Em seu álbum de estreia autointitulado de 1979, Rickie Lee Jones foi além das influências do folk, rock e blues então dominantes entre os cantores e compositores de Los Angeles, olhando para as gerações anteriores de compositores. Mudando-se para o sul da Califórnia no início da década, a nativa de Chicago destilou jazz, swing e lirismo pop de meados do século 20 em suas canções, aprimorando seu material em shows de Orange County a Venice enquanto cultivava uma personalidade divertida e boêmia em um ambiente urbano corajoso. distância de Laurel Canyon.
Como cantora, ela era hipnotizante, deslizando de um sussurro provocador para uma voz cheia e urgente sem esforço, controlando seu vibrato com a segurança de um grande trompista. Essa sensibilidade, enraizada no jazz, revelou-se no amor pelo som puro junto com o senso de timing de uma atriz enquanto servia um menu variado de histórias de cachorros peludos, brincadeiras jubilosas e baladas introspectivas com igual convicção.
Aos 24 anos, Rickie Lee Jones era um nômade educado em uma família problemática com a música em seu DNA. Seus avós eram vaudevillians; seu pai, um veterano da Segunda Guerra Mundial, era cantor, compositor, pintor e trompetista, com quem ela aprendeu jazz e padrões pop. A família mudou-se para o Arizona quando ela tinha cinco anos, depois para Olympia, Washington, cinco anos depois, onde seu pai os abandonou. Aos 14 anos, ela fugiu para se juntar a ele em Kansas City, Missouri, antes de retornar ao noroeste, abandonando o ensino médio e fazendo o exame GED para entrar na faculdade em Tacoma. Em seu aniversário de 18 anos, em 1972, ela se mudou para Huntington Beach, Califórnia.
Em um ano, ela estava se apresentando em vitrines, em bandas cover ou participando de sessões de jazz locais antes de fazer uma conexão fatídica com Tom Waits, que ela conheceu em 1977 no West Hollywood's Troubadour, ponto zero para cantores e compositores do SoCal. O relacionamento deles destacou um abraço compartilhado da estética Beat e do jazz pós-bop. Juntamente com Chuck E. Weiss, um colega simpático, eles representavam um contraste retrô com as panelinhas pop e rock reinantes da cidade, mais à vontade com os punks no Tropicana Motel do que com os cowboys da cocaína no Troub.
Rickie Lee Jones, segurando seu primeiro Grammy, como Melhor Artista Revelação, no 22º Grammy Awards em 1980
Em 1978, Jones ganhou fãs significativos em Lowell George de Dr. John e Little Feat, preparando seu LP solo de estreia, no qual fez um cover de "Easy Money" de Jones. A demo de quatro canções de Jones provocou um burburinho, seguido por uma guerra de lances, com a Warner Bros. contratando-a. O momento era ideal tanto para o artista quanto para a gravadora: a gravadora Burbank já abrigava uma lista impressionante de cantores e compositores, rivalizando apenas com a Elektra/Asylum, enquanto construía uma lista paralela de artistas de jazz contemporâneos com influência cruzada. Rickie Lee Jones superou as duas arenas.
Lenny Waronker, o chefe de A&R da Warner que a contratou, e o produtor de equipe Russ Titelman se uniram para produzir as sessões de Jones, agendando uma falange de veteranos de pop e rock de primeira chamada e músicos de jazz experientes. Jones tocou guitarra, teclado e percussão e arranjou as seções de sopro, enquanto o arranjador Nick DeCaro e o compositor/arranjador Johnny Mandel escreveram tabelas de cordas para sessões que ocorreram de setembro a dezembro de 1978.
Desde o downbeat de abertura, Rickie Lee Jonesdesenrola-se com uma confiança cativante. Uma figura alegre de violão, rolinhos de caixa e dedos estalados configuram seu vocal astuto e coloquial, um discurso na segunda pessoa enquanto ela pondera se “Chuck E. ” (teatro), tentando identificar o objeto de sua afeição. A curiosidade dá lugar à confusão e, em seguida, a uma epifania sorridente de que ele está "apaixonado pela garotinha que está cantando essa música". Vocalmente, Jones puxa o foco por toda parte, um hábil contador de histórias auxiliado por um arranjo espaçoso cercado pelas paradas de sopro nítidas de Jones e uma sólida seção rítmica de jazz que soa fresca e atemporal, ancorando o álbum em uma faixa de abertura que renderia duas indicações ao Grammy em seu álbum. e conquistar sua vitória como Melhor Artista Revelação na premiação de 1980.
No ritmo e no humor, Jones e os produtores realizam um ato de equilíbrio impressionante, movendo-se entre a exuberância e a melancolia, a paixão e a diversão, ajustando a escala das configurações de conjuntos maiores a pequenos grupos sem nenhum passo em falso enquanto ela muda de vinhetas solitárias para quadros urbanos. . “On Saturday Afternoons in 1963” é uma meditação silenciosa sobre infância, memória e identidade, um diálogo interior com seu eu de nove anos cantado suavemente contra um piano retumbante e uma névoa de cordas e trompas suaves. Sua melodia graciosa e configuração de câmara sobressalente evocam as baladas assombradas de Randy Newman, uma influência reconhecida que retribuiu o elogio tocando em seu álbum.
O elenco de personagens de Jones então apresenta uma jovem mãe em “Night Train”, fugindo da ameaça de perder seu filho em uma canção que mistura pesadelo com canção de ninar e evoca a solidão de uma estação de trem vazia no meio da noite. “Young Blood” se volta para uma paisagem urbana nominalmente mais brilhante povoada pela cantora e seus amigos sob as luzes da rua enquanto eles fazem “uma caminhada por volta da meia-noite na cidade”, onde as ruas ainda são más, mas há uma promessa de que “o amor vai lavar você limpo na desgraça da noite.”
Personagens como Pepe e Bragger, cujos nomes foram confirmados tanto em “Young Blood” quanto posteriormente em “Coolsville”, sugerem uma irmandade de moradores de rua que habitam o bairro de Jones. “Easy Money” apresenta “um par de Jills com os olhos em algumas notas” e “um velho gato preto… parábola. “Danny's All-Star Joint” e “Weasel and the White Boys Cool” preenchem o cenário com mais meia dúzia de habitantes das ruas sórdidas que atravessam seu submundo urbano, um bairro que ganha vida com a performance vivaz de Jones e os detalhes ricamente detalhados arranjos.
No entanto, se a camaradagem hipster anima as paisagens urbanas de Jones, ela também pinta uma vista desolada do deserto em “The Last Chance Texaco”, a performance mais dramática do álbum. Um design poético ousado riffs em “uma longa extensão de faróis”, paradas de caminhão, “olhos sonolentos de diesel” e uma metáfora estendida que combina um automóvel falhando com um romance condenado: “É a última chance dela/o tempo dela está errado/Sua última chance/ Ela não pode ficar ociosa por tanto tempo…”
Imagens que podem convidar um sorriso na página impressa são transformadas por sua performance e o arranjo rígido, porém elegante, em autêntico pathos, estabelecendo ainda mais um comando de baladas sombrias e emocionalmente vulneráveis que fornecem a Rickie Lee Jones uma profundidade duradoura lindamente servida por Waronker e Titelman . produção sob medida. O álbum, lançado em 28 de fevereiro de 1979, acabaria alcançando o primeiro lugar na parada de álbuns dos Estados Unidos.
Jones iria explorar ainda mais os pólos emocionais e estilísticos estabelecidos em sua estreia em seus álbuns subsequentes dos anos 80, enquanto sustentava um impulso nômade tanto em sua vida pessoal quanto musical, muitas vezes inclinando-se ainda mais para o jazz, seja em seu próprio material ou em apresentações ecléticas de covers. uma propensão incansável para a experimentação, acabando por corroer sua aceitação mainstream.
Vídeo Bônus: Ouça a performance de Lowell George em “Easy Money” de Jones, gravada para o álbum solo de 1979 do ex-cantor, compositor e guitarrista do Little Feat
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