Começa pesado e fica cada vez mais pesado, levando você a níveis de distorção sonora que você antes não achava possíveis e sujeitando seus alto-falantes a uma luta heróica para tentar se manter no alto.
Uma versão econômica do Guru Guru. Às vezes divertido, às vezes tedioso.
Tiger B. Smith é um "power trio" alemão que adquiriu o apelo do Glam e a força do Hard Rock nos anos 70; As influências da banda são evidentes em suas melodias, já que o espírito de Hawkwind, Hendrix, Edgar Broughton, Led Zeppelin e Black Sabbath pode ser sentido em suas 5 músicas titânicas. Tiger Rock é um álbum devastador, no qual podemos desfrutar de um Hard Rock sólido com uma base rítmica pesada e incorporação de elementos progressivos e psicodélicos que incluem longas passagens ácidas e instrumentais. Em si, uma obra admirável carregada de energia, força e aquele glamour Glam tão característico dos anos 70. Sem dúvidas, a banda exala muita atitude e está destinada a pender para o oeste do rock progressivo.
Contracapa do acetato onde a faixa pode ser melhor visualizada
Minhas impressões são tão altas quanto a postura de Tiger B Smith , o álbum é uma pequena joia de sua época, tem uma performance bem caprichada e sua execução instrumental está à altura do que normalmente se procura no rock dos anos 70, ou seja, força, peso e aquela dose de delírio psicodélico, Tiger Rock tem isso e muito mais, desde que o álbum começa a tocar podemos apreciar aquela intenção de esfregar na nossa cara a força do autêntico Hard Rock antigo, mas CUIDADO sendo um álbum nascido em uma época de "desfloramentos experimentais" e expansão artística esse pequeno trabalho afunda e bebe do que estava em alta naquela época, portanto aqui você pode apreciar alguns arranjos bizarros e certos elementos de ares progressivos, CUIDADO o álbum não é 100% progressivo, mas você consegue sentir no ambiente o que já estava indo nessas direções, então a linha branca já começava a ser pintada na mesa e o próximo trabalho estaria mais próximo do "germe". Em suma, um álbum muito poderoso, ardente e estridente. Com apenas 5 faixas sólidas, a banda deixa claro o sabor metálico e uma impressão de "futura insurgência" que poderia muito bem cheirar a proto-metal e progressismo. Até mais.
Mini fato:
*Holker Schmidt (Tiger B Smith) fundou seu primeiro grupo "Groove" em 1965, seguido em 1968 pela formação "Whiteface". Em 1969, ele formou o grupo "Second Life", que mais tarde se tornou Tiger B. Smith. Seguiu-se o projeto solo "Jon Bear", em 1977 a fundação dos "Strassejungs" e em 1984 juntou-se à formação "Tokyo" como cantor e guitarrista.
Como andar pela avenida no início dos anos 70 e ouvir uma banda áspera, mas descolada, tocando na garagem ou no porão de alguém.
Esta é uma gravação bem ao vivo em estúdio, feita sem nenhum tipo de adoçamento ou overdubs... e do outro lado da rua, no estúdio de gravação do Tio Chuy.
Como uma Santana pobre, os garotos aqui tocam ritmos latinos funky combinados com energia desenfreada e andamentos animadores.
"Os Ghetto Brothers, uma organização comunitária dedicada a diminuir a lacuna cada vez maior que existe entre a sociedade e os grupos minoritários, acreditam que a música é a linguagem comum do mundo. Por meio da música, eles conseguem informar a sociedade sobre a situação das 'pessoas pequenas' em sua busca por reconhecimento. Portanto, a música dos Ghetto Brothers serve como uma forma de comunicação ." Se o sonho dos Ghetto Brothers se tornar realidade, o mundo aprenderá que as "pessoas pequenas" desejam ser reconhecidas; desejam ser devidamente educados para poderem transmitir seus conhecimentos aos filhos e informá-los com orgulho sobre sua herança e cultura, além de serem uma parte ativa do crescimento da América. Se o sonho dos Ghetto Brothers se tornar realidade, as "pessoas pequenas" não serão mais "pessoas pequenas" e deixarão sua própria marca neste mundo. Ouça os Ghetto Brothers... e preste atenção. Retirado da parte de trás da manga
“Vivíamos numa época muito perigosa”, relembra Meléndez. “Os prédios estavam queimando, era como a Alemanha depois da guerra. Nós éramos a polícia da área… Eu não queria fazer o que as outras gangues estavam fazendo. Tínhamos todos esses membros, por que não fazer algo construtivo?
O Bronx ressoa com o funk latino e as explosões coloridas do som Nuyorico. Power-Fuerza de 1971 é um álbum muito dinâmico e esplêndido, cheio do que alguns chamam de essência "do bairro". É um álbum com um ritmo muito rápido que apresenta uma performance cuidadosa e muito "versátil". O trabalho em si tem muito a oferecer, pois seus ritmos conseguem captar um efeito positivo, sem dúvidas um trabalho magnético e intenso, embora tenha algumas posturas que não conseguem um efeito completo e não chegam a esse efeito desejado, portanto acabam sendo um pouco fracas, porém filtrando esse detalhe a experiência é muito estimulante e posso dizer que o álbum CUMPRE TUDO. NOTA: Esta é uma boa compra se você gosta de fusões latinas e sons afro-caribenhos. Se você gosta de Santana, El Sapo, El Chicano ou Malo, você encontrará uma boa dose de vibe aqui. Ghetto Brothers merece mais reconhecimento, pois eles foram pioneiros da cultura hip-hop na parte baixa de Nova York , e eles também têm o que é preciso para se destacar na cena. Com tantas bandas explorando e revolucionando o som da rua, a salsa está começando a evoluir.
Minhas impressões, bem positivas na verdade, é um álbum que eu gostei desde o começo, sendo um álbum extremamente fresco, ele me fisgou com seus ritmos latinos e suas fusões, eu esperava algo mais "street" mas a banda soube dar mais do que eu esperava, seu som em si é muito eclético e marcante, é um filtro do que se movia nas ruas e ainda por cima traz algo mais, a banda era formada por membros de gangues, e eles de alguma forma incentivavam a união entre as gangues, era uma banda que contribuía muito para a comunidade. Benjy Melendez ajudou a intermediar uma trégua histórica entre gangues, pedindo aos "senhores da guerra" que levassem seus membros ao território dos Ghetto Brothers toda sexta-feira, onde o grupo usaria a música para quebrar barreiras. Melendez relembra; diga aos seus antigos rivais: “Não haverá restrições, queremos que vocês se divirtam.” E daquele dia em diante, tudo foi esquecido, era como um carnaval." Os Ghetto Brothers ficaram conhecidos por seu papel na criação da cena de "festa de rua" do Bronx que daria origem ao hip-hop. Sua própria banda, no entanto, era algo completamente diferente: era um grupo vocal jovem e bilíngue que era louco pelos Beatles e criou seu próprio estilo de rock latino antes mesmo de ouvir falar de Santana. Na época do tratado de paz, a banda aceitou um convite de um dono de gravadora local para gravar um álbum. Há muito tempo fora de catálogo e altamente valorizado por colecionadores de discos, Power-Fuerza acaba de ser relançado pelo selo Truth and Soul do Brooklyn. O álbum é um pedaço da história e uma obra a ser reconhecida, não se espera muito, mas tem muito charme vintage, que se perde hoje. De qualquer forma. Ainda estamos vivos, até a próxima.
Curiosidades: *O fundador do Ghetto Brothers, Benjamin Melendez, que deixou a organização em 1976, também era conhecido como o guitarrista. Ele liderou uma banda, também conhecida como Ghetto Brothers, que incluía seu falecido irmão Victor Melendez no baixo. Eles lançaram um álbum, Ghetto Brothers - Power-Fuerza, em 1971, que teve apenas distribuição local informal. Desde então, foi relançado em CD e em formatos digitais.
*Os Ghetto Brothers, especialmente em seus primeiros anos, tinham a reputação de ser uma das gangues mais politizadas e menos vingativas de Nova York. Depois que Cornell Benjamin "Black Benjy" foi morto em 1971 tentando impedir uma briga entre duas gangues rivais, os Ghetto Brothers não buscaram vingança. Em vez disso, sob a liderança de Melendez (e de Carlos Antonio Suarez, também conhecido como Carlos Melendez), eles foram fundamentais na mediação de uma trégua moderada e bem-sucedida entre o South Bronx e outras gangues da área de Nova York em uma reunião de paz na Hoe Avenue em 8 de dezembro de 1971. Entre os presentes estavam Afrika Bambaataa (na época com apenas 14 anos) e o senhor da guerra Black Spade conhecido nas ruas como Bambaataa.
01. Girl From The Mountain 02. There Is Something In My Heart 03. Got This Happy Feeling 04. Mastica Chupa Y Jala 05.You Say You Are My Friend 06.Viva Puerto Rico Libre 07. I Saw A Tear 08. Ghetto Brothers Power
A estreia deles foi um rock progressivo muito pesado, com teclado, apresentando uma guitarra excelente e um pouco de fuzz, além de um pouco de violino em uma das faixas. Todos os vocais japoneses contribuem para a atmosfera. A faixa-título do lado B é um destaque e também é razoavelmente consistente. A prensagem japonesa original veio em uma capa dupla com um selo vermelho da Columbia com o nome Merry-Go-Round da empresa de produção. listados na parte inferior do rótulo do disco.
Prog espacial sentimental que não tem medo de mostrar o que sente. Talvez quando tivermos colonizado o outro lado da Via Láctea, nós também sentiremos saudades de casa.
O álbum de hoje não é puramente "freak", mas OJO é excepcional. Para o meu gosto, esse trabalho está no meu Top 5 do Prog Japonês. Não é uma amostra superpovoada de gadgets progressivos, muito menos de excentricidade oriental, mas tem tantas faculdades que consegue ser uma experiência sonora completa. É um álbum sóbrio, povoado por melotrons, passagens sinfônicas e ataques melódicos em tons claros e escuros. O álbum apresenta uma sonoridade carregada de uma atmosfera sombria e melancólica que aos poucos nos envolve com sua “magia”. O que posso dizer sobre a banda? Apenas 4 coisas importantes: 1) Eles surgiram no início dos anos 70 na cidade industrial de Nagoya, 2) Seus conceitos são baseados na influência britânica, mas também adquirem elementos do Krautrock, portanto An Old Castle Of Transylvania consegue ser um trabalho exótico, maravilhoso, sombrio e bonito, 3) A banda assinou com a Columbia Records em 1973 e 4) Músicas como Maybe adquirem um sabor muito especial, entre o "drama progressivo" e as explosões psicodélicas surge um pequeno deleite sonoro. Do meu ponto de vista esse álbum adquire um sabor especial, por quê? aqui estão minhas impressões.
An Old Castle Of Transylvania é um álbum que se afasta um pouco da estilização marcante do rock progressivo japonês. O trabalho assume uma postura mais focada na performance britânica, mas dentro disso é impregnado de elementos do Krautrock, portanto o trabalho se move sob um terreno de ecletismo. Seu brilho dentro desse tom escuro se destaca pelo seu lado mais sinfônico; Eu poderia dizer que algo que marca este álbum é sua sofisticação, mas também é possível apreciar suas posturas elegantes e, às vezes, seus ataques pesados. Não há dúvidas de que é um álbum muito marcante, atraente, refinado, mágico, carregado de muita paixão e elevado dentro das posturas requintadas do ART ROCK. É melódico, "dramático", sombrio e parcialmente vão. Sua performance é admirável, com arranjos presunçosos, mudanças de andamento, atmosferas espaciais, texturas psicodélicas e ambientes ecléticos que se fundem com música sinfônica. Uma magnífica peça do Japão dos anos 70. Minhas impressões são muito boas, pois a performance e tudo que envolve o álbum é simplesmente SUBLIME. O Japão nunca decepciona. Até mais.
Mini fato:
*A formação inicial desta banda japonesa única de rock progressivo é: Tsutomu Izumi (teclado, sintetizador Moog, vocais), Hisashi Mizutani (guitarra, vocais), Toshkazu Taki (baixo, vocais), Kazuo Okamoto (bateria e percussão) e Misao no violino. Eles fizeram uma série de álbuns nos anos setenta com um som cada vez mais diferente: o álbum de estreia "An Old Castle of Transylvania" ('73) soa como o FLOYD/VANILLA FUDGE dos primeiros anos, o terceiro álbum "Black Hole" (75) está mais na linha do complexo KING CRIMSON (uma obra estressante do FRIPPERIAN), o segundo LP "The Journey..." soa um tanto estranho e bizarro e o quarto intitulado "Metal Reflection" é, como o título sugere, puro hardrock/metal.
01. Soundtrack 1984 02. Maybe 03. Soft focus 04. Fantastic mirror 05. Poltergeist 06. An old castle of Transylvania: I) Forest of the death II) The cursed III) Darkness of the world IV) An old castle of Transylvania
Esta gravação é realmente de dar nó na cabeça. Música repetitiva, melancólica, atmosférica e babante, com uma guitarra distorcida excepcional e alguns cânticos malévolos. Não sei sobre os outros, mas acredito que este é o equivalente japonês de Uma Missa de Meditação — e tão bom quanto. Bela atmosfera e clima criados por este disco. Criativo, original e dinâmico. Pegue.
…Em 1971, essas duas vertentes subversivas se encontraram. Monges budistas sem ego e músicos de estúdio sem ego uniram forças para criar uma cerimônia mística projetada para alertar o ouvinte sobre a realidade superior que existe além dessa simulação pouco inspiradora. Eles, assim como nós, são Pessoas, e todas as Pessoas são capazes de romper a Matrix, para sempre.
O conceito japonês de rock e especialmente de expressões musicais com veias progressivas/psicodélicas sempre foi mais do que interessante e avassalador. Sua visão da arte é intensa, extrema e, às vezes, muito marcante e bastante emocional. Dentro desse universo de experimentação e vanguarda, experiências muito enriquecedoras são concebidas para o ouvinte, pois o conceito e a visão que eles têm são entradas para um vasto sonho de elementos culturais que conseguem ser capturados com um grau de finesse e extremismo radical. Portanto, tudo o que se situa no reino da arte experimental se torna uma loucura sonora repleta de detalhes, camadas e texturas. Uma experiência difícil de esquecer.
"Ceremony/Buddah Meet Rock" é uma obra que, de certa forma, consegue capturar essa visão de vanguarda, pois funde um conceito religioso com uma forma inovadora de rock psicodélico, resultando em uma encenação "elétrica" de uma cerimônia budista. Com esse conceito a banda tenta aprofundar esse lado "místico-religioso" mas não consegue se aprofundar nesses ambientes, porém há momentos em que a banda aborda ferozmente certas atmosferas que fazem do trabalho uma odisseia alucinatória, músicas como Shomyo Part 1 ou Flower Strewing beiram o sublime e te projetam para um passado religioso fantasioso. O Japão sempre levou isso ao extremo e conseguiu lidar muito bem com alguns conceitos, e é por isso que este álbum acaba sendo muito atraente, intenso e, de certa forma, até muito "denso". A execução é ótima, e a execução instrumental tem um efeito bastante sobrecarregado onde a maior parte da atenção é tomada pela guitarra, já que é o eixo central e o principal suporte da obra, ela impregna cada groove com uma dose de lisergia que se encaixa muito bem com toda a atmosfera mística que envolve a obra. MAS o grande problema que ele tem é que falta um elemento mais intenso dentro de sua "representação" porque há músicas que são muito simples e isso de alguma forma faz o álbum perder um pouco de peso, porém é um clássico indiscutível do underground psicodélico japonês e uma obra CULT em todos os quatro lados.
Minidata: *O álbum foi organizado por Hideki Sakamoto, diretor de A&R da Teichiku Records, em uma tentativa de criar uma nova versão do que a Polydor fez com seus chamados “LPs de sessão”, que eram álbuns conceituais. Essa foi a resposta a tais obras.
*O People foi formado em 1971, em cima da hora, como um projeto "estrela cadente" (quase) ocasional, para produzir uma nova proposta de rock psicodélico que misturasse seus sons de rock com o budismo Shomyo (sutra). Todos os membros eram músicos de estúdio japoneses bem conhecidos: Kimio MIZUTANI (guitarras, cítara), Yusuke HOGUCHI (teclados, vocais), Hideaki TAKEBE (baixo), Kiyoshi TANAKA (bateria, percussão) e Rally SUNAGA (gong, percussão).
01.Prologue 02.Shomyo Part 1 03.Gatha 04.Flower Strewing 05.Shomyo Part 2 06.Prayer Part 1 07.Prayer Part 2 08.Epilogue
Já se passaram mais de 42 anos desde que esses dois guitarristas uniram seus talentos no palco pela primeira vez. Foi exatamente em 1967 que Eric Clapton e BB King apareceram no Café a Gogo em Nova York, lado a lado e guitarra a guitarra . Três décadas depois, essas duas figuras da música popular se encontraram novamente nesta obra. Ao longo das doze faixas que compõem o álbum, fica evidente o virtuosismo, a extrema fluidez de ideias e a visível alegria na interpretação de ambos.
São quatro composições assinadas por King durante seu período mais criativo ( “Ten Long Years”, “Three O'clock Blues”, “Days Of Old” e “When My Heart Beats Like A Hammer” ), enquanto as demais vêm de vários lugares: de John Hiatt a autênticas joias do blues de Big Maceo Meryweather e Big Bill Broonzy, passando por Isaac Hayes e Dave Porter.
Dois opostos geograficamente ( King , nascido no profundo Mississipi; Clapton , no Surrey britânico) e musicalmente ( King, mestre e estudioso da essência do blues e do R&B; Clapton , um ícone do rock com R maiúsculo graças aos Bluesbreakers, Cream ou Blind Faith), ambos têm sua genialidade em comum. E este álbum demonstra isso amplamente.
Músicos:
BB King: guitarra, vocais Eric Clapton: guitarra, vocais Andy Fairweather Low, Doyle Bramhall: guitarras Nathan East: baixo Steve Gadd: bateria Tim Carmon: órgão Joe Sample: piano, teclados Susannah Melvoin, Wendy Melvoin: vocais de apoio
Este é, na minha opinião, o melhor álbum do BBKing lançado na década de 1990, e uma boa maneira de comemorar hoje, 16 de setembro, seu 84º aniversário.
Antes do início da era dos “ discos em dupla” , BB King organizou esta verdadeira reunião de amigos para tocar clássicos do blues. Tanto que o álbum foi gravado em apenas duas sessões de 5 dias cada. A primeira, de 15 a 19 de fevereiro de 1993 nos estúdios Ardent em Memphis e a segunda (as músicas “Playing with my friends”, “Everybody's had the blues” e “You shaked me” ) de 8 a 12 de março do mesmo ano nos estúdios Fantasy em Berkeley.
Estão lá Koko Taylor (“Something You Got”), Buddy Guy (“I Pity the Fool”), Etta James (“There's Something on Your Mind”), Ruth Brown (“You're the Boss”) e… John Lee Hooker em uma versão devastadora de “You Shook Me”. BB King e Hooker nunca haviam gravado juntos antes dessa vez e só a gravação já vale o álbum inteiro.
Músicos das Sessões de Memphis:
BB King: vocais, guitarra Leon Warren: guitarra base Calep Emphrey Jr.: bateria James Toney: teclado Michael Doster: baixo Tony Coleman: percussão James Bolden: trompete Melvin Jackson: sax Walter King: sax
Músicos das Berkeley Sessions:
BB King: vocais, guitarra Robert Cray: guitarra, vocais Kevin Hayes: bateria Jim Pugh: teclado Richard Cousins: baixo Rober Murray: guitarra base.
Em “You Shook me”: John Lee Hooker: guitarra, vocais
Aos 82 anos, BB King retorna às suas raízes do blues e o resultado é um dos melhores álbuns que ele gravou em muitos anos. Este artista lendário nos traz este álbum magnífico que contém alguns momentos de excelência. Logo na primeira faixa (“See that my grave is kept clean, de Blind Lemon Jefferson), que ficará grudada nos neurônios do ouvinte desde a primeira audição, King mostra que está longe de se aposentar e que continua extraindo sons maravilhosos de sua guitarra.
Riley B. King, mais conhecido como BB King (Blues Boy King – Nome tirado de um programa de rádio), nascido em 16 de setembro de 1925 em Ittabena, Mississippi, é um grande guitarrista e compositor de blues. Ele é considerado um dos maiores virtuosos do blues da história da música.
Músicos:
BB King: guitarras Dr. John: piano Jim Keltner: bateria, percussão Nathan East: baixo
Lista de faixas:
01. See That My Grave Is Kept Clean (Lemon Jefferson) 02. I Get So Weary (T-Bone Walker) 03. Get These Blues Off Me (Lee Vida Walker) 04. How Many More Years (Chester Burnett) 05. Waiting For Your Call (Oscar Lollie) 06. My Love Is Down (Lonnie Johnson) 07. The World Is Gone Wrong (Walter Vinson and Lonnie Chatmon) 08. Blues Before Sunrise (John Lee Hooker) 09. Midnight Blues (John Willie Shifty Henry) 10. Backwater Blues (Big Bill Broonzy) 11. Sitting On Top Of The World (Walter Vinson and Lonnie Chatmon) 12. Tomorrow Night (Lonnie Johnson)
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