The Manhattan Transfer é o segundo álbum do The Manhattan Transfer . No entanto, é o primeiro de quatro álbuns a serem lançados pela formação de Tim Hauser, Laurel Massé, Alan Paul e Janis Siegel, e o primeiro a estabelecer o som e o estilo pelos quais o grupo se tornaria conhecido. Foi lançado em 2 de abril de 1975 pela Atlantic Records e foi produzido por Ahmet Ertegün e Tim Hauser.
Trilhas
Tracks
1 Tuxedo Junction (Buddy Feyne; William Johnson; Julian Dash; Erskine Hawkins) 03:05 2 Sweet Talking Guy (Doug Morris; Eliot Greenberg) 02:27 3 Operator (William Spivery) 03:12 4 Candy (Mack David; Joan Whitney; Alex Kramer; Leo Feist) 03:31 5 Gloria (Esther Navarro; Adam Levy) 02:56 6 Clap Your Hands (Ira Newborn; The Manhattan Transfer) 02:57 7 That Cat Is High (JM Williams) 02:56 8 You Can Depend On Me (Earl Hines; Charles Carpenter; Louis Dunlap) 03:34 9 Blue Champagne (Frank Ryerson; Grady Watts; William Eaton) 02:24 10 Java Jive (Milton Drake; Ben Oakland) 02:48 11 Occapella (Allen Toussaint) 03:08 12 Heart’s Desire (Hugh Lewis; George Cox; James Dozier; Ralph Ingram; Bernard Purdie) 02:35
The Band
Vocals
Alan Paul
Vocals
Janis Siegel
Vocals
Laurel Massé
Vocals
Tim Hauser
Musicians
1 Tuxedo Junction
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Piano
Don Grolnick
Sax
Mike Rod
2 Sweet Talking Guy
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Clavinet
Don Grolnick
Organ
Murray Weinstock
Tambourine
Laurel Massé
3 Operator
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Guitar
Jerry Friedman
Organ
Richard Tee
Piano
Don Grolnick
Sax
Michael Brecker
4 Candy
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Piano
Don Grolnick
5 Gloria
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Organ
Murray Weinstock
6 Clap Your Hands
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Guitar
Jerry Friedman
Electric Piano
Don Grolnick
Tambourine
Laurel Massé
7 That Cat Is High
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Piano
Don Grolnick
8 You Can Depend On Me
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Piano
Murray Weinstock
Sax
Zoot Sims
9 Blue Champagne
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Piano
Don Grolnick
10 Java Jive
Guitar
Ira Newborn
11 Occapella
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Guitar
Jerry Friedman
Clavinet
Don Grolnick
Electric Piano
Richard Tee
Congas
Daniel Ben Zebulon
12 Heart’s Desire
Bass
Andy Muson
Drums
Roy Markowitz
Guitar
Ira Newborn
Piano
Don Grolnick
Other Musicians
Sax
David Sanborn
Sax
Kevin Dorsey
Sax
George Young
Sax
Harvey Estrin
Sax
Jerry Dodgion
Sax
Phil Bodner
Sax
Frank Vicari
Sax
Michael Brecker
Sax
Mike Rod
Sax
Seldon Powell
Trombone
Alan Raph
Trombone
Garnett Brown
Trombone
Mickey Gravine
Trombone
Paul Faulise
Trombone
Quentin Jackson
Trombone
Wayne Andre
Trumpet
Alan Rubin
Trumpet
Bob McCoy
Trumpet
Jon Faddis
Trumpet
Marky Markowitz
Trumpet
Marvin Stamm
Trumpet
Mel Davis
Trumpet
Randy Brecker
Liner Notes
Producer – Ahmet Ertegun, Tim Hauser Arranged By – Ira Newborn, Tim Hauser (Track 2) Arranged By (Music) – Ira Newborn Arranged By (Vocals) – The Manhattan Transfer Concertmaster – Gene Orloff (Tracks 6, 12) Conductor – Ira Newborn Mixed By – Lew Hahn Recorded By – Lew Hahn Recorded By (Additional) – Gene Paul, Geoffrey Haslam
Art Direction – Bob Defrin Artwork – Fred Eric Spione Photography – David Gahr
Recorded At Atlantic Studios, NY Phonographic Copyright Atlantic Recording Corporation Copyright Atlantic Recording Corporation
Como cineasta, David Lynch é singular. Isso se deve em parte ao fato de que ele chegou lá como pintor e escultor, em vez de um pirralho de escola de cinema. Seu trabalho é cheio de instinto do cérebro direito e o conforto de um artista abstrato com a inescrutabilidade. Ainda assim, ele nunca abandonou a narrativa tradicional. Lynch sempre tem uma história para contar, mesmo que ele jogue sombras sobre ela por causa do mistério ou recuse uma explicação lógica quando sente que isso estragaria o clima. O que o torna ótimo é o quão sério ele é sobre suas sombras e segredos. Os filmes de Lynch não são um momento de punheta. Eles são a produção febril de um artista, com imagens cuidadosamente compostas e trabalho cirurgicamente meticuloso colocado no design de som (confira os créditos finais dos filmes de Lynch dos últimos vinte e cinco anos). Como ele se tornou um nome quase familiar fazendo isso, não tenho certeza, mas estou feliz que tenha acontecido.
Como um artista musical lançando seu primeiro álbum solo, David Lynch soa um pouco como Pere Ubu. Suas músicas lentas. Os grooves temperamentais. Aqueles em que David Thomas, do Pere Ubu, deixa seus sussurros rolarem como nuvens de tempestade pela América Central.
Lynch e Thomas são completamente americanos. Ambos são veteranos rebeldes em seus campos, mais ou menos da mesma idade (Lynch é sete anos mais velho). Ambos são loucos por perfeição sonora. Ambos são vocalistas não convencionais.
Não tenho ideia se Lynch já ouviu Pere Ubu. Não que isso importe. Pere Ubu é inimitável. Lynch também (há diretores que tentam seguir Lynch, mas eles acertam principalmente os detalhes superficiais; eles não chegam perto de seu olho de pintor e ritmo corporal estranho; a única maneira real de seguir Lynch é seguir sua própria visão e obsessões).
Gosto de pensar que David Thomas e David Lynch observaram as rodovias e as luzes noturnas da rua e ouviram as moscas zumbindo, o rádio cantando e o vento soprando e então chegaram às mesmas conclusões. Um tipo de caos sonoro sonhador é a única maneira de resumir toda essa sobrecarga sensorial. A principal diferença é que Thomas começou a fazer música na era do heavy groove rock enquanto Lynch lançou seu primeiro álbum no século 21, onde ninguém se importa se a banda não passa de loops e drum machines.
Esta é uma música ótima para dirigir à noite. A produção é um cenário livre para uma visão assombrar. Começa com um golpe duplo de pop fragmentado. "Pinky's Dream" é um grito cambaleante na noite berrado por Karen O. em um oceano de reverberação da meia-noite. A seguir vem o ensolarado "Good Day Today", no qual Lynch canta sobre pensamentos felizes sob distorção pesada e céu azul eletrônico. Depois disso, o álbum se acomoda em um groove de creepers lentos e blues psicossintético. O amor dá errado, as festas se tornam sinistras e um pouco da filosofia da Meditação Transcendental Oriental é martelada em nossos ouvidos.
Lynch foi o primeiro diretor de cinema a lançar um álbum de músicas originais? (Não estou contando músicos que viraram diretores, como Rob Zombie.) Não tenho certeza, mas John Carpenter logo seguiria com um disco próprio muito bom.
As paisagens sonoras ambientais industriais resmungonas de Eraserhead, de David Lynch, foram essenciais para a atmosfera única do filme, então suponho que não seja nenhuma surpresa que o álbum da trilha sonora seja um trabalho fundamental para provar que as texturas do ruído industrial e gravações de campo poderiam se somar a uma visão intrigante da música ambiente distinta daquela que pioneiros como Brian Eno estavam desenvolvendo na época. Incluindo a única música totalmente desenvolvida do filme, a gloriosa In Heaven (Everything Is Fine), o álbum também inclui trechos de diálogos do filme para empurrar a história adiante, bem como trechos de vários blues baseados em órgão e música de carnaval enterrados profundamente na mistura. Eu poderia ficar sem os trechos de diálogos, para ser honesto, já que eles são bastante perturbadores fora do contexto do filme, mas, de outra forma, este é um excelente pequeno lançamento.
Lynch tem uma habilidade inigualável de assustar o espectador por meio da imprevisibilidade e da diversidade; em um minuto ele será estranhamente bem-humorado e no outro ele vai te aterrorizar pra caramba com algo que não é deste mundo. Todo o seu trabalho possui uma corrente oculta de escuridão, do desconhecido, de ALGO que "sabe". Os primeiros acordes suaves e mutáveis de piano de "Jitterbug", seguidos por aqueles tambores estrondosos e trompas vibrantes, são completamente insuspeitos, até mesmo edificantes, fora de contexto. Mas se eu acordasse, tendo visto "Mulholland Drive" e os ouvisse tocando em algum lugar da minha casa no meio da noite, eu começaria a suar frio. A faixa-título é puro pavor. Você já ouviu uma peça musical cheia de mais pavor? Essas cordas noir, quase sintetizadas, cheiram a maldade oculta. Uma boa parte dessas faixas são apenas peças ambientais e baixas, que são de cortar os nervos quando se lembra das imagens às quais são aplicadas no filme ("Dwarfland" em particular). "I've Told Every Little Star" é uma pequena canção pop alegre que assume um elemento assustador sob o feitiço de Lynch. "Llorando" é uma versão fantasmagórica a capella de "Crying" de Roy Orbison. O "Love Theme" me faz chorar. No geral, esta é uma trilha sonora fantástica e evocativa, mesmo por si só, uma das melhores de Badalamenti. Mas certifique-se de ver o filme primeiro; a música nunca mais soará a mesma quando você tiver experimentado a surreal, extensa, bela e TERRÍVEL América de Lynch.
Um círculo nunca para. Não há ponto final, não há ponto de partida. A natureza cíclica da forma pode ser comparada a muitas coisas na vida — vício, depressão e outras formas de doença mental tendem a ir e vir para aqueles presos dentro das restrições limitantes e muitas vezes paralisantes estabelecidas por essas condições debilitantes. Parece não haver fim para muitos de nós. A luz desapareceu, o fim não está mais à vista e não há saída, e assim recuamos para a mesma mentalidade que sempre conhecemos, ou recorremos aos mesmos vícios que sempre usamos para lidar, o que quer que nos traga o conforto de que precisamos. No entanto, isso também não nos salva. Estamos simultaneamente presos no ciclo da vida, amor, relacionamentos e todas as expectativas e obrigações sociais que se seguem. Não podemos suportar decepcionar aqueles que amamos; não podemos ceder ao desejo de simplesmente desistir e deixar que isso aconteça, de qualquer forma, é demais.
Mas, muitas vezes, tentamos o nosso melhor, apenas para falhar mais uma vez em viver de acordo com as expectativas estabelecidas pelos outros — ou pior ainda, aquelas que estabelecemos para nós mesmos. Isso só é multiplicado quando você se torna uma figura pública, empurrado para os holofotes, onde cada erro é ampliado e cada conquista é diminuída. Preso no ciclo de nunca se sentir bom o suficiente — não fazendo nada além de nadar em círculos e terminando exatamente onde começou — sentindo-se perdido, desamparado e minúsculo.
Por outro lado, temos o círculo da vida em que vemos o universo como sagrado e divino. A natureza da energia é infinita, assim como um círculo. Com a morte de cada ser, diz-se que dá vida a outro — a energia e o espírito nunca são perdidos, mas apenas transferidos. O espírito se torna livre de seu habitante e vive por todo o universo em uma nova forma, livre de suas obrigações anteriores, pois deixa de lado sua vida passada.
Para mim, essas duas crenças bastante diferentes sobre o que um círculo representa encapsulam os temas de Circles e talvez como Mac pode ter se sentido antes de falecer. Mac sempre foi aberto e honesto sobre suas lutas com sua saúde mental, seu vício, as pressões da fama e o enfrentamento de sua própria mortalidade. Era o coração de sua música e o que o conectava com tantas pessoas ao redor do mundo. Ele era brutalmente honesto, abertamente humano e uma pessoa genuína em sua música e — por todos os relatos daqueles que o conhecem — na vida real.
Ele era apenas um garoto de Pittsburgh que por acaso fez sucesso. Ele estava sempre trabalhando, sempre fazendo algo, sempre avançando com um chip em seu ombro, mas ele estava sempre lutando uma batalha difícil contra seus demônios internos. É impossível fazer qualquer julgamento sobre um artista falecido e saber se eles estão corretos ou não, mas se Swimming and Circles—e a conjunção dos dois—tem alguma importância, talvez Mac tenha encontrado consolo antes de sua morte. Talvez ele nunca tenha conseguido escapar completamente de seus demônios, talvez ele nunca tenha conseguido causar todo o impacto que queria, mas ele deixou sua marca neste mundo, seu legado nunca será esquecido, e seu espírito viverá para sempre.
Descanse em paz, Mac. Obrigado por tudo. Amo você.
É uma armadilha fácil de cair — especialmente quando se trata de tantas resenhas escritas — mas é preciso ter cuidado ao lançar superlativos. Caso contrário, todo álbum meio decente atrairá descrições como "o melhor", "o maior" ou "o definitivo" e a opinião será, portanto, inútil. No caso de Reading, Writing And Arithmetic do The Sundays, a armadilha é quase impossível de evitar. Não, no entanto, devido à qualidade geral da música, mas mais por causa da incrível performance vocal de Harriet Wheeler. Ela foi rotulada como angelical, etérea e celestial e ela certamente é tudo isso. Ela tem uma agilidade em sua voz como mel líquido que realça um estilo musical que é uma mistura de The Smiths e Cocteau Twins — uma mistura muito eclética que poderia ter sido desastrosa, mas é salva pelo maravilhoso Wheeler e pelo trabalho de guitarra robusto e melódico de David Gavurin.
O destaque de todo o álbum é a cintilante "Here's Where The Story Ends". Você teria dificuldade em encontrar uma fatia de pop mais de tirar o fôlego. A guitarra, o baixo e a bateria simplesmente rolam no fundo enquanto essa voz executa loops e rolls alucinantes. É o equivalente musical de assistir a acrobatas de circo. E, ainda mais incrível, certamente não é solitário quando se trata de qualidade.
Qualquer um, e eu quero dizer qualquer um, que pode cantar o verso, "Onde está o mal em expressar uma dúvida? Você me encontrará no lavatório" e fazê-lo soar tão angelical merece todos os elogios ao redor. Isso é de "You're Not The Only One I Know" e igualmente deslumbrantes são "Can't Be Sure", "I Kicked A Boy" e "Joy".
Posso ter dado a impressão de que David Gavurin, Paul Brindley e Patrick Hannan são todos incidentais quando comparados à voz de Wheeler, mas esse não é o caso. A música pode parecer simples, mas é enganosamente simples. Ele fornece ritmo e ambiente e é a estrutura perfeita para Wheeler, eu gosto especialmente da maneira como a música realmente parece estar tropeçando em si mesma em "Hideous Towns".
Infelizmente, The Sundays nunca alcançaria as alturas de Reading, Writing And Arithmetic novamente, mas se você lançar apenas um álbum dessa qualidade, você pode ficar orgulhoso de si mesmo.
Propondo um álbum influenciado pela nostalgia dos anos 60 e pelo Rockabilly de 1993?!? Esta é uma ideia totalmente incongruente! No entanto, foi isso que THE SHARP, um trio australiano de Melbourne formado em 1991, ousou fazer.
THE SHARP tem a particularidade de incluir um músico que toca contrabaixo (Allan Catlin, também responsável pela voz). Assinado com a Warner, este grupo de Melbourne lançou pela primeira vez um EP de 5 faixas em 1992 intitulado Spinosity , o que lhes permitiu obter alguma visibilidade no seu país. Posteriormente, ele lançou seu primeiro álbum This Is The Sharp em 6 de setembro de 1993.
Se o THE SHARP optou por jogar o revival dos anos 60 e a carta do Rockabilly, não esquece que o seu primeiro álbum foi lançado em 1993 e, assim, manter-se mais ou menos sintonizado com os tempos. O estilo Pop-Rock que ele oferece é, portanto, muito interessante. O primeiro single retirado do álbum, “Train Of Thought”, é uma composição Pop-Rock cantada em coro com, como suporte, um ritmo saltitante, um forte sabor dos anos 60, bem como uma passagem curta, funky e espasmódica logo antes do final e a renderização geral é convincentemente eficaz. Além disso, alcançou o 32º lugar no Top Nacional de Singles. “Scratch My Back”, por mais descolado e inebriante que possa ser, tem todos os ingredientes necessários para ser igualmente convincente: coros e vocalistas afinados, riffs de guitarra que deixam você tonto, um refrão unificador e persuasivo. Sem se sair tão bem quanto o single anterior, "Scratch My Back" ainda ficou em 40º lugar. O terceiro e último single do disco “Yeah I Want You” é mais elaborado, estendendo-se por 5 minutos: entre Power-Pop e Rock Alternativo, destaca-se pelas melodias que o fazem progredir para um crescendo, pelo seu pequeno e simpático solo, mostra assustador, alucinante, quase épico e, pensando bem, é o tipo de música que o U2 não teria sido capaz de fazer nos anos 90. Para que conste, ficou em 44º lugar nas paradas australianas.
O Rock Alternativo também está presente em “Don’t Waste My Time”, título com um revestimento mais melancólico, mas ainda assim melódico, arejado, o que demonstra que o trio de Melbourne soube adaptar o espírito da época ao seu nicho musical. O aspecto groovy é um elemento muito utilizado no álbum, seja em "Caught In The Deep", composição em que o contrabaixo domina os debates dos versos, os coros são em cascata, as guitarras funky, o refrão caindo ao terreno para uma interpretação viciante e contagiante, em "Kiss Me Again" com suas melodias inebriantes, sua sensibilidade superficial ou em "You Don't Know Me", que tinha potencial para um sucesso internacional com seu contrabaixo estrondoso que bate sem complexos, suas boas melodias de guitarra, seu refrão cativante e ultra-cativante. A ligação entre o início dos anos 90 e o período Rockabilly do final dos anos 50/início dos anos 60 é feita em "Love Kiss", um título um pouco melancólico mas que pega bem graças às 2 vozes masculinas ora em coro, ora envolvente em passagens de armas. O revival dos anos 50, mesmo dos anos 60, está francamente em destaque em títulos como "Dark Sunglasses", entre o Rockabilly e o Folk-Rock, bastante divertido, alegre, onde algumas risadas e trocas vocais aparecem ao fundo, impondo-se assim como o a coisa mais anti-tendência da época (principalmente porque a coisa toda é muito cativante) e "Talking Sly", uma composição de sucesso que faz você bater os pés com ela, como estreia linha, um contrabaixo onipresente que toca mais que a razão, uma guitarra às vezes brilhante, às vezes silenciosa, coros despreocupados, além de uma certa propensão para fazer as pessoas baterem os pés. Para completar, THE SHARP ofereceu "Closer", uma composição Folk/Pop-Rock em que ouvimos alguns assobios, o que é legal, nada mais, "Can I Love", focada em guitarras galopantes para um som mais ou menos parecido. , e "Waiting For The Next Thing To Happen", um mid-tempo com aromas de blues que se torna interessante graças às texturas de guitarra, um contrabaixo ronronante e que teria sido ainda melhor se o o refrão poderia ter sido melhorado.
This Is The Sharp é no geral um álbum homogêneo, mas nunca chato, pois as emoções são bastante variadas. THE SHARP conseguiu encontrar um bom equilíbrio entre a nostalgia dos anos 50/60 e um estilo Pop-Rock mais ou menos sintonizado com a época, tudo enriquecido por um baixo grande e groovy que lhe confere algo especial. Além do mais, as composições geralmente são inspiradas, bem elaboradas, construídas com sutileza e conseguem chamar a atenção. This Is The Sharp , que alcançou o 13º lugar no Top Australian Albums, pode ser considerado um dos maiores sucessos de 1993, mas também um dos melhores primeiros álbuns lançados na década de 90.
Tracklist: 1. Scratch My Back 2. Talking Sly 3. Train Of Thought 4. Don’t Waste My Time 5. Kiss Me Again 6. Yeah I Want You 7. Caught In The Deep 8. Closer 9. Waiting For The Next Thing To Happen 10. Dark Sunglasses 11. Love Kiss 12. You Don’t Know Me 13. Can I Love
Formação: Allan Catlin (vocal, contrabaixo) Charlie Rooke (vocal, guitarra) Piet Collins (bateria, vocal)
Rótulo : Leste Oeste/Warner
Produtores : Nick Mainsbridge, Peter Farnan e The Sharp
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