1970 foi um ótimo ano para gravadoras pequenas, ambiciosas e com visão de futuro. Lançando álbuns sob o guarda-chuva muito amplo do rock progressivo, essas gravadoras atendiam ao crescente interesse entre os jovens por músicas que não se conformavam com os clichês da música popular. Em alguns casos, essas gravadoras eram pequenas subsidiárias dos grandes nomes: Deram da Decca, Vertigo da Phillips, Harvest da EMI. Outras eram gravadoras independentes: Island Records, Chrysalis Records e uma que iniciará esta série de artigos com uma série de álbuns lançados em 1970: Charisma Records, ou mais conhecida como The Famous Charisma Label.
Tony Stratton-Smith, ou Strat para as pessoas que o conheciam bem, era um escritor esportivo, jornalista, autor e fã de corridas de cavalos antes de se tornar empresário de atos musicais, incluindo The Nice e Bonzo Dog Doo Dah Band. Quando ele decidiu começar sua própria gravadora, seu modelo de negócios era o da Motown de Berry Gordy – reunir gestão, agência e A&R, tudo sob o mesmo teto. O agente de reservas da Charisma, Paul Conroy, lembra: “A Charisma era uma gravadora incrível. Era a visão e o gosto eclético de Strat para artistas, administrado por um bando de pessoas talentosas que fizeram muitas outras coisas. Strat era um excêntrico muito inglês – um sujeito único que dava às pessoas tempo e espaço para crescer e cometer seus erros.” A primeira contratação da Charisma, e em parte a razão para estabelecer a gravadora, foi a Van der Graaf Generator.
Van der Graaf Generator – O mínimo que podemos fazer é acenar um para o outro
Stratton-Smith começou a gerenciar o Van der Graaf Generator (VDGG) doze meses antes de contratá-los para sua gravadora recém-fundada, sem sucesso em encontrar outra gravadora que os gravasse. Ele primeiro liberou Peter Hammill de um contrato terrível como um ato solo com a Mercury, para o qual ele gravou o álbum Aerosol Gray Machine com membros da banda. Stratton-Smith então fundou o Charisma para dar ao Van der Graaf Generator e outras bandas que ele estava gerenciando uma saída de gravação em seus próprios termos.
O primeiro álbum da banda pela gravadora, The Least We Can Do Is Wave to Each Other, foi gravado no Trident Studios e lançado em fevereiro de 1970.
O álbum foi produzido por John Anthony, seu primeiro trabalho de produção para a Charisma, antes de se tornar um produtor da gravadora. O tocador de palheta David Jackson lembra: “Foi uma revelação trabalhar com um produtor como John Anthony, que realmente fez a música soar muito diferente do que havíamos imaginado. Acho que tivemos muita sorte de ter John nos guiando por aquele disco. Ele foi muito encorajador quando se tratou de experimentar overdubs.”
O nome do álbum é baseado em uma citação do artista e ilustrador inglês Francis John Minton: “Estamos todos inundados em um mar de sangue, e o mínimo que podemos fazer é acenar uns para os outros.” Em 1957, após problemas mentais e abuso de drogas, ele cometeu suicídio. Uma grande inspiração, parte integrante da história do VDGG.
Peter Hammill escreveu nas notas originais da capa: “Não ouça quando estiver se esforçando, porque isso não vai entrar na sua cabeça. Não ouça quando estiver bravo, porque você vai quebrar alguma coisa. Não ouça quando estiver deprimido, porque você vai ficar ainda mais deprimido. Não ouça com preocupações, porque você vai estragar tudo. E se você é um traficante perpetuamente bravo, deprimido e com ideias definidas, não se incomode, isso não foi feito para você em primeiro lugar.” A música da banda é de fato um gosto adquirido para alguns ouvintes, mas vale a pena para aqueles que perseveram.
O tecladista Hugh Banton desempenha um papel significativo neste álbum, usando o órgão em suas capacidades dinâmicas completas, de interlúdios silenciosos a execuções bombásticas. Ele disse sobre sua performance: “Eu gostava bastante de música de órgão monstruosa. Havia muita música de órgão de igreja francesa moderna, que é simplesmente incrível. É a isso que minha esposa se refere como 'música de órgão louca'. Ela tem uma base religiosa. Então, acho que essa era minha inclinação, com muitas coisas discordantes. Simplesmente aconteceu de se adequar à música de Peter, que também acho que mudou para se adequar a nós, de muitas maneiras.”
Uma faixa favorita deste álbum é a excelente abertura Darkness (11/11), composta por Peter Hammill. Ele escreveu sobre esta música em seu livro de 1974 Killers, Angels, Refugees: “Uma canção de números: embora eu não seja um numerólogo, as circunstâncias de escrever esta canção altamente instintiva ditaram sua forma e direção. Foi composta na noite de 11 de novembro de 1968, Dia da Memória, por acaso. Alguns anos antes, escrevi um romance que pretendia (com um fracasso devastador) ser uma saga islandesa; ao relê-lo, algum tempo depois de terminar esta letra, fiquei impressionado com a frase de abertura: 'Era o décimo primeiro dia do décimo primeiro mês.' Novembro é, claro, o mês de Escorpião, sob cujo signo nasci, e meu número de vida é 11. Era, suponho, inevitável que uma canção sobre o destino fosse forjada em meio a essas conjunções.”
Hammill gostava muito do gênero de literatura de ficção científica na época, influenciado por autores como Arthur C Clarke, Frank Herbert, Robert Heinlein e Isaac Asimov.
A música apresenta David Jackson tocando dois instrumentos de palheta ao mesmo tempo: “Assim que vi uma foto de Roland Kirk usando dois saxofones, pensei 'preciso tentar isso', pois eu tinha um sax alto e um tenor. Quando entrei para o Van Der Graaf Generator, ficou fácil adaptar isso à música modal de Peter.”
Melody Maker o tornou Álbum do Mês em seu lançamento e escreveu: “Este é um daqueles álbuns raros e preciosos que ocasionalmente te derrubam e te fazem pensar muito sobre música pela primeira vez.” Em sua coluna 'Peel's Thoughts' na revista Disc & Music Echo, John Peel escreveu: “Musicalmente, é um daqueles discos que você mal consegue se dar ao luxo de não ter por perto. Por favor, tente ouvi-lo.”
Peter Hammill – violão e vocal principal
David Jackson – saxofone tenor e alto, flauta e backing vocals
Hugh Banton – órgão Farfisa, piano e vocais de apoio
Nic Potter – baixo e guitarra elétrica
Guy Evans – Bateria e percussão
Van der Graaf Generator – H para Ele, Quem Sou o Único
Após o lançamento de The Least We Can Do Is Wave to Each Other, o VDGG fez uma série de shows de alto nível, incluindo um lugar no Tenth National Jazz and Blues Festival no Plumpton Race Track, dividindo o dia com Deep Purple, Yes, Colloseum, Caravan, Wishbone Ash e outros. A agitada agenda de turnês provou ser demais para o baixista de 19 anos Nic Potter. Depois de gravar com a banda nas primeiras sessões para o próximo álbum, ele deixou a banda. Foi decidido não substituí-lo e confiar nas habilidades de pedal bass do tecladista Hugh Benton.
Com base nas críticas positivas de seu esforço de estreia, a banda continuou a gravar seu segundo álbum. Guy Evans lembra como eles estavam fazendo malabarismos com as agendas de apresentações e gravações naqueles primeiros dias: “Como o Charisma estava sempre procurando fechar acordos de orçamento com a Trident para seus atos menos famosos, a maioria das músicas desses três álbuns foi gravada em horários estranhos em rajadas curtas e descontínuas, quando o tempo de inatividade ficava disponível. Nós íamos direto para o estúdio com os olhos turvos de viagens noturnas pela M1 de shows no The North. Mas sempre havia café forte e sanduíches grátis disponíveis na esquina do Charisma. Realmente não havia necessidade de voltar para casa.”
Em dezembro de 1970, a banda lançou o álbum H to He, Who Am the Only One, um álbum complexo e sombrio. Peter Hammill, responsável pela maioria dos créditos de composição, elevou seu nível neste álbum. Mais tarde, ele disse: “Eu certamente estava tentando me aprimorar como compositor e músico naquele disco e, embora as músicas fossem muito complexas, todos nós nos divertimos muito gravando o álbum e sentimos que certamente tínhamos melhorado nossos esforços anteriores.”
A arte da capa na frente de H to He, Who Am the Only One é de Paul Whitehead, o designer do logotipo da gravadora Charisma. Ele falou sobre a capa: “Eu me juntei a Peter e nos demos bem, tínhamos o mesmo tipo de gosto e ideias. Na verdade, eu tinha uma pintura. Eu já tinha feito essa pintura para mim antes. Eu sou de Libra e essa foi minha interpretação do nascimento de Libra, acho que se chamava 'Aniversário'. O raio do olho vai direto para Londres. Eu visualizei meu nascimento, era eu nascendo.”
Revistas de música novamente elogiaram o álbum. Em alguns casos, a adulação da musicalidade da banda se tornou ridícula demais, até mesmo para os membros da banda. O tocador de palhetas David Jackson: “Alguns escritores importantes na imprensa musical do Reino Unido eram grandes fãs desde o começo e eu percebi que de repente estava sendo aclamado como um músico importante, ao qual eu não conseguia me ajustar facilmente. Uma pesquisa em um jornal de música me colocou à frente de Miles Davis como instrumentista e eu não conseguia aceitar isso de forma alguma.”
A revista Friends resumiu bem o impacto de ouvir o álbum: “Toque isso no escuro com os alto-falantes bem separados e é devastador. Eles são o tipo de banda que poderia ter inventado o estéreo se ele não existisse.” A qualidade do som é realmente fantástica. John Anthony comentou: “Eu gravei como uma faixa dinâmica muito alta, que eles têm naturalmente – do violão acústico de Peter e sua voz muito suave até Peter realmente gritando com todo o grupo explodindo atrás dele.”
Uma faixa de destaque do álbum é The Emperor in His War Room. David Jackson conta uma história sobre essa faixa: “Eu estava tocando para uma amiga na época. Eu não era casado com ela, mas ela tinha filhos pequenos, e as crianças entraram na sala e eu corri para o deck de discos. Eu levantei a agulha do vinil, porque eu estava muito preocupado que as crianças ouvissem essa música. Eu tenho que te dizer que a música parecia tão maligna – e eu a tinha escrito!” Peter Hammill explicou a música de uma maneira que a tornou ainda mais difícil de entender: “Em retrospecto, eu sinto que essas letras têm uma falha em particular: em meus esforços para iluminar a vida do Tirano, imagens horríveis se reproduziram e cresceram de si mesmas, de modo que se tornaram autojustificáveis, em vez de explicativas. No entanto, o assunto estava em grande parte fora de minhas mãos, pois os elementos envolvidos ficam na ponta da memória (raça ou outra) e, portanto, têm tendências à autodireção. Eu só posso esperar que o sistema funcione ao contrário.” Entendeu?
A segunda parte da música apresenta um solo de guitarra elétrica inconfundível de Robert Fripp em uma de suas primeiras sessões como músico convidado. Fripp entrou no estúdio, nunca tendo ouvido a faixa antes, e tocou duas tomadas. Uma mistura de ambas as tomadas acabou na música final. Hammill disse sobre aquela sessão: "Eu não conhecia Bob antes daquela sessão, mas eu sabia que queria usá-lo porque ele toca imagens, e é disso que eu acho que se trata." Fripp iria colaborar com a banda novamente em seu próximo álbum Pawn Hearts, e com Peter Hammill em seu álbum solo de 1971 Fool's Mate.
Créditos desta faixa:
Peter Hammill – vocal principal, violão, piano
David Jackson – saxofone alto, tenor e barítono e instrumentos, flauta, vocais
Hugh Banton – órgãos Hammond e Farfisa, piano, oscilador, vocais
Guy Evans – bateria, tímpanos, percussão
Nic Potter – baixo
The Nice – Five Bridges
Passamos para outra banda gerenciada por Tony Stratton-Smith e mais tarde assinada com a Charisma. O Nice progrediu rapidamente no final dos anos 1960 de uma banda de apoio do cantor americano PP Arnold para um grupo de rock sinfônico altamente aclamado que apresentava uma execução virtuosa de todos os membros da banda. Eles também viram sucesso nas paradas com singles que apresentavam suas interpretações para a América de West Side Story e Hang on to a Dream de Tim Hardin.
Em 1969, a banda recebeu uma comissão do Newcastle Arts Festival para trabalhar com uma orquestra conduzida por Joseph Eger. Eles compuseram The Five Bridges Suite, que foi inspirada por cinco pontes que atravessam o Rio Tyne entre Newcastle upon Tyne e Gateshead. O tecladista Keith Emerson escreveu nas notas da capa: “Os nativos de Newcastle saberão que sua ponte de alto nível suporta no nível superior os trens e no nível inferior os vagões. Tendo visto esta ponte, ela me sugeriu, assim como Lee e Brian, um certo contraponto mecânico que, quando expresso musicalmente, me permitiu dividir os trens e vagões entre minhas mãos direita e esquerda. A ponte final é basicamente a segunda que marquei para um quinteto de saxofones e metais envolvendo Alan Skidmore, Kenny Wheeler, John Warren, Pete King e Joe Harriott.”
Emerson contou ao New Musical Express em 1970 como ele teve a inspiração para escrever a música: “Eu me lembro de escrever a Five Bridges Suite. Estávamos voltando da Irlanda pela Aer Lingus e os motores estavam zumbindo e de repente todas essas melodias estavam vindo para mim através desses drones. Então eu peguei o saco para enjoo, desenhei cinco linhas nele, coloquei uma clave de sol na frente e esse foi o começo da Five Bridges Suite. Eu tinha a suíte inteira pronta em uma semana, trabalhei incrivelmente rápido. Ficou tão ruim que eu ia para a cama e ainda tinha os pontos na minha cabeça. Eu estava escrevendo no banho, em um ônibus, em um bar, sentado no vaso sanitário, comendo.”
A suíte é uma fantástica fusão de música clássica e rock. Estreou em 10 de outubro de 1969 e foi gravada na semana seguinte no Fairfield Halls em Croydon. A gravação foi incluída no álbum Five Bridges, lançado em junho de 1970. Naquela época, o The Nice não existia mais. No início daquele ano, a banda fez uma turnê pelos EUA, onde dividiu o palco com o King Crimson. Keith Emerson conheceu Greg Lake e o resto é história.
Brian Davison – bateria, percussão
Keith Emerson – Teclados
Lee Jackson – vocais, baixo
A orquestra Sinfonia de Londres dirigida por Joseph Eger
Genesis – Trespass
Outra banda que assinou com a Charisma Records provou ser um dos seus atos de maior sucesso, já que na década de 1970 eles produziram alguns dos álbuns mais elogiados do rock progressivo. Estamos falando, é claro, do Genesis. Depois de lançar seu álbum de estreia From Genesis to Revelation em 1969, eles substituíram seu baterista e assinaram um contrato com Tony Stratton-Smith quando ele os viu se apresentando para 12 pessoas na sala de cima do clube de Ronnie Scott. Em 1979, Stratton-Smith disse isso sobre o Genesis: "Há certas bandas que você vê apenas uma vez e elas estimulam muitas áreas da sua mente. Eles estavam com tudo naquela noite. De certa forma, acho que o momento foi certo. Eu estava faminto por uma banda da qual pudesse realmente me orgulhar e eles estavam procurando um empresário em quem pudessem confiar. E eles tinham algumas atitudes surpreendentes, a principal delas a crença de que nunca dariam certo como uma banda ao vivo. E aqui estamos hoje, pelo segundo ano consecutivo, o Genesis foi eleito a melhor banda ao vivo do mundo pelos leitores da Melody Maker. O Genesis realmente sentiu que eles seriam escritores, passariam o máximo de tempo em um estúdio de gravação e permaneceriam um mistério além disso.”
Retirando-se para o campo, a banda criou uma música que os colocou na linha de frente da crescente lista de bandas de rock progressivo, em parte influenciada pelo álbum marcante do King Crimson, In the Court of the Crimson King. Em seu livro 'My Book of Genesis', o roadie e amigo próximo da banda, Richard MacPhail, relembra as sessões na casa de campo: “Ant [guitarrista Anthony Phillips] era o gigante musical. Algo que as pessoas sempre esquecem é que, naquela época, ele era de longe o escritor mais desenvolvido e os outros o seguiram. O outro elemento crucial era a habilidade de Tony como tecladista e arranjador. Ele tinha formação clássica e, como Guitar George na música do Dire Straits, ele conhecia todos os acordes. Steve Hackett mais tarde o descreveria como 'o rei dos acordes'. Ele sabia muito sobre harmonia, como ela funciona dentro de uma música e, quando alguém sugeria ir desta frase para aquela, ele pensava um pouco, tocava seu teclado e descobria como conectá-las.”
Em outubro de 1970, o Genesis lançou seu segundo álbum Trespass, uma notável mudança em relação ao seu trabalho de estreia. Como outros álbuns da Charisma, foi produzido por John Anthony, que contou uma anedota sobre a banda em uma entrevista com a Melody Maker, em dezembro de 1970: “Frequentemente eu vou lá e canto com as bandas no estúdio. Como, com o vocalista do Genesis, Peter Gabriel, que não tem confiança quando entra no estúdio. Isso o ajuda a construir confiança em seu canto.” As coisas que você aprende sobre os primeiros começos.
A capa do álbum é novamente de Paul Whitehead. Originalmente começou como uma imagem pastoral de uma montanha para se adequar ao estilo da maioria das músicas do álbum. Mas então o encerramento do álbum The Knife foi adicionado, uma mudança completa de clima e estilo do resto do álbum. Whitehead foi convidado a redesenhar a capa, mas estava relutante em fazê-lo, sugerindo outras ideias "como derramar uma garrafa de tinta sobre ela, queimá-la e fazer coisas diferentes que corromperiam a imagem". Ele teve um momento eureka ao visitar uma exposição de arte: "Havia um artista italiano mostrando seu trabalho. O lance dele era cortar a tela com uma lâmina de barbear. 'Bingo'. Eu disse à banda: 'Por que não pegamos uma faca, a faca de que você está falando, e cortamos a tela e tiramos uma fotografia disso?' Eles disseram: 'Você não cortaria a tela'. Eu disse: 'Você está certo que eu faria'".
O encerramento do álbum, The Knife, apresenta uma das faixas mais agressivas da banda e rapidamente se tornou um destaque de performance ao vivo. É uma performance de tour de force de todos os membros da banda e especialmente para Peter Gabriel. O tecladista Tony Banks sobre a melodia: “Peter e eu escrevemos The Knife juntos. O órgão soa um pouco mais como The Nice, e a música era originalmente chamada de 'The Nice'.”
Logo após o lançamento do álbum, a banda passou por mudanças na formação. Aqui está uma entrevista com Peter Gabriel em janeiro de 1971, descrevendo uma formação intermediária: “Desde que o álbum foi feito, perdemos o percussionista John Mayhew e o guitarrista Anthony Phillips, que era um dos quatro originais. Tínhamos um ou dois bateristas no passado, e agora temos Phil Collins, que realmente fez o papel de Artful Dodger na produção de Oliver Twist no West End. Anthony era muito bom, de fato, mas estava ficando muito deprimido na estrada, então Mick Barnard o substituiu na guitarra solo.”
Créditos:
Peter Gabriel – vocal principal, flauta, acordeão, pandeiro, bumbo
Anthony Phillips – violão acústico de 12 cordas, guitarra elétrica principal, dulcimer, vocais
Tony Banks – órgão Hammond, piano, Mellotron, violão acústico de 12 cordas, vocais
Michael Rutherford – violão acústico de 12 cordas, baixo elétrico, violão de nylon, violoncelo, vocais
John Mayhew – bateria, percussão, vocais
Rare Bird – Rare Bird
Em 1970, o jornalista musical Richard Green escreveu no New Musical Express: “Imagine, se puder, um conglomerado das melhores qualidades do Led Zeppelin e do falecido Mothers of Invention, além de um punhado de clássicos, tudo misturado a um padrão musical extremamente alto e um grupo com dois teclados, e você terá uma ideia dos objetivos do Rare Bird, uma das unidades mais promissoras a chegar à cena britânica em muito tempo.”
Com sua instrumentação única de uma banda de rock sem guitarra com dois tecladistas, o Rare Bird era, de fato, raro. Influências abundam naquele grupo, uma delas sendo os companheiros de gravadora The Nice e seu prodígio do teclado Keith Emerson. O baterista Mark Ashton acrescentou: “O Rare Bird é uma mistura de influências clássicas e romantismo, além de um toque de funk. Honestamente, somos uma pitada de todos os grupos da cena! Não — o que quero dizer é que somos influenciados por todos os tipos de música, e Graham foi para a universidade e é um especialista em música clássica.”
O organista Graham Field formou a banda em 1969 e, após algumas mudanças na formação, eles se estabeleceram em um quarteto que incluía Steve Gould no baixo e vocais, David Kaffinetti no piano elétrico e Mark Ashton na bateria. Eles foram um dos primeiros a assinar com Tony Stratton-Smith, que lembra: "Graham Field e os garotos vieram da rua e me deram uma fita demo. Isso acontece o tempo todo. Só que dessa vez foi bom, muito bom." Com base nessa demo, ele fisgou a banda com o produtor da casa John Anthony, que rapidamente os conduziu a um estúdio de gravação. Ele lembra: "Achei que eles estavam bem ensaiados, divertidos e rápidos no estúdio, o que foi um bônus. E, como resultado, o álbum acabou sendo melhor do que eu imaginava que seria."
O álbum de estreia autointitulado da banda foi lançado no final de 1969 e tem a honra de ser o primeiro LP lançado pela Charisma Records. Como álbum, não fez sucesso nas lojas de discos, mas produziu um single de sucesso com a música Sympathy. O hit atingiu o pico de número 27 no Reino Unido no início de 1970 e depois liderou as paradas na Itália e na Holanda. A música, com os vocais apaixonados de Steve Gould e o excelente acompanhamento de órgão de Graham Field, foi considerada uma faixa padrão do álbum quando foi gravada. Mark Ashton: “Nenhum de nós da banda sequer pensou nisso como um single, muito menos um hit. Foi John Anthony quem ouviu o potencial dessa faixa. Ele trabalhou especialmente duro nela e criou um som tão bom que até hoje ele ainda soa tão bem.”
A música se tornou um recurso popular em várias estações de TV. A Rare Bird a apresentou no Top of the Pops da BBC em um programa que também incluía Jethro Tull, Blodwyn Pig, Canned Heat, Badfinger, Shocking Blue e Mary Hopkin. Não é uma safra ruim. Eles também apresentaram a música no popular programa de TV alemão Beat-Club:
Você pode ter notado a visão improvável de três bumbos na frente de Mark Ashton. Em uma conversa com o crítico musical Chris Welch no Melody Maker, Ashton falou avidamente sobre sua configuração: “Vou usar três bumbos quando formos aos Estados Unidos em maio. Acho que essa ideia nunca foi usada antes, exceto por Louis Bellson. Como estou sentado tão baixo e tenho uma caixa baixa, isso me dará espaço para mover meus joelhos. Funciona porque eu tentei usar pedais e mover meus pés. Cada bumbo terá um tamanho diferente e a ideia será obter tons diferentes, não mais volume.” Welch ficou perplexo: “Fazendo ruídos adequadamente horrorizados, fiz uma verificação rápida e somei duas vezes as pernas de Ashton. Definitivamente, apenas duas.” Os jornalistas musicais conheciam seu humor naquela época.
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