The Velvet Underground - The Velvet Underground & Nico [45th Anniversary Deluxe Edition] (1967 - 2012)
Ano: 1967
Gênero: Experimental rock psicodélico / Art rock
The Velvet Underground foi uma banda de rock americana, ativa entre 1964 e 1973, formada em Nova York por Lou Reed e John Cale, que também alcançaram sucesso como artistas solo.Wikipédia
Embora tenham tido pouco sucesso comercial juntos, a banda é frequentemente citada por muitos críticos como um dos grupos mais importantes e influentes da década de 1960. Em uma entrevista de 1982, Brian Eno afirmou repetidamente que, embora o primeiro álbum do Velvet Underground pudesse ter vendido apenas 30.000 cópias em seus primeiros anos, "todo mundo que comprou uma dessas 30.000 cópias formou uma banda".
Andy Warhol era o gerente do The Velvet Underground e foi a banda convidada em seu estúdio, The Factory e em seus eventos Exploding Plastic Inevitable. As letras provocativas de algumas das canções da banda deram uma perspectiva niilista a algumas de suas músicas.
Seu álbum de estreia de 1967, The Velvet Underground & Nico (com a participação do cantor alemão Nico), foi nomeado o 13º maior álbum de todos os tempos e o mais "álbum de rock presciente já feito" pela Rolling Stone em 2003. Em 2004, a Rolling Stone classificou a banda No. 19 em sua lista dos "100 maiores artistas de todos os tempos". A banda foi introduzida no Rock Hall of Fame em 1996, por Patti Smith.
A pesar ser grabado en 1966, no salió a la venta sino hasta el 12 de marzo de 1967 por distintos problemas, entre ellos la censura y la difícil elaboración de una portada que incluía la calcomanía de la mítica banana (obra de Andy Warhol, mánager da banda). A temática inusitada do álbum enfocou temas como uso e abuso de drogas, prostituição, sadismo, masoquismo e desvios sexuais; essa corrente sombria foi considerada revolucionária na época e acabou se tornando um dos discos mais influentes e aclamados pela crítica da história.
O álbum de estreia do Velvet Underground , com sua icônica capa de Warhol, foi um evento marcante que desencadeou uma estética que continua até hoje, redefinindo os limites do rock and roll, inventando a própria noção de rock alternativo. , lançando as bases para grunge e todos os movimentos underground que virão.Sem demasiado virtuosismo na execução instrumental e vocal (com um Lou Reed de estilo nitidamente dylaniano) o álbum projecta brilhantemente as suas sonoridades aventureiras e experimentais que tanto influenciaram uma infinidade de futuras correntes musicais no art rock ou no noise pop desenvolvimentos com bases psicadélicas.
A temática do álbum enfocava temas como uso e abuso de drogas, prostituição, sadismo e masoquismo, e desvios sexuais, esse fundo sombrio foi considerado revolucionário na época. A música foi principalmente obra quase exclusiva do guitarrista/cantor Lou Reed. A capa da produção foi desenhada pelo próprio Warhol, é a imagem de uma banana pop com um convite para descascá-la ("Descasque devagar e veja"). Em diferentes edições do álbum, inclusive na primeira, a banana é um adesivo que recobre uma imagem fálica (rosa "banana" sem casca). A contracapa da primeira edição continha uma projeção do espetáculo Exploding Plastic Inevitable.
O álbum estreou no número 171 na lista de álbuns mais vendidos da Billboard e desapareceu das lojas praticamente da noite para o dia, tendo pouco sucesso desde seu lançamento, mas acabou se tornando um dos álbuns mais influentes de todos os tempos e aclamado pela crítica na história. Em 2003, a revista Rolling Stone colocou-o em 13º lugar em sua lista dos "500 melhores álbuns de todos os tempos". do National Recording Registry do Congresso por causa de seu "significado cultural ou histórico" na vida americana.
Poucos discos emblemáticos da história da música popular foram mais ignorados na época de seu lançamento do que a estreia da banda nova-iorquina patrocinada em seus primórdios pelo famoso artista plástico Andy Warhol.
Como disse o grande Brian Eno, todo mundo que comprou uma das 30.000 cópias vendidas acabou formando uma banda. Esta afirmação refere-se à influência que este álbum teve, e ao longo do tempo multiplicou-a.
Young Lou Reed (guitarra, vocal), John Cale (viola, vocal), John Cale (viola, piano, baixo, vocal), Sterling Morrison (guitarra, baixo), Maureen Tucker (bateria, percussão) e a modelo alemã Christa Pfaffen , mais conhecido como Nico (gerenciado por Warhol), que participou como vocalista em quatro músicas.
O irlandês Cale já tinha experiência trabalhando com La Monte Young, John Cage, o movimento Fluxus e o coletivo conhecido como Dream Syndicate. Enquanto isso, Reed possuía várias canções e letras inspiradas por Raymond Chandler, Nelson Algren, William S. Burroughs, Allen Ginsberg e Hubert Selby, Jr, enquanto criava seu som distinto de "guitarra de avestruz", que consistia em afinar todas as cordas no mesmo tom. para criar um efeito “drone”.
Em abril de 1966, Warhol e o executivo da Columbia Records, Norman Dolph, pagaram pelas primeiras gravações em estúdios duvidosos (Scepter Studios) em Manhattan e deram a eles a liberdade de gravar o que quisessem.
A ideia de Warhol era que o Velvet fizesse parte do show Exploding Plastic Inevitable, que rolou pelos Estados Unidos e Canadá. Foram quatro dias a um custo que não ultrapassou três mil dólares (aproximadamente US$ 22.000 em 2017).
John Licata e o próprio Dolph ficaram encarregados da gravação e apesar de sua influência na Columbia, a gravadora rejeitou a gravação, como Atlantic e Elektra logo fizeram, considerando as letras de Reed inadequadas e não apoiando a viola de Cale.
Em maio, a Verve (uma gravadora voltada para o jazz pertencente à MGM) finalmente concordou, graças a Tom Wilson, em distribuir o disco. Três das canções foram regravadas em dois dias (“I'm Waiting for the Man”, “Venus in Furs” e “Heroin«).
O lançamento do disco, no entanto, foi adiado o suficiente para incluir outra faixa, "Sunday Morning", que foi gravada em novembro de 1966. Mas ainda havia mais tempo pela frente, pois a arte da capa consistia no desenho de uma banana com algum tipo de adesivo que parecia descascar quando puxado.
Assim pensou Warhol, mas apenas alguns dos primeiros discos conseguiram sair com a capa correta e agora são um item de colecionador premiado. Em sucessivas reedições de vinil e CD, também não foi fácil incluir a ideia original, embora para a caixa de cinco discos, Peel Slowly and See e algumas reedições limitadas, esse design tenha sido incluído.
As condições precárias em que o álbum foi concebido e gravado nunca ajudaram a esclarecer quem realmente o produziu. Cale sempre creditou a produção a Tom Wilson, dizendo que Warhol não fez nada além de investir algum dinheiro e desenhar a capa, embora tenha sido creditado como produtor do disco.
Dolph, que não recebeu os créditos, reconheceu que Cale era o verdadeiro produtor porque fez a maior parte dos arranjos. Reed e Morrison reconheceram que o “guarda-chuva” de Warhol era muito importante.
O disco era diferente de qualquer outro na época. Embora 1967 tenha sido o ano da psicodelia e quase todos os grupos tenham sido seduzidos pela estética colorida, o Velvet Underground estava em outra dimensão, mais sombria.
Era o ano de Sgt Pepper dos Beatles e da estreia de The Doors (The Doors) e Pink Floyd (The Piper at the Gates of Dawn) Muitas bandas americanas, incluindo várias de Nova York, optaram por se mudar para a ensolarada Califórnia, uma espécie de terra prometida onde floresceu a cultura da "paz, amor e música" e onde estava prestes a acontecer o "Summer of Love" e o Monterey Pop Festival, o primeiro festival ao ar livre de uma série que atingiu seu ápice com o de Woodstock em 1969. O
Velvet Underground era uma parte intrínseca de Manhattan e sua liberdade intelectual. Nunca participou daqueles festivais lotados, por isso se tornou uma banda cult. As letras abordavam temas sobre drogas, prostituição, sadomasoquismo e outras formas de sexo, mas também temas menos polêmicos.
"I'm Waiting for the Man" é sobre os esforços de um indivíduo para obter heroína; "Venus in Furs" é inspirado no romance do século XIX de mesmo nome que investiga várias formas de sexo e sadomasoquismo; "Heroína" narra a experiência de consumir a referida droga e a sensação de seus efeitos; "Run Run Run" também narra as vicissitudes de alguns personagens próximos à gangue pró-drogas.
Reed nunca pretendeu criar polêmica, mas apenas registrar essas experiências.
Apesar destes temas certamente sombrios, outras composições contrastam abertamente, e que foram produto da observação de muitos dos personagens que frequentaram a Fábrica de Warhol.
“Femme Fatale” foi o resultado da observação de Edie Segwick, uma das queridinhas de Warhol. A delicada “I'll Be Your Mirror” foi inspirada em Nico.
Já "All Tomorrow's Parties" foi escrita a pedido de Warhol para descrever os encontros em sua Fábrica, embora Reed já tivesse a ideia desenvolvida em 1965.
"There She Goes Again" tem um riff inspirado na versão feita pelos Rolling Stones de “Hitch Hike”, original de Marvin Gaye.
A furiosa “The Black Angel's Death Song” foi uma das primeiras peças da banda, na qual Cale incluiu sua viola dissonante e também assumiu o baixo devido à recusa de Morrison em tocá-la nessa faixa.
O encerramento é “European Son”, a peça mais longa do álbum e que é dedicada ao escritor Delmore Schwartz, mentor de Reed, que faleceu fatídicamente em julho de 1966, três meses após sua gravação. Pode ser considerado o ponto de partida para outras canções longas compostas posteriormente, como os 17 minutos de “Sister Ray”.
O Velvet Underground e o Nico foram ignorados por muito tempo, até que dez anos depois, em meio à efervescência do punk, sua importância passou a ser destacada por alguns críticos e considerada por cada vez mais bandas.
A grande maioria dos jornalistas e radialistas não se interessou quando o disco foi lançado, talvez por ser diferente, pelo pouco impacto comercial, ou talvez pela falta de receptividade demonstrada por editores de revistas, donos de rádios e promotores em geral.
Sua crueza assustou muitos, mas paradoxalmente é esse valor intrínseco que, a longo prazo, o tornou um título essencial para qualquer lista que se preze dos melhores discos de rock da história e um item essencial para a discografia de qualquer amante sério da música.
A banda era, naquela época, um diamante não lapidado e refletia um momento único que não mais se repetia, embora ainda guardasse outros clássicos do rock.
Mais de cinco décadas se passaram e a força dessas 11 canções, gravadas de forma rudimentar e sem um produtor reconhecido, é imparável.
A história colocou em seu devido lugar este álbum, feito por quatro jovens entre 22 e 24 anos, com a presença sensual da modelo, atriz e cantora Nico, de 28 anos.
Cada nova audição, não importa quantas vezes já a tenhamos ouvido antes, é sempre surpreendente.
Que bom, com tantos comentários e com o que foi escrito por outros, economizo tempo para escrever uma resenha do álbum. Aqui a história não só do álbum mas também da banda:
O nascimento do "outro rock": The Velvet UndergroundLeandro Mattano
Todos sabemos que o rock and roll nasceu nos Estados Unidos como produto de uma mistura entre blues, gospel e country, principalmente, e que os grandes bluesmen, no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, eles cruzaram o Atlântico, e foram vistos por alguns jovens adolescentes (Eric Clapton, John Mayall, John Lennon, Paul McCartney, Brian Jones, Keith Richards, Pete Townshend, Jeff Beck, Jimmy Page, etc.) que mais tarde formaram grandes grupos e protagonizaram a famosa invasão britânica.
Mas embora esse movimento fosse o que mais se destacava, não era o único que se concretizava.
Ao mesmo tempo, em 1966, em Nova Iorque, e fruto de uma contra-revolução cultural, urbana, crua, realista, sombria e violentamente emocional, nascia algo totalmente novo.
Encabeçada por Lou Reed e John Cale, surgiu na cena avant-garde, uma das bandas mais influentes da história do rock: The Velvet Underground, se preferir "The Velvet Underground".
Teve uma existência efêmera, mas seu legado foi e é transcendental para se entender “a outra metade” da música inscrita na cultura rock. É fácil dizer agora que é a banda cult por excelência, mas na altura passou despercebida.
Mudo para sempre a forma e a forma de entender e criar música. Era diferente de tudo que havia na época: nada de hippies, vestiam-se de preto, usavam óculos escuros, cabelos curtos, e nada tinham a ver com o verão do amor, que explodia em seus olhos.
Um de seus pilares, um nova-iorquino por dentro, Lou Reed; o outro, John Cale, um galês, pianista, guitarrista, tocador sinfônico da BBC e formado em música pela Universidade de Londres. Mas Nova York lançou um feitiço sobre ele, e lá ele conheceu o agora velho Lou.
Então os dois se cruzaram com Sterling Morrison e começaram a se mover no ambiente universitário de Nova York.
E ela estava desaparecida. Sua bateria. Foi o primeiro grupo a incorporar uma mulher tocando aquele instrumento: Maureen Tucker. E o nome da banda, que segundo dizem, vem do título de um livro de sadomasoquismo chamado "The Velvet Underground". Com Reed na guitarra e vocal, Cale no baixo, teclado e um pouco de guitarra, Morrison nas guitarras e Tucker na bateria, a lenda nasceu.
Eles tocavam nos clubes de Greenwich Village, e em um deles (El Café Bizarre), em 1965, eles foram inesperadamente acompanhados por uma dançarina com um chicote preto, que fez uma dança convulsiva na frente deles. Ele era um membro da Andy Warhol Factory. O Velvet gostou, e aí começou um patrocínio da banda por Andy Warhol, que, embora não durasse muito, revolucionou tudo. Observando-os naquela noite, havia uma bela loira alemã.
As expectativas comerciais da banda eram nulas. E ocorreu a Warhol apresentá-los à sua fábrica, para que se tornassem seu número mais importante. Pouco tempo depois, ele se tornou seu representante.
Ele conseguiu o selo (o mítico Verbe, que era jazz, mas apesar de tudo ele os deixou gravar), e na primavera de 1966 a banda começou a gravar seu primeiro álbum. E Warhol pediu a eles, em troca, que promovessem a bela loira alemã, que era ninguém menos que Nico, deixando-a cantar uma música com eles.
Imagino que a essa altura você já saberá o que é o disco, certo? Sim aquele com a banana. The Velvet Underground e Nico. Um álbum revolucionário, incomparável, mítico, com sonoridades que hoje parecem vulgares, mas que foi a primeira vez que apareceram em qualquer espectro sonoro.
A banda fez uma turnê para "Explonding Plastic Inevitable", de Warhol, exibindo um filme da performance, uma performance que mais tarde chegou aos ouvidos de alguns jovens do Pink Floyd na Inglaterra.
O disco foi gravado em 1966, mas lançado em março de 1967, para não coincidir com "Freak Out" do Mothers Of Invention de Zappa.
O som era novo: era experimental, tinha uma força desconhecida, de partir o coração, rock experimental, art rock. Era isso que o álbum tinha, foi pioneiro em tudo, pelo menos uma década à frente de tudo que veio depois dele. Muita distorção da guitarra.
E a arte da capa! Uma banana, ícone da pop art de Warhol, que podia ser descascada de verdade no primeiro vinil, com uma legenda que dizia "descasque devagar e veja" (antecedente imediato do zíper de jeans de Sticky Fingers dos Stones, também de Warhol Como come, o Veludo sempre antes).
E o tema: foi o primeiro disco de rock cuja letra girava em torno de sexo, drogas ("Heroin", emulando os sons do coração, algo tremendo), travestismo, marginalidade urbana, ("Waiting for the man", onde uma pessoa espera para seu traficante, música de garagem), perversões e sadomasoquismo ("Venus in Furs"), paranóia ("Sunday Morning"), delírios ("Todas as festas de amanhã"); Em suma, algo inusitado e inimaginável nos anos sessenta.
Nico, a loira alemã, cantou três músicas: "Al Tomorrow's Parties", "Femme Fatale" e "Ill Be Your Mirror".
Como esperado, o disco não foi comprado ou ouvido por quase ninguém. Poucos compraram, e aí vem a célebre frase atribuída a ninguém menos que Brian Eno: "Eles não venderam muitos discos, mas todos que compraram acabaram formando uma banda."
Depois veio "White light white heat", seu segundo álbum, agora sem Nico, ainda mais inacessível que o anterior, muito pesado e saturado, com sonoridades cruas e barulhentas, com uma música de 17 minutos ("Sister Ray") que é tudo um download de sons
As tensões internas começaram devido ao pouco reconhecimento de seu trabalho porque Reed queria um som mais acessível e Cale queria um mais experimental. Tucker e Morrison ficaram do lado de Reed, e Cale deixou a banda, sendo substituído por Doog Yule. As ambições de vanguarda da banda foram com Cale. E Lou Reed assumiu o controle total do grupo.
Depois, mais dois discos: um, só com o nome da banda, um disco mais calmo, mais intimista, e ainda com algumas baladas como "Candy says", "Pale blue eyes" e depois "Loaded", o terceiro disco. O último "Squezze", que não merece ser levado em conta já que Cale e Reed não estavam lá.
O legado da banda foi abrir um novo caminho dentro da música, mais um baú, que se encheu de bandas nos 20 anos seguintes.
A influência da TVU foi muito maior do que ela conseguiu quando estava em ação; nos anos oitenta, não havia músico que não o reivindicasse. Alguns até apontaram que sua influência era igual à dos Beatles.
Ele lançou as bases para inúmeros novos aspectos do rock e de sua cultura: o visual de roupas pretas e óculos escuros que se tornou o uniforme pós-punk vem do Velvet; as guitarras abrasivas de Television, Talking Heads, Patti Smith, vêm do Velvet; a união vanguardista da cidade de Nova York, com o rock, vem do Velvet; a aparência estética de Duran Duran, Depeche Mode e muitos outros grupos vem do Velvet; os jogos de luzes e projeções na rocha vêm de Velvet; grupos como REM., Pixies, o dark rock de grupos como The Cure e Jesus an Mary Chain, devem uma grande reverência ao Velvet.
A enumeração é infinita: lançaram as bases para movimentos como glam rock, punk e new wave; the New York Dolls, The Ramones, The Heartbrakers, Blondie, Sonic Youth e centenas de outros grupos, talvez eles existissem do mesmo jeito, mas não seriam o que são, se 10 anos antes, alguns estranhos não tivessem aberto o caminho para eles. eles tiveram que transitar.
The Velvet Underground, ou o que é o mesmo: o nascimento da outra rocha. Se você a conhece, aproveite-a. Se você não a conhece, descubra-a.
Aqui está outra versão do mesmo filme, quer dizer... do mesmo disco:
A banda foi formada em 1964, quando Reed trabalhava para a gravadora Pickwick, cantando canções que imitavam sucessos de rádio como salsichas. Como precisavam de músicos para as gravações, ali caiu Cale, um galês com uma rica formação em música de vanguarda, que se surpreendeu quando o guitarrista lhe mostrou as músicas que mantinha longe dos ouvidos dos donos de Pickwick: em vez de pedir à namorada Quer ele segurasse a mão dela ou narrasse viagens entre fragmentos coloridos, Reed forneceu a trilha sonora para um pico de heroína e uma sessão de sadomasoquismo.
Se Cale, que tocava baixo e viola elétrica, veio do lado educado da música, Reed, que estudou letras na Syracuse University, veio da literatura. No entanto, ambos também tinham muitas ruas. O que na Nova York de 1967 implicava viver entre -e com- traficantes, prostitutas, travestis, racismo, vigaristas, peep shows e uma espécie de show business decadente. E enquanto o resto optou por olhar para o outro lado, a dupla passou a aliar aqueles temas a um rock que bebia no experimental e arriscava, talvez, mais do que devia. Morrison, um antigo colega de classe de Reed, trouxe sua guitarra mais “convencional” para o combo. Tucker - que substituiu Angus McLise, o baterista original - completou o som único da banda com sua forma primitiva de tocar bateria.
O mundo era outro, mas dentro da Factory os olhos se abriram quando Paul Morrissey, braço direito de Warhol, anunciou ter encontrado a banda ideal para um evento do artista plástico e cineasta. Logo após o encontro das festas, lá estavam todos participando do “Andy Warhol's Up-tight”, show em que VU tocava enquanto dois filmes eram projetados nos músicos ao mesmo tempo, e Gerard Malanga, outro assíduo da Factory, ele dançou estalando um chicote contra o chão.
O detalhe nada menor era que Nico já estava no palco no palco, a beleza gelada alemã que Warhol impôs à banda. Para Morrissey, Reed não tinha presença de frontman - bem, ele poderia estar errado sobre alguma coisa, não poderia? - e aquela atriz loira vestida de branco, em contraste com o “uniforme” preto do quarteto, forneceu uma imagem poderosa. A senhora sabia cantar, mesmo que fosse difícil para ela, e ela já tinha gravado um single, então a adição poderia funcionar.
Shows que ninguém foi, uma viagem à Califórnia onde aconteceu a briga entre Reed e Frank Zappa, a cantora apaixonada por Nico, Cale apaixonado por Nico, noites fora de controle: a história continuou até que deu em The Velvet Underground & Nico, o álbum que completa 50 anos no domingo. O mesmo que, tanto pelo tema não adequado para as rádios, quanto pelos problemas com a contracapa e o desinteresse da gravadora em promovê-lo, passou despercebido na época de seu lançamento.
No entanto, é frequentemente citado como o álbum de estreia mais influente da história do rock (para quem escreve, é preciso tirar a palavra "estreia" da frase). Brian Eno disse em uma entrevista que apenas 30.000 pessoas compraram aquele álbum, mas todos formaram sua própria banda. David Bowie, Iggy Pop, The Strokes, Sonic Youth, Patti Smith, Don Cornelio y la Zona, Nirvana, Ramones, Televisão, He Killed a Motorized Policeman, Kraftwerk, Pixies, Talking Heads, Jesus & Mary Chain, Jonathan Richman, Nick Cave, the Paranoid Mice, Belle & Sebastian e Joy Division estão entre os que se formaram sob essa influência, que veio escondida atrás de uma banana que estava descascada em uma capa de vinil.
Warhol mais tarde repetiria a ideia com mais sucesso na capa de Sticky Fingers, dos Stones, mas com um zíper no jeans e o logotipo da língua quando aberta. Mas a banana de The Velvet Underground & Nico se tornou exatamente o que o artista de peruca grisalha queria de sua produção: um ícone pop que em muitos casos nem é associado ao disco ou à banda. De qualquer forma, Warhol foi fundamental para que o álbum existisse, pois sem sua aura VU não teria interessado nenhum executivo da gravadora na época. É claro que a posição de "produtor" que aparece na contracapa não tem muito a ver com o que essa figura tradicionalmente implica: limitou-se a verificar se o grupo poderia gravar como foi cantado.
The Velvet Underground & Nico adicionam sons a um inferno urbano furioso, sim, mas é um universo mais amplo do que normalmente é levado em consideração ao analisar sua influência: o olhar particular de Reed abrange uma miríade de relações humanas, desde o amor adulto até o tráfico de drogas. Aquela poesia com sabor de cimento, noite e lixo acumulado na calçada gerou uma obra única ao se juntar ao som vanguardista de Cale, às guitarras onipresentes de Morrison, à percussão esmagadora de Tucker e à voz cavernosa de Nico.
O paradoxo é que o álbum começa na manhã de domingo (“Sunday Morning”), quando as perversões da noite anterior precisam de uma pausa para recuperar as energias; uma certa doçura melancólica se reflete na voz de Reed, enquanto o sol se filtra pelas frestas. Então, se o presente é esse novo amanhecer, por que não pensar em tudo o que se segue como poderosos flashbacks, daqueles em que o passado recente se confunde com o não tão recente? Porque logo de cara o ritmo frenético de “I'm Waiting for my Man” coloca a cantora no Harlem com $25 na mão, esperando para comprar heroína, enquanto a banda segue os ditames de Tucker.
Nico aparece pela primeira vez para cantar “Femme Fatale”, talvez uma piscadela maldosa de Reed escondida na aparente simplicidade e calma pastoral da melodia: a atriz que ele não queria no grupo acaba cantando sobre uma senhora que vai fazê-lo sofrer para quem a ama. E daí para as botas de couro brilhante e brilhante de “Venus in Furs”, com título e tema retirados da obra de Leopold von Sacher-Masoch (o próprio nome do grupo tem a ver com sadomasoquismo), e a viola de Cale abrindo novos horizontes para o rock.
Mais trans: "Run Run Run" volta às ruas em busca de heroína, desta vez de forma mais descritiva do ambiente e dos personagens (Margarita Passion, Seasick Sarah, Beardless Harry), à maneira do que Reed faria mais tarde em "Caminhada no lado selvagem". O lado A do vinil fecha com “All Tomorrow's Parties”, uma das favoritas de Warhol, na qual Nico fica como uma estátua de gelo enquanto Reed vagueia livremente em sua guitarra em uma base monolítica.
O lado B começa com "Heroin", a música que foi descrita como a trilha sonora de um auge dessa droga: os balanços da melodia, sempre com a viola de Cale como elemento diferenciador e a percussão de fundo que explode quando a heroína faz efeito , acompanham a história alucinada de um drogado que se sente "como o filho de Jesus". “Heroína, eu conheço minha morte / Heroína, ela é minha esposa e ela é minha vida,” Reed fica exausto quando Cale envia seu instrumento para um paroxismo caótico. "Graças a Deus estou quase morto", diz o cantor no final, antes do verso, "E acho que simplesmente não sei".
“There She Goes” tem refrões que imitam (bem nova-iorquino) os Beach Boys, em uma das músicas mais “normais” do álbum, só que descreve uma senhora que vai trair o cantor com todos os seus amigos e voará como um pássaro na primeira oportunidade. A frase “você deveria bater nele” fala mais do perturbado Reed daquela época do que do marido gentil descrito por sua viúva Laurie Anderson. E a ideia dessa ambiguidade fica clara quando Nico canta “I’ll Be Your Mirror”, uma canção de amor plena, em que o amante pretende espelhar o outro. "Caso você não saiba", ele diz a ela.
“A ideia aqui era encadear as palavras pela forma como elas soavam, sem nenhum significado particular. Adorei o título”, escreveu Reed em uma nota de rodapé de “The Black Angel's Death Song”, incluída em seu livro Between Thought and Expression. Esse tipo de cadáver requintado composto a quatro mãos com Cale (e sua viola, mais uma vez) também abre caminhos possíveis para a expressão do rock. E uma delas é "European Son", a música que fecha o álbum: poesia breve e inescrutável (dedicada ao escritor Delmore Schwartz, mentor de Reed, que detestava letras de rock), e um turbilhão sonoro que prefigurava barulho e boa parte do rock experimental que viria no futuro. Engates, pratos que caem no chão, uma guitarra febril, riffs que aparecem e vão embora:
E então o flashback termina, a palheta fica perto do selo azul Verve (um selo de jazz, inacreditavelmente), e a sensação de que algo diferente acabou de acontecer se multiplica. Para os 30.000 que compraram quando saiu ou para aqueles que agora, por esses aniversários, decidem jogá-lo pela primeira vez em seu serviço de streaming. Mesmo para quem processou tudo o que veio depois graças à sua influência, The Velvet Underground & Nico continua a ser um álbum atual, moderno, com um ímpeto que muitos tentaram replicar e caíram no esquecimento. Meio século se passou, mas a qualquer momento será novamente uma manhã de domingo.
Mas mesmo na cena do art rock mais caro, o feijão é cozido e como o diabo do consumismo enfia o rabo pra todo lado, a banana acabou enfiada no cu da arte e como ícone do tecnocapitalismo, o que provocou a ira dos artistas. . . vejamos o caso...
A lendária banda nova-iorquina entrou com uma ação judicial para tentar impedir que a banana que Andy Warhol desenhou para ilustrar a capa de seu primeiro álbum seja usada para produtos da Apple, como capas e mochilas para iPads e iPhones. A banana em questão aparece no primeiro álbum dos The Velvet Underground, editado em 1967 sob a égide de Andy Warhol, que praticamente forçou a colaboração de Christa Päffgen, vulgo Nico, um dos seus protegidos do Factory, na jovem banda.www.europapress.es
A capa de um álbum é talvez a manifestação mais tangível do profundo, embora um tanto tempestuoso, caso de amor que existe entre as artes visuais e a música. Neste contexto, o romance do século foi protagonizado por Andy Warhol e The Velvet Underground, razão pela qual, com vista a introduzir uma série de novos escritos nesta secção, acho inevitável revisitar a famosa capa que o artista fez para o álbum The Velvet Underground & Nico. Apesar de muito já ter sido dito sobre isso, a ironia presente em sua história sugere que nesse tipo de colaboração existem interesses que vão muito além da música...lolamallach
A própria capa é uma estampa icônica da pop art warholiana: uma gravura de uma banana amarela sobre fundo branco, o nome da banda em letras pretas e, claro, a assinatura do artista, a fim de dar credibilidade e visibilidade a uma banda isso era realmente desconhecido. Nas edições originais do álbum, a frase “descasque devagar e veja” convidava a descascar a casca amarela para revelar uma banana rosada em seu interior, uma imagem-ação homoerótica característica de Warhol. Embora isso aumentasse os custos de impressão, a MGM, a gravadora para a qual Warhol acabou vendendo o disco, estava disposta a desembolsar o dinheiro, confiante de que o nome Warhol aumentaria as vendas.
No entanto, The Velvet Underground era o que havia de mais próximo do art-rock que poderia existir em Nova York naquela época e foi justamente a ligação com a arte que fez o público do Rock & Roll não dar atenção à banda. Talvez também por causa dessa mesma conexão, é extremamente difícil, pelos padrões de hoje, pensar em um álbum como The Velvet Underground & Nico como um produto “comercial”. Mas esse era o seu propósito inicial, que realmente não cumpriu plenamente.
Para Warhol, essa sempre foi mais uma aventura como comerciante, pois seu propósito de se aventurar no mundo da música era criar mais um produto que, com seu nome e "branding", ganhasse reconhecimento artístico e comercial. O Velvet Underground foi a banda escolhida, assim como muitos de seus protegidos, que acabariam sendo descartados por Warhol assim que tivessem cumprido seu propósito.
Como sua arte, tudo era um produto funcionando dentro de um sistema econômico.
Warhol trabalhava em seu estúdio, apropriadamente denominado The Factory, sob as mesmas regras que regem uma linha de produção dentro de uma economia capitalista. Na década de 1960, o artista buscou, por meio de sua arte e experimentações, democratizar a imagem e romper a fronteira entre a cultura visual popular, ou imagem comercial, e a alta cultura associada à arte. Hoje, isso é lido como uma crítica indireta a esse mesmo sistema de consumo (embora honestamente esse argumento seja bastante discutível). A poética deste comentário torna-se visível através desta capa icônica; é comum encontrar carteiras, camisetas, chaveiros, capas para iPod e muito mais, estampados com a famosa imagem da banana amarela, que chegou a ser comercializada a ponto de ser um produto de consumo que muitos nem associam ao The Velvet Subterrâneo.
Warhol ficaria encantado.
Porém, é inevitável perguntar se então, nesse sentido, a arte e a música permanecem e se multiplicam? Ou estão diluídos e perdidos? Esse é o paradoxo do existencialismo pop.
Para além dos ipads de banana, fica aqui todo um legado da cultura marginal e odiosa, ícone hoje vendido ao coração da Apple porque não bastava só com a maçã. Fede partilha connosco um álbum que não poderia faltar no nosso obstinado catálogo, pela irreverência, pela experimentação, pela visceralidade, e sobretudo por olhar para além e abrir novas portas...
01. Sunday morning
02. I'm waiting for the man
03. Femme fatale
04. Venus in furs
05. Run run run
06. All tomorrow's parties
07. Heroin
08. There she goes again
09. I'll be our mirror
10. The Black Angel's death song
11. European son
Line-up:
- Lou Reed / vocal, guitarra principal e guitarra de avestruz
- John Cale / viola elétrica, piano, celesta em "Sunday Morning", baixo, backing vocals
- Sterling Morrison / guitarra base e base, baixo, backing vocals
- Maureen Tucker / percussão instrumental
- Nico / cantora, vocal
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