Resenha: «At The Mercy Of Manannán» de M-Opus, o grupo irlandês com resquícios dos anos 70 e seu novo álbum baseado no Deus aquático da mitologia irlandesa

A máquina do tempo M-Opus nos leva desta vez ao ano de 1972 para descobrir uma joia progressiva perdida no tempo. A banda, formada em Dublin, na Irlanda, em 2014, tem funcionado desde então como um projeto flexível e aberto, onde a dupla fundadora Casey/Sullivan libera sua criatividade e estilo. Ambos músicos renomados tocaram com o ex-King Crimson David Cross e estão imersos na cultura progressiva desde a infância. Neste álbum, eles se juntam ao virtuoso PJ O'Connell, que levará a guitarra principal de forma proeminente e incisiva; um pilar fundamental na sua composição.

Inspirados pelo som que sempre os cativou, Casey e Sullivan decidiram escrever uma série de álbuns inspirados no som progressivo de cada ano em particular; em seus dois álbuns anteriores representaram os anos de 1975 e 1978. Em "At The Mercy Of Manannán" optaram por um álbum complexo, cheio de mellotrons e baixos agressivos, replicando o som da era de ouro do progressivo 72-73. O resultado é excelente porque cumpre a sua missão, caracterizando a sinfonia da época com um toque eclético. Como poderia ser de outra forma; eles nos presentearam com um álbum conceitual, que segue uma história tão intrincada quanto gratificante; a do deus do mar, o feiticeiro Manannán mac Lir.

“Setting Off” é o prelúdio caloroso deste disco, que nos recebe diretamente com a voz de Casey, entre assobios e sons ambientes. Nos seus dois minutos a canção transmite diferentes emoções que nos preparam para a viagem que será o resto da obra.

O hard-rocker “Riverflow” nos atinge com força, com algumas linhas de baixo fenomenais de Chris Squire seguindo de perto e pungentemente a voz, que desenha melodias atraentes e nítidas. Ouvimos os teclados vintage e a mistura de guitarras vibrantes e juvenis. Para os amantes do tom; temos acústica, temos elétrica, com drive, com chorus, reverb ou flanger, o que quisermos. Mesmo com teclados; ouvimos hammonds, mellotrons e sintetizadores de outras dimensões. 

O refrão dessa música é uma demonstração maravilhosa de que você pode ser muito progressivo, mas também cativante e gentil com o ouvido. Os solos são um primeiro momento de dedicação total ao álbum, ouvindo os instrumentistas presentes que o virtuosismo profundamente surpreende. Um tema que deve ser ouvido repetidamente...

"Whirlpool" é uma peça instrumental e divertida com importantes apontamentos de Jazz Fusion, aqui, O'Connell dá-nos uma masterclass de guitarra . Em um ambiente caótico e tenso, ele toca pequenas linhas cromáticas e harmônicas que quebram as expectativas do ouvinte repetidas vezes.

"To The Other Side" é a faixa mais longa do álbum; cresce e desenvolve-se, atravessa diferentes fases e interlúdios e permite ao ouvinte uma interpretação integral dos mesmos. Os primeiros minutos da música são suaves, com guitarras limpas e mellotrons criando belas paisagens que se fundem entre si; parece um passeio no campo, você sente os moinhos girando e os passos retumbantes que não levam a lugar nenhum.

Uma mudança repentina ocorre no meio da composição, deixando-nos a sós com o outro lado, citando a letra: Acordamos em outro reino, com escuridão por toda parte . Um motivo mellotron assombrosamente misterioso guia a música de forma épica e implacável, entre solos de teclado suaves e ambientes pontuados por uma repetição constante do riff de baixo. Esta seção impressionante se desenrola em um mar de mellotrons; e acima os graves e agudos são contrastados em uma interação harmoniosa. Uma viagem

A seguir nos é apresentada “Na Bruídaí”, outra música relativamente longa, beirando os 8 minutos. Estamos perante uma peça bastante complexa, com solos pomposos, tanto para guitarra como para teclado. Vemos aspectos que lembram The Flower Kings nas composições; especialmente nas seções mais otimistas. O refrão blueseiro que aparece e desaparece é um bom recurso para fundamentar as intrincadas seções instrumentais que são desencadeadas. A guitarra de O'Connell brilha intensamente.

Suave inicia “Valley Of Elah” entre violões e mellotron. Sabemos o que nos espera; um tema doce, fofo e suave. E assim é, cumpre o slogan. Destaca-se o outro, que traz de volta o som do baixo pungente que caracteriza o álbum e descarrega a energia gerada ao longo da música em uma seção fervente e extravagante.

“Scaling Novas” dura cerca de três minutos, mas é mais do que suficiente para tocar em certos aspectos necessários nesta fase do álbum; mudanças explosivas, sintetizadores, melodias estranhas, polirritmias; bateria movimentada e vigorosa, sons ambientes. Este tema encapsula em muito pouco tempo toda a essência do progressivo dos anos setenta. Final sinistro que lentamente se torna a última faixa do álbum.

"Carnivale" começa devagar, com uma guitarra filtrada que transmite um certo sentimento pós-rocker. Escutamos uns tons ao longe que nos preparam para um groove irremediável e uma bela guitarra com vontade de acabar caindo. Uma maravilhosa interação hipnótica se desenrola, o baixo e a bateria fazem uma mistura perfeita de desconforto com ritmo; aquele violão de fundo não cessa que mantém uma sensação de tensão constante nessa hipnose da qual ele não escapa. Mais uma vez, um som que lembra muito The Flower Kings, canções como “Devil's Playground” ou “Circus Brimstone”. Ele estende esse groove e suas estranhas melodias com suas variações e a adição de múltiplas camadas de complexidade. Um final puramente instrumental, poderoso e transcendental para este tremendo disco.

Você realmente tem que enfatizar a produção maravilhosa e o trabalho por trás desse trabalho; É vintage, claro, pela analogia dos instrumentos e pelo som em geral, mas é mixado de forma que soa claro e moderno, convida a ouvir e ouvir no repeat.

As inspirações são claras, Genesis, sim, até fusão da época (Mahavishnu, Zappa), e a verdade é que é uma grande homenagem e muito bem feita. Recomendado acima de tudo para os amantes do retro-prog, mellotron storms e do baixo de Chris Squire.