A imitação é a forma mais sincera de lisonja, e a total falta dela também não é motivo de desprezo. O mesmo acontece com o Queen , cujo imenso sucesso nunca gerou um movimento de bandas com sons parecidos, porque repetir sua apresentação obviamente teria sido uma tarefa tola.
O apogeu do Queen contou com vários cartões de visita sonoros: havia o toque elétrico brilhante do Red Special, a guitarra lendária e espetacularmente distinta de Brian May. Eles ostentavam a seção rítmica singular de John Deacon no baixo e Roger Taylor na bateria, condutores de influências de um amplo espectro musical. Acima de tudo, como um empreendimento sui generis , parafraseando o técnico de basquete feminino Geno Auriemma, eles tinham Freddie, e todos os outros não.
Freddie Mercury era uma vergonha para a riqueza do vocalista: musicalmente hábil, artisticamente ambicioso e totalmente teatral, ele era um legítimo visionário do rock 'n' roll. Do excesso alegre à balada delicada, ele cobriu todos os quadrantes composicionais e, com um estilo de canto ousado e memorável, foi um dos maiores finalizadores da música de todos os tempos. Como qualificar a música da banda que se seguiu à sua morte em 1991 é uma questão de gosto pessoal, mas na prática ele era insubstituível.
Os membros do Queen entregaram prêmios Gold Record à lenda que inspirou o título do álbum
Em nenhum lugar a inimitabilidade do grupo pode ser ouvida mais claramente do que em seu quarto disco, A Night at the Opera, lançado em 21 de novembro de 1975. Reconhecido em sua época como o álbum mais caro já gravado, como um blockbuster de Hollywood cujo orçamento exagerado é visível em Na tela, Uma Noite na Ópera é um espetáculo vistoso que revela seus toques bombásticos de produção. Merecidamente conhecido, é extremamente, e muitas vezes maravilhosamente, desigual.
A primeira música da coleção envelheceu com menos graça do que o resto do projeto, mas sempre foi um erro. “Death on Two Legs (Dedicated To…)” é um instantâneo de um momento no tempo que, com suas duas primárias agora mortas, parece ainda mais trivial e indigno de inclusão do que quando era novo.
Ele aborda o rompimento claramente feio do Queen com sua empresa de gestão original, Trident. O técnico Norman Sheffield é o alvo e recebe chutes fortes, desde um desfile de insultos que incluem “mula velha e equivocada” e “alevinos faladores” até uma sugestão de que ele considera o suicídio. É uma música desagradável, movida pelas paixões de Mercury e apoiada por seus colegas de banda. Uma expressão de raiva mais eficaz do que a arte, pois é uma peça destinada ao público, é demasiado específica para o seu próprio bem.
Queen em 1975 (esquerda): John Deacon, Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor
Sua mensagem é fácil de encobrir se o ouvinte notar apenas sua pulsação forte e envolvente, que estabelece a robusta filosofia de produção da coleção. À distância, uma peça de piano é iniciada - Trident supostamente negou a Mercury um piano para escrever músicas enquanto o grupo estava desenvolvendo o disco, então mesmo isso tem uma vantagem no contexto - que logo dá lugar a alarmes suaves e grita antes de se teletransportar para uma rede com o rugido Red Special de May. A música nunca encontra seu equilíbrio (e claramente não parece muito difícil) enquanto bate e agita, misturando entusiasmo de socos com melodrama alegre, enquanto Mercury ataca as letras e se aprofunda em seu suprimento infinito de autoconfiança vocal.
A sequência do álbum vem diretamente do Dr. Seuss. Correções de curso excêntricas e saltos de gênero chocantes são abundantes, e sequências inteligentes dificultam a venda, começando com a grande mudança da abertura para o tilintar “Lazing on a Sunday Afternoon”. É um limpador de palato curto e piegas, e Mercury aproveita sua cadência boba e antiga com tanto entusiasmo quanto fez com a diversão retrógrada de “Bring Back That Leroy Brown” no Sheer Heart Attack do ano anterior . . Ao lado de um fluxo fluido de piano, os vocais evocam a tecnologia do passado, aparados com um eco derivado da reprodução em um balde de lata. May dá uma reverência aos procedimentos com trituração decorativa e, em menos tempo do que levou para escrever este parágrafo, é hora de outra mudança de marcha.
Esse é quase literalmente o caso quando Taylor acelera o deliciosamente exagerado “Estou apaixonado pelo meu carro”. Uma das características mais atraentes do Queen era seu compromisso sincero com a tolice, uma qualidade que alimenta o sucesso deste número. A música exala um sentido espetacular do absurdo, envolta em uma malha de gravuras de guitarra e percussão de piano em meio a uma pulsação muscular aumentada pelo refrão. Motores de corrida misturam-se com guitarras barulhentas e insinuações divertidas como “Com minha mão na sua pistola de graxa/É como uma doença, filho” inundam a música. É um trabalho descaradamente bobo e exclusivo.
Por outro lado, “You're My Best Friend” é um triunfo da sinceridade, uma balada com energia de sobra. Construído em torno da dinâmica animada entre um pulso de sintetizador robusto e a espinha dorsal da bateria bem torneada de Taylor, há muito mais além. A música tem quase um minuto quando seu design até então simples é alterado: Mercury inicia a linha, “Ooh, eu estive vagando” da direita, e um refrão surge da esquerda para equilibrá-la. . Quando o próximo verso chega, ele está de volta ao centro, mas May entra com um dourado elétrico equilibrado para complementar o fluxo geral. A composição de Deacon tem uma veia rica, e seu vocal matizado reforça que a efusividade de Mercury funciona tanto em nível pessoal quanto dramático.
O lado um mal está pela metade nesse ponto e suas curiosidades continuam. May conduz o salto caseiro de skiffle de “'39” vocal e musicalmente, brincando com posicionamento estéreo enquanto conta uma história de exploração interestelar com consequências infelizes. Salpicando um coro celestial em cima de uma malha de baixo, bateria e pandeiro, é um pouco colorido de folk.
Isso dá lugar à convencional “Sweet Lady”, que acha Mercúrio agressivo, exagerado e bastante convincente, mesmo quando ele declara: “Você me chama de doce/Como se eu fosse algum tipo de queijo”. É exagerado, mas com charme.
A lateral fecha de maneira trabalhosa, gerando a elegância do Vaudeville no elástico “Seaside Rendezvous”. Além da curva estilística que lança, a música é um tour-de-force na construção de músicas multi-faixas, já que Mercury e Taylor imitam vocalmente uma variedade de instrumentos, substancialmente anterior a Bobby McFerrin com impressões precisas de clarinete, tuba e uma fatia completamente alegre de kazoo. Até o interlúdio de sapateado executado com dedos em ponta de dedal, é uma divertida colagem de mímica, mas nunca à custa de sua energia contagiante.
As costeletas exibidas em “A Canção do Profeta” são mais simples de quantificar; sua expansão inflada e prog é um playground onde Mercúrio corre livremente. Sua voz pousa em todos os lugares em uma música que é grande, tempestuosa e, com mais de oito minutos (a mais longa do catálogo do Queen), arrasta-se mais do que um pouco. Mercury executa um cânone vocal que mostra sua versatilidade e flexibilidade, e as partes de guitarra de May no final da música aumentam e exalam intensidade, adicionando peso à bravata de Mercury. O conjunto é vasto, mas nem sempre atraente, uma peça muito de sua época que ressoa menos nesta.
A balada de piano pouco adornada “Love of My Life” encontra Mercury amassando suavemente, vendendo sua angústia sincera e melancólica com o apoio vocal de um refrão luxuoso que chega à frente de suas falas. May colore o arranjo com tons suaves de guitarra que flutuam nas proximidades, com bordas afiadas em sua maior parte removidas. Uma harpa também levanta a cabeça, pelo que pode ou não ser uma boa medida, mas na maior parte a música é reduzida ao essencial, maximizando sua intimidade potente.
“Good Company” é outra diversão impulsionada por maio, apresentando um argumento razoável de que a coleção precisava de um salto movido pelo ukulele. May exibe habilidades de mímica a par da peça Mercury / Taylor, enquanto apresenta uma simulação de banda de jazz Dixieland em seu Red Special.
E depois há “Bohemian Rhapsody”. Se alguma vez existiu um exemplo definitivo de um todo maior que a soma de suas partes, é a música que seus companheiros de banda chamaram de “Fred's Thing” durante a gravação, que durou três semanas, com trabalho dividido entre cinco estúdios. O resultado é notável: um conjunto disperso de efeitos e ideias reunidos numa estrutura coesa.
Este anúncio de “Bohemian Rhapsody” apareceu na edição de 13 de dezembro de 1975 da Record World
Um roteiro simples para a música faz pouca justiça. A introdução vocal multicanal de Mercury dá lugar a uma balada de piano. A guitarra de May fornece drama ascendente em um breve interlúdio, e então tudo sai dos trilhos com uma seção de ópera que, apesar do aviso justo do título do álbum, surge do nada. Isso dá lugar ao rock de guitarra, que se transforma em um piano brilhante e uma expiração lírica. Nesses termos, parece uma bagunça.
E ainda assim a música evita todas as armadilhas e funciona porque é incrivelmente ágil. Em pouco menos de seis minutos, sua identidade muda cinco vezes, eliminando cada uma delas quase assim que é estabelecida. Mesmo o alcance mais estranho não existe por tempo suficiente para ser identificado como tal. Soa como nada mais, e ainda assim é estruturado de uma forma que faz com que pareça confortável – seu rock é cativante, sua balada é espaçosa e sua ópera tem ganchos inevitáveis. Entre suas grandes conquistas está deleitar-se com o altamente incomum sem nunca se tornar estranho.
Assista ao vídeo de “Bohemian Rhapsody”: obra-prima, novidade, pura diversão
“Bohemian Rhapsody” é rock progressivo para ouvintes sem ilusões intelectuais, hard rock para quem gosta de pop e uma grandiloquência tão inteligentemente trabalhada que nem exige uma mente aberta por parte do ouvinte. Maravilhe-se com o apelo profundo da música e se ela é uma obra-prima ou uma novidade, mas não se engane: é muito divertida. É um microcosmo para a realização de todo o projeto, destacando uma abordagem de não poupar despesas, que acolhe experimentos e tem amplo espaço para um pouco de tudo. Rico em excesso sem se tornar excessivo, inclui tudo o que um final espetacular exige.
E, no entanto, há mais um, semelhante ao relaxamento de um treino desafiador. Brian May canta “God Save the Queen” à la Hendrix em “The Star Spangled Banner”, em um alegre e amoroso trecho de homerismo para a banda britânica (embora os ouvintes do outro lado do Atlântico possam ouvi-lo como “My Country, 'Tis of Thee ”). Decorando com traços de estúdio que realçam o caráter, May sobrepõe múltiplas faixas, forjando uma liga sonora expansiva que permite a liberdade – e o Red Special – soar. É um final adequado, semelhante a uma emissora de TV fechando a noite com a execução do hino nacional, encerrando a programação de um dia que nenhuma outra banda poderia ter criado.
A Night at the Opera se tornou o primeiro (de muitos) álbuns do Queen a alcançar o primeiro lugar no Reino Unido. Também representou seu avanço nos EUA, chegando ao quarto lugar.
Esta foto da banda recebendo o prêmio Gold Record apareceu na edição de 27 de março de 1976 da Record World
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