Hoje queremos rever dois momentos diferentes, mas igualmente relevantes na longa história dos QI, um dos grupos mais imperiais do que veio a ser chamado de rock neo-progressivo (leia-se: rock progressivo sinfônico com sensibilidades mais frescas inspiradas no espírito dos novos movimentos do rock que aconteciam desde o final dos anos 70 no underground britânico). Referimo-nos aos momentos de “Tales From The Lush Attic” e “Ever”, álbuns que neste ano de 2018 completam 35 e 25 anos, respetivamente. Batizado com o nome de um termo psicológico (Holmes começou a estudar, mas sua vida acadêmica não durou muitos anos), o grupo IQ foi formado em meados de 1981 quando o guitarrista Mike Holmes e o tecladista Martin Orford decidiram dissolver o quarteto instrumental THE LENS. um grupo progressivo que daria mais espaço às músicas cantadas. O primeiro a se juntar a este projeto nascente foi o baixista Tim Esau, que também possuía uma equipe de gravação. O segundo a entrar foi o baterista Mark Ridout, mas logo deixou o grupo para ser substituído por Paul Cook. Dentro de alguns meses, Peter Nicholls se juntou ao IQ (vindo da banda de rock experimental THE SAME CURTAIN). Combinando faixas já gravadas pelo quarteto de still com as feitas pelo quinteto definitivo (incluindo a balada 'For The Taking' que Nicholls trouxe de seu grupo anterior), o grupo lançou de forma independente sua primeira gravação oficial: o cassete “Seven Stories Into Eight” , que remonta ao segundo semestre de 1982. É verdade que Holmes e Nicholls já se conheciam desde antes, mais precisamente, a fila para entrar num concerto do GENESIS durante a digressão promocional do seu então novo álbum “A Trick Of The Tail ”, aquele primeiro álbum crucial sem Peter Gabriel. Um certo Niall Hayden também fez parte dessa experiência de camaradagem, e Hayden e Holmes logo formariam um grupo instrumental chamado THE GILN a princípio, logo renomeado THE LENS. Não entraremos em mais detalhes sobre a trajetória do THE LENS, mas diremos que o tecladista original foi substituído por um certo Martin Orford, aquele Orford que por muitos anos será sócio de Holmes. O fato é que na época dessa fita de estreia, a primeira formação clássica do IQ estava completa: Peter Nicholls nos vocais; Mike Holmes nas guitarras; Tim Esau no baixo, pedais de baixo e backing vocals; Martin Orford nos teclados e backing vocals; e Paul Cook na bateria. logo renomeado A LENTE. Não entraremos em mais detalhes sobre a trajetória do THE LENS, mas diremos que o tecladista original foi substituído por um certo Martin Orford, aquele Orford que por muitos anos será sócio de Holmes. O fato é que na época dessa fita de estreia, a primeira formação clássica do IQ estava completa: Peter Nicholls nos vocais; Mike Holmes nas guitarras; Tim Esau no baixo, pedais de baixo e backing vocals; Martin Orford nos teclados e backing vocals; e Paul Cook na bateria. logo renomeado A LENTE. Não entraremos em mais detalhes sobre a trajetória do THE LENS, mas diremos que o tecladista original foi substituído por um certo Martin Orford, aquele Orford que por muitos anos será sócio de Holmes. O fato é que na época dessa fita de estreia, a primeira formação clássica do IQ estava completa: Peter Nicholls nos vocais; Mike Holmes nas guitarras; Tim Esau no baixo, pedais de baixo e backing vocals; Martin Orford nos teclados e backing vocals; e Paul Cook na bateria. Peter Nicholls nos vocais; Mike Holmes nas guitarras; Tim Esau no baixo, pedais de baixo e backing vocals; Martin Orford nos teclados e backing vocals; e Paul Cook na bateria. Peter Nicholls nos vocais; Mike Holmes nas guitarras; Tim Esau no baixo, pedais de baixo e backing vocals; Martin Orford nos teclados e backing vocals; e Paul Cook na bateria.
O primeiro grande passo para o IQ tinha que ser a gravação de um LP por uma gravadora mais ou menos importante... ou sei lá, um LP, simples assim. A oportunidade para isso surgiu quando nossos cinco jovens mosqueteiros viram um anúncio na imprensa musical em meados de 1983: a pechincha de gravar por 5 dias no Flame Studios um álbum a ser masterizado no prestigiado Abbey Road Studio e com 1000 cópias do vinil , tudo por £ 1.500. Foi uma pechincha, de fato, mas mesmo essa quantia estava além do bolso dos cinco membros da banda, então o pai do baterista Paul Cook emprestou-lhes a quantia. Um gesto de generosidade que o tornou digno do exemplar 001 quando o álbum foi lançado. O título "Tales From The Lush Attic" veio de um breve brainstorm entre Nicholls, Holmes e Orford (embora Nicholls, sendo o cantor e letrista exclusivo da banda, pensasse que o título do álbum era parte de seu papel dentro da banda). , mas como ele havia colocado o título da fita de estreia, alguns de seus colegas agora gostariam de compartilhar essa responsabilidade nominativa). Nicholls gostou da palavra sótão pelo tipo de atmosfera relaxante e claustrofóbica que exalava, Orford gostou do som da palavra exuberante, e Holmes acrescentou isso porque enfatizava o fato de que cada música narrava um evento específico. Onde ocorreu esse brainstorming crucial? Segundo Nicholls, foi no apartamento que quatro integrantes do quinteto dividiram, mas Esaú garante que foi durante uma viagem de carro e Holmes ressalta que foi na sala dos fundos de um lugar onde eles tinham acabado de dar um concerto. Um mistério insolúvel que se perdeu nas brumas do tempo! A arte gráfica foi feita por Nicholls, que, como vocalista, também cuidou de todas as letras. As sessões de gravação das cinco peças que compunham "Tales From The Lush Attic" aconteceram entre os dias 2 e 5 de agosto de 1983, deixando o quinto dia (segunda-feira 8) para a mixagem inicial. O engenheiro de som principal não compartilhava do entusiasmo dos Srs. Nicholls, Holmes, Orford, Esau e Cook, que assumiram a tarefa de produzir o álbum: o engenheiro em questão, chamado Mel Simpson, Ele perguntou a eles em uma ocasião se eles tinham certeza de que queriam 1.000 cópias daquele álbum para o qual ele não via um bom futuro. Talvez tenha sido sua falta de entusiasmo que o levou a cometer o erro muito imprudente de apagar cerca de cinco segundos do solo de sintetizador que duplicou o penúltimo solo de guitarra antes da última parte cantada da suíte que abriu o álbum. Orford ainda se lembra com irritação do que Simpson lhe disse quando o alertou sobre a necessidade de reparar aquele vazio: "Não é grande coisa!" Em fim... Orford ainda se lembra com irritação do que Simpson lhe disse quando o alertou sobre a necessidade de reparar aquele vazio: "Não é grande coisa!" Em fim... Orford ainda se lembra com irritação do que Simpson lhe disse quando o alertou sobre a necessidade de reparar aquele vazio: "Não é grande coisa!" Em fim...
Mais cativante é a anedota de levar as fitas de gravação para os estúdios de Abbey Road: Holmes e Esau foram os únicos dois membros que foram observar o processo de masterização por um tempo. Holmes, o futuro engenheiro de som oficial do grupo, pensou ingenuamente que masterizar um álbum consistia simplesmente em transferir arquivos de áudio de um formato para outro. A questão, afinal, é que "Tales From The Lush Attic" foi lançado na segunda quinzena de setembro daquele ano de 1983 pelo selo Major Record Company, nome fictício inventado pelo grupo em alusão a uma piada que contavam que eles não gravariam um disco a menos que fosse produzido por uma grande (grande) gravadora fonográfica. A melhor parte da piada é algo que não estava nas mãos do pessoal da IQ: uma grande gravadora já existia, que notificou a banda de que não poderia continuar usando o nome que sua (suposta) gravadora fonográfica tinha sob pena de ser processada por plágio do nome. Consequentemente, a segunda prensagem do disco foi para outra gravadora fictícia, desta vez apelidada de The Classic One-Shoe Record Label. Uma segunda edição do LP feita por esta modalidade no ano seguinte trocou a borda azul da capa original por outro vermelho granada, sendo esta a imagem utilizada pela gravadora MSI quando este álbum teve sua primeira edição em CD. (Muitos de nós conhecemos o IQ por causa desse CD com aro marrom.) O pessoal do IQ marcou seu primeiro show no Marquee Club para 15 de setembro, pensando que já teria os discos à venda (exceto a edição 001, já reservada para pai de Cook)... Bem, os discos estavam lá, mas as capas e as letras não estavam, então, com um pouco de constrangimento, as cópias tiveram que ser vendidas aos fãs presentes com um ingresso e uma lista de nomes para que cada comprador naquele dia tivesse a capa correspondente. dias depois. Além da frustração desse detalhe incompleto, o show foi um sucesso com casa cheia: era fato que o grupo ganhava cada vez mais seguidores no underground londrino (Kerrang!, Sounds, Music, Due South). As críticas foram em sua maioria positivas, embora também seja verdade que quase todas criticavam um pouco o estilo vocal de Nicholls, o que o deixou um pouco desmoralizado: muito bem ser assim descrito na imprensa escrita.
Vejamos agora os detalhes do repertório deste item. Quase todo o lado A do álbum de estreia é ocupado pela suíte 'The Last Human Gateway', uma ode ambiciosa e dramática à tragédia de ser imortal de um homem que experimenta em primeira mão a agonia chata de não poder viver plenamente com a dialética da complementação da morte. Uma passagem relativamente longa dos efeitos do vento ajuda a motivar em nossas mentes a imagem de uma alma solitária em um universo que não sabe acolhê-la, sendo que essa imagem é reforçada com o estabelecimento da primeira seção sob a orientação do mellotronic flautas e o sintetizador de cordas. Uma vez que atingimos uma ponte em 7/8 com um balanço rápido, Nicholls proclama a mistura de adrenalina e desespero que emerge das eternas pulsações da imortalidade (“Meu sangue escureceu e virou pó, / Então salve minha alma ou me deixe morrer. / Ainda estou vivo… / Ainda estou vivo !”). A segunda seção impõe seu vigor retumbante sobre um complexo quadro rítmico a partir do qual os esquemas musicais das guitarras e as múltiplas funções dos teclados constroem uma elegante tempestade épica de pura essência progressiva. Depois de uma ponte etérea de claras nuances cósmicas, a terceira seção surge no tom de uma balada onde prevalece o modelo gênico; Nicholls explora a dimensão mais vulnerável de seu canto enquanto as harmonias e cortinas dos sintetizadores e do mellotron dão o tom geral do bloco instrumental. A quarta seção nos retorna à tensão da rocha, primeiro com uma passagem cantada onde predominam atmosferas góticas sobre uma cadência bélica de humor marcial, e depois com uma longa secção instrumental onde o grupo regressa para exorcizar os seus fantasmas géneses, desta vez com toques extras do paradigma CAMEL. O caminho para o clímax neurótico e furioso desta seção é conduzido agilmente para a abertura da quinta e última seção. Esta retoma a base melódica da primeira mas desta vez com um magnífico sotaque épico onde a majestade do longo solo de guitarra proporciona um prolongamento instrumental das últimas reflexões resignadas que Nicholls canta: “Ajusto a silhueta que me deixa cicatrizada. / Perdi minha condição da estrela perfeita. / Eu peguei fogo, não posso deixar de ver / Não há ninguém para continuar. / Conheci essas planícies antes que o mundo fosse meu. / Sem escapatória em mente, serei resignado. / Dentro sozinho, eu sei com certeza / O futuro acabou.” O majestoso esplendor do bloco instrumental que evapora no caminho para o fade-out é praticamente uma homenagem ao encerramento daquele grande clássico do rock progressivo dos anos 70 que é a suíte GENESIS 'Supper's Ready'.
'Through The Corridors (Oh! Shit Me)' soa como uma típica música pós-punk e new wave (como um cruzamento entre THE PSYCHEDELIC FURS e THE STRANGLERS) com ornamentos adicionados e solos de sintetizadores de tenor sinfônicos à maneira de algumas tentativas de GENESIS para emular THE DAMNED da era 1980-2. Tocando no tema não tão agradável da pedofilia em um espírito de sátira cruel, essa música de apenas 2 minutos e meio fornece um contraponto à sofisticação da maratona da suíte de abertura. O lado B do vinil começa com a música animada e animada 'Awake And Nervous', uma ode à agitação ansiosa misturada com a exaustão que um músico de rock sente ao terminar a última música de um show. As letras de Nicholls refletem brilhantemente esse mal-estar pletórico (ou bênção desconfortável, se você quiser) em versos como “Com brio eu continuo batendo / Através do céu, / Não tenho compaixão eu” e “Através do pandemônio, / Meu coração está batendo como um tambor. / Barricado aqui, / rastejar está ficando mais assustador. / Com a cabeça nas mãos, / todo o céu no meu coração”. As frases finais são diretas: “Tire-me daqui, deixe-me ir embora / Deixe-me sair daqui, deixe-me ir hoje”. O paradoxo é que muitas vezes a banda escolheu essa música para iniciar os shows e poucas vezes ela apareceu no final. A verdade é que é uma música com muito gancho apesar de sua duração de 7 ¾ minutos e seu uso principal de 7/8 de tempo. À medida que o fade-out é encapsulado sob uma camada minimalista de sintetizador, a porta se abre para uma bela sonata para piano de cauda composta por Orford, que responde ao título bizarro de 'My Baby Treats Me Right 'Cos I'm A Hard Lovin' Man All Night Long'. A razão desse título tão machista se deve a uma intenção que Orford tinha sobre ele: primeiro, ele queria evitar dar um título pretensioso com uma palavra acadêmica (sonata, luar, esse tipo de coisa); Em segundo lugar, eu queria colocar um título realmente banal que parodiasse as pretensões de Don Juan que grupos como WHITESNAKE e DR. FEELGOOD parecia se levar muito a sério com ridícula auto-indulgência em suas letras e títulos de músicas. Bem, não há nada de ridículo ou grosseiro nesta peça: as emanações do piano fluem como ondas de água em uma noite agitada que não é bem tempestuosa. A razão desse título tão machista se deve a uma intenção que Orford tinha sobre ele: primeiro, ele queria evitar dar um título pretensioso com uma palavra acadêmica (sonata, luar, esse tipo de coisa); Em segundo lugar, eu queria colocar um título realmente banal que parodiasse as pretensões de Don Juan que grupos como WHITESNAKE e DR. FEELGOOD parecia se levar muito a sério com ridícula auto-indulgência em suas letras e títulos de músicas. Bem, não há nada de ridículo ou grosseiro nesta peça: as emanações do piano fluem como ondas de água em uma noite agitada que não é bem tempestuosa. A razão desse título tão machista se deve a uma intenção que Orford tinha sobre ele: primeiro, ele queria evitar dar um título pretensioso com uma palavra acadêmica (sonata, luar, esse tipo de coisa); Em segundo lugar, eu queria colocar um título realmente banal que parodiasse as pretensões de Don Juan que grupos como WHITESNAKE e DR. FEELGOOD parecia se levar muito a sério com ridícula auto-indulgência em suas letras e títulos de músicas. Bem, não há nada de ridículo ou grosseiro nesta peça: as emanações do piano fluem como ondas de água em uma noite agitada que não é bem tempestuosa. Eu queria colocar um título realmente pedestre que parodiasse as pretensões de Don Juan que grupos como WHITESNAKE e DR. FEELGOOD parecia se levar muito a sério com ridícula auto-indulgência em suas letras e títulos de músicas. Bem, não há nada de ridículo ou grosseiro nessa peça: as emanações do piano fluem como ondas de água em uma noite agitada que não é bem tempestuosa. Eu queria colocar um título realmente pedestre que parodiasse as pretensões de Don Juan que grupos como WHITESNAKE e DR. FEELGOOD parecia se levar muito a sério com ridícula auto-indulgência em suas letras e títulos de músicas. Bem, não há nada de ridículo ou grosseiro nesta peça: as emanações do piano fluem como ondas de água em uma noite agitada que não é bem tempestuosa.
O álbum fecha em grande estilo com outra suíte, desta vez com pouco menos de 14 minutos: 'The Enemy Smacks'. As escalas de órgão de abertura se encaixam perfeitamente com a nota final de piano que soa no curto interlúdio anterior. É uma das peças mais teatrais já compostas pelo povo de QI, servindo de pretexto ideal para Nicholls interpretar diante da galeria as três fases do viciado em drogas que mergulha cada vez mais fundo em seu vício em heroína: o período dos primeiros experimentos, com uma corda amarrada no braço e beijando-a esporadicamente; o em avançado estado de deterioração, de jaleco e máscara branca, exibindo linguagem corporal lânguida e passiva; o da overdose fatal que leva à morte, com a mesma máscara branca e uma capa preta que cobre a cabeça. O melhor da letra Parece-nos que está na segunda parte cantada: “Aqui na minha casinha de balanço, / deixo as cortinas fechadas. / Dentro da minha cabecinha, / eu os ouço gritando meu nome. / Aqui no meu quarto de cavalo de balanço, / mantenho os olhos bem fechados. / Dentro dos meus escaninhos, / sei que se estiverem vazios posso dormir.” Como esperado, são várias as passagens melódicas dos instrumentistas, tocando com parâmetros rítmicos diversos e complexos, indo do frenético ao sombrio, às vezes flertando com o heavy metal e em algum momento estabelecendo um groove blues-rock com um clima psicodélico. A seção final abre com uma borda de pedra retumbante após as últimas palavras de Nicholls (“Aqui vem o inimigo, a besta em mim, / Um pouco mais vivo. / No meu ombro duro, O aviso é mais profundo do que antes. / Eu ainda tenho uma segunda visão. / Eu ainda posso ver à noite.”) possuem uma cadência apertada e cortante muito funcional para emulações dos chocalhos fatais da vítima de overdose que Nicholls apresentou no palco. Que tal o final do álbum!... E de fato, é a nossa música favorita deste álbum de estreia. A reedição de 30 anos de “Tales From The Lush Attic” inclui uma nova versão (de 2012) da balada pastoral 'Wintertell', que havia sido composta por Nicholls e Holmes para inclusão no álbum como uma ponte entre 'Awake And Nervous' e 'The Enemy Smacks', mas a peça escolhida para essa função foi a sonata para piano mencionada no parágrafo anterior. Nas palavras de Orford, a balada em questão ainda estava em sua infância e não combinava bem com o estilo geral do álbum, enquanto sua composição era uma entidade acabada, tinha uma essência sinfônica e terminava com o mesmo acorde que deu início a 'The Enemy Smacks'. Nicholls, por sua vez, defende a música e rejeita a censura de que era muito pessoal para sua presença fazer sentido no álbum, já que até mesmo um solo de piano de um único membro do grupo também é uma questão pessoal. Mas ei... que tal colocarmos aqui um fragmento de suas letras cativantes? – “Tanto sem palavras quanto sem esperança, / Outro dia exatamente como eu vim a conhecer. / Tão nervosamente fecho os olhos / Na esperança, quando os abrir, que ela tenha ido embora. / Pois bem ela sabe que não posso ceder à tristeza, / espero uma chance de deixá-la saber, / eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. tinha uma essência sinfônica e terminava com o mesmo acorde que deu início a 'The Enemy Smacks'. Nicholls, por sua vez, defende a música e rejeita a censura de que era muito pessoal para sua presença fazer sentido no álbum, já que até mesmo um solo de piano de um único membro do grupo também é uma questão pessoal. Mas ei... que tal colocarmos aqui um fragmento de suas letras cativantes? – “Tanto sem palavras quanto sem esperança, / Outro dia exatamente como eu vim a conhecer. / Tão nervosamente fecho os olhos / Na esperança, quando os abrir, que ela tenha ido embora. / Pois bem ela sabe que não posso ceder à tristeza, / espero uma chance de deixá-la saber, / eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. tinha uma essência sinfônica e terminava com o mesmo acorde que deu início a 'The Enemy Smacks'. Nicholls, por sua vez, defende a música e rejeita a censura de que era muito pessoal para sua presença fazer sentido no álbum, já que até mesmo um solo de piano de um único membro do grupo também é uma questão pessoal. Mas ei... que tal colocarmos aqui um fragmento de suas letras cativantes? – “Tanto sem palavras quanto sem esperança, / Outro dia exatamente como eu vim a conhecer. / Tão nervosamente fecho os olhos / Na esperança, quando os abrir, que ela tenha ido embora. / Pois bem ela sabe que não posso ceder à tristeza, / espero uma chance de deixá-la saber, / eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. De sua parte, ele defende a música e rejeita a censura de que era muito pessoal para sua presença fazer sentido no álbum, já que um solo de piano de um único membro do grupo também é uma questão pessoal. Mas ei... que tal colocarmos aqui um fragmento de suas letras cativantes? – “Tanto sem palavras quanto sem esperança, / Outro dia exatamente como eu vim a conhecer. / Tão nervosamente fecho os olhos / Na esperança, quando os abrir, que ela tenha ido embora. / Pois bem ela sabe que não posso ceder à tristeza, / espero uma chance de deixá-la saber, / eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. De sua parte, ele defende a música e rejeita a censura de que era muito pessoal para sua presença fazer sentido no álbum, já que um solo de piano de um único membro do grupo também é uma questão pessoal. Mas ei... que tal colocarmos aqui um fragmento de suas letras cativantes? – “Tanto sem palavras quanto sem esperança, / Outro dia exatamente como eu vim a conhecer. / Tão nervosamente fecho os olhos / Na esperança, quando os abrir, que ela tenha ido embora. / Pois bem ela sabe que não posso ceder à tristeza, / espero uma chance de deixá-la saber, / eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. porque também um solo de piano de um único membro do grupo também é uma questão pessoal. Mas ei... que tal colocarmos aqui um fragmento de suas letras cativantes? – “Tanto sem palavras quanto sem esperança, / Outro dia exatamente como eu vim a conhecer. / Tão nervosamente fecho os olhos / Na esperança, quando os abrir, que ela tenha ido embora. / Pois bem ela sabe que não posso ceder à tristeza, / espero uma chance de deixá-la saber, / eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. porque também um solo de piano de um único membro do grupo também é uma questão pessoal. Mas ei... que tal colocarmos aqui um fragmento de suas letras cativantes? – “Tanto sem palavras quanto sem esperança, / Outro dia exatamente como eu vim a conhecer. / Tão nervosamente fecho os olhos / Na esperança, quando os abrir, que ela tenha ido embora. / Pois bem ela sabe que não posso ceder à tristeza, / espero uma chance de deixá-la saber, / eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. / Eu espero por uma chance de deixá-la saber, / Eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls. / Eu espero por uma chance de deixá-la saber, / Eu a amo o suficiente para deixá-la ir.” Um grande poeta Peter Nicholls.
Da demo de 'Wintertell' que conhecemos da compilação de raridades “The Lost Attic”, podemos dizer que esta bela e calorosa canção ainda estava em estado primitivo; podemos considerar esta versão de 2012, que além de vocais e violão, inclui ornamentos de teclado tipo mola e graciosas contribuições da guitarra elétrica, que finalmente encontrou sua essência definitiva. Nesta reedição de 30 anos acima mencionada, também encontramos a versão recuperada da primeira versão da seção final de 'The Last Human Gateway', uma demo parcial da música eletrizante 'Just Changing Hands' e o mesmo para 'Dans Le Parc Du Château Noir'. Além disso, há também um DVD onde encontramos a mixagem original do LP (com falhas incluídas, como a exclusão de uma parte do solo de sintetizador na penúltima seção de 'The Last Human Gateway'), o vídeo do show no Zoetermeer (23 de outubro de 2011) onde o grupo toca o álbum inteiro (já com a formação que inclui para Neil Durant nos teclados), o cassete original “Seven Stories Into Eight” (sim, aquele item de 1982), além de alguns itens gravados durante as sessões de gravação do primeiro LP. Dois deles são os respectivos ensaios para a primeira versão completa de 'The Last Human Gateway' e 'The Enemy Smacks', bem como alguns interlúdios instrumentais que não foram utilizados. Pois bem, o que se segue entre 1983 e 1991 é história conhecida: o grupo consegue materializar em 1985 o seu segundo LP de estúdio "The Wake", um triunfo artístico que não chegou a ser devidamente comemorado no Natal daquele ano porque o grupo já tinha um novo frontman chamado Paul Menel em suas fileiras. Com o novo ar que esse homem traz, o maior poder criativo que Esaú tem e as pressões da gravadora, o IQ momentaneamente se torna um grupo esquizóide preso entre um pop-rock glamoroso e certos resquícios resistentes do rock progressivo inicial, algo como alguns GENESIS preso entre o paradigma do “Abacab” e o do “Wind & Wuthering”. Assim, foram criados alguns álbuns, que são "Nomzamo" (1987) e "Are You Sitting Comfortably?" (1989). Com a pressão de Holmes e Orford encorajados para retornar às raízes progressivas do grupo, e mais pressão do grupo não ter o apoio necessário do selo Phonogram, Esau e Menel decidem abandonar o barco depois de encerrar sua turnê. álbum. Sem maiores recursos económicos e com a sensação de não ter mais energia para avançar como um grupo renascido ao ideal do rock progressivo com vista à iminente década de 90, IQ, como quarteto e com o recrutamento de Les "Ledge "Marshall no baixo (amigo de longa data e membro ocasional do THE LENS), decide fazer um punhado de shows de despedida com Orford cantando e com a participação especial de Peter Nicholls nas últimas três músicas. Concertos com salas cheias,
E bem, alguns dias depois que isso aconteceu, a ideia de reviver o IQ como uma entidade musical genuína e reativar a mentalidade progressista de seus primórdios começou a surgir na cabeça desses senhores. Na verdade, as más vibrações comunitárias que levaram Nicholls a abandonar o navio em meados de 1985 foram reduzidas a zero, então havia o desejo de fazer tudo isso. Um evento tão infeliz quanto a morte de Marshall (aparentemente por suicídio) só aumentou o desejo de realizar essa ressurreição progressiva; naquela época, o baixista John Jowitt já era um conhecido da banda (assim como um fã fervoroso), então as cartas estavam completas quando ele se juntou ao grupo. Com a fundação de sua própria gravadora Giant Electric Pea, o quinteto publicou uma compilação de raridades intitulada em falso francês “Jai Pollette d'Arnu” para financiar parte das despesas de pré-produção do que terá de ser um novo álbum. Além da morte de Marshall, houve também a morte de Geoff Mann, artista amigo da banda que dividiu sua vida entre o sacerdócio anglicano e a música (ele até se reuniu com seus comparsas do TWELFTH NIGHT para gravar algumas músicas para um compilação). Alguns parentes dos mesmos membros do IQ também morreram no início dos anos 90, então Nicholls se inspirou para escrever várias letras sobre o papel que a morte desempenha no significado, desafios e dramas da vida. Como nos velhos tempos, Nicholls não fazia apenas as letras e cantava, mas também seria responsável pela parte gráfica da capa e demais páginas do encarte do CD. "Ever" é o título apropriado para o álbum: uma palavra que designa o fato de que aqueles que partem o fazem para sempre, mas também que deixam vestígios eternos em quem os conheceu e, claro, que o círculo da vida e da morte gira para sempre sem parar. As seis músicas que compõem o álbum foram gravadas em março de 1993 no Parkland Studios de Hampshire Jacobs (Farnham) e no The Cutting Rooms em Manchester, com os processos de mixagem ocorrendo no mês seguinte (os Moles Studios em Bath) e a masterização (no Digipro, na cidade holandesa de Soest). "Ever" foi lançado em 12 de junho daquele mesmo ano de 1993, data que permanece como o dia oficial em que o IQ iniciou sua fase até então atual de definição de maturidade. Orford adiciona a flauta ao seu arsenal de numerosos sintetizadores enquanto Holmes adiciona o sintetizador de guitarra Roland ao seu próprio destacamento de guitarras elétricas e acústicas de 6 e 12 cordas, enquanto o recém-chegado Jowitt traz consigo seu Warwick, Rickenbacker, MusicMan e Baixos. Fretless ao lado da pedaleira Moog Taurus. O grupo está determinado a criar e construir um esquema de som massivamente rico com uma abordagem genuinamente prog-sinfônica, a abordagem com a qual o grupo nasceu. enquanto o novato Jowitt traz com ele seus baixos Warwick, Rickenbacker, MusicMan e Wal Fretless junto com a pedaleira Moog Taurus. O grupo está determinado a criar e construir um esquema de som massivamente rico com uma abordagem genuinamente prog-sinfônica, a abordagem com a qual o grupo nasceu. enquanto o novato Jowitt traz com ele seus baixos Warwick, Rickenbacker, MusicMan e Wal Fretless junto com a pedaleira Moog Taurus. O grupo está determinado a criar e construir um esquema de som massivamente rico com uma abordagem genuinamente prog-sinfônica, a abordagem com a qual o grupo nasceu.
O repertório deste álbum começa com uma declaração frontal de princípios sobre o que significa voltar totalmente ao caminho do rock progressivo e se posicionar com orgulho e convicção: a música de quase 11 minutos 'The Darkest Hour' é a perfeita encarnação musical é essa declaração de princípios. Começando com um prólogo marcado por pura polenta rock envolta na preciosidade de um complexo esquema rítmico e vibrantes ornamentos de sintetizador, a peça une solidamente e aos poucos assina a sequência dos vários motivos que são articulados sob meticulosa engenharia progressiva. Algo novo é perceptível na poesia de Nicholls, há um apego a um drama mais elaborado e uma abordagem mais descritiva: “Apesar de tudo eu reconheço o fim / E sinto as cicatrizes que nunca cicatrizam. / Eu mantenho a pureza, enterrada como estou / Em um esforço para esconder.” – “Nada de bom nunca veio de mim, / Achei que poderia te jogar no chão. / O que eu faço, que tipo de tolo / Cobre você como um animal? Algo novo também é perceptível em seu canto, que é manuseado de forma mais suave, e este último é muito conveniente para se envolver com as configurações instrumentais desenvolvidas por seus companheiros de viagem. É claro que este QI não está apenas ressuscitado, mas também totalmente maduro, pronto para voar para as alturas mais altas da arte rupestre, melhorando em vez de diminuir com o passar dos anos. É perceptível no estilo de Jowitt que o baixo tem uma nova musculatura dentro do som do grupo. O epílogo, com um tom melancólico envolvente, é apoiado pelo canto e pelos teclados para completar totalmente a arquitetura de clareza melódica que vem se desdobrando: aqui a imagem de um silêncio respeitoso é combinada com a de uma reflexão solitária que se faz diante do fim de seu mundo. “Outro dia me leva e eu seguirei. / O que for preciso agora, eu farei se acabar. / E ele não vai me machucar agora, eu sei, / Quando eu estiver perdendo todo o poder, / E ele não vai me machucar agora / Nesta hora mais escura.”
A segunda música é 'Fading Senses' e tem duas seções respectivamente intituladas 'After All' e 'Fading Senses': seu tema é claramente funerário – “Depois de todos os dias de desvanecimento dos sentidos / Isso levou mais do que eu tinha para dar. / Se enfrentarmos aquele que estivemos evitando / E eu estiver fora de controle novamente, me deixe ir.” A primeira seção é cantada e é sustentada por uma estrutura etérea de teclados, violão de 12 cordas e baixo fretless, retratando de forma confiável o ar de triste expectativa que envolve as últimas horas da vida de um ente querido. A segunda seção é um belo padrão instrumental de ritmo médio que remonta aos modelos CAMEL do final dos anos 70 e PINK FLOYD pós-1983. 'Out Of Nowhere' é a música mais engraçada do álbum, aliás, Pode-se dizer que é o que mais mostra a dimensão pop que desempenha um papel secundário, mas claro, dentro da ideologia musical do IQ. Claro que as quebras rítmicas não estão ausentes aqui com aqueles ornamentos ocasionais em 7/8 que acontecem em alguns interlúdios estratégicos. A personalidade comemorativa do álbum reflete o desejo de viver no meio de todas as provações e perigos que a vida tão desafiadoramente nos oferece a cada passo. A guitarra é a dona de todos os solos e eles não são exatamente muito pirotécnicos já que a ideia é manter um espírito de leveza ágil do início ao fim. Pelo contrário, 'Further Away' – a música mais longa do álbum com 14 ½ minutos de duração – mostra-nos as arestas mais sérias e solenes do álbum. Com letras inspiradas no romance clássico de EMILY BRONTË Wuthering Heights (publicado pela primeira vez em 1847 sob o pseudônimo de ELLIS BELL), o grupo começa o trabalho com um prólogo leve e tingido de outono (com ornamentos de flauta adicionados), depois passa para um ambicioso e passagem de rock prolongada carregada de grande estrondo emocional e sustentada principalmente em uma batida de 12/8; segue-se depois um interlúdio onde regressa a uma graça etérea, desta vez combinando o outonal com o luminoso, para finalmente aterrar num epílogo onde a candura e a paixão se associam numa emoção de exaltação do amor como força revitalizada para além da vida terrena. “Vá aonde quer que você esteja / E viva para o dia, / É apenas desgaste. / Não importa mais, / Se eu estou perdendo você / Você está sempre em todo lugar […] O que eles fizeram? / Fique comigo! / Você pode dizer onde está? / Eu estarei lá, eu farei isso, apenas me diga' / Eu nunca vou deixar ir.”
Temos uma suíte tremenda em 'Further Away', não temos dúvidas sobre isso. Solos de guitarra e sintetizadores ocupam seus respectivos lugares com graça e distinção. De sua parte, Nicholls nos dá mais de sua esplêndida poesia: “Pesquisadores de tensão e oradores públicos defendem / Estes eles vieram para julgar. / Mentirosos experientes e falsos Messias descem / Para deitar no toque do sentimento / E eu já vi demais / Dia a dia e não sei por quê. / Afinal, não importamos o mesmo? – “Fui o primeiro naquela cama sinistra, / Fechando as persianas e cortando o fio. / Algemado e agrilhoado eu sei quem você é, / Sangrando o coração e a mente enquanto os rios ficam vermelhos. / Alguém disse «Aqui é o Inferno». A emoção rasgada e sofisticada com que esta canção nos deixou ganha um tom mais contemplativo na penúltima canção do álbum, que se intitula 'Leap Of Faith' e tem como tema o ciclo de vida e morte que marca a vida do ser humano de geração em geração. Uma amostra da letra ilustra essa noção: “Eu posso ver algo naquele sorriso, / No jeito que eles tocam. / Eles estão passando pela linha, / Abrindo as lágrimas e o vazio. / Sem sinais de perigo, / Características não reconhecidas até agora.” – “Tempo suficiente quando velhas sensações / Não lembrarei mais. / Desconhecendo todas as crianças, / Correndo anéis sem se importar, / Participando de seus jogos.” Não vamos esconder que é a nossa música favorita de "Ever" (e de todo o catálogo histórico da banda) porque é aqui que as ideias musicais atingem a máxima expressão de beleza estilizada, a mesma que é transportada para uma peculiar culminação de especificações sinfônicas no extenso epílogo instrumental: abriga um dos diálogos mais intensos entre guitarra e sintetizador que a dupla Holmes e Orford já compôs, enquanto a dupla rítmica trabalha fluentemente um groove suportável em uma sequência natural de batidas incomuns. Encravada com o final de 'Leap Of Faith' está a faixa de encerramento do álbum: a balada camelian-Genesiana 'Came Down'. Esta canção, claramente orientada para uma emotividade vulnerável, é manejada com bastante sobriedade em seus arranjos instrumentais, conseguindo que a expressividade do rock do momento se restrinja à simplicidade das reflexões existencialistas expostas na letra. A essência melódica do corpo central recorrente é dirigida a partir do violão enquanto os teclados constroem bases e orquestrações contidas. O caminho para o fade-out consegue, simultaneamente, expor uma aura de leve desapego assim que as últimas palavras de Nicholls terminam de ressoar, e um repique de melancolia concisa se transforma em contemplação silenciosa. O ar de luto que percorreu todo o álbum agora percorre, no seu ponto final, o caminho da serena resignação.
A turnê de apoio para "Ever" foi um sucesso satisfatório para os clientes do IQ, incluindo sua primeira apresentação no palco norte-americano no Progfest 1993 (29 de maio, Royce Hall da UCLA). Além disso, o grupo estava ansioso para gravar um documento ao vivo desta turnê, que foi lançado em vídeo VHS e CD duplo sob o título “Forever Live”; a publicação ocorreu em abril de 1996. O concerto aqui gravado aconteceu no Stadthalleel, na cidade alemã de Cleves, em 12 de junho de 1993. Após uma faixa introdutória de camadas cósmico-sinfônicas de múltiplos sintetizadores, o grupo inicia o show com uma versão vibrante de 'The Wake': nada melhor do que uma música enérgica e não muito longa para mostrar ao mundo que o grupo, apesar de ser mais velho do que era no início dos anos 1980, ele tem tanta ou mais vitalidade do que antes. Entre os muitos pontos altos e picos fortes que surgiram durante o evento estavam a magia de 'Widow's Peak' e 'Headlong', a beleza evocativa de 'Leap Of Faith' e a cor majestosa de 'The Darkest Hour'. No caso particular de 'Headlong' temos a ideia elaborada por Orford de fazer um pequeno prelúdio à parte inicial cantada, um pequeno detalhe que tem o poder de realçar em proporções geométricas o feitiço muito especial que o núcleo melódico deste vibrante hino tem. à reencarnação. Para 'Leap Of Faith', dado que o grupo não tinha em mente vinculá-lo com a música que o segue no repertório do então novo álbum, o grupo criou uma maravilhosa coda em 7/8 que permite que a já pródiga seção instrumental que ocupa toda a segunda metade adquira uma dose extra de cor e músculo. Como dignas homenagens à época de Paul Menel, o grupo também inclui as músicas 'Human Nature' e 'Nostalgia'/'Falling Apart At The Seams' no repertório. Claro, a performance de 'The Enemy Smacks' não só traz à tona seu drama musical inato, mas também a perturbadora encenação viciada em heroína de Nicholls com seu canto, seus gestos e seus figurinos: o momento de maior esplendor expressionista em todo o concerto não pode deixar de ser ocasião para a primeira despedida. 'Headlong' é justamente a música escolhida para iniciar o bis, a reencarnação após a fatalidade compulsiva e dilacerada. Como a filmagem da última música da noite, naquele momento, 'No Love Lost', não saiu muito bem, só aparece no CD duplo. “Forever Live” foi relançado como um CD duplo em 2005 pela gravadora alemã InsideOut Music, e dois anos depois como um DVD duplo pela Giant Electric Pea.
Voltando ao caso de “Ever”, no início de outubro deste mesmo ano de 2018, o grupo publicou uma reedição especial de 25 anos de “Ever” com CD duplo e DVD no início de outubro passado. O primeiro CD inclui uma versão remixada do repertório original mais uma seleção de solos que não chegaram à versão final de 'Came Down' e 'Lost In Paradise', uma versão simplificada e retrabalhada de 'The Darkest Hour' que já havia aparecido no CD promocional da turnê “Frequency” (nono álbum de estúdio da banda). O trabalho de remixagem permite aprimorar algumas partes de violão em algumas músicas, bem como reforçar a presença do baixo de Jowitt em todas elas. Há também alguns efeitos especiais adicionados (como um breve solilóquio no meio da segunda música e aplausos do público na terceira) O segundo CD inclui músicas gravadas no concerto de 10 de fevereiro de 2018 no Colos-Saal em Aschaffenburg, Alemanha, por ocasião de seu 25º aniversário , como é evidente; a formação ativa é a de Mike Holmes, Paul Cook, Peter Nicholls, Neil Durant e Tim Esau. A ordem do repertório é a seguinte: 'Intro' / 'The Darkest Hour'; 'Sentidos Desvanecidos'; 'Salto de fé'; 'Veio abaixo'; 'Mais longe'; 'Do nada'. Por sua vez, o DVD inclui tudo isso mais uma série de ensaios e demos de versões avançadas das músicas finais, além de uma série de ideias abandonadas (um riff aqui, uma orquestração de teclado ali, etc. ) Uma curiosidade que descobrimos nessa longa lista de extras é que o título original de 'Out Of Nowhere' era 'Unholy Cow', e como lemos no encarte da reedição, a música épica 'Further Away' foi a mais difícil de montar a partir das várias seções tão bem conseguidas que estavam sendo compostas. Até então, era a suíte mais complicada para o grupo escrever, e não só isso, era também uma fonte de tensão nos ensaios anteriores àquele show em um palco alemão que foi gravado em “Forever Live”: as tensões desapareceram quando o grupo decidiu não incluí-lo no repertório daquela noite.
Assumimos que esta reedição de "Ever" é uma das mais importantes na oferta fonográfica progressiva do ano de 2018, e assumimo-lo por muito boas razões porque o IQ é uma das entidades mais exaltadas dentro da elite do rock progressivo que tem forjado, geração após geração, ao longo de todas essas décadas que se seguiram aos anos 70. Enquanto deixamos os veteranos do IQ sozinhos em sua atual tarefa de completar o que será seu próximo álbum de estúdio, gastamos cem garrafas de champanhe e outras tantas garrafas de uísque em homenagem ao casamento coral de “Tales From The Lush Attic” e pelas bodas de prata de “Ever”.
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