Aniversários de dezembro de 2020

 

Lançado em 3 de dezembro de 1965
MY GENERATION 
The Who

O que há com essas bandas britânicas icônicas dos anos 60 e o blues? O que faz os garotos brancos ingleses de classe média quererem ser pobres e velhos negros sul-americanos. Para ser justo com o The Who, suspeito que Townshend não era nenhum Peter Green e seu coração não estava realmente nisso. O blues é apenas um dos estilos que eles tentam aqui, pois eles adotam uma abordagem de jogar tudo para o alto e ver o que pega. E outra coisa, quantas versões sangrentas deste álbum o Spotify precisa? Há uma versão de 30 faixas, uma versão mono remasterizada e uma edição deluxe. Para registro, eu ouvi a versão mono, sou um purista, veja? e é a mais curta. 

O The Who é provavelmente o modelo para a banda arquetípica de rock de guitarra de quatro integrantes - guitarrista mercurial, cantor bonitão, baixista sem graça e baterista louco. Além do blues, eles brincam com psicodelia ('The Good's Gone'), beat pop ('La-La-La-Lies', 'The Kids Are Alright') e zumbido estilo Dylan ('Much Too Much'). O pior exemplo de blues embaraçoso é um empate entre 'Please, Please, Please', com Daltrey fazendo seu melhor Robert Johnson e 'I'm A Man', onde ele adota uma voz que beira o som de quem está vomitando. 

Obviamente, 'My Generation' se destaca, principalmente porque tem muitas características incomuns, desde a gagueira estranha de Daltrey (por quê?), passando pelas quebras de baixo twiddly de Entwistle e a bateria caótica de Moon perto do final - quase projetada para que a única coisa lógica a fazer fosse destruir seus instrumentos. 'It's Not True' soa como um precursor de 'I'm A Boy'. Algumas letras estranhas também. "Eu não tenho onze filhos, não nasci em Bagdá, também não sou meio chinês, e não matei meu pai". Então está tudo bem. 

As notas de abertura e fechamento de 'A Legal Matter' certamente informaram parte do trabalho de Johnny Marr vinte anos depois, e eu sempre tenho tempo para rimas como: "Mobília de cozinha e casas; Roupas de maternidade e calças de bebê" - você tem que pronunciar "trousis". A última faixa é a intrigantemente intitulada 'The Ox', na qual Keith Moon martela sua bateria e eles extraem alguns sons bovinos de suas guitarras - pode ser Townshend ou Entwistle - não sei dizer. O músico de sessão Nicky Hopkins também fornece um trabalho de piano bastante impressionante. 

Olhe a foto na capa. Eles certamente parecem a parte e a jaqueta Union Jack de Entwistle é o negócio. Talvez ele não fosse sem graça.

Out in the Street
I Don't Mind
The Good's Gone
La-La-La-Lies
Much Too Much
My Generation
The Kids Are Alright
Please, Please, Please
It's Not True
I'm a Man
A Legal Matter
The Ox

Lançado em 3 de dezembro de 1965

RUBBER SOUL

The Beatles

Imagem torta na capa e um álbum moderadamente torta dentro. Isso me parece marcar um claro passo à frente para os Beatles, abandonando quase completamente agora quaisquer vestígios de Merseybeat. E aqui está uma coisa engraçada, a Wikipedia categoriza o gênero como 'Folk Rock'. Dificilmente. Não vamos perder de vista o fato de que isso é apenas 2 anos e meio depois de sua estreia. Eu não estava lá, não sei, mas isso deve ter sido tão completamente diferente de qualquer outra coisa disponível na época. A mistura de estilos musicais é ampla e há uma tendência de colocar seções completamente inesperadas no meio ou no final das músicas. Veja 'Girl', que tem uma sensação avassaladora de cansaço do mundo, mas termina com uma parte de balalaica grega (e o que são essas respirações bruscas?). 

E 'In My Life' possivelmente a faixa mais marcante de um álbum mais marcante, temos toda a coisa barroca de piano/cravo fornecida por George Martin. Funciona completamente, mas você suspeita que não deveria. 

Antes de começar a ouvir isso em um loop quase constante na semana passada, eu frequentemente tinha 'Drive My Car' e 'Crosstown Traffic' de Hendrix confundidos na minha mente. Não sei por que e provavelmente sou só eu, sou bastante sugestionável, então qualquer música que imite carros poderia facilmente me confundir. 

As canções de Harrison 'Think For Yourself' e 'If I Needed Someone' têm um toque da costa oeste, fácil e alegre, mas não são tão inventivas quanto algo como o sonhador e tonto 'Nowhere Man' ou tão bem trabalhado quanto 'Norwegian Wood'. Claro 

Ringo tem que ter sua vez no microfone. Nenhum show sem Punch. O C&W 'What Goes On' até lhe dá um crédito de composição, mas é a música mais fraca do álbum. 

Lennon e McCartney provam que ainda conseguem fazer pop também com "Run For Your Life", "You Won't See Me" e "The Word". Isso também inclui "Michelle", sobre a qual estou em dúvida, afinal não há necessidade de cantar em francês.

Drive My Car

Norwegian Wood (This Bird Has Flown)

You Won't See Me

Nowhere Man

Think For Yourself

The Word

Michelle

What Goes On

Girl

I'm Looking Through You

In My Life

Wait

If I Needed Someone

Run For Your Life

Lançado em 4 de dezembro de 1965

DECEMBER'S CHILDREN (AND EVERYBODY'S)

The Rolling Stones

Este é um lançamento nos EUA e isso significa ainda mais uma junção de faixas de lançamentos anteriores no Reino Unido. Na verdade, o propósito dos primeiros álbuns dos Rolling Stones nos EUA parece ser em grande parte um veículo para dar continuidade aos sucessos dos singles, então incluído aqui pela primeira vez está "Get Off Of My Cloud" junto com um monte de enchimentos relançados. Cerca de metade também são composições de Jagger/Richards, e eles ainda se afastam do lado blues do espectro com suas próprias criações. Mas "As Tears Go By" conta como um clássico bina-fide, com Jagger conseguindo dar a impressão de que está perto das lágrimas ao modular seu tremor vocal característico. 

Este álbum é bem contemporâneo com Rubber Soul, e 'As Tears Go By' dá uma corrida por seu dinheiro a qualquer coisa nele. Ouvido objetivamente, 'Get Off Of My Cloud' parece ter sido feito em cerca de 5 minutos, mas tenho uma suspeita furtiva de que há muito artesanato por trás da natureza aparentemente caótica de chamada e resposta de tudo isso. 'I'm Free' é mais conhecido por mim pela versão cover dos Soup Dragons. A produção continua a sugerir que eles favoreceram o fundo de um poço como um estúdio de gravação e nada quebra a barreira dos 3 minutos, o que não é uma reclamação. 

Temos mais algumas músicas ao vivo, 'Route 66' e 'I'm Moving On', com gritos acompanhantes. Estou sempre pronta para defender o direito das adolescentes de perderem o juízo por causa de um bando de garotos bonitos, mas elas poderiam estar tocando qualquer coisa para toda a atenção que está sendo dada, e os Stones não eram tão bonitos assim de qualquer maneira. Perigoso? Essa é uma questão diferente. A arte da capa apresenta uma visão de olho de rato dos nossos garotos.

Lançado em 11 de dezembro de 1970

JOHN LENNON/PLASTIC ONO BAND

John Lennon

Hoje em dia, todos devem ser categorizados, porque é muito difícil e demorado aprender sobre os méritos de um indivíduo e julgá-lo por isso. Portanto, somos todos divididos em grupos convenientes de acordo com nossa idade, com características simples de entender. Os Baby Boomers estão sugando o resto de nós, os Millennials têm a capacidade de atenção de um mosquito, a Geração Y está em seus altos. Bem, estou firmemente na Geração X (surpreso e grato por termos passado dos 18 sem sermos incinerados em uma tempestade nuclear), então cresci nos anos 70 e 80 e isso significa que na minha idade mais impressionável, fomos ensinados que John era o vilão e Paul era o bonzinho (Bem, não exatamente ensinado, mais sabedoria recebida. Meu pai não me sentou aos 13 anos, me deu cópias de 'Yesterday' e 'I Am The Walrus' e disse "Filho. Tenho que explicar a você o que fazer com isso?"). O que quero dizer é que meu julgamento é colorido até hoje e sou naturalmente negativo em relação a John Lennon. É importante porque tenho problemas com algumas de suas músicas mais icônicas, como "Love" neste álbum. Há uma banalidade nas letras com a qual realmente luto, mas posso ver que, embora eu ache que elas beiram a poesia do sexto ano, uma mente mais tolerante pode dizer que são simples e puras. Isso também significa que o primeiro pensamento que me vem à cabeça ao ouvir "Mother" é "Realmente tem que ser tudo sobre você, John?". Ele acabou de sair de uma terapia de grito primal incompleta e parece que está usando este álbum para pontuar os i's e cruzar os t's, especialmente nas  gargantas rasgadas  "Mother" e "Well Well Well". 

No entanto, eu ouvi a peça complementar de Yoko para isso (bem, metade dela) e, em comparação, ele é um modelo de contenção. 'Mother' define a agenda de forma bastante clara, rejeição pela mãe, abandono pelo pai, e ele continua o tema em 'Isolation', apenas expandindo-o para o resto do mundo. Fui apresentado a 'Working Class Hero' pela primeira vez através da capa da Tin Machine, que, embora eu goste, não faz justiça ao original. Fui compelido a verificar se Johnny Cash já tinha feito um cover dela. Parece ser bem a cara dele (ele não fez, mas deveria ter feito). 'God' lembra muito aquele velho padrão 'Love Letters' e parece ser uma carta de amor para si mesmo, confirmando que ele está certo em rejeitar tudo que o moldou até agora. Apesar da separação dos Beatles, tudo é bastante incestuoso. Phil Spector, recém-saído da produção de All Things Must Pass, acrescenta pó mágico, Ringo faz a bateria e Preston dá um toque especial no piano em "God". 

Então Lennon não estava cansado das pessoas ao seu redor, mas sim cansado das restrições de estar nos Beatles. Provavelmente. Acho que sabemos que ele realmente teve problemas com Paul na época. A produção é muito... sólida. Há um certo volume nela, especialmente na ótima "I Found Out", com sua linha de baixo distorcida e vibrante. Muitas vezes no álbum o piano soa como se você tivesse sua cabeça pressionada contra a tampa. É um álbum bom, até ótimo, mas como expliquei, tenho problemas irracionais. Ah, uma última coisa, por que o Cookie Monster aparece em "Hold On"? É uma boa participação especial, mas parece incongruente.

Mother

Hold On

I Found Out

Working Class Hero

Isolation

Remember

Love

Well Well Well

Look At Me

God

My Mummy's Dead

Lançado em 18 de dezembro de 1970

T-REX

T-Rex

Tão feérico e educado quanto você pode esperar. Bolan e, eu presumo, Mickey Finn parecem estranhamente alienígenas na capa. Como se estivessem com maquiagem de palhaço de rosto branco sem nenhuma coloração adicional. Há uma boa quantidade de elementos de alta fantasia de-riguer nas músicas, Steve Peregrin Took pode ter ido embora agora, mas o hobbityness permanece.

The Children of Rarn

Jewel

The Visit

Childe

The Time of Love is Now

Diamond Meadows

Root of Star

Beltane Walk

Is It Love?

One Inch Rock

Summer Deep

Seagull Woman

Suneye

The Wizard

The Children of Rarn (Reprise)

Lançado em 29 de dezembro de 1975

ELITE HOTEL

Emmylou Harris

Levei um momento para lembrar que 'Here, There and Everywhere' não é uma música original de Emmylou Harris, mas uma composição de Lennon e McCartney. É uma candidata à lista de covers que são melhores que o original, e a versão dos Beatles não fica atrás. Ela a diferencia de ser apenas mais uma cantora country solo feminina - mas todas elas são únicas em suas próprias maneiras - assim como sua versão de 'Jambalaya (On The Bayou)', que acabei de descobrir que é uma música de Hank Williams.

Amarillo

Together Again

Feelin' Single, Seein' Double

Sin City

One of These Days

Till I Gain Control Again

Here, There and Everywhere

Ooh Las Vegas

Sweet Dreams

Jambalaya (On The Bayou)

Satan's Jewel Crown

Wheels

You're Running Wild

Cajun Born

 

Lançado em 8 de dezembro de 1980

TRILHA SONORA ORIGINAL DE FLASH GORDON
Queen

Eu tinha a versão single de Flash. Um dos primeiros singles que comprei, eu acho. Provavelmente junto com 'To Be Or Not To Be' de BA Robertson. Eu o comprei em uma loja de discos de Tamworth chamada Rocket (ou era Rock-It?) Records, localizada na galeria comercial Upper Gungate. Estava barulhento lá dentro e eu teria 13 anos de voz suave, então o assistente teve que abaixar a cabeça para que eu pudesse gritar em seu ouvido para pedir. Não teria sido ajudado pela espessa cortina de cabelo caindo sobre sua orelha. O single, é claro, tem trechos do diálogo atroz do filme. "Flash! Eu te amo. Mas só temos 14 horas restantes para salvar a Terra" e "Flash Gordon se aproximando", "O que você quer dizer? Flash Gordon se aproximando."

Tornou-se meu costume incluir trilhas sonoras de filmes e assistir ao filme que as acompanha. Nenhuma grande dificuldade neste caso - um filme tão absurdo que é impossível não obter prazer em algum nível com ele. Eu direi isso sobre ele. Ele tem um visual forte. Não houve economia nos valores de produção. Provavelmente o que você esperaria de Dino De Laurentis e há obviamente uma pequena piada interna de cinema italiano na nomeação do anão de estimação da Princesa Aura, 'Fellini'.

Há alguns triunfos de elenco também. Este pode ter sido o papel mais conhecido de Brian Blessed no cinema e lhe forneceu uma rota rápida para uma rodada espontânea de aplausos pelo resto de sua carreira simplesmente gritando "Gordon está vivo?" (é uma pergunta, não uma declaração), mas você não pode negar que ele é um bom ajuste. Ele está contra Timothy Dalton fazendo uma volta de Homens-de-Meia-Calça como Príncipe Barin. É como uma RADA-off entre eles enquanto eles enunciam e declamam um para o outro como se as lutas do planeta Mongo fossem parte do ciclo de peças históricas de Shakespeare.

Quando isso saiu pela primeira vez, a coisa mais notável sobre isso para mim foi a aparição de Blue-Peter-Duncan-Dares como um garoto arboriano passando pela cerimônia de maioridade, que envolvia enfiar seu braço no Toco de Árvore da Morte na esperança de que a coisa de escorpião horrível dentro não lhe desse uma picada desagradável e deixasse um pouco de gosma verde em seu braço. Pete fez uma escolha errada e tem que ser despachado por Barin para evitar a loucura que se aproxima. Também na comitiva de Barin está um Richard O'Brien criminosamente subutilizado, que consegue enganar o Flash um tanto quanto obtuso, fazendo-o pensar que ele o estava resgatando quando na verdade ele estava apenas atraindo-o para ter sua vez no toco de árvore.

Claro que com um filme como esse, é fácil encontrar buracos no queijo suíço de uma trama, mas eu apontaria que, apesar da Terra (pronuncia-se "Uurth") ser um insignificante remanso planetário (sempre é), eles parecem ter ouvido falar da Marcha Nupcial de Richard Wagner em Mongo, a menos que nos peçam para acreditar em algum tipo de evolução musical convergente acontecendo entre os dois planetas (eu sei, eu sei - eles são todos basicamente humanos de qualquer maneira, então por que ficar preso a uma peça musical?).

Estranhamente, os créditos finais indicam que houve um "Diretor de Sequência de Fuga de Cérebros de Zarkov" especialmente recrutado. Como é praticamente uma cópia da cena "Não, Sr. Bond, espero que você morra" de Goldfinger, isso não sugere que foi necessária uma visão de direção específica para fazê-lo. Provavelmente eles só querem dizer os flashbacks de sua vida, incluindo imagens de Hitler que levam o personagem Klytus de Peter Wyngarde a notar "Aquele mostrou-se promissor".

O álbum da trilha sonora em si é todo trabalho do próprio Queen, mas não é realmente típico deles. Eles não se esforçaram liricamente, afinal, todos nós conhecemos todas as palavras da faixa-título. No entanto, aqui está uma coisa interessante, é bastante reminiscente da música Chariots Of Fire de Vangelis, mas que veio depois em 1981. As sequências de ação tendem a trazer alguma guitarra de rock de maio característica e de repente se torna reconhecidamente Queen.

Flash's Theme

In The Space Capsule (The Love Theme)

Ming's Theme (In The Court Of Ming The Merciless)

The Ring (Hypnotic Seduction Of Dale)

Football Fight

In The Death Cell (Love Theme Reprise)

Execution Of Flash

The Kiss (Aura Resurrects Flash)

Arboria (Planet Of The Tree Men)

Escape From The Swamp

Flash To The Rescue

Vultan's Theme (Attack Of The Hawk Men)

Battle Theme

The Wedding March

Marriage Of Dale And Ming (And Flash Approaching)

Crash Dive On Mingo City

Flash's Theme Reprise

The Hero

Lançado em 12 de dezembro de 1980

SANDINISTA! 

The Clash

Muito longo, muito assustador e muitas ideias. Foi o que pensei inicialmente, mas eventualmente ouvi direito. Um álbum triplo é uma proposta arriscada porque grita falta de controle de qualidade, mas o Clash parece ter conseguido... na maior parte. Poderia ser aparado, eu acho, e possivelmente há um único álbum aqui que desafiaria London Calling.  

O Magnificent Seven começa tudo. "É muito longo, não é?" interrompe Strummer perto do final, bem, bastante e um pouco repetitivo também. "Hitsville UK" começa com uma introdução de baixo "Town Like Malice", mas imediatamente se torna um dueto alegre e agitado entre Mick Jones e sua namorada Ellen Foley. Isso é um Glockenspiel ou um Xilofone? É um sucesso, certamente, mas o que os fãs hardcore do Clash estavam pensando quando o ouviram? Há muito dub e ska para todos. Eles brincam com o que eu só posso descrever como Industrial Salsa em "Ivan Meets GI Joe", as sirenes e outros efeitos sonoros no fundo são um pouco perturbadores. "Something About England" nos traz para o presente, ansiedade sobre imigração e Class War em geral.  O loop de baixo em "The Crooked Beat" lembra a versão do The Beat para "Tears Of A Clown". 

Eles usam um efeito de percussão REALMENTE irritante (mas eficaz) em 'One More Dub', como se Headon estivesse tocando um tambor de cobre com uma vassoura.  Sua disposição para experimentar estilos não diminui em 'Rebel Waltz' (bem..., uma valsa), 'Look Here' (jazz-rock no estilo Brian Setzer), Lightning Strikes (funk pesado), calipso steel band (Let's Go Crazy), gospel ('The Sound Of Sinners') e até encontram tempo para um toque de punk (sua versão de 'Police On My Back' do Equals); mas eles estão claramente mais interessados ​​em reggae e seus gêneros relacionados e misturam isso com tudo também. 'Washington Bullets' equivale à faixa-título e mostra que eles mantiveram sua mordida política. Gostei bastante do 'Lose This Skin' com toques irlandeses cantado e escrito por Tymon Dogg, que soa como Toyah sem o ceceio. 

No final das contas, HÁ muita coisa aqui e os lados 5 e 6 parecem estar na natureza do que agora chamamos de "disco bônus", já que são principalmente riffs de músicas existentes, incluindo Mensworth Hill, que leva o backmasking um pouco longe demais com "Something About England". Não é realmente audível. "Career Opportunities" do álbum de estreia é ressuscitado, mas cantado por Luke e Ben Gallagher, um casal de crianças pertencentes ao tecladista Mickey Gallagher. É meio fofo, mas sem sentido e um pouco exagerado.

The Magnificent Seven

Hitsville UK

Junco Partner

Ivan Meets G.I. Joe

The Leader

Something About England

Rebel Waltz

Look Here

The Crooked Beat

Somebody Got Murdered

One More Time

One More Dub

Lightning Strikes (Not Once, But Twice)

Up In Heaven (Not Only Here)

Corner Soul

Let's Go Crazy

If Music Could Talk

The Sound Of Sinners

Police On My Back

Midnight Log

The Equaliser

The Call Up

Washington Bullets

Broadway

Lose This Skin

Charlie Don't Surf

Mensforth Hill

Junkie Slip

Kingston Advice

The Street Parade

Version City

Living In Fame

Silicone On Sapphire

Version Pardner

Career Opportunities 

Shepherd's Delight

Lançado em 26 de dezembro de 1980

STAND IN THE FIRE

Recorded: August 1980

Warren Zevon

Aqui está um jogo divertido para jogar com seus amigos quando vocês estiverem bêbados e 4 cervejas na noite. Pense em uma palavra que só foi usada uma vez em uma música popular. Se alguém puder pensar em outra música que use a mesma palavra, você perde. Meu banqueiro para isso seria "brucelose", que aparece em "Play It All Night Long" do Zevon, mas eu gostaria de pensar que se eu descobrisse que outra pessoa conseguiu calçá-la em uma música, eu ficaria feliz em aceitar minha desistência e imediatamente a procuraria. 

"Play It All Night Long" nem sequer aparece no lançamento original, mas é uma das várias faixas bônus lançadas em uma versão remasterizada em 2007. Na verdade, essas quatro faixas foram quase o destaque do álbum para mim, o que quer dizer muito, porque esta é uma alegria sombria do começo ao fim.

Em um post anterior, sugeri que Ian Anderson do Jethro Tull era o bobo da corte medieval do rock (ou pelo menos ele pensa assim), se for assim, então Zevon deve ser algo como Bill Hicks. Suas músicas são sombriamente engraçadas. Pegue 'Play it...' por exemplo, você tem que se perguntar se ele acha que Neil Young foi um pouco brando em seu ataque ao Alabama e então decidiu que realmente iria direto na jugular. Há incesto, TEPT, beber até o esquecimento, incontinência de idosos e demência - "suor, mijo, porra e sangue" de fato (ah, e o gado tem a doença de nome obscuro). Mas ele também parece de alguma forma comunicar uma admiração relutante pela aceitação estóica e a vontade de continuar "vamos sobreviver de alguma forma". Há também 'Excitable Boy', onde um jovem psicopata segue uma trilha de destruição que termina em estupro e assassinato, enquanto todos dão de ombros e atribuem isso a ele apenas ser um "Excitable Boy". E há mais do mesmo em "Poor Poor Pitiful Me", onde, claro, a culpa é toda das mulheres.

A versão de 'Werewolves Of London' aqui apresenta algumas adaptações, com parte da ação sendo deslocada para a Califórnia e aparições de Brian De Palma mutilando as velhinhas, James Taylor sendo procurado pelo licantropo e Jackson Browne com um coração perfeito. Eu nunca tinha ouvido o 'R' no começo de "Rah-hoooo!" nos uivos antes de agora também.

Mas há luz também, geralmente em torno do poder redentor da música. Então, 'Mohammed's Radio' conta como uma estação de rádio noturna tira as pessoas da rotina diária e a faixa bônus 'Johnny Strikes Up The Band' é simplesmente uma celebração alegre de dançar rock and roll. 

Band Bantz: 'Hasten Down The Wind' é a última faixa bônus e Zevon explica como ele estava em um lugar ruim quando a escreveu, mas agora está feliz por estar vivo. Durante a música, ele pede que as luzes da casa sejam acesas para que ele possa ver seus amigos. É um momento tocante durante uma ótima música.

Heckles And Coughs: Ele pergunta o que eles querem ouvir antes de "Johnny Strikes Up The Band". Não está claro se eles realmente pediram. Isso foi gravado no The Roxy Theatre em West Hollywood. Parece íntimo e fecha com um canto da plateia de "Zevon, Zevon, Zevon, Zevon"

Próxima faixa fora do ranking: Go Back Home - Steven Stills. O Spotify coloca Zevon ao lado de nomes como CSN&Y, Little Feat e Jackson Browne, então ele é claramente rotulado como um artista da "Califórnia".

Stand In The Fire

Jeannie Needs A Shooter

Excitable Boy

Mohammed's Radio

Werewolves Of London

Lawyers, Guns And Money

The Sin

Poor Poor Pitiful Me

I'll Sleep When I'm Dead

Bo Diddley's A Gunslinger

Bonus Tracks

Johnny Strikes Up The Band

Play It All Night Long

Frank And Jesse James

Hasten Down The Wind

Lançado em 31 de dezembro de 1980

ARC OF A DIVER

Steve Winwood

Houve um tempo em que fiquei muito interessado em Steve Winwood. Seu álbum Back In The High Life veio em um momento decisivo na minha vida. Eu estava interessado o suficiente para investir nele e em 'Talking Back To The Night', mas nunca me aventurei tanto no passado. Para ser honesto, é um material bem-sucedido, mas pouco exigente, em todos os três álbuns. A Wikipedia condena com elogios fracos sobre o sucesso de 'While You See A Chance', dizendo que foi bem-sucedido em 'estabelecê-lo como um ato solo viável. Todos como ele estavam no deserto por volta de 1980, pois o punk e a new wave supostamente varreram a velha guarda, então acho que o fato de ele estar de volta às paradas foi uma espécie de conquista.

While You See a Chance

Arc of a Diver

Second-Hand Woman

Slowdown Sundown

Spanish Dancer

Night Train

Dust

Lançado em 10 de dezembro de 1985

FINE YOUNG CANNIBALS

Fine Young Cannibals

Enfie esse abafador no seu trompete. Esta é uma estreia bem realizada, liderada pelo realmente fabuloso Johnny Come Home, mas a verdadeira atração do FYC foi a elasticidade das pernas de Andy Cox tocando guitarra. Certamente ele não fez isso no estúdio também?

Johnny Come Home

Couldn't Care More

Don't Ask Me to Choose

Funny How Love Is

Suspicious Minds

Blue

Move to Work

On a Promise

Time Isn't Kind

Like a Stranger

Lançado em 21 de dezembro de 2010

ALL YOU NEED IS NOW

Duran Duran

Nas palavras do imortal Jilted John "'Ere we go two, three four". Eu fiz minha penitência e finalmente estou no meu último álbum do Duran Duran. No entanto, parece que os caras vão me dar mais um teste antes de me libertarem. 

A faixa-título vem primeiro e é uma mistura de efeitos sonoros discordantes e a voz discordante de Simon Le Bon, agora bem documentada. O problema é que, por baixo de tudo isso, há uma música bastante clássica do DD. "Blame The Machines" pode ser uma tentativa de pop eletro-industrial no estilo Kraftwerk, com seus temas líricos e som geral, mas se for, não é um remendo nos barcos a remo alemães, muito caótico.

Uma coisa que eu direi sobre isso é que eles parecem estar felizes em pular na onda da nostalgia dos anos oitenta. Algumas das músicas são muito um retorno a esse som, 'Being Followed' é um exemplo. 'Leave A Light On' é um slowy tipo 'Save A Prayer'. 'Safe (In The Heat Of The Moment)' é funk-ee. Há um rap vocal feminino (que soa um pouco como Kelis em 'Milkshake') no começo antes de Simon entrar e tudo desmoronar. 'Girl Panic!' é um clássico direto do Duran Duran e, portanto, uma das melhores coisas aqui. 'A Diamond In The Mind' é uma peça presumivelmente artística com arranjo de cordas completo que dura 1:18. Não tenho ideia de seu propósito. 

Em um ato de literalismo descarado, 'The Man Who Stole A Leopard' parece ser sobre um homem que ilegalmente adquiriu um grande felino malhado. Termina com uma reportagem sobre esse efeito. 'Other People's Lives' segue muito bem. Aproxima-se de 'Passengers' de Iggy Pop em um ponto e é bem agradável. Ótimo refrão. 'Mediterranea' é mais uma tentativa de capturar a essência de 'Save A Prayer'. Finalmente, FINALMENTE, Simon começa a escrever uma música autobiográfica 'Too Bad You're So Beautiful' É disso que se trata, certo? Eles colocam outra música típica do estilo antigo com 'Runway Runaway', outro interlúdio instrumental desnecessário com 'Return to Now' e então terminam com a piegas 'Before the Rain'. Talvez eu nunca mais ouça Duran Duran.

All You Need Is Now

Blame the Machines

Being Followed

Leave a Light On

Safe (In the Heat of the Moment)

Girl Panic!

The Man Who Stole a Leopard

Runway Runaway

Before the Rain

Lançado em 18 de dezembro de 2020

McCARTNEY III

Paul McCartney

Então, a lógica por trás disso ser uma conclusão da trilogia de McCartney é que ele gravou em casa e tocou todos os instrumentos em I e II e, como ele faz o mesmo aqui, forma um conjunto. Isso meio que faz sentido, mas você não tem a impressão de que ele planejou dessa forma em 1970 (e ele fez o mesmo em alguns dos álbuns intermediários também). Você também pode pensar que eles estão ligados por terem sido gravados em tempos turbulentos. McCartney I seguiu a separação dos Beatles e McCartney II estava no meio da dissolução do Wings. A abordagem adotada para McCartney III foi ditada pelo Coronavírus, embora sua explicação tenha tendido a dizer que ele estava apenas brincando em casa e o álbum meio que surgiu.

Seja qual for a razão, é algo de um sucesso. Ele pode estar voltando ao seu trabalho como The Fireman, ele está feliz o suficiente para brincar com batidas e letras repetidas ligeiramente trancy, como em 'Deep Deep Feeling' e 'Deep Down' de oito minutos e meio

Ele também está feliz em voltar ao tipo de coisa que fazia em meados dos anos 60, quando estava em uma banda. "Lavatory Lil" soa como uma música dos Beatles em todos os sentidos. Enquanto "Women and Wives" lembra uma música recente de Johnny Cash.

O falsete em músicas como "The Kiss Of Venus" expõe um pouco sua idade, mas não chega a ser um empecilho, e quando ele entra no refrão da ultra cativante "Find My Way", parece perfeitamente correto. 

Olhando para trás, Egypt Station agora parece um pouco decepcionante em comparação, e isso sugere que Macca realmente está melhor deixado por conta própria.

Long Tailed Winter Bird

Find My Way

Pretty Boys

Women and Wives

Lavatory Lil

Deep Deep Feeling

Slidin'

The Kiss of Venus

Seize the Day

Deep Down

Winter Bird / When Winter Comes

Rock Progressivo Britanico de 1970, parte 2 (Yes, Emerson, Lake & Palmer)

 1970 foi um ano de álbuns iniciais para quase todas as bandas do gênero iniciante de rock progressivo britânico. Muitos dos grupos nesta série de artigos lançaram seu álbum de estreia ou um segundo álbum que rompeu com os conceitos tradicionais de pop e rock em um esforço mais ambicioso. Este também é o caso das bandas abordadas aqui, ambas muito em breve se tornarão sinônimos do gênero.

Yes  – Time and a Word

Em julho de 1970, o Yes lançou seu segundo álbum Time and a Word. Foi um grande passo à frente de sua estreia homônima um ano antes. Inspirando-se em bandas como The Moody Blues, Deep Purple e The Nice, eles decidiram incorporar uma orquestra em sua música. Eles contrataram alunos do Royal College of Music e os serviços do arranjador Tony Cox. Em 1970, Cox também arranjou e produziu o álbum Jo Sago do Tea and Symphony e o excelente álbum On the Shore do Trees. Em 1982, Jon Anderson disse sobre esse desenvolvimento: "Eu tinha alto-falantes no fundo da minha cama, tocando música clássica o tempo todo. Então, em um ouvido havia rock, e no outro ouvido estavam os clássicos. Eu estava interessado em abrir o som da banda, desenvolvendo um som de cordas, e conversamos sobre tentar o mellotron, mas achamos que ele só tinha um certo som e que se relacionava apenas a um certo tipo de música. Nós tentamos algumas vezes, então decidimos usar músicos de verdade, cordas, metais e coisas assim.”

Time and a Word, capa frontal do Reino Unido

No final de 1969 e início de 1970, o Yes gravou o álbum no estúdio Advision em Londres. Phil Carson, que era diretor musical da Atlantic Records no Reino Unido e um grande fã do Yes, trouxe um jovem engenheiro que começaria uma carreira brilhante com músicos de rock progressivo no início dos anos 1970. Ele relembra: “Contratei Eddie Offord porque eu costumava produzir covers de sucessos pop da época para a Saga Records. Eu sempre usava Eddie quando trabalhávamos no Advision Studios. Eu reservava o estúdio para uma sessão tardia, trazia um rolo de fita de oito faixas e terminava um álbum em uma noite! Contanto que saíssemos do prédio às 6 da manhã antes que os faxineiros chegassem, estávamos bem. Eddie e eu fizemos vários álbuns assim. Lembro-me de uma versão econômica de Hair que fizemos durante a noite com estudantes de instrumentos de corda. Então eu sabia que Eddie era um engenheiro brilhante.” Offord continuaria a produzir os álbuns-obra-prima da banda, Fragile e Close to the Edge.

Eddie Offord

Em 28 de março de 1970, após retornar de uma turnê pela Escandinávia com The Small Faces, o Yes se apresentou no Queen Elizabeth Hall. Eles foram acompanhados na segunda metade do concerto por uma orquestra jovem de 20 peças, tocando peças de Time and a Word. O concerto foi resenhado no Melody Maker, dizendo: “O Yes obteve um sucesso considerável com seu primeiro grande concerto solo. Eles tentaram um experimento corajoso com cordas e metais adicionados, conduzidos por Tony Cox. Embora tenha sofrido com problemas de amplificação, o grupo marcou o tempo todo tocando em um pico que rendeu uma espécie de reação do público de 'ruptura musical' que marca o ponto em que um grupo 'chegou'.”

A orquestra é bastante proeminente ao longo do álbum, adicionando floreios dramáticos a muitas das músicas. Um bom exemplo é o cover interessante de Everydays, uma música escrita por Stephen Stills para o álbum de 1967 Buffalo Springfield Again. Ray Davis, do Kinks, ao ouvir a música em um teste de olhos vendados em 1970: “Bom – eu gosto das cordas no começo. É muito difícil conseguir esse som. Parece Cleo Laine – provavelmente foi feito para soar como aquele sujeito do The Zombies. É uma trilha sonora?”

O guitarrista Peter Banks, que toca um solo de guitarra fantástico nessa música, tinha reservas sobre o uso da orquestra, e ele entrou em conflito com o produtor Tony Colton sobre diferenças musicais. Mais tarde, ele disse sobre o álbum: "Apesar dos problemas que tive com o produtor e de não gostar da seção de cordas, o álbum em si não é ruim e há um bom trabalho lá e nada do que eu tenha vergonha." Pouco depois que a banda terminou a gravação do álbum e antes de seu lançamento, Peter Banks estava fora da banda. Steve Howe se juntou, e está presente nos vídeos promocionais que a banda filmou para algumas das músicas do álbum.

Yes, 1970

A revista Beat Instrumental escreveu em outubro de 1970, “O disco realmente é notavelmente bom. O grupo recrutou a ajuda de um suplemento orquestral para produzir um álbum integrado de bela precisão, coragem e alegria. A Atlantic Records deve estar muito satisfeita.” Os distribuidores americanos acharam a capa do álbum suficientemente indecente para jovens inocentes do outro lado do oceano, que a substituíram por uma foto da banda com o novo guitarrista Steve Howe.

Time and a Word, capa dos EUA

O baterista Bill Bruford discutiu o tópico da música progressiva da banda e seu impacto nos ouvintes: “O público não deveria estar ciente do que está acontecendo; eles deveriam apenas obter um efeito, eles não deveriam saber como é feito. Se eles estão dizendo 'ah, eles perderam aquela crotchet lá fora, oh, isso é três-quatro mudando para cinco-quatro', em vez de apenas sentir que há algo acontecendo no clima da música ajudando a coisa toda, então você cometeu um erro.” Bruford foi um verdadeiro oráculo quando disse à Melody Maker em 1970: “A diferença entre o primeiro e o segundo LP é imensa. Consequentemente, prevejo uma grande melhoria entre o segundo e o terceiro.” Esse terceiro seria lançado em 1971 – o álbum Yes, com Steve Howe na formação, um clássico do rock progressivo.

Jon Anderson – vocal principal, percussão

Peter Banks – guitarra elétrica e acústica, backing vocals

Chris Squire – baixo, backing vocals

Tony Kaye – órgão Hammond, piano

Bill Bruford – bateria, percussão

Aqui está um clipe filmado para a música Then de 1970, com Steve Howe no grupo, e uma troca de instrumentos entre o tecladista Tony Kaye e o baixista Chris Squire:

Emerson, Lake and Palmer – Álbum de estreia autointitulado

A segunda parte deste artigo é dedicada a um supergrupo de três grandes músicos que deixaram suas respectivas bandas para formar uma das principais bandas do rock progressivo. Estamos falando, é claro, de Keith Emerson, Greg Lake e Carl Palmer, conhecidos coletivamente como Emerson, Lake e Palmer, ou ELP.

A semente para a formação do trio foi plantada quando The Nice e King Crimson dividiram o palco como bandas de abertura do Chambers Brothers em dezembro de 1969 no Fillmore West, em São Francisco.

Keith Emerson (The Nice) abordou Greg Lake (King Crimson) durante as 4 noites desses shows, com a ideia de formar um novo trio. Emerson chegou a um impasse com sua banda The Nice, mas queria manter o formato de trio com outros músicos, como ele explicou em uma entrevista: “O verdadeiro motivo é que eu nunca me imaginaria tocando com outro solista, e qualquer instrumento adicional na banda seria um instrumento solo. Nunca toquei com um bom solista na minha vida. Talvez se ele fosse realmente simpático à minha carreira e eu à dele, daria certo, mas no momento não vou correr esse risco.” Greg Lake não precisou de muita persuasão para aceitar a oferta de Emerson: “Sempre gostei da forma como Keith tocava desde o primeiro LP do Nice. Na verdade, os dois solistas que mais admiro são Jimi Hendrix e Keith. Tocar com ele era exatamente o que eu queria, então, quando a abordagem chegou, aceitei imediatamente.” O trio foi completado pelo baterista Carl Palmer, que veio da banda Atomic Rooster por recomendação do empresário Robert Stigwood.

Da direita para a esquerda: Keith Emerson, Greg Lake, Carl Palmer

A banda começou a ensaiar na primavera de 1970, depois que Emerson concluiu as tarefas restantes de apresentação ao vivo com o Nice. Eles começaram a interpretar algumas músicas de suas respectivas bandas anteriores, incluindo Rondo do terceiro álbum do The Nice e 21 st Century Schizoid Man da estreia do King Crimson. Eles também começaram a trabalhar em uma versão de Pictures at an Exhibition, de Modest Mussorgsky. Chris Welch visitou a banda em uma sala de ensaio e escreveu no Melody Maker, maio de 1970: “Ao ouvi-los em seu covil, eles estavam lutando com uma peça de música contemporânea de Bela Bartok, que soava bastante notável em suas mãos hábeis. Eles pararam para uma conversa profunda sobre a colocação de acentos, Keith olhando através de seu piano de cauda para Carl se concentrando furiosamente em padrões de bateria.” Emerson, sempre em busca de música clássica que pudesse fazer sua, disse mais tarde: "O número de Bartok vem de uma partitura que encontrei em casa e se chama Alegro Barbaro". Mais tarde, tornou-se a música de abertura de sua estreia, intitulada The Barbarian.

Em agosto de 1970, a banda fez seu primeiro show ao vivo em um pequeno local em Plymouth. Eles ainda não eram conhecidos como uma unidade, mas sim como três indivíduos que já haviam tocado em outras bandas. Mas apenas seis dias depois, seu segundo show provou ser uma experiência totalmente diferente. Em 29 de agosto, eles subiram ao palco na frente de 600.000 pessoas no Isle of Wight Festival entre os sets de Ten Years After e The Doors. Depois de um show energético que incluiu uma interpretação de 34 minutos de Pictures at an Exhibition de Mussorgsky, eles nunca olharam para trás. Lake disse sobre o evento: "Foi o maior show que qualquer um de nós já tinha feito. No dia seguinte, éramos mundialmente famosos."

Chris Welch visitou a banda novamente pouco antes deste show marcante, e relatou: “Keith disse: 'Tocaremos uma peça baseada em Pictures at an Exhibition, que terá algumas das fotos de Mussorgsky e algumas nossas. Quando foi escrita pela primeira vez, havia algumas harmonias usadas que são muito relevantes para a música de hoje, mas eram muito exigentes na época.' Carl: 'Lançamos 21st Century Schizoid Man – depois que gastei o LP tentando aprender a parte da bateria!'”

O álbum de estreia autointitulado do ELP foi lançado três meses após aquela apresentação marcante. É uma conquista incrível de três excelentes músicos que acabaram de começar a tocar juntos. Eles conseguem soar coesos apesar da natureza complexa da música. Com base na força de sua apresentação na Ilha de Wight, o álbum foi bem e, embora John Peel o tenha chamado de "uma completa perda de tempo, talento e eletricidade", ele alcançou o top 4 na parada de álbuns do Reino Unido e o top 20 na parada de LPs da Billboard.

Minha faixa favorita do álbum é Take a Pebble, uma das primeiras composições que Emerson e Lake escreveram juntos e ensaiaram antes de Palmer se juntar ao grupo. A peça foi apresentada na Ilha de Wight e deixou o público atordoado. Com toda a pirotecnia que Keith Emerson demonstra no órgão Moog e Hammond neste álbum, sua execução de piano nesta peça não é menos interessante e virtuosa. Os interlúdios instrumentais com o trio tocando instrumentos acústicos provam que o rock progressivo não é sobre guitarra e teclado, mas sobre musicalidade.

O som único na abertura da música é criado ao dedilhar as cordas do piano com uma palheta de violão. Keith Emerson falou sobre uma de suas primeiras influências, o compositor clássico moderno John Cage: “Eu estava ciente de John Cage, que estava enfiando coisas dentro de um piano, como bolas de pingue-pongue e várias outras coisas, então pensei que isso seria um alívio leve do que eu estava tendo que aprender. Eu experimentei isso algumas vezes, até que fui repreendido pelo professor de música da escola – você sabe, 'Você não tem permissão para fazer isso!' Mas eu fui persistente, pensei, bem, se você não tem permissão para fazer algo, eu vou muito bem em frente e faço!”

Keith Emerson e Greg Lake

Eu sempre gostei do lado lírico do ELP, embora com toda a música bombástica que eles fizeram, tenha se tornado difícil encontrar esses momentos. Esse lado da música deles geralmente vinha das contribuições de Greg Lake. Lake já demonstrou sua habilidade para melodia na estreia do King Crimson, escrevendo as linhas da melodia para Epitaph e In the Court of The Crimson King, além do riff para 21st Century Schizoid Man. Alguns dos momentos mais duradouros do ELP são as músicas que Lake escreveu, incluindo Lucky Man, Sage, From the Beginning e Still…. You Turn Me On. Take A Pebble é uma ótima vitrine das composições, canto e guitarra de Lake. Em um artigo de novembro de 1970 no Melody Maker, ele disse isso sobre a música: "Eu escrevi isso depois do Natal com Keith, quando éramos apenas nós dois e Carl não tinha se juntado a nós. Começou como uma coisa de violão folk, então Keith adicionou piano e eu usei um baixo. Os solos não estavam lá para começar, mas Keith escreveu um solo e eu decidi colocar um solo de guitarra também. Era um solo que eu tinha escrito há cerca de cinco anos e nunca tive a chance de usar antes.” Lake costumava tocar uma guitarra Gibson Jumbo nos primeiros dias, depois adicionando guitarras Martin ao seu arsenal. Seu trabalho de violão acústico e som sempre forneciam uma ótima transição dos solos de Hammond, órgão de igreja ou Moog de Emerson.

Chris Welch mencionou a melodia no Melody Maker após visitar o ELP no estúdio: “Eles tocaram um número lindo chamado Pebbles que soava como um rock-MJQ (Modern Jazz Quartet), com Carl nas vassourinhas, Keith no piano e Greg cantando em um estilo rico e caloroso”. Referenciar o Modern Jazz Quartet não é uma má escolha. Antes das facas, ginástica de palco e pianos giratórios, aqui está Take a Pebble do primeiro disco do ELP.

Não podemos analisar o álbum de estreia do ELP sem falar sobre o sintetizador Moog. O álbum fechou com uma música que colocou o instrumento eletrônico pioneiro na vanguarda do gênero emergente do rock progressivo. O solo no final de Lucky Man está para sempre gravado na memória dos amantes da música daquele período, quer eles saibam que foi tocado no Moog ou não.

Keith Emerson ouviu o Moog pela primeira vez, como muitos outros ouvintes, através do disco inovador Switched-On Bach de Walter Carlos. Quando ele visitou uma loja de discos no Soho, o dono da loja disse a ele: "Bem, você fez o Brandenburg 3. Dê uma olhada nisso", e começou a tocar o álbum. Emerson ficou chocado, e então olhou para a capa do álbum. "Havia um cavalheiro vestido com uma roupa barroca e uma coisa que parecia uma mesa telefônica. Então eu disse: 'O que é isso?' E ele disse: 'Esse é o sintetizador Moog.'"

Não havia muitos sintetizadores Moog na Inglaterra na época, mas um era de propriedade de Mike Vickers do grupo Manfred Mann. Emerson tentou tocá-lo e falhou miseravelmente, percebendo que estava tocando um instrumento monofônico quando Vickers disse: "Você não pode tocar acordes nele, você só pode tocar uma nota de cada vez". Mas Emerson rapidamente ajustou sua execução para acomodar a deficiência do instrumento, usando os controles de portamento e pitch bending para enriquecer os solos altos que ele distribuía. Emerson disse na época desta nova descoberta: "Quando comecei a tocar piano, progredi até um certo estágio em que descobri que queria avançar para os limites mais amplos do órgão. Agora, com o órgão, sinto que fiz praticamente tudo o que pode ser feito com ele e, para mim, o Moog é o próximo passo".

O Moog fez sua primeira aparição ao vivo com Keith Emerson nos shows finais do The Nice na primavera de 1970, com Vickers à disposição para lidar com a difícil tarefa de remendar os vários módulos com cabos de conexão. Emerson tocou 'Assim Falou Zaratustra' de Richard Strauss, na época se tornando bastante popular com seu uso no tema do filme 2001: Uma Odisseia no Espaço de Stanley Kubrick. Mais tarde naquele ano, o Moog fez uma contribuição gloriosa no álbum de estreia do ELP, na seção final da música Tank e no solo icônico em Lucky Man.

Keith Emerson com um Moog Modular

Na época em que o ELP gravou sua estreia, Emerson conseguiu comprar seu próprio Moog. Quando ele pôs as mãos no complexo emaranhado de módulos e cabos, ele nem sabia como ligá-lo. Vickers, que também era distribuidor do Moog no Reino Unido na época, veio novamente para o resgate: "Mike me respondeu uma semana depois e disse: 'Sim, foi complicado, mas eu tenho seis sons.' E esses seis sons se tornaram a base do som do ELP, na verdade, quero dizer, eu trabalhei com isso, particularmente na gravação de Pictures at an Exhibition e Lucky Man." É incrível pensar que durante a produção do álbum, o instrumento gigantesco foi programado para produzir apenas seis sons únicos. Mas às vezes menos é mais.

Por mais icônico que seja o solo em Lucky Man, Emerson não ficou satisfeito com ele. Ele conta a história: “Eles passaram pela fita, e eu estava realmente apenas curtindo. Recebi o sinal positivo da sala de controle. Ótimo! O olhar de excitação em seus rostos. 'O quê? O que você quer dizer?' 'É isso, cara, é esse!' Eu disse: 'Não, não, não, isso é horrível', eu disse: 'Deixe-me tentar de novo'. E Greg estava dizendo: 'Nenhum homem, entre e ouça, é inacreditável'. Então eu fui e ouvi e disse: 'Não posso fazer mais uma? Tem uma faixa adicional?' 'Não, cara, todas as faixas foram usadas, não podemos usar mais nenhuma. Esse é o solo!' Então eu fiquei arrasado. Esse é um solo com o qual tive que viver!'”. Nada mal para um solo ruim. Termina com o Moog panoramizando do alto-falante esquerdo para o direito, uma faixa de demonstração favorita em lojas de sistemas de alta fidelidade estéreo.