WISH YOU WERE HERE: A REINVENÇÃO DO HIT DO PINK FLOYD

  

 

Wish You Were Here  é o oitavo álbum de estúdio do  Pink Floyd . Lançado em 12 de setembro de 1975, este álbum representa não apenas uma magnífica reinvenção do grupo após The Dark Side of the Moon , mas também o nascimento de duas das peças mais populares da banda. Principalmente a balada que dá nome ao álbum, que se tornaria um verdadeiro hino do Pink Floyd, só comparável a "Money" ou "Another Brick in the Wall, Pt. 2" em popularidade.

Plano de fundo para desejar que você estivesse aqui

O Pink Floyd mudou sua situação financeira após o DSOTM . O grupo sentiu grande pressão para produzir um álbum digno de ser seu sucessor. Na verdade, havia uma certa desconfiança e medo em relação a isso. Nesse contexto surgiu a ideia de fazer um álbum com música concreta, feita de objetos do cotidiano. Essa ideia não era nova, pois se tratava de um projeto que havia sido descartado em 1971. Seu objetivo inicial era evitar comparações, fazendo algo pouco convencional e estranho. Durante outubro de 1973 gravaram algumas peças, como “The Hard Way” e “Wine Glasses”, mas finalmente desistiram.

Desta forma, o Pink Floyd chegou em 1974 sem uma ideia clara . O grupo corria o risco de estagnação e, sobretudo, de desgaste, o que os seus integrantes já começavam a sentir.

Com a banda funcionando com metade da capacidade criativamente, Roger Waters lembrou-se da genialidade inesgotável de Syd Barrett , escrevendo um poema que o lembrava. No entanto, nem todos concordaram com a forma como Roger queria apresentá-lo. Waters pretendia dividir “Shine On You Crazy Diamond”, enquanto David Gilmour queria que ela ocupasse todo o lado A do álbum. Por fim, Waters convenceu os demais: o álbum falaria sobre Syd e o quão perversa a indústria fonográfica pode ser.

Desta forma, o Pink Floyd regressou às origens , o que acabou por ser a melhor receita para um cenário com tantas incertezas. O álbum era muito mais melódico que seu antecessor. Cada música é independente, para que possam ser ouvidas individualmente, ao contrário de muitas peças DSOTM . Embora possa ser menos experimental, ser mais conciso representou um novo passo em seu estilo. Assim, esse retorno ao passado serviu apenas de inspiração, pois souberam construir uma nova estética para o grupo.

A arte de desejar que você estivesse aqui 

A capa deveria representar um conceito difícil: ausência. Este foi um enorme desafio para o ilustrador Storm Thorgerson . Uma ideia imediata teria sido uma capa branca, mas ela já existia em um conhecido álbum dos Beatles. Por esse motivo, Thorgerson decidiu colocar uma capa plástica preta sobre o LP, que esconderia a capa real. Com isso, ele poderia construir um efeito de ocultação, constituindo uma experiência até então não vista pelo público.

Na capa vemos uma fotografia semi-queimada sobre fundo branco. Nele, dois homens de terno, aparentemente fechando negócio, com o homem da direita em chamas. Esta imagem constitui uma das capas de rock mais icônicas de todos os tempos. A fotografia foi tirada em uma área aberta dos estúdios da Warner Bros. Burbank, em Los Angeles, Califórnia.

Na confecção desta capa havia de fato um homem queimando, então o fogo não foi pós-produzido. Ronnie Rondell , o homem em chamas, trabalhou em Hollywood como dublê. Na sessão, ele usava roupas à prova de fogo por baixo do terno e, quando a fotografia foi tirada, um assistente ateou fogo nele. O problema foi o vento, que fez com que as chamas perdessem o controle. Finalmente, após 15 tomadas, Rondell acabou com uma chama no rosto, caindo no chão enquanto borrifavam espuma nele com um extintor de incêndio e o cobriam com um cobertor para apagar o fogo. Exceto pelo bigode, não houve grandes consequências para ele.

O verso do LP traz um empresário segurando um disco e uma pasta. Por não ter rosto, dá a impressão de impersonalização do seu papel, da escassa componente humana. Está ausente. O interior, por sua vez, continha duas imagens. Um com a silhueta borrada de uma mulher com uma espécie de lençol vermelho semitransparente em uma floresta. A segunda, com um homem mergulhando na água. Esta última é uma fotografia tirada em posição de ioga, para evitar que a água se mova. O pobre, embora estivesse com um tanque de oxigênio, teve que prender a respiração para que não aparecessem bolhas na superfície.

O plástico preto em que o LP estava embrulhado tinha um adesivo, com dois braços robóticos apertando as mãos. Atrás, é feita referência aos quatro elementos (ar, fogo, água, terra). Como especulação astrológica: esta imagem pode muito bem ser uma referência aos signos do zodíaco dos quatro membros da banda. Na verdade, Waters é Virgem (terra), Gilmour é Peixes (água), Wright é Leão (fogo) e Mason é Aquário 

A gravação do álbum

A primeira peça a ser composta foi "Shine On...", que foi gravada em janeiro de 1974, junto com "Raving and Drooling" e "Gotta Be Crazy" (que aparecem no Animals ). O grupo então saiu em turnê, ainda por The Dark Side of the Moon . Em junho de 1974, quando chegaram à França, descobriram que uma bebida (de marca “Gini”) usava a imagem do Pink Floyd em sua propaganda.

Porém, isso era totalmente legal, já que o grupo havia assinado contrato com esta marca em 1972. Esta situação não agradou ao Pink Floyd, principalmente a Waters, que começou a escrever uma música chamada “How Do You Feel”, aquela que nunca terminou.

O álbum em si foi gravado entre janeiro e março de 1975, em primeira instância. O local foi o Abbey Road Studio 3. Os primeiros dias foram John Leckie como engenheiro de som (Alan Parsons havia começado sua carreira com Eric Woolfson), que mais tarde foi substituído por Brian Humphries (que trabalhou em  Ummagumma ).

O trabalho de estúdio foi longo e exaustivo. A banda parecia cansada, embora, felizmente, isso não transpareça no resultado final. Houve até vários dias em que não progrediram, apesar de passarem muitas horas no estúdio. A sensação do grupo era que eles estavam isolados uns dos outros. A fricção interna sobre o domínio de Waters começou aqui . Em meio a esse sentimento, Waters foi a força motriz que manteve o grupo no rumo e forte, o que acabou lhe dando maior controle no Pink Floyd.

Com uma turnê envolvida, a gravação de  Wish You Were Here  foi retomada entre 5 de maio e 5 de junho. Naquele dia ocorreu o conhecido encontro entre Pink Floyd e Syd Barrett, que havia visitado o estúdio sem aviso prévio. Roger e Dave não conseguiram conter as lágrimas. Embora não pudessem saber, este foi o último encontro entre os cinco.

Após uma nova turnê, as últimas sessões foram em julho de 1975, quando o álbum foi finalizado de gravação e mixagem.

O álbum

Wish You Were Here  abre com  Shine On You Crazy Diamond, Pt. 1 . A peça épica dedicada a Syd (jogo de iniciais com Shine, You e Diamond ) , o diamante louco cujo brilho brilhante iluminou tudo, mas fugazmente. A peça mostra a tragédia e a admiração, a dor e a saudade do grupo pela sua ausência. O baixo, teclado e guitarra dominam a atmosfera, enquanto Nick Mason atenuava a bateria com almofadas no bumbo, que também estava em afinação baixa. Isso deu maior calor ao som e uma presença mais sutil na mixagem final.

A primeira parte começou a ser construída em 1973, para Objetos Domésticos , com som de xícaras sobre as quais se passava um dedo para produzir sons de diferentes alturas. Foi inicialmente intitulado, para  Wish You Were Here , como “Rick's Drone”, e começa com uma série de overdubs de Richard Wright , que fornecem aquela atmosfera densa e multicamadas. O acompanhamento de Gilmour com sua reverb Black Strat molda ainda melhor esse início. Um verdadeiro sonho.

A segunda parte começa com Dave tocando quatro notas: Bb, F, G, E. Estas notas, gravadas com microfones colocados à distância para captar maior profundidade, constituem, mesmo com a sua simplicidade, um dos momentos mais marcantes do álbum. E porque não dizê-lo, de toda a discografia do Pink Floyd. Nesta parte entram a bateria e o baixo, aumentando gradativamente a intensidade da música antes de um novo solo de Gilmour, tão delicado quanto o primeiro.

A terceira parte retoma uma atmosfera suave, que aos 7:33 é quebrada com a entrada de um novo solo de Gilmour, desta vez mais intenso que os anteriores, embora mantendo a delicadeza e serenidade da pulsação.

A quarta parte mostra a letra desta peça, com uma voz dramática e bem conseguida de Waters, embora algo exigente nos tons mais agudos. As harmonias vocais aliadas ao trabalho das backing vocals Venetta Fields e Carlena Williams fecham um quadro sonoro que retrata perfeitamente a melancolia das letras. Às 8h49, risadas podem ser ouvidas logo antes da frase “você brilhou como o sol”, no lado esquerdo dos fones de ouvido.

A quinta parte, que é a última deste primeiro movimento, termina com um impecável solo de sax (cortesia de Dick Parry ), com um arpejo de guitarra que muda a dinâmica da música, para um que dá a sensação de vertigem e velocidade.

O álbum continua com  Welcome to the Machine , fazendo referência à indústria fonográfica. Podemos apreciar uma pessoa que, em tom paternalista, chama o seu “filho” para fazer parte desta máquina. Porém, as letras são sinistras, principalmente pela sensação de controle que está impressa nelas. A máquina sabe onde você esteve, e é capaz de definir seus sonhos, sendo capaz de esmagar os sonhos de quem nela entra. Esta música emula sons sintéticos das primeiras notas da música, graças ao VCS3.

Essa música contou, para suas apresentações ao vivo subsequentes, com um vídeo animado. O artista foi Gerald Scarfe , o cartunista e cartunista que criou as animações de The Wall . Certamente, a estética de sua obra destaca toda aquela escuridão em “Welcome to the Machine”, a tal ponto que ainda hoje aparece um aviso de conteúdo impróprio no YouTube ao assisti-lo. Então pode ser visto  neste link .

Os ataques à indústria fonográfica também aparecem na música seguinte,  Have a Cigar . Depois que uma porta soa, vozes são ouvidas em uma festa. Essa continuidade também faz sentido conceitualmente, já que essa música mostra o artista já no topo, conversando com diretores e executivos. Um cenário em que nem conhecem os músicos, mas os celebram na medida em que suas vendas aumentam. “A propósito, quem é Pink?” foi, na verdade, uma pergunta que o mesmo grupo já havia recebido antes.

Nessa música, Gilmour e Waters tentaram os vocais, até cantando juntos. Mas finalmente o grupo chamou Roy Harper , que estava trabalhando em Abbey Road para o álbum HQ. Embora sua atuação não tenha convencido Waters, essa foi a escolha escolhida pelo grupo. A música termina com um corte equalizado, de forma que soa como se tivesse sido gravada em uma rádio, ligando-se assim à próxima.

Assim,  Wish You Were Here  começa com arranjos acústicos como se fizessem parte da rádio sintonizada com a qual termina a música anterior. Sem dúvida, esta é a grande balada do Pink Floyd, e é uma das músicas mais reconhecidas do seu repertório. Suas letras giram em torno de uma série de questões que Waters levanta sobre si mesmo, construindo dualidades quanto a preferências e distinções. Embora seu significado possa ter uma interpretação ampla, até mesmo como uma canção de amor (de forma semelhante a “If” lançada cinco anos antes).

Para "Wish You Were Here" foram gravados arranjos para violino, do excelente Stéphane Grappelli . Porém, a versão final da mixagem descartou suas falas, que certamente não agradavam ao Pink Floyd. Afinal, seu estilo de jazz pode não combinar bem com uma balada rock. A música termina com o som do vento, produzido pelo VCS3, e que liga esta música à peça final.

O álbum culmina com  Shine On You Crazy Diamond, Pt. 2 . Aqui, as letras exacerbam a confusão mental e o isolamento social que Barrett experimentou naqueles anos. Dividido em quatro partes (da sexta à nona), começa emendado com os ventos de Wish You Were Here. Além disso, primeiro é implantado o baixo, depois a guitarra e o sintetizador. Quando a bateria entra, o som já é muito perturbador. A guitarra slide de Gilmour é absolutamente maravilhosa aqui.

A parte 7 retorna à seção cantada, novamente com as harmonias vocais (masculinas e femininas) da parte 4 no início. Imediatamente após o último verso, começa a parte 8, em que a melodia gira em torno do mesmo final do primeiro movimento. A parte 9 encerra o que mais uma vez desacelera o ritmo, desta vez com o papel principal de Richard Wright. Um final completamente solene e fino, cheio de delícias. Rick inclui as notas de “See Emily Play” aqui perto do final. Um final adequado para esta homenagem a Syd, o eterno coração do Pink Floyd.

Para fechar…

Wish You Were Here  é um álbum que eu prezo. Para além das questões subjetivas, é um álbum que, por um lado, pode representar a consolidação do Pink Floyd no Olimpo do rock. O enorme sucesso que o grupo alcançou com o DSOTM poderia muito bem ter representado um desastre neste próximo trabalho. Mas o Pink Floyd não é uma banda que chegou a esta posição apenas por sorte, pois a sua capacidade soube transcender o mero sucesso passageiro. O melhor de tudo é que ele conseguiu isso com um risco considerável, levando em conta a diferença de som entre WYWH e Dark Side.

Porém, por outro lado, mostra como a própria máquina os desgastou. A pressão para cumprir turnês e contratos contava, a essa altura, com um grupo que começava a desmoronar. Richard Wright chegou a dizer que diversas vezes teve que gravar suas seções sozinho com o engenheiro de som , enquanto os demais integrantes deixavam o estúdio. Neste álbum, o próprio Rick mostrou suas últimas contribuições ao Pink Floyd antes de sua triste partida em 1979.

A mudança da letra de “sociedade” em sentido amplo, até o limite do abstrato, tornou-se agora muito mais concreta. Roger começou a atirar com mais frequência naqueles que considerava seus inimigos políticos , a tal ponto que Gilmour expressou seu aborrecimento com a letra de "Have a Cigar", achando-os cínicos.

Seja como for, Waters se tornaria, a partir de então, o cérebro definitivo e quase exclusivo do grupo. Além de posições pessoais sobre seu estilo e pensamento, Roger assumiu o controle total do grupo, o que se traduziria em outras obras-primas. Afinal, ele foi o homem que soube reinventar o Pink Floyd dentro do seu próprio sucesso.