ALBUM DE ROCK PROGRESSIVO

 

Arturo Meza - Sin Título (1987)

Mais um álbum descontinuado que trazemos em nossa seção de rock mexicano, e continuamos com a obra perdida do grande Arturo Meza. A união perfeita do "rock rock" mexicano (baseado principalmente na guitarra e na voz no estilo cantor e compositor, mas no estilo Tanguito) e a música de Charly García, Spìnetta, Bob Dylan e Leonard Cohen junto com as letras mais poéticas e comprometidas . É assim que vamos entrar no último rock mexicano e continuar com o mesmo tema na próxima semana. E começamos a terminar mais uma semana com pura música e vontade de quebrar bolas...

Artista: Arturo Meza

Álbum: Sem título
Ano: 1987
Gênero: Rock rock / Rock progressivo
Duração: 34:42
Nacionalidade: México

Vamos contar um pouco mais já que esse artista é um ilustre desconhecido em muitos lugares, até no México. As influências da obra de Meza podem ser divididas em duas: musicais e literárias pelo motivo citado. A base musical de seu trabalho é popular -voz, vários tipos de guitarras e sintetizadores- embora tenha se aventurado na composição de música sinfônica executada com sintetizadores. Dada a extensa obra publicada por Meza e a variedade de influências e ritmos em que se aventurou, podemos traçar as linhas gerais de influência: a chamada canção de autor, com influências de Charly García - que fez dois covers -, Spìnetta , Bob Dylan, Leonard Cohen, Jaime López, Rafael Catana, Gerardo Enciso - contemporâneo destes três últimos -; uma forte influência progressiva devido à inclusão permanente de sintetizadores e arranjos de tipo sinfônico em grande parte de suas canções.

Sem título, foi gravada por Arturo Meza em 1987 e nunca foi feita uma edição em CD ou pelo menos nunca soube de uma, para não mudar Meza era o produtor, compositor, intérprete e quase o único músico, além disso naquela época ele foi ao "Chopo" para vender ele mesmo os discos.
Aqui está um exemplo do talento deste músico michoacano para fazer músicas, todas as músicas que compõem o álbum são de excelente qualidade, foi gravado na Cidade do México entre 1986 e 1987, os textos e a música são de Meza e ele toca todas as músicas, instrumentos, exceto percussão.

Ariel Martinez

Por outro lado, nas suas cartas e obra literária inclui a inclusão de elementos de tipo indígena e "mexicanista" e por outro lado a tradição mitológica medieval e europeia da qual retira vários simbolismos e metáforas. A sua obra condensa influências igualmente variadas e a sua poética é a essência das suas canções pela riqueza de imagens e metáforas que inclui.

No rock mexicano, vários grupos têm ocupado um lugar consagrado na música, sendo baluartes pela sua qualidade artística em álbuns ou palcos. Dezenas de grupos e solistas vêm à mente para serem colocados no pedestal, principalmente aqueles que tiveram maior valor mediático na televisão ou na rádio e que souberam conquistar o público que, expectante, mantém os ouvidos atentos.
Dentro do campo musical também existem artistas que conseguiram se posicionar longe dos holofotes da mídia para serem, como mitos ou lendas, reconhecidos apenas de voz em voz e de palco em palco. Grupos que gravaram seu nome em ouro e que colocaram o rock mexicano -seja lá o que isso signifique-, além das fronteiras que o dividem.
Arturo Meza é um deles; músico, poeta e compositor independente, natural de Tocumbo, Michoacán, localidade de pescadores, nascido em 1956. Possui 33 discos e 23 livros, destacando-se pela musicalização de poemas de Rubén Darío, Jorge Luis Borges, Mario Santiago Papasquiaro, Julian Herbert, Nezahualcóyotl, Denise Levertov, entre outros, e enquadrados no que Rockdrigo González popularizou como Rock Rock, onde a guitarra, a gaita e a voz bastam para captar os sentidos. No entanto, limitar a categoria musical de Arturo Meza é complicado, dada a sua experimentação com sons e instrumentos que dão um tom único a cada um dos álbuns que produz, cuja diversidade vai do folk ao blues, da música tradicional mexicana à sinfónica e um longo etc. , dos quais os mais notáveis ​​​​são Não vamos sair sem mar (1984), Sem título (1987), A Balada de Galaver (1993), Descalços ao Paraíso (1996), Criando Cuervos (1996), Borges: Tributo ao centenário de seu nascimento (1999), 33 deste mês (2001) e Scarlet Music (2007).
No campo musical também há ultrajes, dizem, cometidos contra aqueles que, sem muito alarido, se lançam na aventura musical independente que só um pequeno sector consegue apreciar em bares, cantinas, museus ou eventos culturais aqui ou ali. E é verdade que estes artistas, abrigados entre becos e esgotos, não procuram nada mais do que fazer música, distanciados por si próprios da indústria totalizadora.
Arturo Meza é, e será, uma referência da música mexicana, o poeta do nada que explode em vinis, cassetes, CDs e iPods, deixando claro que, além do tempo e das gerações que fluem, continua deixando sua marca no recantos, esquinas e avenidas onde você pode ser ouvido.

David Álvarez

Musicou textos de François_Villon, Rubén Darío, Jorge Luis Borges, Denise Levertov, Nezahualcoyotl, Boanergés de Magdaló, Luis G. Franco, William Blake, Mario Santiago Papasquiaro, Margarito Cuéllar, José Eugenio Sánchez e Arnulfo Vigil.
Sua prosa é influenciada principalmente pelo realismo mágico e pelo romance mexicano do início do século XX. Na maioria de seus textos ele utiliza um modo discursivo das classes populares, escrito com pronúncia literal. Colaborou com os músicos José Luis Fernández Ledezma, Germán Bringas, Julio Sandoval, Octavio Patiño "Blu", Carmen Leñero, Eblén Macari, José Luís Almeida, Emiliano Marentes, Alberto Herr, Juan Wolfgang Cruz, Armando Nava-Loya, Jaime Moreno Villarreal, Maja Rustige, Marisa de Lille, Germán Bringas, Pedro Tello, Jorge Reyes, Félix Betanzos, Adriana Calleja, Víctor Manuel Corral, entre outros.

 

"Sintítulo" é o primeiro grande álbum de Arturo Meza, no qual ele mostra plenamente o seu talento como destacado músico, compositor e letrista de rock. Os seus trabalhos anteriores, também destacados, foram orientados para a fusão da música folclórica com poemas musicais (em “Não vamos sair sem mar”) e música experimental, vanguardista e totalmente instrumental (em “Suite Koradi”). O álbum, como todos os seus trabalhos, foi publicado de forma independente, principalmente porque só assim ele poderia desfrutar de plena liberdade criativa com sua música, sem se submeter às diretrizes ou padrões daqueles executivos, que começavam a ver o rock em espanhol como um bom negócio e que. eles procuravam nele um produto lucrativo e comercial. Aqui Arturo se reinventa novamente e nos dá oito músicas, cheias de desolação, solidão, críticas à sociedade e ao nosso sistema, na busca de ampliar os limites da música até então concebida na cena underground; algo distinto em grande parte do trabalho do artista.

Dentro desta crítica ao sistema, nem mesmo a religião católica se salva, como nos canta em “Pandilla de carniceros”. Sob esses sintetizadores que emulam coros eclesiásticos, acompanhado de seu violão, ele denuncia os crimes cometidos pela igreja ao longo da história, com seus recursos altamente poéticos e metafóricos: "Eu os vi rasgar em pedaços / A carne do sonho / Cortar as gargantas de crianças / Chora alto / Procurando Deus na loucura. Questões que infelizmente ainda são relevantes nos dias de hoje, dados todos estes casos de encobrimento de tantos padres pedófilos.

“A águia e a serpente”: A primeira devorando a segunda, são o símbolo distintivo do nosso lábaro nacional, inspirado na lenda da fundação de Tenochtitlán, que representa o triunfo do sol (o deus Huitzilopochtli) sobre a lua, é é isto é, do dia sobre a noite, da luz sobre as trevas. Então a águia para nós representaria o povo mexicano, que derrotará os inimigos representados pela cobra. Porém, nesta canção o seu autor nos diz que o inimigo prevalece entre nós, mantendo o ambiente do nosso país atormentado pela insegurança. Portanto: “A águia voou e a serpente vive”. Musicalmente, a música é conduzida pelo violão que abre com um fraseado introdutório ágil e é acompanhada pela bateria e baixo que lhe conferem aquela força rock.

Uma música de um jeito mais 'Dylaniano', tanto pelo estilo, só com seu violão e gaita, quanto pela letra bem poética e um tanto enigmática, "A frase": "A semeadura e a colheita virão / Para rasgar o véus dos ventres maternos / Viremos com a morte transformada em luz / Para levar a tristeza à região das consolações / Viremos com a morte transformada em luz."

Os enigmas e a poesia de Arturo continuam em “Sem título”; Da mesma forma, também prevalece aquele sentimento de grande aflição. A música começa com refrões que acompanham a base rítmica e retornam ao final de cada verso. A letra parece questionar um pouco a ideia se o homem é mau por natureza, já que pelas suas ações parece que assim é.

Há alguma esperança em “Deve haver um lugar”, mas a dor parece inevitável. É assim que ela nos conta as desventuras de uma mulher da cidade, sob esse ritmo de blues shuffle bem marcado pela bateria. Sem a necessidade de guitarra elétrica, basta apenas o violão de pau para o requinto enfeitar um pouco a peça.

“As Flores do Mal”, em clara alusão à obra do poeta francês Charles Baudelaire, outro blues mais suave em que canta o seu sofrimento com estas letras que parecem justamente inspirar-se na poesia maldita do referido autor. Possui também um solo de saxofone, que pelo som parece um sintetizador, simples mas bastante eficaz no meio da música.

Mais uma vez a denúncia chega a esta sociedade e a este sistema que tenta nos submeter à sua conveniência como Meza nos canta em “Sin cara”. Por isso, lembra-nos que cabe a nós preservar aquela liberdade que supomos desfrutar. O acompanhamento é novamente mínimo com violões e baixo.

Por fim, gostaria de ressaltar a importância da ordem das músicas e como uma boa sucessão entre elas favorece a fluidez na audição de todo o álbum. Menciono isso porque é comum que em outras edições dos álbuns de Arturo, não só as posteriores mas também entre formato e formato (de LP para CD ou cassete), mudem a ordem das músicas, afetando a conexão das músicas, que Também favorece uma assimilação mais agradável. E isso é relevante já que o LP encerra com o clímax, ponto alto da obra, a música “Exiliado celeste”. Considerada pelo ranking das " 100 melhores músicas do rock mexicano " como a melhor música do artista e a nona posição em toda a lista. Sem mais delongas, aproveite a análise da música, do maior especialista no assunto nessas mídias virtuais:

EXÍLIO CELESTIAL

Posso percorrer mil caminhos sem me cansar,

até encontrar o mar, não o meu mar.

Posso navegar pelos mares dos anfitriões,

sem perder a fé na minha sede.

Posso contar histórias para pessoas malucas,

e fazê-los sorrir e chorar.

Posso construir um navio para você com pergaminho,

e vá viajar para o inferno.

Somente nas noites de inverno

Sinto solidão no meu peito

deste exílio dos mortos inquietos e bêbados.

Nem mesmo uma mulher poderia aquecer minha cama,

nem me faça cantar esperança,

a esperança de voltar para casa.

Posso cortar mil cabeças de Medusa,

ou Trimedron pendurado em sua rede,

mas não consigo encontrar a rota de retorno

que me leva ao sol, o nosso sol.

Procuro o silêncio da noite para falar com ele,

mas a voz dele não está nos meus sonhos.

Meu Pégaso está ferido e suas asas

Eles não suportaram meu abandono.

Somente nas noites de inverno

Sinto solidão no meu peito

deste exílio dos mortos inquietos e bêbados.

Nem mesmo uma mulher poderia aquecer minha cama,

nem me faça cantar esperança,

a esperança de voltar para casa.

Os porões do inferno estão vazios;

o guarda deixou seu posto.

As criaturas do Lethe partiram

para povoar a falsa luz da Terra.

O barco de Caronte está perdido,

no fundo do Estige, carbonizado.

Posso me chamar de dono dessas terras…

Vou construir minha cidade aqui?

Vou construir minha cidade aqui?

Vou construir minha cidade aqui?

A arte moderna é, sem dúvida, uma arte de fusões. A partir da vanguarda, foram criadas diferentes formas de combinar estilos, técnicas, materiais, texturas, sons, etc. Colagem , instalação, performance , acontecimento , polifonia, still shots, etc., são buscas nesse sentido, não apenas para renovar e inovar estilisticamente, mas para criar diferentes efeitos, sensações e emoções. E também houve fusões entre estilos ou épocas, e até entre ramos da arte. E embora isso já seja feito há muito tempo (o que é a ópera, senão a fusão da música, do teatro e às vezes até da dança, por exemplo?), a arte moderna tem feito isso de maneiras mais ambiciosas, complexas e até limítrofes. mostrado pelo dadaísmo ou pela obra de Marcel Duchamp. Na literatura, destaca-se a fusão entre as referências da mitologia e a análise do homem moderno em Ulisses de Joyce , ou a do terror e da filosofia e da antropologia em Frankenstein de Mary Shelley , ou a extraordinária mistura de romances policiais e medievais em O nome da rosa de Umberto Eco, ou o romance ontológico e também medieval de O Cavaleiro Inexistente de Italo Calvino, ou o romance filosófico-antropológico com o romance de ficção científica de O Planeta dos Macacos de Pierre Boulle, e ainda de A Laranja Mecânica por Anthony Burguess.

Mas o rock não tem sido muito dado a fusões nas suas letras (embora, na verdade, musicalmente o rock'n'roll seja apenas isso, uma fusão, entre o blues , o rockabilly e o country , o jazz , a música folclore, etc.). A única exceção seria o heavy metal , com sua mitologia de anjos, caveiras, infernos e demônios, mas de forma crua, ingênua e, em última análise, profundamente inofensiva, porque é limitada e desajeitada, exatamente o oposto do que se acredita. A Progressive fez isso especialmente com a música futurista, mas quase sempre ao nível do arranjo, da melodia e dos recursos de estúdio. Por tudo isto, Exiliado celeste de Arturo Meza é uma peça excepcional. De forma muito inteligente e engenhosa, Meza consegue fundir a mitologia grega com o futurismo, numa história épica, sem paralelo no rock mexicano. O protagonista, uma espécie de Odisseu estelar em busca de seu planeta Ítaca , viaja pelo espaço e por diversos mundos, ao mesmo tempo em que se depara com seres mitológicos, na busca desesperada por seu lar perdido, ou como o final sugere, para encontrar um novo, finalmente. ter. Esta autêntica odisseia, que relembra certas canções de David Bowie, como Space oddity , Starman e todo o álbum Ziggy Stardust , é contada por Meza com uma imaginação e inteligência muito aguçadas, bem como um conhecimento verdadeiramente notável. A frustração, o desamparo, a imensa solidão do protagonista, todas as suas emoções são emolduradas por esta forma enormemente novela, que brinca não só com o épico, mas com a história fantástica e a letra mais elaborada, que evoca também o Borges das histórias como O Imortal ou A Casa de Asterion . Desta forma, Arturo Meza une figuras retóricas com referências clássicas e espaciais, numa mistura emotiva, triste, solitária e ao mesmo tempo chocante, muito original, que simboliza muito além do que sugere tal preocupação formal: é o destino do moderno e ser humano tecnológico, perdido, sem raízes; a falta de ligação com os outros, a grande solidão, expressa pelos dois Ulisses , o de Homero da Odisséia e o de vanguarda da obra de Joyce. Desta forma, através de uma linguagem única, com uma precisão incomparável, Meza faz de Exiliado celeste um autêntico poema épico, o único do rock mexicano. Sem dúvida uma das letras de rock mais extraordinárias do México, culta, artística, mas ao mesmo tempo muito sentida, comovente, pelo grande conflito existencial que seu simbolismo encerra, conota.

Para letras de tal nível era necessária música ao mesmo nível, e Arturo Meza consegue-o, em grande parte graças ao seu passado experimental, de etnorock , música barroco-renascentista-medieval e progressiva, que lhe permitiu criar e executar uma música muito poderosa. , música atmosférica e arranjos. Ele decide apresentar a peça com o violão eletroacústico, para incorporar imediatamente os sintetizadores, as campainhas, bem como os instrumentos inventados por ele mesmo, como o teclado e o megafone , que tem utilizado em todos os seus trabalhos. É preciso ouvir com atenção o arranjo de Exiliado celeste para assimilar a conjunção de sons, fundos e timbres que criam aquela atmosfera espacial, mas não pura, mas com nuances de música folk , celta, renascentista e medieval, numa mistura que é corresponde perfeitamente ao da carta. O refrão emotivo, com a voz mais grave e profunda de Meza, os sons algo fantasmagóricos que o matizam, a figura principal, que evoca as trombetas (ou melhor, cornetas) de um castelo medieval, e a guitarra muito limpa que tudo sustenta, criam um ambiente pródigo, estrutura sonora melancólica e angustiante. No final, tudo se junta de forma mais enfática, sustentado por alguns tímpanos clássicos extremamente poderosos, enquanto os sintetizadores aumentam as notas, incluindo um solo livre mais perceptível. Assim, o encerramento de Celestial Exile é impactante, tem algo de majestoso, ao estilo da Abertura de 1812 de Tchaikovsky , mas com leves toques futuristas.

Dessa forma, Exiliado celeste é o grande poema épico do rock mexicano, não só na letra, mas também na música, no arranjo e na interpretação; mas também uma peça futurista de muito sucesso, que se soma a uma canção sui generis, intensa e dramática. Verdadeiramente uma obra-prima de fantasia, engenhosidade e fusão musical e poética.

Carlos Mora

Lista de tópicos:
1. Pandilla De Carniceros
2. El Aguila Y La Serpiente
3. La Sentencia
4. Sin Título
5. Debe Haber Un Lugar
6. Las Flores Del Mal
7. Sin Rostro
8. Exiliado Celeste

Formação:
- Alberto Herr / Bateria
- Arturo Meza / Guitarras, teclados e vocais
Convidado:
Antonio Giner / Bateria Eletrônica (1 e 2)