicado do que se pensava, mas Cain faz soar como um par natural, uma chance de desenvolver essas inseguranças em características definidoras, em reflexos de uma persona confiante. Sua ambição é atendida pela vibração instrumental, os bolsos negros como carvão encontrados naqueles momentos dependentes de drones.  

Isso não quer dizer que Perverts não seja nada além de drone rock e notas administradas de evolução instrumental. Vacillator, embora fortemente dependente da percussão e da paz encontradas no silêncio de aço, é uma batida suave no dream-pop que Cain é tão excepcional em fazer. Onde o interesse de Cain estava agora não é segredo. Depois de algum descanso de tons mais suaves em Vacillator, ele está de volta ao baque e eco do brilhantismo de drone com Onanist. Uma potência atmosférica é o que Cain tem em suas mãos aqui. Pulldrone traz o melhor dessa forma, essa articulação de encontrar paz em meio a um mundo se degradando em ritmo acelerado. Nessas experiências do mundo ao nosso redor, o horror aparece e, para Cain, não há escassez de material. Suas experiências em uma nação em ruínas alimentam o horror, que cresce e cresce à medida que Perverts avança. Sua duração é seu maior tom, uma hora e meia de desgosto monótono, e funciona a cada segundo do caminho.  

Bad Bunny - Debí tirar más fotos (2025)

Debí tirar más fotos (2025)

Bad Bunny

Parece que "Una velita" do ano passado foi uma dica de que Bad Bunny levaria as coisas de volta às suas raízes. Isso acabou sendo verdade, Debí tirar más fotos abre e fecha com referências ao lendário pioneiro da salsa nuyoricana Willie Colón. ("Willie Colón, me dicen el malo," "Calle Sol, Calle Luna, estrella en la noche oscura"). Entre elas, há uma maravilhosa variedade de referências à tradição musical porto-riquenha e latina, da salsa à bachata, à plena e, claro, ao reggaeton.

Mas mais do que uma simples viagem nostálgica pela estrada da memória, Debí tirar más fotos é um experimento em borrar as linhas entre todos esses sons. O corte do meio "Bokete" passa a maior parte de seu tempo de execução como uma balada etérea de synthwave antes de se transformar em uma dança de bachata por menos de um minuto antes de desaparecer de volta em seus pads de sintetizador e reverb. "Pitorro de coco" joga acordes ocasionais de sintetizador no que é ostensivamente uma música bomba. Funciona pra caralho. Este disco é uma celebração da cultura e história musical de Porto Rico, e o primeiro álbum de reggaeton que estou considerando uma obra-prima.

Claro, isso vem do meu ponto de vista desinformado como um porto-riquenho que vive nos Estados Unidos e não gosta muito de reggaeton. Olha, eu cresci na ilha no auge de Daddy Yankee e Don Omar, mas nunca fui fã de reggaeton. Apesar da inegável cativante dos maiores sucessos do gênero, o lirismo excessivamente hedonista e enxuto que era tão comumente associado a ele era um desestímulo.

A ascensão meteórica de Bad Bunny também é algo que me confunde há muito tempo. Ele não só carrega muitas das coisas que eu não gosto no gênero, mas cara, seus maneirismos vocais são detestáveis ​​pra caramba. Ainda assim, eu poderia reconhecer que seus discos podem ter uma produção bem inovadora, especialmente em seus dois melhores até agora YHLQMDLG e Un verano sin ti . Ainda assim, seu último álbum, Nadie sabe lo que va a pasar mañana , foi uma exibição de todas as suas piores tendências e não me deu muito otimismo para a produção futura de Benito. Estou feliz por estar errado.

Não é que Debí tirar más fotos seja algum tipo de declaração política profunda e única - se você é porto-riquenho, as mensagens neste álbum não serão nada novas. Na verdade, as mensagens políticas do disco não aparecem até as últimas faixas, com "Lo que le pasó a Hawaii" servindo como um aviso contra o deslocamento de porto-riquenhos por americanos, e a mais próxima "La mudanza" servindo como um grito desafiador de resistência contra o mesmo.

Benito passa a maior parte do álbum em território lírico familiar - festas, mulheres, relacionamentos, o que você quiser. Mas neste disco, tudo se conecta de volta ao seu amor por sua terra natal, com cenas típicas porto-riquenhas de viagens à praia, buracos na estrada ou chinchorreando com suas panas. Este é o tema central e mais potente do disco - nostalgia.

Ao longo do disco, Bad Bunny rumina sobre suas memórias de tempos passados, geralmente no contexto de um relacionamento. Uma dança inesquecível em "Baile inolvidable", as mídias sociais dificultando a superação de um término em "Kloufrens", bebendo sua tristeza em "Pitorro de coco". Tudo parece bastante pessoal, mesmo quando se desvia para a letra ocasional e constrangedora sobre bundas de anime ou tesões.

O momento mais forte é a referência ao título "DTMF", que une os temas do álbum. Para quem não fala espanhol, o título "Eu deveria ter tirado mais fotos" é uma declaração emocional clara de arrependimento com tantas camadas de significado. Deveria ter tirado mais fotos daquela pessoa que você amava. Deveria ter tirado mais fotos dos seus amigos com quem você não anda mais. Deveria ter tirado fotos das ruas em que você cresceu, antes que a gentrificação as mudasse para sempre. É uma mensagem que provavelmente ressoa profundamente com muitos porto-riquenhos; pelo menos ressoou comigo. Mas sinto que qualquer um que tenha ficado longe de casa por um longo tempo apenas para descobrir que ela mudou ao retornar pode se identificar.

Uma das piores coisas sobre Bad Bunny, na minha opinião, é como ele enche seus álbuns com tantas faixas, e Debí tirar más fotos não é uma exceção. Mas a grande variedade de gêneros torna esta uma audição bastante agradável. Embora haja um fio condutor sonoro e lírico claro nas músicas, ele raramente se repete aqui. Outros destaques do álbum incluem "Nuevayol", que começa com uma fantástica batida de dembow celebrando o lar longe de casa dos porto-riquenhos, Nova York. "Weltita" é uma carta de amor à praia, com sua adorável conversa sobre castelos de areia e beijos em frente às ondas. "Ketu Tecré" tem belos arpejos de sintetizadores gelados como a espinha dorsal de sua batida que eu amo. "Turista" é uma balada MARAVILHOSA sobre esconder sua dor de seu amante e a natureza transitória de alguns relacionamentos.

Há apenas duas faixas na lista das quais não gosto muito, "Veldá" e "Eoo", que eu diria que são dois momentos tradicionais, embora genéricos, de reggaeton no disco que parecem um pouco desnecessários para mim. Tenho certeza de que alguns por aí vão adorar.

Agora você pode me considerar um fã de el conejo malo. Este disco parece um raio em uma garrafa - ele captura a energia orgulhosa e ardente de Porto Rico como nenhum outro disco de reggaeton moderno que eu já ouvi. Ele também carrega uma mensagem importante sobre pessoas que se encontram desafiadoramente resistindo ao colonialismo dos Estados Unidos enquanto o governo local incompetente e descaradamente corrupto mal consegue manter as luzes acesas. É culturalmente significativo, oportuno, impactante e muito divertido. Viva Puerto Rico.

Faixas favoritas: Nuevayol, Baile inolvidable, Weltita, Ketu tecré, Turista, Café con ron, Lo que le pasó a Hawaii, DTMF, La mudanza

Faixas menos favoritas: Veldá, Eoo

Los Jaivas - Alturas de Machu Pichu (1981)

Alturas de Machu Pichu (1981)

Los Jaivas

Considerado um dos maiores álbuns chilenos de todos os tempos e continua sendo a entrada mais popular do LOS JAIVAS em seu grande cânone, ALTURAS DE MACHU PICCHU foi o primeiro álbum a ser escrito e gravado depois que a banda se mudou da Argentina para os arredores de Paris, França, em 1977. Como chilenos, a banda nunca considerou escrever um álbum inteiro sobre o sítio arqueológico mais famoso do Peru, mas LOS JAIVAS foi abordado pelo produtor peruano Daniel Camino, que apresentou aos membros o grande livro latino-americano de 1950 "Canto General" do poeta Pablo Neruda, que narrava a história de Machu Picchu. Inicialmente, a banda recusou para que pudessem trabalhar em seu outro clássico "Obras de Violeta Parra", mas depois de alguma convicção, a banda adiou o projeto por alguns anos e começou a enfrentar a tarefa assustadora de colocar ALTURAS DE MACHU PICCHU em forma musical.

Após meses de preparação, a banda criou uma trilha sonora que misturava sua mistura usual de vários estilos musicais latino-americanos com um uso maior de rock progressivo, que encontrou um uso mais pesado de sintetizadores, minimoogs, Fender Rhodes, guitarras elétricas e assinaturas de tempo mais exigentes e composições progressivas. Embora inteiramente em espanhol, o poema é narrado não apenas pelo canto das letras, mas também é definido pelos ritmos e melodias que narram coletivamente os estados de espírito do poeta e as mensagens insinuadas. Exemplos incluem a abertura "Aguila Sidereal", que evoca o voo de uma águia pela alta cordilheira dos Andes, enquanto "Amor Americano" apresenta um estilo de dança rítmica indígena complicado. "Sube a Nacer Conmigo Hermano" adota ritmos do joropo venezuelano e evoca solidariedade e força e apresenta elementos de composição da música clássica ocidental.

Dada a enormidade do projeto, LOS JAIVAS se sentiu inadequado para lidar com a partitura inteira, bem como executar a entrega lírica de forma satisfatória, mas a experiência permitiu que a banda trabalhasse nas dificuldades do projeto e ganhasse a confiança para vê-lo até o fim. A banda considerou colaborar com os famosos cantores peruanos Chabuca Granda e Yma Sumac, mas descartou a ideia e assumiu a tarefa. Uma avaliação mais precisa do álbum é que ele apresenta trechos da totalidade do poema devido a considerações de tempo, mas transmite efetivamente a história de Machu Picchu quando ainda era ocupada por seus habitantes indígenas originais. O fluxo musical foi projetado para mostrar a minissérie humana de drama que incluía os momentos de prosperidade da civilização até os capítulos finais de miséria, morte e dor que levaram ao seu colapso final.

A banda teve a sorte de ter acesso ao castelo Les Glycines perto de Paris para construir o álbum e levou três meses para escrever e depois mais tempo para gravar. A banda foi frustrada inicialmente pelo fato de que nenhum de seus membros tinha realmente visitado o antigo local do grande Império Inca e, portanto, o projeto exigiu uma pesquisa mais meticulosa do que os álbuns anteriores. O projeto inteiro foi concluído em agosto de 1981 e lançado logo depois com grande aclamação da crítica. Após o lançamento do álbum, a banda finalmente viajou para o local para fazer um especial de televisão onde criaram um belo espetáculo musical que rendeu vários videoclipes e publicidade na imprensa. O álbum foi elogiado por sua fina atenção aos detalhes e como narrou perfeitamente a história extraordinária de Machu Picchu, bem como mostrou o salto criativo da banda em engenhosidade musical.

Enquanto a banda vinha adicionando mais elementos de rock progressivo em cada álbum desde o lançamento de estreia da banda em 1971, “El Volantín”, ALTURAS DE MACHU PICCHU descobriu que a banda estava adicionando novos níveis de complexidade não alcançados desde o grand finale multi-suite ouvido no álbum de 1975 “El Indio”. Este foi o melhor momento do LOS JAIVAS e o álbum permaneceu como um dos destaques de todo o prog sul-americano. Este sempre foi um álbum excelente desde a primeira rodada, no entanto, ao longo dos anos de pesquisa de todos os detalhes que foram colocados em sua produção e permitindo que as complexidades afundassem em um nível mais profundo, tenho que concordar, em última análise, que esta é uma obra-prima que merece seu lugar como um dos melhores momentos do prog chileno.

Joe Meek & The Blue Men - I Hear a New World: An Outer Space Music Fantasy (1991)

 

I Hear a New World: An Outer Space Music Fantasy (1991)

Joe Meek & The Blue Men

Felizmente, Joe Meek tirou seu chapéu de papel alumínio o suficiente para gravar essa coisa estranha. Ele juntou todos os seus talentos como A&R man, produtor, conceitualista e gravador de sons estranhos para trazer ao mundo um novo mundo - um álbum conceitual sobre o que podemos encontrar na Lua. Bem, o homem também era um maluco, e por um monte de razões confusas este álbum nunca foi lançado como pretendido até 30 anos depois do fato. Se isso tivesse sido lançado como um LP completo em 1960, teria sido recebido como uma obra-prima genial do space-rock progressivo, colocando em movimento um subgênero de pequenos e rústicos Hawkwinds uma década inteira antes? Ha. Teria sido pelo menos outro grande sucesso para Meek? Uh, não.

O que não quer dizer que isso seja muito exagerado também - é mais como exótico para cadetes espaciais adolescentes. A abertura do álbum acena " Eu ouço um novo mundo / me chamando / tão estranho e tão real / me assombrando ... ", puxando um canto sonhador, violão havaiano e o barulho do plasma cósmico através de reverberação suficiente até que se torne um lamento assustador transmitido de um satélite empoeirado. À medida que cada linha é ecoada - primeiro do túmulo, depois de homenzinhos azuis - nos encontramos no meio de uma triangulação entre dimensões sobrenaturais. Considere-se lançado e bem-vindo a uma versão imaginária da Lua que é muito mais pensada do que a real. Superando The Residents no conceito de "conceito exagerado", as notas de rodapé surpreendentemente detalhadas de Meek agem como um diário de viagem, à medida que somos apresentados aos Globbots de tons azuis, "pequenos seres felizes e alegres" - como se seus vocais clichês de homenzinhos espaciais acelerados não tivessem revelado isso. E conhecemos os tristes e verdes Saroos que vivem em um vale isolado coberto por uma estranha névoa roxa (!) e realizam rituais estranhos ("...Eles dançam por quase quatro horas sem parar, e então jejuam por três dias..."). E, claro, os Dribcots, com seus barcos espaciais movidos por polaridade magnética, e seu canto proto-stoner cativante, " doobie, doobie, dum dum dum... ". OK, então essas faixas com pequenos vocais de Moon Men são bem malucas e voltadas para a faixa etária de 0 a 12 anos, mas ainda assim, você não preferiria visitar uma Lua que soa como se Tex Avery tivesse chegado lá primeiro?

Mas o álbum fica ainda mais forte com os números mais esotéricos, como as canções sombrias, mas melodiosas, retratando uma "Órbita ao Redor da Lua" e a "Dança do Amor dos Saroos", enquanto as canções sobre os fenômenos não naturais imaginários da "Cachoeira Globb" e do "Campo Magnético" são quase de vanguarda, usando sons que tentam desafiar as leis da física.

Não é fácil criar um mundo totalmente novo com músicos pop acostumados a tocar skiffle. É aí que as técnicas de gravação de som oco, efeitos de foguete desleixados, truques de pia de cozinha e uma sensibilidade exclusivamente britânica vêm a calhar... e você explode em uma fantasia pop colorida, eclética e totalmente multicultural, que nunca supera a ficção científica pré-NASA. Não tenta te romantizar, exatamente, como todas aquelas "orquestras com sons" que existiam naquela época, ou te confundir, como todas aquelas coisas acadêmicas de musique concrète também. Esta viagem está enraizada no r'n'r britânico antigo, prenunciando o trabalho de Meek em " Johnny Remember Me " e " Telstar " que logo virão.

E como "Telstar", que é basicamente apenas uma melodia de guitarra surf com uma dose de futuro, é uma coisa boa, também, que o conceito deste álbum tenha sido explicado para nós... se você subtrair muitos daqueles efeitos sonoros do Sputnicky, o som geral do álbum é arbitrário o suficiente para que sua mente possa vagar em qualquer variedade de direções (um luau? o Velho Oeste ?). Mas tudo bem... mesmo em sua imprecisão auditiva, ainda é um exemplo extremamente precoce de alguém sonhando com o potencial do rock além do single de 7 polegadas. Estou feliz que alguém tenha gravado algo assim naquele intervalo otimista de tempo entre a invenção da fita magnética e o pouso real e decepcionante na Lua.

CRONICA - INNOCENT BYSTANDERS | Don’t Go Looking Back (1986)

 

INNOCENT BYSTANDERS é um daqueles grupos que cruzaram a década de 80 como cometas. Porém, esta seleção australiana teve tempo de deixar uma pequena marca e isso foi o suficiente para que alguns se lembrassem dela. Uma das razões pelas quais INNOCENT BYSTANDERS não foi esquecido é a presença dentro dele de um certo Mark Lizotte (futuro Johnny Diesel) entre 1983 e 1986.

Vindo de Perth, o INNOCENT BYSTANDERS foi formado em 1983 sob a liderança do cantor Brett Keyser. Este grupo rapidamente se destacou entre seus pares na cena local e atraiu gravadoras. Após várias mudanças de formação (incluindo a saída de Mark Lizotte), o INNOCENT BYSTANDERS assinou com a Chase Records e gravou seu primeiro álbum,  Don't Go Looking Back , lançado em 1986.

Este álbum único do INNOCENT BYSTANDERS é tingido de Blues-Rock/Heartland-Rock, enquanto ocasionalmente é revestido com melodias Pop. Em 1986, o Blues-Rock não era o estilo mais popular. No entanto, um interesse renovado está começando a surgir. Neste registro, o grupo de Perth oferece com "Hard To Know" um mid-tempo melódico, cintilante e colorido em que o piano se convida ao lado das guitarras quentes e enraizadas e se revela inebriante, unificador a ponto de fazer você querer para 'voltar a isso'. “I Don't Care”, além de ser focada em guitarras bem enraizadas, destaca um baixo saltitante, bateria seca, o canto de Brett Keyser ora contido, ora mais raivoso, áspero e o final em roda livre é o mais agradável. Um pouco mais surpreendente, “Let Me In”, que vê o cantor destacar sua voz crua de uma forma admirável, começa suavemente como uma peça folk melancólica de blues, então assim que o andamento revigora tudo, a peça muda para um Blues -Heavy rock, cheio de vivacidade com um ritmo ardente e que se revela incendiário, terrivelmente contagiante, louco. No entanto, nenhuma dessas faixas foi lançada como single. O título que deu direito a esta homenagem foi “Dangerous”, um mid-tempo tipicamente Heartland-Rock muito no movimento John MELLENCAMP/Bruce SPRINGSTEEN que é revestido por um refrão arejado de cunho melancólico, além de vocais melódicos, encantatórios. e se não for a melhor faixa do disco (pelo menos, na minha opinião), continua em um nível bastante bom. A influência de John MELLENCAMP e Bruce SPRINGSTEEN é óbvia, mas INNOCENT BYSTANDERS tem argumentos e know-how suficientes para seduzir os fãs de Heartland-Rock, seja com "Lookin' Down At You", elegantemente arranjada no plano melódico com um belo e curto solo de piano, ou títulos que tendem mais para o Pop-Rock como “Those Days”, uma música habilmente disfarçada de balada com seu melodias ondulantes e refinadas, seu lado calmante, que tem até hit, lado unificador e "Just My Mother's Son", um mid-tempo muito agradável que faz bater os pés, em que a voz do cantor ora é velada, ora mais potente . Diferente do resto do álbum e mais trendy com, em particular, a sua bateria reverberada, o mid-tempo “Late Night Cries” oscila entre o Pop-Rock e o New-Wave e destaca-se como um achado interessante com a sua atmosfera sob tensão, seus coros rastejantes, sua progressão crescente, bem como um final mais musculoso com um solo de guitarra que encerra tudo. Quanto à balada do álbum “Don't Go Lookin' Back”, baseada no piano, é marcada pela tristeza, pela amargura, mas revela-se sem brilho particular, não cativa.

No geral,  Don't Go Looking Back  não é um álbum perfeito do início ao fim, não, mas tem muitas peças eficazes e interessantes com ataques de guitarra de raiz bem sentidos, um senso de melodia aguçado que é eficaz. Tem trunfos para agradar muitos fãs de Bruce SPRINGSTEEN, John MELLENCAMP. Este álbum alcançou a posição 59 nas paradas australianas da época e, de alguma forma, é uma pena que o INNOCENT BYSTANDERS não tenha dado sequência a este álbum (que se separou em 1988) porque parecia ter potencial para ir mais longe. Dito isto, casualmente,  Don't Go Looking Back  foi um daqueles álbuns que serviram como postos avançados do renascimento do Blues/Blues-Rock que durou entre 1987 e 1991.

Tracklist:
1. Just My Mother’s Son
2. Lookin’ Down At You
3. Let Me In
4. I Don’t Care
5. Dangerous
6. Hard To Know
7. Those Days
8. Late Night Criers
9. Don’t Go Lookin’ Back

Formação:
Brett Keyser (vocal)
John Heussenstamm (guitarra)
John Dalzel (baixo)
Al Kash (bateria)
Don Walker (piano)

Gravadora : Chase Records

Produtor : Peter Walker

CRONICA - BLOOD OR WHISKEY | Blood Or Whiskey (1996)

 

O nome BLOOD OR WHISKEY deve ser desconhecido da grande maioria dos fãs de Rock ao redor do mundo. E por um bom motivo: esse grupo irlandês que trabalha na veia Celtic Punk sempre percorreu o cenário underground do Rock, mesmo tendo tido a oportunidade de abrir para MISFITS, DROPKICK MURPHYS, THE POGUES, RANCID.

Fundada em 1994, a BLOOD OR WHISKEY vem de uma cidade chamada Leixlip (localizada no condado de Kildare). Sem gravadora, o grupo irlandês liderado pelo guitarrista Dugs Mullooly e pelo cantor Barney Murray ainda publicou seu primeiro álbum sem título em 1996.

Este primeiro álbum tem uma veia Celtic Punk/Celtic Rock e ouvir certas faixas faz-nos sorrir: é o caso da animada “Bucareste”, que cheira ao ambiente dos pubs à noite; “Wack For A Widdle” que alterna entre versos evoluindo em andamento médio e um refrão mais alegre, mais enérgico, cantado em coro; “La La La”, para cantar com os amigos nas noites de bebedeira (mesmo que falte imaginação no título); “Unfinished Business” que é um arraso e dá vontade de balançar a cabeça ou a ritmada e saltitante “Galway Town”, marcada por um refrão cantado em coro, para ser repetido a plenos pulmões. Mais fundamentalmente Celtic Rock (e não Punk), a revigorante e inebriante “Goodbye My Girl” é revestida de melodias alegres; o mid-tempo “The Mero” cheira a Irlanda profunda e se distingue por um final mais alegre e dinâmico; “Take Me Along” é elevado ao topo graças a um refrão alegremente repetido em refrão, melodias de banjo que permitem escapar, enquanto a direta e ritmada “Keep The Baby” está entre a média dos bons títulos do gênero. BLOOD OR WHISKEY ofereceu diversos instrumentais como “Prospect Hill”, que consegue ser festivo, cativante em menos de 2 minutos, assim como “New Banjo Thing”, baseado em banjo, flauta, que dura pouco mais de 2 minutos. minutos e 30 segundos, além de "Drunken Priest Of Dingle" (quase-instrumental neste caso específico), bastante saborosa e dotada de melodias vivas e dinâmicas. Evoluindo num andamento médio de 3 minutos, “Always Remember” funciona no Celtic Rock, mas é habilmente disfarçada de balada, exala certa sensibilidade e seu refrão cantado em coro é um destaque significativo. As verdadeiras baladas do disco, ambas com conotações folk celtas, são a calmante “Deatwatch”, que traz um momento de serenidade salutar, e “Even Her Love”, agradável, todas em sobriedade.

Este primeiro álbum do BLOOD OR WHISKEY provavelmente fará você sorrir, pois não tem dor de cabeça. As peças desse disco costumam ser bem legais, sem necessariamente serem hinos arrasadores e permitem fugir do dia a dia. Para simplificar meu argumento, eu diria que se você gosta de THE POGUES, esse disco tem boas chances de você gostar.

Tracklist:
1. Bucharest 
2. Take Me Along 
3. La La La 
4. New Banjo Thing 
5. Wack For A Widdle 
6. Goodbye My Girl 
7. Deathwatch 
8. Keep The Baby 
9. Unfinished Business 
10. Always Remember 
11. Prospect Hill 
12. The Mero 
13. Galway Town 
14. Even Her Love 
15. Drunken Priest Of Dingle 
16. Feile

Formação:
Barney Murray (vocal, bouzouki)
Dugs Mullooly (guitarra, vocal)
Tomas Touhy (baixo)
Rizz O'Meara (bateria)
Paul Walshe (banjo)
Colm Gallagher (flauta)