Maledetti e o contexto da Area
Nesta realidade sociopolítica, Area criou Maledetti . Tanto suas letras quanto sua música cristalizaram-se nesse macrocenário. Em 1976, os Area seguiram uma trajetória que os posicionou em um lugar diferente - talvez desconfortável - dentro da própria cena musical italiana. Com efeito, pelas diferentes inclinações musicais dos seus membros, o Area consolidou-se como um grupo aberto, o que permitiu, e até incentivou, aos seus músicos a experiência em outros projectos.
Este último apenas enriqueceu sua música. Neste ponto, rotulá-los como “rock progressivo” ou “jazz” não fazia sentido. Foi absolutamente cruel. O espaço de pesquisa individual deu ao baixista Ares Tavolazzi e ao baterista Giulio Capiozzo a oportunidade de participar de bandas de jazz mais tradicionais, portanto sua participação no Maledetti é limitada. Paralelamente, Demetrio Stratos havia levado sua voz a novos horizontes, tornando-se o vocalista menos convencional entre as bandas de sua época, lançando também seu álbum Metrodora em 1976 , colaborando também com John Cage. O guitarrista Patrizio Fariselli , por sua vez, preparava seu álbum solo Antropofagia . Paolo Tofani até se tornaria monge, sendo Maledetti seu último trabalho com Area.
Essa criatividade do grupo proporcionou a Demetrio Stratos maior participação nas letras, que não dependia mais de Gianni Sassi, como no início. Os Area evoluíram a tal ponto que, mesmo nos concertos, deixaram espaço para a improvisação. Mas nem para improvisar queriam ser convencionais. Com efeito, dois cabos conectados a dois osciladores de um sintetizador permitiram que o movimento e o ruído do público fornecessem a base sobre a qual Area executou sua performance. A fusão entre todos os corpos dos participantes deu lugar à arte, numa expressão de materialismo histórico onde a infra-estrutura deu lugar à superestrutura.
Assim surgiu “Caos, Parte 1”. Embora infelizmente nunca tenha sido gravado em áudio, gerou um momento catártico de interação com o público. Alguns participantes até pularam do palco em motocicletas ou construíram grandes pirâmides com cadeiras. Uma provocação ao status quo e aos conservadores críticos da época, que facilitou o fluxo do conceito em Maledetti .
Antecedentes de Maledetti
Em Maledetti , Area propõe seu único álbum conceitual, baseado em um cenário de decadência pós-industrial. Uma espécie de mundo pós-apocalíptico, sobre o qual expressam uma “fantasia sociopolítica” ( fanta – sociopolitica na sua língua original). As notas do álbum dizem:
A sociedade futurista está dividida verticalmente e dividida em corporações. Um plasma líquido é a consciência do mundo, armazenada em um computador bancário. Uma falha provoca a dispersão progressiva do líquido: perda total da consciência humana.
A Area representava, portanto, uma situação dramática. Diante desse vazamento gradual da nossa memória, nos deparamos com uma perda iminente de identidade, com todo o caos que isso acarreta. Quais são as soluções possíveis? Area propõe três hipóteses: poder para os idosos, para as mulheres ou para as crianças. Uma dialética que levará, inexoravelmente, ao caos total.
A arte do álbum acaba sendo, em certo sentido, uma extensão da inspiração de Maledetti . Deixando de lado qualquer julgamento estético, suas imagens focam na anatomia humana. Sua capa e contracapa indicam diferentes terminações nervosas da cabeça e uma parte da parte superior do tronco. No interior, entretanto, encontramos as mesmas seções, mas com a estrutura óssea. Isto mostra, por um lado, como a corporalidade fez parte da criação musical de Area, como apontei acima. Pelo menos para “Caos Part 1”, que foi um pano de fundo tão necessário para a produção do álbum. Por outro lado, também representa a forma como este álbum deve ser recebido. Mesmo sendo um trabalho conceitual, este álbum é, para o bem ou para o mal, voltado para os nossos sentidos.
Faixas de Maledetti
O início, com Evaporazione , é frenético. Curta peça dirigida pela voz de Demetrio Stratos, que parece estar correndo. Soa também o apito de Paolo Tofani, que mantém um barbeador elétrico, além de uma kazumba, interpretada pelo convidado Eugenio Colombo . Também soa o fluxo de um líquido caindo, representando o plasma que continha a consciência do mundo. A vertigem da corrida de Stratos faz com que sua voz se aproxime cada vez mais do microfone de forma quase aleatória, enquanto ele lamenta, desesperadamente: “Perdemos a memória do século XV . ”
Se toda a memória humana estava a ser perdida, porquê lamentar apenas o século XV? Pois bem… é a hora do Humanismo! Aquele onde o ser humano teve um despertar, tanto no seu sentido crítico como na arte. Quando os humanos foram valorizados como tal novamente. Com isso, a Idade Média e o presente são questionados de forma semelhante, e sub-repticiamente, podendo ambos ser classificados como idade das trevas. O que nos resta sem o Humanismo?
Stratos para para recitar a mesma frase, mas com as palavras alteradas e recortadas, como símbolo da perda de sentido: “Temos quinze anos no século . ” A versatilidade histriônica de Stratos ocupa o centro das atenções. À medida que vai perdendo gradualmente essa memória, surge uma declamação final, desta vez com um grito avassalador: “Senhoras e senhores, perdemos o… SÉCULO XV!”
Esse grito, que deixa qualquer um perplexo, esbarra no início do Diforisma Urbano . Uma peça instrumental baseada no jazz rock de vanguarda, e possivelmente a mais acessível e inofensiva do álbum. Na ausência parcial de Tavolazzi e Capiozzo, participam Hugh Bullen no baixo e Walter Calloni na bateria, além do saxofone de Steve Lacy . A seção rítmica inicialmente se cruza, estabelecendo a sensação de desordem que resulta na perda de consciência do mundo. Aos poucos, uma melodia ganha forma carregada por teclados e rajadas incendiárias de guitarra. As capacidades técnicas de Area foram, assim, exigidas numa demonstração equilibrada de virtuosismo e musicalidade, onde a voz de Stratos cantarola a melodia na segunda metade da faixa. Uma maravilha!
Depois deste caos organizado, é hora de discutir o que fazer com a humanidade em crise. A primeira alternativa é manter a ordem estabelecida, entregando o poder aos mais velhos. Assim cai a terceira faixa, Gerontocrazia . Aqui novamente temos músicos convidados: além de Steve Lacy no saxofone, podemos ouvir Anton Arze e José Arze , convidados que tocam a txalaparta , instrumento de percussão de origem basca.
O som destas madeiras e algumas linhas esporádicas de sax acompanham Stratos, que vocaliza, em grego, uma canção de embalar típica da Ásia Menor. Neste local, segundo as notas do álbum, colocava-se haxixe debaixo dos travesseiros das crianças para mantê-las dormindo por muito tempo. Isto é expresso através de uma interpretação quase cerimonial, que marca o “poder dos mais velhos” sobre as crianças. Os idosos seriam, assim, figuras que salvaguardam a memória do passado mas, ao mesmo tempo, rejeitam problemas contingentes. Esta é a opção de um mundo sem mudanças.
De repente, tudo muda e Gerontocrazia toma outro rumo, com toques de cordas e uma nova melodia. Uma performance vocal poderosa (novamente Stratos brilha aqui) representa o entorpecimento da sociedade. Com ar paternalista, os mais velhos nos dizem para deixar tudo em suas mãos, e que a verdade, a liberdade e a felicidade só se encontram no passado. Ou seja, sob a premissa de que “cada passado foi melhor”, prometem-nos um sentido distorcido destes conceitos: “deixe-me escrever os seus passos/Viva a sua vida em paz, não pense e sonhe com a felicidade . ” No meio, o jazz pode fluir livremente, para retornar à melodia central que acelera para uma nova catarse final. Menção especial para uma das performances vocais mais brilhantes de Stratos.
Area apresenta a segunda hipótese de Maledetti em Scum : o poder das mulheres. É aqui que encontramos a primeira proposta de subversão autêntica do álbum, já que as mulheres são descritas como “fornecedoras de energia e novas contribuidoras radicais, em contraste com a sua repressão histórica”. O título e a letra foram retirados do manifesto escrito pela feminista radical Valerie Solanas. Sim, o mesmo que tentou acabar com a vida de Andy Warhol.
Nesta peça, um jogo dissonante entre piano e bateria toma conta da instrumentação. O baixo desliza com potência, enquanto sintetizadores e até mesmo um pouco de Hammond começam a somar. A loucura atinge seus níveis máximos no meio desta peça, que parece instrumental até a entrada de Demetrio Stratos. Desta vez recitando com a sua voz filtrada, e com a marca distintiva das suas contorções vocais, ela apela às mulheres corajosas para “derrubar o governo, eliminar o sistema monetário, estabelecer a automatização total… e destruir o sexo masculino . ” Embora este último Stratos coloque quase como uma pergunta!
Após esta peça complexa, Area nos dá algo inédito em sua discografia: um quarteto de cordas, que executa o instrumental Il Massacro di Brandenburgo Numero Tre in Sol Maggione . Este quarteto, formado por Umberto Benedetti Michelangeli (violino), Paolo Salvi (violoncelo), Giorgio Garulli (contrabaixo) e Armando Burattin (viola), utiliza um fragmento do Concerto de Brandemburgo Número 3 em Sol Maior , de JS Bach. Mas por que é um massacre?
No contexto do álbum, esta peça de Bach representa o corporativismo musical. A subversão da faixa anterior faz com que Bach seja atacado em seus contrapontos, subtraindo sua riqueza harmônica original. Dessa forma, Bach tornou-se um bode expiatório, e o ataque ao seu trabalho foi o ataque à música erudita em geral. Assim, além disso, o quarteto convidado consolidou-se como o carrasco, escolhido por Area, do extremo rigor composicional. Com esses arranjos, qualquer regra e fórmula musical era massacrada a cada golpe dos arcos.
Após esta passagem, Area propõe uma terceira hipótese para enfrentar a crise: deixar o poder nas mãos das crianças, em Giro, Giro, Tondo . As crianças são vistas por Area, no quadro de Maledetti , como um segundo poder subversivo. A infância como garantia de liberdade, que se rebela contra os pais e cujo poder revolucionário reside na sua imaginação. A letra, porém, enfatiza a carga potencialmente destrutiva do jogo. Versos como “Eu brinco com o seu mundo, posso dominar você ” ou “Eu rio da sua hora, quero te esmagar” destacam a violência que pode estar subjacente à inocência.
Musicalmente, esta faixa começa com diplofonias e linhas vocais impressionantes, que logo se transformam em um sample de jazz rock. Podemos notar aqui um trabalho magistral de Patrizio Fariselli, embora a peça brilhe por si só graças aos seus constantes movimentos e variações. No final, tudo se junta num diálogo de sintetizador que realça um som onírico: a fantasia torna-se realidade.
Na sua visão dialética, Area nos diz que a liberdade tem um custo: Caos (Parte Seconda) encerra o álbum, expressando-se como o resultado final da mudança representada em Maledetti . Esta peça é, sem dúvida, a mais difícil de assimilar em toda a discografia do Area. Portanto, isso também é verdade entre qualquer banda italiana da época, e provavelmente até mesmo dentro da música de vanguarda.
Dada a impossibilidade de reproduzir em estúdio o que Area fazia ao vivo em “Caos Parte Prima” (tirando a música do público que assistia), o grupo quis reinventar a forma de fazer improvisação. De acordo com as notas do álbum:
Durante a improvisação, o músico de hoje tende a se agarrar ao próximo e a repetir inconscientemente, em trilhas circulares, o que o outro propõe. A improvisação esgota-se porque não consegue sair dos arquétipos culturais que a sociedade constrói sobre ela, fazendo por vezes concessões na forma para manter as estruturas fundamentais da comunicação. É difícil ser livre.
Não adiantou para Area construir padrões em sua proposta, mesmo que improvisados. Afinal, a definição de caos implica não ter padrões que permitam ordenar a música. Quebrando a comunicação entre seus integrantes, o Area procurou improvisar sem que eles se ouvissem. A estrutura foi construída com cada músico escolhendo seis papéis de um total de 57. Neles estavam inscritos diferentes estados de espírito (banalidade, violência, hipnose, sexo e silêncios), que, mudando a cada 90 segundos, orientavam cada músico a improvisar durante esses intervalos.
Isso produz um autêntico confronto de individualidades. Tal como uma orquestra de crianças brincando livremente com instrumentos, o som parece aleatório, com expressões individuais pouco diferenciadas nestes seis movimentos de 90 segundos. Para algumas pessoas pode ser prazeroso e para outras completamente indigesto (vocalizações de engasgo contribuem para esta sensação). Porém, o propósito foi cumprido: a música, arquétipo da ordem, ruiu completamente. Não só Bach foi destruído, mas toda a música, representando o status quo do mundo.
O “caos”, assim, foi o corolário que Area estabeleceu para Maledetti . Um álbum que não só nos mostrou o declínio iminente do Ocidente, mas também as possíveis forças que permitem uma saída para a crise. Uma saída onde o próprio caos é necessário, de uma forma ou de outra, pelo menos a partir da proposta radical do grupo. Afinal, o clima progressista dificilmente disfarça quaisquer problemas sociais.
A área procurava rebelião, alegria e revolução, e esse caos era o preço a pagar. Caro, mas o único preço que poderia garantir uma mudança real. Equivalente ao desenvolvimento individual do super-homem de Nietzsche, ou do pássaro de Hesse quebrando sua concha, onde a autodescoberta exigia a quebra de todas as regras e convenções. Só, em Maledetti , coletivamente, e com música representando todos os mundos possíveis.
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