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Disintegration (1989)
The Cure já estava na vanguarda da cena alternativa por uma década quando 1989 chegou, sendo pioneiro em tudo, desde o pós-punk arrepiante até o indie-pop carregado de gancho e tudo mais. The Cure lançou inúmeros discos excelentes, mas para encerrar sua melhor década, Robert Smith cria seus álbuns mais agitados, exuberantes e depressivos que são partes iguais de dolorosamente lindos e sonhadores, bem como assustadoramente assustadores. As canções são magistralmente escritas, mas ainda mais extraordinárias são as texturas e camadas dos arranjos, sentindo-se tão cativantes quanto qualquer disco da década. O álbum assume a forte emoção de discos como “Faith” e “Pornography” enquanto constrói paisagens sonoras exuberantes em torno deles. Verdadeiramente um disco para se perder e o trabalho mais fácil de reproduzir da banda, com cada escuta revelando novos detalhes de pelúcia em cada música. Enquanto as letras de Robert Smith são tão enigmáticas e apaixonadas como sempre, a instrumentação o supera na maior parte do álbum, prosperando em passagens instrumentais profundamente em camadas e dolorosas e introduções quase psicodélicas em cada música. O álbum inteiro parece de alguma forma íntimo e profundamente épico por natureza.
O álbum abre com “Plainsong”, uma balada tingida de psych-pop que apresenta apenas dois versos sobressalentes de Robert Smith que introduzem a natureza melancólica, melancólica e apaixonada do álbum com seu anseio poético. A música é cheia de texturas lindamente sonhadoras, desde a linha de baixo até os ganchos de teclado macios e lavagens evocativas de sintetizador, sem mencionar as ondas de guitarra discretas, mas emocionais de Smith. Smith nunca tenta dominar a música, deixando a música envolvê-lo completamente no final da peça. A música parece uma peça de humor totalmente realizada e uma introdução que prenuncia as profundezas da depressão em que o álbum mergulha.
Essa música, por melhor que seja, empalidece totalmente em comparação com a segunda faixa, “Pictures of You”, o ponto alto indiscutível do álbum e a maior composição individual de Robert Smith. A música é instrumentalmente linda, impulsionada por uma figura de guitarra surpreendentemente simples, mas totalmente devastadora, baixo e bateria melancólicos e um trabalho de teclado romântico e vibrante (sem mencionar os sinos de vento noturnos) que fazem a música parecer tanto baseada em emoção quanto verdadeiramente sonhadora e terrena. Enquanto toda a banda se transforma em uma performance estelar, a música pertence a Smith e Smith sozinho, devido à sua performance vocal comovente e apaixonada, destruindo sem esforço o ouvinte com suas memórias de coração partido. Liricamente, é um dos melhores trabalhos de Smith, tecendo um conto terno e comovente de uma velha paixão que o deixou apenas com fotos e memórias, imbuindo cada palavra com pathos e experiência vivida cheia de imagens evocativas e plenamente realizadas. As letras fazem você ver essas imagens com uma clareza surpreendente. A ponte por si só é suficiente para devastar você com as harmonias de pelúcia de Smith cheirando a arrependimento doloroso e tristeza. A música foi escrita depois que a casa de Smith pegou fogo e ele recuperou as fotos, uma das únicas coisas que sobreviveram ao incêndio, e o brilho da música é que ela parece incrivelmente específica para aquele momento, além de ser uma das composições mais universais de Smith. . A música tem mais de sete minutos, mas nenhuma outra música dessa duração parece tão incrivelmente curta. Poderia durar para sempre e ainda ser muito curto. A música é enganosamente simples, sem nenhum elemento parecer virtuosístico ou como a estrela da música,
O álbum continua com outra peça principalmente instrumental, “Closedown”, que embora bonita e atmosférica é a mais próxima que o álbum chega de preenchimento em termos de letra esparsa e melodia ligeiramente esquecível. Também serve apenas como um prelúdio para o single de sucesso excepcionalmente cativante e inspirado, “Lovesong”. O álbum está quase um passo longe do puro indie-pop de seus dois últimos discos, mas essa música contém mais ganchos do que a maioria das músicas do Cure. Smith evita metáforas melancólicas para as declarações de amor diretas que levariam a música ao topo das paradas em ambos os lados do oceano, mas ainda mantém a atmosfera arrebatadora e triste do resto do álbum. Ele funciona de forma brilhante como autônomo e como parte da tapeçaria do álbum como uma nota relativamente otimista. A verdadeira estrela da música é o elegante arranjo de cordas que dá à música um peso emocional real e um senso de urgência para as andanças românticas de Smith. A música é muito mais imediata e cativante do que o resto do álbum, e fornece uma explosão de alegria muito necessária em um álbum muito melancólico.
Em seguida, vem o romance deliciosamente arrebatador da música indie-pop “Last Dance”, uma das faixas mais curiosamente subestimadas da discografia da banda e certamente teria feito maravilhas como quinto single. A música é tensa e romântica, baseando-se na performance vocal cativantemente sensual e apaixonada de Smith contra a linha melódica vibrante da música e um fundo macio que parece maduro para uma dança lenta e apaixonada. O álbum é geralmente considerado rock gótico, mas nada mais no álbum parece tão vampírico e gótico quanto esta balada, construída para uma dança ao luar.
O single principal não tradicional vem a seguir, na forma da elegante balada de pesadelo “Lullaby”, que é tão visceralmente arrepiante e sombria quanto o álbum, impulsionado por um vocal sussurrado e melindroso de Smith que empresta à música uma textura arrepiante. A música apresenta um arranjo de cordas verdadeiramente emocionante com ganchos tensos e uma atmosfera fria que é assustadora e estranhamente cativante. Mesmo sem as cordas extremamente frias, a música seria instrumentalmente cativante devido ao ritmo stop-start que soa como um intruso rastejando pelo seu quarto à noite, aumentando a sensação macabra da música até o baixo e as batidas da bateria. A música é uma das mais íntimas do álbum devido à performance vocal aterrorizada de Smith com a música ostentando uma qualidade quase cinematográfica na letra movida pelo medo de Smith sendo comido vivo por uma criatura-aranha. Uma exploração visceral do terror disfarçada de uma música kitsch de pop alternativo.
O álbum oferece mais um hit pesado com a perversamente pulsante “Fascination Street”, a peça de humor mais divertida e propulsiva do álbum, uma peça atmosférica principalmente instrumental que adapta o dance-pop saltitante de “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” e metamorfose em um robusto gótico-funk rock que se encaixa perfeitamente com o resto do álbum. The Cure tem uma infinidade de talentos que alguns podem ser esquecidos, mas sua discografia provavelmente tem a maior coleção de linhas de baixo de qualquer banda alternativa já lançada em uma faixa e esta pode superá-los com seu groove sinistro e dançante. sentindo partes iguais de pesadelo e construído para a pista de dança. O baixo não é a única parte instrumental incrível aqui, a seção rítmica saltitante encontra um contraponto nos teclados semelhantes a sirenes e no trabalho de guitarra desagradável, dirigindo direto para o mais visceral do Cure psicodélico. A faixa é possivelmente a mais única e distinta aqui, mesmo antes de Smith rasgar a música com sua performance vocal viciosa sem qualquer sutileza enquanto ele grita e rasga o instrumental com suas reflexões psicossexuais de pesadelo que são tão evocativas quanto sua poesia mais romântica. A música é um destaque do meio do álbum entre uma série de músicas incríveis e funciona como a música mais contundente (musicalmente, não emocionalmente) do conjunto. mesmo antes de Smith rasgar a música com sua performance vocal cruel sem qualquer sutileza enquanto ele grita e rasga o instrumental com suas reflexões psicossexuais de pesadelo que são tão evocativas quanto sua poesia mais romântica. A música é um destaque do meio do álbum entre uma série de músicas incríveis e funciona como a música mais contundente (musicalmente, não emocionalmente) do conjunto. mesmo antes de Smith rasgar a música com sua performance vocal cruel sem qualquer sutileza enquanto ele grita e rasga o instrumental com suas reflexões psicossexuais de pesadelo que são tão evocativas quanto sua poesia mais romântica. A música é um destaque do meio do álbum entre uma série de músicas incríveis e funciona como a música mais contundente (musicalmente, não emocionalmente) do conjunto.
O álbum oferece outro rock alternativo devastadoramente pesado com os tambores profundos e trovejantes que impulsionam a música em seu arranjo visceral com cada instrumento socando o mais forte possível para criar a música mais empolgante aqui. A música remonta às texturas pós-punk agressivas e sombrias de “Pornography” no som verdadeiramente cavernoso da música, tornando-a ainda mais emocionalmente carregada do que soa de um ponto de vista puramente lírico. Os vocais torrencialmente devastadores de Smith erguem sua cabeça mais uma vez, entregando uma performance verdadeiramente avassaladora, cheia de paixão e desgosto pelo assunto da música, com Smith rasgando seu antigo amante por um novo com algumas de suas letras mais cruéis.
O álbum chega a outro ponto alto arrebatadoramente cinematográfico com o épico mais longo do álbum, a balada de dez minutos “The Same Deep Water as You”, um verdadeiro stunner em um álbum cheio deles, não apenas devido ao comprimento impressionante, mas ao sofrimento de Smith, ainda dolorido. vocais resignados que vendem o profundo peso emocional da música. A música é moldada em torno da metáfora central dramática e comovente que compara estar profundamente apaixonado ao afogamento, uma metáfora arquetípica da Cura, se é que alguma vez existiu. A música inteira é calma e triste, um afastamento das últimas faixas, mas nunca fica em um lugar por muito tempo, sempre mudando apenas o suficiente para permanecer envolvente enquanto também preserva o estado emocional delicadamente frágil ao longo da música. A música não se destaca imediatamente na primeira audição, mas é um verdadeiro produtor e depois de algum tempo se torna uma peça central e um ponto de ancoragem do álbum. A música é a faixa mais longa do The Cure e uma das mais bonitas.
Justamente quando o álbum parece estar terminando, ele oferece um soco no estômago realmente surpreendente com a faixa-título, “Disintegration”, a música mais visceralmente impactante do álbum. É menos uma música e mais uma força da natureza de oito minutos apresentando Smith em seu vocal mais emocional e torrencial. A música é construída a partir de um groove de baixo profundo, ondas perversas de guitarra crua e camadas sobre camadas de teclados pulsantes, tornando-se a próxima evolução das partes mais desagradáveis de “Pornography” repleta de sons de vidro quebrando, mas parece mais exuberante, texturizada e como um nervo em carne viva. Smith tem se apresentado em alto nível durante todo o LP, mas aqui ele traz para casa com sua performance de som mais crua e quebrada, mas entregando letra após letra em um disparo disperso, quase fluxo de consciência soando verso condenando suas próprias inadequações quando se trata de romance e vida e sua própria carreira artística sabendo que deixará para trás seu amante com nada além de tristeza e más lembranças. A música seria difícil de ouvir, se não fosse pela performance totalmente magistral da banda, que torna uma música tão angustiante tão compulsivamente audível com uma faixa tão forte e intensa, girando de forma psicodélica e de pesadelo. A música se desenvolve e se desenvolve ao longo de seus oito minutos de execução para um exuberante, mas intenso lamento pós-punk para uma das canções confessionais mais feridas e culpadas de Smith. A música parece quase privada demais para ser ouvida, mas você não consegue desviar o olhar. girando de forma psicodélica e de pesadelo. A música se desenvolve e se desenvolve ao longo de seus oito minutos de execução para um exuberante, mas intenso lamento pós-punk para uma das canções confessionais mais feridas e culpadas de Smith. A música parece quase privada demais para ser ouvida, mas você não consegue desviar o olhar. girando de forma psicodélica e de pesadelo. A música se desenvolve e se desenvolve ao longo de seus oito minutos de execução para um exuberante, mas intenso lamento pós-punk para uma das canções confessionais mais feridas e culpadas de Smith. A música parece quase privada demais para ser ouvida, mas você não consegue desviar o olhar.
O álbum termina com a dobradinha de trabalhos principalmente instrumentais ala “Plainsong” com a bonita, mas um pouco subdesenvolvida “Homesick” e a dolorida, mas esquecível “Untitled” (lar de algumas pistas de acordeão cadenciadas). Embora esses momentos sejam bonitos e exuberantes, eles parecem um pouco como preenchimento após o compasso alto do resto das músicas definidas e “Disintegration” teria parecido o fechamento perfeito.
O álbum é tudo o que The Cure já teve ou seria: sombrio, mas romântico, exuberante, mas agressivo, melancólico, mas brilhante (com moderação), pós-punk, mas bom com um gancho pop, lindo, mas emocionalmente cru, devastador e cativante tanto musicalmente quanto liricamente. Robert Smith fez uma grande quantidade de discos excelentes, criativos e totalmente realizados com o The Cure, mas ele só fez um álbum que é uma obra-prima de qualidade, “Disintegration”. É uma fusão verdadeiramente deslumbrante de pós-punk, pop e baladas épicas para fazer um dos retratos mais dolorosos e crus de depressão e desgosto que existe. Um álbum realmente ótimo e um marco da música alternativa tocada com maestria por Smith e a banda.
O álbum abre com “Plainsong”, uma balada tingida de psych-pop que apresenta apenas dois versos sobressalentes de Robert Smith que introduzem a natureza melancólica, melancólica e apaixonada do álbum com seu anseio poético. A música é cheia de texturas lindamente sonhadoras, desde a linha de baixo até os ganchos de teclado macios e lavagens evocativas de sintetizador, sem mencionar as ondas de guitarra discretas, mas emocionais de Smith. Smith nunca tenta dominar a música, deixando a música envolvê-lo completamente no final da peça. A música parece uma peça de humor totalmente realizada e uma introdução que prenuncia as profundezas da depressão em que o álbum mergulha.
Essa música, por melhor que seja, empalidece totalmente em comparação com a segunda faixa, “Pictures of You”, o ponto alto indiscutível do álbum e a maior composição individual de Robert Smith. A música é instrumentalmente linda, impulsionada por uma figura de guitarra surpreendentemente simples, mas totalmente devastadora, baixo e bateria melancólicos e um trabalho de teclado romântico e vibrante (sem mencionar os sinos de vento noturnos) que fazem a música parecer tanto baseada em emoção quanto verdadeiramente sonhadora e terrena. Enquanto toda a banda se transforma em uma performance estelar, a música pertence a Smith e Smith sozinho, devido à sua performance vocal comovente e apaixonada, destruindo sem esforço o ouvinte com suas memórias de coração partido. Liricamente, é um dos melhores trabalhos de Smith, tecendo um conto terno e comovente de uma velha paixão que o deixou apenas com fotos e memórias, imbuindo cada palavra com pathos e experiência vivida cheia de imagens evocativas e plenamente realizadas. As letras fazem você ver essas imagens com uma clareza surpreendente. A ponte por si só é suficiente para devastar você com as harmonias de pelúcia de Smith cheirando a arrependimento doloroso e tristeza. A música foi escrita depois que a casa de Smith pegou fogo e ele recuperou as fotos, uma das únicas coisas que sobreviveram ao incêndio, e o brilho da música é que ela parece incrivelmente específica para aquele momento, além de ser uma das composições mais universais de Smith. . A música tem mais de sete minutos, mas nenhuma outra música dessa duração parece tão incrivelmente curta. Poderia durar para sempre e ainda ser muito curto. A música é enganosamente simples, sem nenhum elemento parecer virtuosístico ou como a estrela da música,
O álbum continua com outra peça principalmente instrumental, “Closedown”, que embora bonita e atmosférica é a mais próxima que o álbum chega de preenchimento em termos de letra esparsa e melodia ligeiramente esquecível. Também serve apenas como um prelúdio para o single de sucesso excepcionalmente cativante e inspirado, “Lovesong”. O álbum está quase um passo longe do puro indie-pop de seus dois últimos discos, mas essa música contém mais ganchos do que a maioria das músicas do Cure. Smith evita metáforas melancólicas para as declarações de amor diretas que levariam a música ao topo das paradas em ambos os lados do oceano, mas ainda mantém a atmosfera arrebatadora e triste do resto do álbum. Ele funciona de forma brilhante como autônomo e como parte da tapeçaria do álbum como uma nota relativamente otimista. A verdadeira estrela da música é o elegante arranjo de cordas que dá à música um peso emocional real e um senso de urgência para as andanças românticas de Smith. A música é muito mais imediata e cativante do que o resto do álbum, e fornece uma explosão de alegria muito necessária em um álbum muito melancólico.
Em seguida, vem o romance deliciosamente arrebatador da música indie-pop “Last Dance”, uma das faixas mais curiosamente subestimadas da discografia da banda e certamente teria feito maravilhas como quinto single. A música é tensa e romântica, baseando-se na performance vocal cativantemente sensual e apaixonada de Smith contra a linha melódica vibrante da música e um fundo macio que parece maduro para uma dança lenta e apaixonada. O álbum é geralmente considerado rock gótico, mas nada mais no álbum parece tão vampírico e gótico quanto esta balada, construída para uma dança ao luar.
O single principal não tradicional vem a seguir, na forma da elegante balada de pesadelo “Lullaby”, que é tão visceralmente arrepiante e sombria quanto o álbum, impulsionado por um vocal sussurrado e melindroso de Smith que empresta à música uma textura arrepiante. A música apresenta um arranjo de cordas verdadeiramente emocionante com ganchos tensos e uma atmosfera fria que é assustadora e estranhamente cativante. Mesmo sem as cordas extremamente frias, a música seria instrumentalmente cativante devido ao ritmo stop-start que soa como um intruso rastejando pelo seu quarto à noite, aumentando a sensação macabra da música até o baixo e as batidas da bateria. A música é uma das mais íntimas do álbum devido à performance vocal aterrorizada de Smith com a música ostentando uma qualidade quase cinematográfica na letra movida pelo medo de Smith sendo comido vivo por uma criatura-aranha. Uma exploração visceral do terror disfarçada de uma música kitsch de pop alternativo.
O álbum oferece mais um hit pesado com a perversamente pulsante “Fascination Street”, a peça de humor mais divertida e propulsiva do álbum, uma peça atmosférica principalmente instrumental que adapta o dance-pop saltitante de “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” e metamorfose em um robusto gótico-funk rock que se encaixa perfeitamente com o resto do álbum. The Cure tem uma infinidade de talentos que alguns podem ser esquecidos, mas sua discografia provavelmente tem a maior coleção de linhas de baixo de qualquer banda alternativa já lançada em uma faixa e esta pode superá-los com seu groove sinistro e dançante. sentindo partes iguais de pesadelo e construído para a pista de dança. O baixo não é a única parte instrumental incrível aqui, a seção rítmica saltitante encontra um contraponto nos teclados semelhantes a sirenes e no trabalho de guitarra desagradável, dirigindo direto para o mais visceral do Cure psicodélico. A faixa é possivelmente a mais única e distinta aqui, mesmo antes de Smith rasgar a música com sua performance vocal viciosa sem qualquer sutileza enquanto ele grita e rasga o instrumental com suas reflexões psicossexuais de pesadelo que são tão evocativas quanto sua poesia mais romântica. A música é um destaque do meio do álbum entre uma série de músicas incríveis e funciona como a música mais contundente (musicalmente, não emocionalmente) do conjunto. mesmo antes de Smith rasgar a música com sua performance vocal cruel sem qualquer sutileza enquanto ele grita e rasga o instrumental com suas reflexões psicossexuais de pesadelo que são tão evocativas quanto sua poesia mais romântica. A música é um destaque do meio do álbum entre uma série de músicas incríveis e funciona como a música mais contundente (musicalmente, não emocionalmente) do conjunto. mesmo antes de Smith rasgar a música com sua performance vocal cruel sem qualquer sutileza enquanto ele grita e rasga o instrumental com suas reflexões psicossexuais de pesadelo que são tão evocativas quanto sua poesia mais romântica. A música é um destaque do meio do álbum entre uma série de músicas incríveis e funciona como a música mais contundente (musicalmente, não emocionalmente) do conjunto.
O álbum oferece outro rock alternativo devastadoramente pesado com os tambores profundos e trovejantes que impulsionam a música em seu arranjo visceral com cada instrumento socando o mais forte possível para criar a música mais empolgante aqui. A música remonta às texturas pós-punk agressivas e sombrias de “Pornography” no som verdadeiramente cavernoso da música, tornando-a ainda mais emocionalmente carregada do que soa de um ponto de vista puramente lírico. Os vocais torrencialmente devastadores de Smith erguem sua cabeça mais uma vez, entregando uma performance verdadeiramente avassaladora, cheia de paixão e desgosto pelo assunto da música, com Smith rasgando seu antigo amante por um novo com algumas de suas letras mais cruéis.
O álbum chega a outro ponto alto arrebatadoramente cinematográfico com o épico mais longo do álbum, a balada de dez minutos “The Same Deep Water as You”, um verdadeiro stunner em um álbum cheio deles, não apenas devido ao comprimento impressionante, mas ao sofrimento de Smith, ainda dolorido. vocais resignados que vendem o profundo peso emocional da música. A música é moldada em torno da metáfora central dramática e comovente que compara estar profundamente apaixonado ao afogamento, uma metáfora arquetípica da Cura, se é que alguma vez existiu. A música inteira é calma e triste, um afastamento das últimas faixas, mas nunca fica em um lugar por muito tempo, sempre mudando apenas o suficiente para permanecer envolvente enquanto também preserva o estado emocional delicadamente frágil ao longo da música. A música não se destaca imediatamente na primeira audição, mas é um verdadeiro produtor e depois de algum tempo se torna uma peça central e um ponto de ancoragem do álbum. A música é a faixa mais longa do The Cure e uma das mais bonitas.
Justamente quando o álbum parece estar terminando, ele oferece um soco no estômago realmente surpreendente com a faixa-título, “Disintegration”, a música mais visceralmente impactante do álbum. É menos uma música e mais uma força da natureza de oito minutos apresentando Smith em seu vocal mais emocional e torrencial. A música é construída a partir de um groove de baixo profundo, ondas perversas de guitarra crua e camadas sobre camadas de teclados pulsantes, tornando-se a próxima evolução das partes mais desagradáveis de “Pornography” repleta de sons de vidro quebrando, mas parece mais exuberante, texturizada e como um nervo em carne viva. Smith tem se apresentado em alto nível durante todo o LP, mas aqui ele traz para casa com sua performance de som mais crua e quebrada, mas entregando letra após letra em um disparo disperso, quase fluxo de consciência soando verso condenando suas próprias inadequações quando se trata de romance e vida e sua própria carreira artística sabendo que deixará para trás seu amante com nada além de tristeza e más lembranças. A música seria difícil de ouvir, se não fosse pela performance totalmente magistral da banda, que torna uma música tão angustiante tão compulsivamente audível com uma faixa tão forte e intensa, girando de forma psicodélica e de pesadelo. A música se desenvolve e se desenvolve ao longo de seus oito minutos de execução para um exuberante, mas intenso lamento pós-punk para uma das canções confessionais mais feridas e culpadas de Smith. A música parece quase privada demais para ser ouvida, mas você não consegue desviar o olhar. girando de forma psicodélica e de pesadelo. A música se desenvolve e se desenvolve ao longo de seus oito minutos de execução para um exuberante, mas intenso lamento pós-punk para uma das canções confessionais mais feridas e culpadas de Smith. A música parece quase privada demais para ser ouvida, mas você não consegue desviar o olhar. girando de forma psicodélica e de pesadelo. A música se desenvolve e se desenvolve ao longo de seus oito minutos de execução para um exuberante, mas intenso lamento pós-punk para uma das canções confessionais mais feridas e culpadas de Smith. A música parece quase privada demais para ser ouvida, mas você não consegue desviar o olhar.
O álbum termina com a dobradinha de trabalhos principalmente instrumentais ala “Plainsong” com a bonita, mas um pouco subdesenvolvida “Homesick” e a dolorida, mas esquecível “Untitled” (lar de algumas pistas de acordeão cadenciadas). Embora esses momentos sejam bonitos e exuberantes, eles parecem um pouco como preenchimento após o compasso alto do resto das músicas definidas e “Disintegration” teria parecido o fechamento perfeito.
O álbum é tudo o que The Cure já teve ou seria: sombrio, mas romântico, exuberante, mas agressivo, melancólico, mas brilhante (com moderação), pós-punk, mas bom com um gancho pop, lindo, mas emocionalmente cru, devastador e cativante tanto musicalmente quanto liricamente. Robert Smith fez uma grande quantidade de discos excelentes, criativos e totalmente realizados com o The Cure, mas ele só fez um álbum que é uma obra-prima de qualidade, “Disintegration”. É uma fusão verdadeiramente deslumbrante de pós-punk, pop e baladas épicas para fazer um dos retratos mais dolorosos e crus de depressão e desgosto que existe. Um álbum realmente ótimo e um marco da música alternativa tocada com maestria por Smith e a banda.
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