1970 foi um ano de álbuns iniciais para quase todas as bandas do gênero iniciante de rock progressivo britânico. Muitos dos grupos nesta série de artigos lançaram seu álbum de estreia ou um segundo álbum que rompeu com os conceitos tradicionais de pop e rock em um esforço mais ambicioso. Este também é o caso das bandas abordadas aqui, ambas muito em breve se tornarão sinônimos do gênero.
Yes – Time and a Word
Em julho de 1970, o Yes lançou seu segundo álbum Time and a Word. Foi um grande passo à frente de sua estreia homônima um ano antes. Inspirando-se em bandas como The Moody Blues, Deep Purple e The Nice, eles decidiram incorporar uma orquestra em sua música. Eles contrataram alunos do Royal College of Music e os serviços do arranjador Tony Cox. Em 1970, Cox também arranjou e produziu o álbum Jo Sago do Tea and Symphony e o excelente álbum On the Shore do Trees. Em 1982, Jon Anderson disse sobre esse desenvolvimento: "Eu tinha alto-falantes no fundo da minha cama, tocando música clássica o tempo todo. Então, em um ouvido havia rock, e no outro ouvido estavam os clássicos. Eu estava interessado em abrir o som da banda, desenvolvendo um som de cordas, e conversamos sobre tentar o mellotron, mas achamos que ele só tinha um certo som e que se relacionava apenas a um certo tipo de música. Nós tentamos algumas vezes, então decidimos usar músicos de verdade, cordas, metais e coisas assim.”
No final de 1969 e início de 1970, o Yes gravou o álbum no estúdio Advision em Londres. Phil Carson, que era diretor musical da Atlantic Records no Reino Unido e um grande fã do Yes, trouxe um jovem engenheiro que começaria uma carreira brilhante com músicos de rock progressivo no início dos anos 1970. Ele relembra: “Contratei Eddie Offord porque eu costumava produzir covers de sucessos pop da época para a Saga Records. Eu sempre usava Eddie quando trabalhávamos no Advision Studios. Eu reservava o estúdio para uma sessão tardia, trazia um rolo de fita de oito faixas e terminava um álbum em uma noite! Contanto que saíssemos do prédio às 6 da manhã antes que os faxineiros chegassem, estávamos bem. Eddie e eu fizemos vários álbuns assim. Lembro-me de uma versão econômica de Hair que fizemos durante a noite com estudantes de instrumentos de corda. Então eu sabia que Eddie era um engenheiro brilhante.” Offord continuaria a produzir os álbuns-obra-prima da banda, Fragile e Close to the Edge.
Em 28 de março de 1970, após retornar de uma turnê pela Escandinávia com The Small Faces, o Yes se apresentou no Queen Elizabeth Hall. Eles foram acompanhados na segunda metade do concerto por uma orquestra jovem de 20 peças, tocando peças de Time and a Word. O concerto foi resenhado no Melody Maker, dizendo: “O Yes obteve um sucesso considerável com seu primeiro grande concerto solo. Eles tentaram um experimento corajoso com cordas e metais adicionados, conduzidos por Tony Cox. Embora tenha sofrido com problemas de amplificação, o grupo marcou o tempo todo tocando em um pico que rendeu uma espécie de reação do público de 'ruptura musical' que marca o ponto em que um grupo 'chegou'.”
A orquestra é bastante proeminente ao longo do álbum, adicionando floreios dramáticos a muitas das músicas. Um bom exemplo é o cover interessante de Everydays, uma música escrita por Stephen Stills para o álbum de 1967 Buffalo Springfield Again. Ray Davis, do Kinks, ao ouvir a música em um teste de olhos vendados em 1970: “Bom – eu gosto das cordas no começo. É muito difícil conseguir esse som. Parece Cleo Laine – provavelmente foi feito para soar como aquele sujeito do The Zombies. É uma trilha sonora?”
O guitarrista Peter Banks, que toca um solo de guitarra fantástico nessa música, tinha reservas sobre o uso da orquestra, e ele entrou em conflito com o produtor Tony Colton sobre diferenças musicais. Mais tarde, ele disse sobre o álbum: "Apesar dos problemas que tive com o produtor e de não gostar da seção de cordas, o álbum em si não é ruim e há um bom trabalho lá e nada do que eu tenha vergonha." Pouco depois que a banda terminou a gravação do álbum e antes de seu lançamento, Peter Banks estava fora da banda. Steve Howe se juntou, e está presente nos vídeos promocionais que a banda filmou para algumas das músicas do álbum.
A revista Beat Instrumental escreveu em outubro de 1970, “O disco realmente é notavelmente bom. O grupo recrutou a ajuda de um suplemento orquestral para produzir um álbum integrado de bela precisão, coragem e alegria. A Atlantic Records deve estar muito satisfeita.” Os distribuidores americanos acharam a capa do álbum suficientemente indecente para jovens inocentes do outro lado do oceano, que a substituíram por uma foto da banda com o novo guitarrista Steve Howe.
O baterista Bill Bruford discutiu o tópico da música progressiva da banda e seu impacto nos ouvintes: “O público não deveria estar ciente do que está acontecendo; eles deveriam apenas obter um efeito, eles não deveriam saber como é feito. Se eles estão dizendo 'ah, eles perderam aquela crotchet lá fora, oh, isso é três-quatro mudando para cinco-quatro', em vez de apenas sentir que há algo acontecendo no clima da música ajudando a coisa toda, então você cometeu um erro.” Bruford foi um verdadeiro oráculo quando disse à Melody Maker em 1970: “A diferença entre o primeiro e o segundo LP é imensa. Consequentemente, prevejo uma grande melhoria entre o segundo e o terceiro.” Esse terceiro seria lançado em 1971 – o álbum Yes, com Steve Howe na formação, um clássico do rock progressivo.
Jon Anderson – vocal principal, percussão
Peter Banks – guitarra elétrica e acústica, backing vocals
Chris Squire – baixo, backing vocals
Tony Kaye – órgão Hammond, piano
Bill Bruford – bateria, percussão
Aqui está um clipe filmado para a música Then de 1970, com Steve Howe no grupo, e uma troca de instrumentos entre o tecladista Tony Kaye e o baixista Chris Squire:
Emerson, Lake and Palmer – Álbum de estreia autointitulado
A segunda parte deste artigo é dedicada a um supergrupo de três grandes músicos que deixaram suas respectivas bandas para formar uma das principais bandas do rock progressivo. Estamos falando, é claro, de Keith Emerson, Greg Lake e Carl Palmer, conhecidos coletivamente como Emerson, Lake e Palmer, ou ELP.
A semente para a formação do trio foi plantada quando The Nice e King Crimson dividiram o palco como bandas de abertura do Chambers Brothers em dezembro de 1969 no Fillmore West, em São Francisco.
Keith Emerson (The Nice) abordou Greg Lake (King Crimson) durante as 4 noites desses shows, com a ideia de formar um novo trio. Emerson chegou a um impasse com sua banda The Nice, mas queria manter o formato de trio com outros músicos, como ele explicou em uma entrevista: “O verdadeiro motivo é que eu nunca me imaginaria tocando com outro solista, e qualquer instrumento adicional na banda seria um instrumento solo. Nunca toquei com um bom solista na minha vida. Talvez se ele fosse realmente simpático à minha carreira e eu à dele, daria certo, mas no momento não vou correr esse risco.” Greg Lake não precisou de muita persuasão para aceitar a oferta de Emerson: “Sempre gostei da forma como Keith tocava desde o primeiro LP do Nice. Na verdade, os dois solistas que mais admiro são Jimi Hendrix e Keith. Tocar com ele era exatamente o que eu queria, então, quando a abordagem chegou, aceitei imediatamente.” O trio foi completado pelo baterista Carl Palmer, que veio da banda Atomic Rooster por recomendação do empresário Robert Stigwood.
A banda começou a ensaiar na primavera de 1970, depois que Emerson concluiu as tarefas restantes de apresentação ao vivo com o Nice. Eles começaram a interpretar algumas músicas de suas respectivas bandas anteriores, incluindo Rondo do terceiro álbum do The Nice e 21 st Century Schizoid Man da estreia do King Crimson. Eles também começaram a trabalhar em uma versão de Pictures at an Exhibition, de Modest Mussorgsky. Chris Welch visitou a banda em uma sala de ensaio e escreveu no Melody Maker, maio de 1970: “Ao ouvi-los em seu covil, eles estavam lutando com uma peça de música contemporânea de Bela Bartok, que soava bastante notável em suas mãos hábeis. Eles pararam para uma conversa profunda sobre a colocação de acentos, Keith olhando através de seu piano de cauda para Carl se concentrando furiosamente em padrões de bateria.” Emerson, sempre em busca de música clássica que pudesse fazer sua, disse mais tarde: "O número de Bartok vem de uma partitura que encontrei em casa e se chama Alegro Barbaro". Mais tarde, tornou-se a música de abertura de sua estreia, intitulada The Barbarian.
Em agosto de 1970, a banda fez seu primeiro show ao vivo em um pequeno local em Plymouth. Eles ainda não eram conhecidos como uma unidade, mas sim como três indivíduos que já haviam tocado em outras bandas. Mas apenas seis dias depois, seu segundo show provou ser uma experiência totalmente diferente. Em 29 de agosto, eles subiram ao palco na frente de 600.000 pessoas no Isle of Wight Festival entre os sets de Ten Years After e The Doors. Depois de um show energético que incluiu uma interpretação de 34 minutos de Pictures at an Exhibition de Mussorgsky, eles nunca olharam para trás. Lake disse sobre o evento: "Foi o maior show que qualquer um de nós já tinha feito. No dia seguinte, éramos mundialmente famosos."
Chris Welch visitou a banda novamente pouco antes deste show marcante, e relatou: “Keith disse: 'Tocaremos uma peça baseada em Pictures at an Exhibition, que terá algumas das fotos de Mussorgsky e algumas nossas. Quando foi escrita pela primeira vez, havia algumas harmonias usadas que são muito relevantes para a música de hoje, mas eram muito exigentes na época.' Carl: 'Lançamos 21st Century Schizoid Man – depois que gastei o LP tentando aprender a parte da bateria!'”
O álbum de estreia autointitulado do ELP foi lançado três meses após aquela apresentação marcante. É uma conquista incrível de três excelentes músicos que acabaram de começar a tocar juntos. Eles conseguem soar coesos apesar da natureza complexa da música. Com base na força de sua apresentação na Ilha de Wight, o álbum foi bem e, embora John Peel o tenha chamado de "uma completa perda de tempo, talento e eletricidade", ele alcançou o top 4 na parada de álbuns do Reino Unido e o top 20 na parada de LPs da Billboard.
Minha faixa favorita do álbum é Take a Pebble, uma das primeiras composições que Emerson e Lake escreveram juntos e ensaiaram antes de Palmer se juntar ao grupo. A peça foi apresentada na Ilha de Wight e deixou o público atordoado. Com toda a pirotecnia que Keith Emerson demonstra no órgão Moog e Hammond neste álbum, sua execução de piano nesta peça não é menos interessante e virtuosa. Os interlúdios instrumentais com o trio tocando instrumentos acústicos provam que o rock progressivo não é sobre guitarra e teclado, mas sobre musicalidade.
O som único na abertura da música é criado ao dedilhar as cordas do piano com uma palheta de violão. Keith Emerson falou sobre uma de suas primeiras influências, o compositor clássico moderno John Cage: “Eu estava ciente de John Cage, que estava enfiando coisas dentro de um piano, como bolas de pingue-pongue e várias outras coisas, então pensei que isso seria um alívio leve do que eu estava tendo que aprender. Eu experimentei isso algumas vezes, até que fui repreendido pelo professor de música da escola – você sabe, 'Você não tem permissão para fazer isso!' Mas eu fui persistente, pensei, bem, se você não tem permissão para fazer algo, eu vou muito bem em frente e faço!”
Eu sempre gostei do lado lírico do ELP, embora com toda a música bombástica que eles fizeram, tenha se tornado difícil encontrar esses momentos. Esse lado da música deles geralmente vinha das contribuições de Greg Lake. Lake já demonstrou sua habilidade para melodia na estreia do King Crimson, escrevendo as linhas da melodia para Epitaph e In the Court of The Crimson King, além do riff para 21st Century Schizoid Man. Alguns dos momentos mais duradouros do ELP são as músicas que Lake escreveu, incluindo Lucky Man, Sage, From the Beginning e Still…. You Turn Me On. Take A Pebble é uma ótima vitrine das composições, canto e guitarra de Lake. Em um artigo de novembro de 1970 no Melody Maker, ele disse isso sobre a música: "Eu escrevi isso depois do Natal com Keith, quando éramos apenas nós dois e Carl não tinha se juntado a nós. Começou como uma coisa de violão folk, então Keith adicionou piano e eu usei um baixo. Os solos não estavam lá para começar, mas Keith escreveu um solo e eu decidi colocar um solo de guitarra também. Era um solo que eu tinha escrito há cerca de cinco anos e nunca tive a chance de usar antes.” Lake costumava tocar uma guitarra Gibson Jumbo nos primeiros dias, depois adicionando guitarras Martin ao seu arsenal. Seu trabalho de violão acústico e som sempre forneciam uma ótima transição dos solos de Hammond, órgão de igreja ou Moog de Emerson.
Chris Welch mencionou a melodia no Melody Maker após visitar o ELP no estúdio: “Eles tocaram um número lindo chamado Pebbles que soava como um rock-MJQ (Modern Jazz Quartet), com Carl nas vassourinhas, Keith no piano e Greg cantando em um estilo rico e caloroso”. Referenciar o Modern Jazz Quartet não é uma má escolha. Antes das facas, ginástica de palco e pianos giratórios, aqui está Take a Pebble do primeiro disco do ELP.
Não podemos analisar o álbum de estreia do ELP sem falar sobre o sintetizador Moog. O álbum fechou com uma música que colocou o instrumento eletrônico pioneiro na vanguarda do gênero emergente do rock progressivo. O solo no final de Lucky Man está para sempre gravado na memória dos amantes da música daquele período, quer eles saibam que foi tocado no Moog ou não.
Keith Emerson ouviu o Moog pela primeira vez, como muitos outros ouvintes, através do disco inovador Switched-On Bach de Walter Carlos. Quando ele visitou uma loja de discos no Soho, o dono da loja disse a ele: "Bem, você fez o Brandenburg 3. Dê uma olhada nisso", e começou a tocar o álbum. Emerson ficou chocado, e então olhou para a capa do álbum. "Havia um cavalheiro vestido com uma roupa barroca e uma coisa que parecia uma mesa telefônica. Então eu disse: 'O que é isso?' E ele disse: 'Esse é o sintetizador Moog.'"
Não havia muitos sintetizadores Moog na Inglaterra na época, mas um era de propriedade de Mike Vickers do grupo Manfred Mann. Emerson tentou tocá-lo e falhou miseravelmente, percebendo que estava tocando um instrumento monofônico quando Vickers disse: "Você não pode tocar acordes nele, você só pode tocar uma nota de cada vez". Mas Emerson rapidamente ajustou sua execução para acomodar a deficiência do instrumento, usando os controles de portamento e pitch bending para enriquecer os solos altos que ele distribuía. Emerson disse na época desta nova descoberta: "Quando comecei a tocar piano, progredi até um certo estágio em que descobri que queria avançar para os limites mais amplos do órgão. Agora, com o órgão, sinto que fiz praticamente tudo o que pode ser feito com ele e, para mim, o Moog é o próximo passo".
O Moog fez sua primeira aparição ao vivo com Keith Emerson nos shows finais do The Nice na primavera de 1970, com Vickers à disposição para lidar com a difícil tarefa de remendar os vários módulos com cabos de conexão. Emerson tocou 'Assim Falou Zaratustra' de Richard Strauss, na época se tornando bastante popular com seu uso no tema do filme 2001: Uma Odisseia no Espaço de Stanley Kubrick. Mais tarde naquele ano, o Moog fez uma contribuição gloriosa no álbum de estreia do ELP, na seção final da música Tank e no solo icônico em Lucky Man.
Na época em que o ELP gravou sua estreia, Emerson conseguiu comprar seu próprio Moog. Quando ele pôs as mãos no complexo emaranhado de módulos e cabos, ele nem sabia como ligá-lo. Vickers, que também era distribuidor do Moog no Reino Unido na época, veio novamente para o resgate: "Mike me respondeu uma semana depois e disse: 'Sim, foi complicado, mas eu tenho seis sons.' E esses seis sons se tornaram a base do som do ELP, na verdade, quero dizer, eu trabalhei com isso, particularmente na gravação de Pictures at an Exhibition e Lucky Man." É incrível pensar que durante a produção do álbum, o instrumento gigantesco foi programado para produzir apenas seis sons únicos. Mas às vezes menos é mais.
Por mais icônico que seja o solo em Lucky Man, Emerson não ficou satisfeito com ele. Ele conta a história: “Eles passaram pela fita, e eu estava realmente apenas curtindo. Recebi o sinal positivo da sala de controle. Ótimo! O olhar de excitação em seus rostos. 'O quê? O que você quer dizer?' 'É isso, cara, é esse!' Eu disse: 'Não, não, não, isso é horrível', eu disse: 'Deixe-me tentar de novo'. E Greg estava dizendo: 'Nenhum homem, entre e ouça, é inacreditável'. Então eu fui e ouvi e disse: 'Não posso fazer mais uma? Tem uma faixa adicional?' 'Não, cara, todas as faixas foram usadas, não podemos usar mais nenhuma. Esse é o solo!' Então eu fiquei arrasado. Esse é um solo com o qual tive que viver!'”. Nada mal para um solo ruim. Termina com o Moog panoramizando do alto-falante esquerdo para o direito, uma faixa de demonstração favorita em lojas de sistemas de alta fidelidade estéreo.
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