THE DOORS: O Isle of Wight Festival de 1970 foi realizado entre 26 e 31 de agosto de 1970 em Afton Down, uma área no lado oeste da Ilha de Wight. Foi o último de três festivais de música consecutivos a acontecer na ilha entre 1968 e 1970 e amplamente reconhecido como o maior evento musical de sua época, maior do que o público de Woodstock. Embora as estimativas variem, o Guinness Book of Records estimou que 600.000, possivelmente 700.000 pessoas compareceram. Foi organizado e promovido pelos irmãos locais, Ron e Ray Foulk, por meio de sua empresa Fiery Creations Ltd e seu irmão Bill Foulk. Ron Smith foi o gerente do local e Rikki Farr atuou como apresentador. Os festivais anteriores da Ilha de Wight, também promovidos pelos Foulks, já haviam conquistado boa reputação em 1968 e 1969 ao apresentarem atrações como Jefferson Airplane, T. Rex, The Move, The Pretty Things, Joe Cocker, The Moody Blues (apresentado no festival de 1969), The Who e Bob Dylan em sua primeira apresentação desde seu acidente de moto em 1966
A versão de 1970, seguindo Woodstock no ano anterior, decidiu dar um passo à frente e convocou Jimi Hendrix. Com Hendrix confirmado, artistas como Cactus, Chicago, The Doors, Lighthouse, The Moody Blues, The Who, Miles Davis, Joan Baez, Joni Mitchell, Jethro Tull, Sly and the Family Stone, Ten Years After, Emerson, Lake & Palmer e Free aproveitaram a chance de tocar lá. O evento teve um local magnífico, mas impraticável, já que o vento predominante soprava o som para os lados no local, e o sistema de som teve que ser aumentado pelo PA do The Who. Havia uma escalação forte, mas inconsistente, e o pesadelo logístico de transportar cerca de 600.000 pessoas para uma ilha com uma população de menos de 100.000. Dificuldades políticas e logísticas fizeram com que os organizadores eventualmente percebessem que o festival não daria lucro e o declarassem "um festival gratuito", embora a maioria do público tivesse pago os ingressos antecipadamente, e o evento foi filmado contemporaneamente. As falhas comerciais do festival garantiram que ele fosse o último evento desse tipo na Ilha de Wight por trinta e dois anos.
TOM PETTY:
Após o lançamento de seu primeiro álbum no final dos anos 70, Tom Petty & the Heartbreakers foram calçados no movimento punk/new wave por alguns observadores que perceberam a energia forte e vibrante da mistura de riffs dos Byrds e arrogância dos Stones do grupo. De certa forma, a categorização fazia sentido. Comparado ao heavy metal e ao art rock que dominaram o guitar rock de meados dos anos 70, o retorno revigorante dos Heartbreakers às raízes foi quase tão inesperado quanto os acordes violentos do Clash. Com o passar do tempo, ficou claro que a banda não rompeu com a tradição como seus contemporâneos punks. Em vez disso, eles a celebraram, selecionando as melhores partes da Invasão Britânica, do garage rock americano e dos cantores/compositores Dylanescos para criar um híbrido distintamente americano que relembrasse o passado sem ficar em dívida com ele. Os Heartbreakers eram uma banda de apoio coesa, musculosa e versátil que fornecia o suporte adequado para as músicas de Petty, que catalogavam uma série de perdedores e sonhadores de classe média. Enquanto sua voz arrastada e nasal pode ter lembrado Dylan e Roger McGuinn, a composição de Petty era enxuta e direta, lembrando o estilo simples e sem adornos de Neil Young. Ao longo de sua carreira, Petty & the Heartbreakers nunca se afastaram de seu som rootsy característico, mas eles foram capazes de expandi-lo, trazendo influências psicodélicas, Southern rock e new wave; eles também foram um dos poucos roqueiros tradicionalistas que abraçaram videoclipes, filmando alguns dos vídeos mais inventivos e populares da história da MTV. Sua disposição em experimentar os limites do rock & roll clássico ajudou Petty a sustentar sua popularidade até os anos 90.
THE WHO:
O grupo passou boa parte de 1968 vendo os singles "Call Me Lightning", "Magic Bus" e "Dogs" — inspirados pelo interesse de Townshend em corridas de cães — não atenderem às expectativas. A Track Records, com pouco dinheiro mesmo com as vendas crescentes de Hendrix, montou o Direct Hits, que compilou os singles recentes da banda (menos os lados Brunswick produzidos por Shel Talmy). Nos Estados Unidos, a Decca Records — com apenas dois "hits" reais do grupo para trabalhar, mais "Magic Bus" (que foi inesperadamente bem daquele lado do Atlântico) — lançou Magic Bus, um álbum de compilação não reconhecido construído em torno do hit e extraído de singles do Reino Unido, EPs e faixas recentes de álbuns. Foi enganosamente subintitulado "The Who on Tour", e isso é muito do que eles fizeram em 1968, especialmente nos Estados Unidos, mas não da maneira que fizeram em 1967; dessa vez, eles estavam tocando em lugares como o Fillmore East, onde gravaram um show para um possível álbum ao vivo. Esse plano deu errado quando o show não foi bom o suficiente para representar o grupo, e foi abandonado completamente com as grandes mudanças em seu songbook em 1969. Enquanto faziam seu primeiro progresso sério de longo prazo nos EUA, a banda — principalmente Townshend, em colaboração com Lambert no libreto inicial — estava criando e gravando um trabalho em larga escala. Tommy chegou em maio de 1969, mais de um ano e meio depois do The Who Sell Out. No entanto, ainda estava inacabado — a banda queria adicionar mais instrumentos em certas músicas, e Entwistle ficou particularmente chateado com o som do baixo na gravação lançada. Mas eles estavam sem dinheiro e opções, então Tommy foi lançado como um trabalho em andamento. E pela primeira vez, as estrelas se alinharam a favor do Who, especialmente nos Estados Unidos.
A imprensa séria do rock aproveitou o álbum como uma obra-prima, enquanto a imprensa convencional começou a levar o rock a sério. O The Who era novo e fresco o suficiente, e Tommy ambicioso o suficiente, que se tornou um dos álbuns mais amplamente revisados e escritos da história. Tommy subiu para o Top 10 americano enquanto o grupo divulgava o álbum com uma extensa turnê onde tocaram a ópera completa. Em alguns aspectos, Tommy se tornou muito bem-sucedido. O público esperava que fosse feito na íntegra em todos os shows, e de repente o The Who estava rotineiramente tocando por duas horas seguidas. O trabalho logo ofuscou o The Who; foi apresentado como uma peça, refeito como uma extravagância orquestrada de estrelas (estrelando Daltrey e apresentando a guitarra de Townshend) e acabaria sendo filmado por Ken Russell em 1975 (o filme estrelado por Daltrey). Em 1993, Townshend o transformou em um musical da Broadway com o diretor Des McAnuff. Ao vivo em Leeds Enquanto Tommy manteve a banda ocupada em turnê por quase dois anos, como acompanhá-lo deixou Townshend perplexo. Enquanto trabalhava em novo material, o grupo lançou Live at Leeds em 1970 (que rendeu o single de sucesso "Summertime Blues"), bem como o single "The Seeker", dando-lhes algum espaço para respirar. Eventualmente, ele decidiu-se por Lifehouse, uma ópera rock de ficção científica fortemente influenciada pelos ensinamentos de seu guru, Meher Baba, que empurrou o grupo para um novo território sonoro com eletrônicos e sintetizadores. O resto do Who não ficou particularmente encantado com Lifehouse, alegando não entender seu enredo, e sua relutância contribuiu para que Townshend sofresse um colapso nervoso. Assim que ele se recuperou, o grupo pegou os pedaços do projeto abandonado e gravou Who's Next com o produtor Glyn Johns. Ostentando um som mais pesado, Who's Next foi um grande sucesso, e muitas de suas faixas — incluindo "Baba O'Riley", "Bargain", "Behind Blue Eyes" e "Won't Get Fooled Again" (ambas lançadas como singles) e "My Wife" do Entwistle — se tornaram pedras angulares da rádio FM voltada para álbuns dos anos 70. A turnê Who's Next solidificou a banda como uma das duas principais atrações de rock ao vivo do mundo, junto com os Rolling Stones. De repente, sua história era do interesse de milhões de fãs; Meaty Beaty Big and Bouncy, uma retrospectiva de 14 músicas de seus singles, também vendeu em grandes quantidades.
DEEP PURPLE:
Gravado em três noites em agosto de 1972, Made in Japan do Deep Purple foi o disco que levou a banda ao status de atração principal nos EUA e em outros lugares, e continua sendo um marco na história do heavy metal. Desde a reorganização com o vocalista Ian Gillan e o baixista Roger Glover em 1969, o Deep Purple gravou três álbuns importantes — Deep Purple in Rock, Fireball e Machine Head — e usou o material para construir um show ao vivo feroz. Made in Japan, suas seleções retiradas desses álbuns, documentaram aquele show, no qual as músicas foram estendidas para dez e até quase 20 minutos com não menos intensidade, enquanto o guitarrista Ritchie Blackmore e o organista Jon Lord solou extensivamente e Gillan cantou em um grito que se tornou a inveja de todas as bandas de metal que se seguiram. A música de assinatura, é claro, foi "Smoke on the Water", com seu riff memorável, que se tornou um single de sucesso americano. Mas esses treinos prolongados, particularmente a melancólica "Child in Time", com o assombroso lamento em falsete de Gillan e a execução incrivelmente rápida de Blackmore, e "Space Truckin'", com os efeitos de órgão de Lord, mantiveram o ataque, tornando este um tratamento definitivo do catálogo da banda e seu álbum mais impressionante. Ao se esticar e ir a extremos, o Deep Purple empurrou sua música para o tipo de excesso deliberado que fez do heavy metal o que ele se tornou, e seu público reconheceu o avanço, impulsionando o LP duplo original para o Top Ten dos EUA e vendendo mais de um milhão de cópias.
Após o lançamento de seu primeiro álbum no final dos anos 70, Tom Petty & the Heartbreakers foram calçados no movimento punk/new wave por alguns observadores que perceberam a energia forte e vibrante da mistura de riffs dos Byrds e arrogância dos Stones do grupo. De certa forma, a categorização fazia sentido. Comparado ao heavy metal e ao art rock que dominaram o guitar rock de meados dos anos 70, o retorno revigorante dos Heartbreakers às raízes foi quase tão inesperado quanto os acordes violentos do Clash. Com o passar do tempo, ficou claro que a banda não rompeu com a tradição como seus contemporâneos punks. Em vez disso, eles a celebraram, selecionando as melhores partes da Invasão Britânica, do garage rock americano e dos cantores/compositores Dylanescos para criar um híbrido distintamente americano que relembrasse o passado sem ficar em dívida com ele. Os Heartbreakers eram uma banda de apoio coesa, musculosa e versátil que fornecia o suporte adequado para as músicas de Petty, que catalogavam uma série de perdedores e sonhadores de classe média. Enquanto sua voz arrastada e nasal pode ter lembrado Dylan e Roger McGuinn, a composição de Petty era enxuta e direta, lembrando o estilo simples e sem adornos de Neil Young. Ao longo de sua carreira, Petty & the Heartbreakers nunca se afastaram de seu som rootsy característico, mas eles foram capazes de expandi-lo, trazendo influências psicodélicas, Southern rock e new wave; eles também foram um dos poucos roqueiros tradicionalistas que abraçaram videoclipes, filmando alguns dos vídeos mais inventivos e populares da história da MTV. Sua disposição em experimentar os limites do rock & roll clássico ajudou Petty a sustentar sua popularidade até os anos 90.
O grupo passou boa parte de 1968 vendo os singles "Call Me Lightning", "Magic Bus" e "Dogs" — inspirados pelo interesse de Townshend em corridas de cães — não atenderem às expectativas. A Track Records, com pouco dinheiro mesmo com as vendas crescentes de Hendrix, montou o Direct Hits, que compilou os singles recentes da banda (menos os lados Brunswick produzidos por Shel Talmy). Nos Estados Unidos, a Decca Records — com apenas dois "hits" reais do grupo para trabalhar, mais "Magic Bus" (que foi inesperadamente bem daquele lado do Atlântico) — lançou Magic Bus, um álbum de compilação não reconhecido construído em torno do hit e extraído de singles do Reino Unido, EPs e faixas recentes de álbuns. Foi enganosamente subintitulado "The Who on Tour", e isso é muito do que eles fizeram em 1968, especialmente nos Estados Unidos, mas não da maneira que fizeram em 1967; dessa vez, eles estavam tocando em lugares como o Fillmore East, onde gravaram um show para um possível álbum ao vivo. Esse plano deu errado quando o show não foi bom o suficiente para representar o grupo, e foi abandonado completamente com as grandes mudanças em seu songbook em 1969. Enquanto faziam seu primeiro progresso sério de longo prazo nos EUA, a banda — principalmente Townshend, em colaboração com Lambert no libreto inicial — estava criando e gravando um trabalho em larga escala. Tommy chegou em maio de 1969, mais de um ano e meio depois do The Who Sell Out. No entanto, ainda estava inacabado — a banda queria adicionar mais instrumentos em certas músicas, e Entwistle ficou particularmente chateado com o som do baixo na gravação lançada. Mas eles estavam sem dinheiro e opções, então Tommy foi lançado como um trabalho em andamento. E pela primeira vez, as estrelas se alinharam a favor do Who, especialmente nos Estados Unidos.
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Gravado em três noites em agosto de 1972, Made in Japan do Deep Purple foi o disco que levou a banda ao status de atração principal nos EUA e em outros lugares, e continua sendo um marco na história do heavy metal. Desde a reorganização com o vocalista Ian Gillan e o baixista Roger Glover em 1969, o Deep Purple gravou três álbuns importantes — Deep Purple in Rock, Fireball e Machine Head — e usou o material para construir um show ao vivo feroz. Made in Japan, suas seleções retiradas desses álbuns, documentaram aquele show, no qual as músicas foram estendidas para dez e até quase 20 minutos com não menos intensidade, enquanto o guitarrista Ritchie Blackmore e o organista Jon Lord solou extensivamente e Gillan cantou em um grito que se tornou a inveja de todas as bandas de metal que se seguiram. A música de assinatura, é claro, foi "Smoke on the Water", com seu riff memorável, que se tornou um single de sucesso americano. Mas esses treinos prolongados, particularmente a melancólica "Child in Time", com o assombroso lamento em falsete de Gillan e a execução incrivelmente rápida de Blackmore, e "Space Truckin'", com os efeitos de órgão de Lord, mantiveram o ataque, tornando este um tratamento definitivo do catálogo da banda e seu álbum mais impressionante. Ao se esticar e ir a extremos, o Deep Purple empurrou sua música para o tipo de excesso deliberado que fez do heavy metal o que ele se tornou, e seu público reconheceu o avanço, impulsionando o LP duplo original para o Top Ten dos EUA e vendendo mais de um milhão de cópias.
01. The Doors - Isle of Wight 1970-08-30 - The End 18:18
02. The Doors - Isle of Wight 1970-08-30 - When The Music's Over 13:31
03. The Doors - Stockholm '68 Tapes - Money 03:18
04. The Doors - Stockholm '68 Tapes - Back Door Man 04:29
05. Tom Petty - Unreleased Petty - Mr Tambourine Man 04:02
06. Tom Petty - Unreleased Petty - Worried Guy 03:21
07. Tom Petty - Unreleased Petty - Drivin' Down To Georgia 06:34
08. Tom Petty - My Fathers Place - Route 66 04:00
09. The Who - Complete Amsterdam 69' - Summertime Blues 03:54
10. The Who - Complete Amsterdam 69' - My Generation 14:41
11. The Who - Complete Amsterdam 69' - Young Man Blues 08:28
12. The Who - Complete Amsterdam 69' - Tattoo 04:24
13. Deep Purple - Made in Japan August 17 - Highway Star 07:12 (Another Version)
14. Deep Purple - Made in Japan August 17 - Strange Kind of Woman 08:28 (Another Version)
15. Deep Purple - Made in Japan August 17 - Black Night 06:58 (Another Version)
16. Deep Purple - Made in Japan August 15 - Lazy 10:59 (Another Version)
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15. Deep Purple - Made in Japan August 17 - Black Night 06:58 (Another Version)
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