Hounds of Love (1985)
Kate Bush com o sobrenatural sempre foi um tema marcante em sua ilustre discografia, mas em nenhuma outra é apresentada de forma tão poderosa e arrepiante quanto Hounds of Love . É um álbum conceitual em que o lado A apresenta um espectro de canções pop únicas e comoventes, enquanto o lado B, The Ninth Wave , descreve a história de uma mulher que se perdeu no mar. A fusão impecável dos vocais angelicais de Bush e a instrumentação de câmara lindamente arranjada pintam um quadro de desgosto, de desejo ardente e de panoramas surreais e assustadores. E se a abordagem estética do lançamento não for de cair o queixo o suficiente, os temas da fragilidade da vida e da inevitabilidade da morte combatida pela força do amor e da união são convincentes o suficiente para colocar qualquer homem de joelhos. Todos esses componentes estimulantes se combinam em uma obra-prima poderosa de um dos artistas mais únicos e carismáticos que já enfeitaram o cenário pop.
Lado A: Hounds of Love
O álbum começa com a dançante "Running Up That Hill", que explora a profundidade do desejo humano por coisas que nunca podem ser, algo que qualquer humano pode cantar junto com paixão. A energia da linha de sintetizador nesta faixa é uma das mais memoráveis do pop dos anos 80, e a música se tornou, com razão, um hino feminista sobre as paredes invisíveis que separam a experiência masculina da feminina. Bush afirma que se essas barreiras pudessem ser derrubadas ao andarmos nos sapatos uns dos outros, a sociedade seria melhor como um todo, mas com o tom desamparado de que isso pode nunca ser possível. O crescendo da ponte para a exclamação climática "Vamos trocar a experiência" é alucinante. Recebemos a faixa-título depois disso, construída em torno de uma mulher sendo confrontada com alguém que quer amá-la, sentindo a hesitação, a paixão furiosa e o medo de algo dar errado ao mesmo tempo. A música ataca essa sensação com tambores fortes e sintetizadores astrais, e a metáfora da sensação de uma matilha de cães correndo das árvores para atacá-la, induzindo a mesma noção de incerteza e antecipação. A faixa termina com o clímax da mulher jogando seus sapatos no lago, como se jogasse a cautela ao vento e se deixasse envolver pelo momento. É um sentimento lindo que realmente une os temas do Lado A de solidão, desespero, desejo e as dores da paixão quando esse desejo é finalmente satisfeito.
A música também segue perfeitamente para o funk pop de "The Big Sky", com essa linha de baixo espessa e proeminente e vocais corais estranhamente atraentes. É o álbum mais emocionante que o álbum consegue, com bateria rolante, violão acústico brilhante e um refrão edificante. A música atinge seu pico quando KateOs vocais de ficam ainda mais apaixonados, explodindo com improvisos brincalhões como "ha-ha" para construir ainda mais tensão antes de tocar um belo coro de apoio inspirado no gospel com um empoderador "tell 'em sisters". O espírito da música é inabalavelmente gospel, mas é elevado a níveis que alcançam o proverbial "big sky" eles mesmos, até mesmo trabalhando em uma melodia de guitarra elétrica derivada do hard rock na segunda metade. Depois dessa rapsódia grandiosa, esfriamos as coisas com a faixa mais assustadora do primeiro lado "Mother Stands For Comfort". A música é sobre uma mãe que sabe que seu filho assassinou alguém, mas por seu intenso amor por ele o ajuda a encobrir e o consola. Não é apenas um tópico de música absurdamente cativante, mas a quebra de vidros ameaçadora e o instrumental mínimo e arejado magistralmente levam para casa a temperatura bipolar da faixa conflituosa.
Então temos minha música favorita do álbum, e facilmente uma das 5 favoritas de todos os tempos, "Cloudbusting". O que posso dizer sobre essa faixa? Ela segue uma história muito real sobre o psicanalista marginal Wilhelm Reich, que costumava passar um tempo com seu filho Peter construindo invenções na fazenda da família. Uma das quais Reich chamou de "Cloudbuster", que ele alegava poder controlar o clima. Reich foi confundido com um comunista de mesmo nome em meio aos tumultos da Segunda Guerra Mundial, e foi injustamente preso e levado embora na frente de seu próprio filho. Ele escreveu sua última carta a Peter dizendo que estava animado com sua libertação antes de morrer de complicações de psoríase na prisão. Os dois nunca mais se viram, e a maneira como os violoncelos de confronto e os sintetizadores cinematográficos fairlight dessa música, comandados pela própria Bush , abordam os horrores que se abateram sobre esses dois homens é até hoje um dos momentos musicais mais emocionantes de todos os tempos.
A faixa começa lenta com aquela fantástica progressão fundamental do violoncelo e, contada do ponto de vista do filho, nos presenteia com a história como uma memória distante. Começa repleta de descrições da profunda conexão de Peter com seu pai, bem como a tristeza de partir o coração com que Peter revive o passado doloroso: "Eu acordo chorando..." O refrão aqui é impressionante, e a maneira como Bush o vocaliza torna tudo muito mais catártico e angustiante, especialmente com aquele raspar apaixonado em "But just SAYING it could even make it happen." O segundo verso descreve os terrores de Peter ter seu pai arrancado dele pelo governo para nunca mais ser visto, e o próximo refrão constrói esse espetáculo massivo de cordas e sintetizadores para liderar a faixa de forma gloriosa e miserável. O otimismo iludido dos vocais com lágrimas nos olhos é o momento mais esclarecedor, mas agonizante, de todo o álbum.
Lado B: The Ninth Wave
Como qualquer um que esteja lendo esta resenha deve saber agora, esta obra-prima é dividida em dois "subálbuns", e o último é muito mais angustiante e experimental. O lado B é sobre uma mulher que fica presa no mar após um naufrágio com nada além de um colete salva-vidas, sendo lentamente fatigada e, finalmente, estrangulada pelas águas geladas. Ele começa com a falsa segurança de "And Dream of Sheep", uma canção de ninar pacífica sobre estar exausta até os ossos. Nossa personagem quer desesperadamente dormir, embora saiba que isso a matará, e simultaneamente teme as alucinações que pode ter se ficar acordada. Mas, por mais melancólico que seja o som da primeira faixa, somos imediatamente recebidos pelos violoncelos dissonantes e nebulosos de "Under Ice", que detalha o sonho febril da mulher de patinar no gelo sozinha à noite. O locutor percebe algo se movendo sob o gelo, antes de chegar a uma percepção horripilante e cantar repetidamente com um crescendo gradual em cada exclamação "sou eu" (a própria personagem), antes de soltar um grito final aterrorizado e penetrante enquanto a música desaparece.
O que acontece a seguir é facilmente uma das, se não a, mais estranha e desconfortável música a aparecer em um álbum pop com "Waking the Witch". É outra das alucinações da mulher se afogando, com inúmeras amostras vocais falando diferentes iterações de "acorde" como se seu cérebro estivesse instintivamente dizendo a si mesmo para permanecer vivo. É seguido por uma analogia da mulher sendo apontada para uma luz, conceituando o céu enquanto nossa personagem está morrendo. Uma mudança de tom agita a faixa de seu começo sereno e onírico para uma série de guitarras abafadas e vocais cortados. A música é superada pelas imagens religiosas contrastantes de sinos de igreja e rosnados demoníacos representando o céu e o inferno, que são combinados com o vibrato aterrorizante e os cantos de pesadelo de Bush . Guitarras estridentes e gemidas e vaias de "GUILTY" encerram a faixa, enquanto através da ilusão a mulher ouve helicópteros de resgate distantes vindo para salvá-la.
Após a histeria enlouquecida, “Watching You Without Me” fornece um alívio muito necessário com baquetas suaves, bateria firme e vocais suaves. A faixa em si soa angustiantemente paciente, como o tique-taque de um relógio. Ela contextualiza perfeitamente a história contada da família da personagem esperando que ela chegue em casa antes de começar a perceber que algo deve ter dado terrivelmente errado. A mulher se imagina como um espírito, caso morra de hipotermia, no quarto com eles, mas, frustrada e lacrimosa, incapaz de interagir com seus entes queridos. Os vocais com falhas perdidos na tradução ilustram isso notavelmente, enquanto ela tenta desesperadamente e desesperadamente falar com sua família. Então temos a "Jig of Life", influenciada pelo folk irlandês, que encontra a personagem, ainda congelando e ficando sem oxigênio, agora sendo confrontada por uma versão futura de si mesma que a estimula a não negar a si mesma seu possível futuro adormecendo e morrendo. A música em si é triunfante e fortalecedora, e a melodia do violino é estelar, até mesmo dançante. A mulher se vê inspirada a viver por essas memórias futuras potenciais evocadas, que funcionam com vozes motivacionais convincentes para mantê-la lutando.
Então, com "Hello Earth", assim como a sensação real de congelar/afogar-se até a morte, um milhão de gritos e sensações são silenciados. Esta música descreve auditivamente o momento da morte da personagem, enquanto os socorristas e seu próprio subconsciente (o já mencionado "assassino da calma") tentam acordá-la. Conforme ela perde a consciência e enfrenta o vazio, ela de repente é capaz de realmente ver o mundo. Ela vê as pessoas da Terra e as chama para tentar salvá-las, talvez como um paralelo à intervenção divina. Hinos gregorianos percorrem o fundo como um cortejo fúnebre. Uma amostra simbólica é empregada da comunicação entre a NASA e a nave espacial Columbia. Conforme a música avança, a letra e o som a descrevem flutuando cada vez mais, enquanto a Terra fica cada vez menor antes de desaparecer aos seus olhos, apenas para ser saudada com uma nova vida no final do álbum. Em forte contraste com o vácuo triste de seu antecessor, “The Morning Fog” anuncia uma nova era, enquanto o personagem renasce para a vida pela ressuscitação dos médicos no barco de resgate. Teclas serenas e cordas pastorais dançam pelo fundo enquanto o locutor descreve uma nova apreciação pela vida: “Nascer de novo/Na doce névoa da manhã/Sabe de uma coisa? Eu te amo mais agora.” Ela se alegra e beija o chão, tomada apenas pelo desejo intenso de ir para casa e dizer à família que os ama.
Então, no final, Hounds of Loveposiciona-se como uma experiência única, poderosa, surreal e transformadora por meio de sua ampla gama de sons e temas convincentes, e sua execução impecável de complementar os dois. É um álbum do qual todos podem tirar algo, e um álbum do qual a pessoa certa pode tirar tudo. Contos de desgosto, amor, vida, morte, solidão, saudade, medo, desespero, ansiedade, paixão e, acima de tudo, vida fluem por este álbum como sangue. A fusão total é uma perspectiva abrangente (bem como um olhar interno) deste espaço massivo que chamamos de universo e além dele. Você vai chorar, será coberto de conforto e ficará apavorado, maravilhado com os poderes inimagináveis do universo, e da vida e da morte, e essa é a convicção que este álbum transmite. Uma verdadeira obra-prima de um dos maiores e mais talentosos indivíduos que já agraciaram o mundo da arte.
Lado A: Hounds of Love
O álbum começa com a dançante "Running Up That Hill", que explora a profundidade do desejo humano por coisas que nunca podem ser, algo que qualquer humano pode cantar junto com paixão. A energia da linha de sintetizador nesta faixa é uma das mais memoráveis do pop dos anos 80, e a música se tornou, com razão, um hino feminista sobre as paredes invisíveis que separam a experiência masculina da feminina. Bush afirma que se essas barreiras pudessem ser derrubadas ao andarmos nos sapatos uns dos outros, a sociedade seria melhor como um todo, mas com o tom desamparado de que isso pode nunca ser possível. O crescendo da ponte para a exclamação climática "Vamos trocar a experiência" é alucinante. Recebemos a faixa-título depois disso, construída em torno de uma mulher sendo confrontada com alguém que quer amá-la, sentindo a hesitação, a paixão furiosa e o medo de algo dar errado ao mesmo tempo. A música ataca essa sensação com tambores fortes e sintetizadores astrais, e a metáfora da sensação de uma matilha de cães correndo das árvores para atacá-la, induzindo a mesma noção de incerteza e antecipação. A faixa termina com o clímax da mulher jogando seus sapatos no lago, como se jogasse a cautela ao vento e se deixasse envolver pelo momento. É um sentimento lindo que realmente une os temas do Lado A de solidão, desespero, desejo e as dores da paixão quando esse desejo é finalmente satisfeito.
A música também segue perfeitamente para o funk pop de "The Big Sky", com essa linha de baixo espessa e proeminente e vocais corais estranhamente atraentes. É o álbum mais emocionante que o álbum consegue, com bateria rolante, violão acústico brilhante e um refrão edificante. A música atinge seu pico quando KateOs vocais de ficam ainda mais apaixonados, explodindo com improvisos brincalhões como "ha-ha" para construir ainda mais tensão antes de tocar um belo coro de apoio inspirado no gospel com um empoderador "tell 'em sisters". O espírito da música é inabalavelmente gospel, mas é elevado a níveis que alcançam o proverbial "big sky" eles mesmos, até mesmo trabalhando em uma melodia de guitarra elétrica derivada do hard rock na segunda metade. Depois dessa rapsódia grandiosa, esfriamos as coisas com a faixa mais assustadora do primeiro lado "Mother Stands For Comfort". A música é sobre uma mãe que sabe que seu filho assassinou alguém, mas por seu intenso amor por ele o ajuda a encobrir e o consola. Não é apenas um tópico de música absurdamente cativante, mas a quebra de vidros ameaçadora e o instrumental mínimo e arejado magistralmente levam para casa a temperatura bipolar da faixa conflituosa.
Então temos minha música favorita do álbum, e facilmente uma das 5 favoritas de todos os tempos, "Cloudbusting". O que posso dizer sobre essa faixa? Ela segue uma história muito real sobre o psicanalista marginal Wilhelm Reich, que costumava passar um tempo com seu filho Peter construindo invenções na fazenda da família. Uma das quais Reich chamou de "Cloudbuster", que ele alegava poder controlar o clima. Reich foi confundido com um comunista de mesmo nome em meio aos tumultos da Segunda Guerra Mundial, e foi injustamente preso e levado embora na frente de seu próprio filho. Ele escreveu sua última carta a Peter dizendo que estava animado com sua libertação antes de morrer de complicações de psoríase na prisão. Os dois nunca mais se viram, e a maneira como os violoncelos de confronto e os sintetizadores cinematográficos fairlight dessa música, comandados pela própria Bush , abordam os horrores que se abateram sobre esses dois homens é até hoje um dos momentos musicais mais emocionantes de todos os tempos.
A faixa começa lenta com aquela fantástica progressão fundamental do violoncelo e, contada do ponto de vista do filho, nos presenteia com a história como uma memória distante. Começa repleta de descrições da profunda conexão de Peter com seu pai, bem como a tristeza de partir o coração com que Peter revive o passado doloroso: "Eu acordo chorando..." O refrão aqui é impressionante, e a maneira como Bush o vocaliza torna tudo muito mais catártico e angustiante, especialmente com aquele raspar apaixonado em "But just SAYING it could even make it happen." O segundo verso descreve os terrores de Peter ter seu pai arrancado dele pelo governo para nunca mais ser visto, e o próximo refrão constrói esse espetáculo massivo de cordas e sintetizadores para liderar a faixa de forma gloriosa e miserável. O otimismo iludido dos vocais com lágrimas nos olhos é o momento mais esclarecedor, mas agonizante, de todo o álbum.
Lado B: The Ninth Wave
Como qualquer um que esteja lendo esta resenha deve saber agora, esta obra-prima é dividida em dois "subálbuns", e o último é muito mais angustiante e experimental. O lado B é sobre uma mulher que fica presa no mar após um naufrágio com nada além de um colete salva-vidas, sendo lentamente fatigada e, finalmente, estrangulada pelas águas geladas. Ele começa com a falsa segurança de "And Dream of Sheep", uma canção de ninar pacífica sobre estar exausta até os ossos. Nossa personagem quer desesperadamente dormir, embora saiba que isso a matará, e simultaneamente teme as alucinações que pode ter se ficar acordada. Mas, por mais melancólico que seja o som da primeira faixa, somos imediatamente recebidos pelos violoncelos dissonantes e nebulosos de "Under Ice", que detalha o sonho febril da mulher de patinar no gelo sozinha à noite. O locutor percebe algo se movendo sob o gelo, antes de chegar a uma percepção horripilante e cantar repetidamente com um crescendo gradual em cada exclamação "sou eu" (a própria personagem), antes de soltar um grito final aterrorizado e penetrante enquanto a música desaparece.
O que acontece a seguir é facilmente uma das, se não a, mais estranha e desconfortável música a aparecer em um álbum pop com "Waking the Witch". É outra das alucinações da mulher se afogando, com inúmeras amostras vocais falando diferentes iterações de "acorde" como se seu cérebro estivesse instintivamente dizendo a si mesmo para permanecer vivo. É seguido por uma analogia da mulher sendo apontada para uma luz, conceituando o céu enquanto nossa personagem está morrendo. Uma mudança de tom agita a faixa de seu começo sereno e onírico para uma série de guitarras abafadas e vocais cortados. A música é superada pelas imagens religiosas contrastantes de sinos de igreja e rosnados demoníacos representando o céu e o inferno, que são combinados com o vibrato aterrorizante e os cantos de pesadelo de Bush . Guitarras estridentes e gemidas e vaias de "GUILTY" encerram a faixa, enquanto através da ilusão a mulher ouve helicópteros de resgate distantes vindo para salvá-la.
Após a histeria enlouquecida, “Watching You Without Me” fornece um alívio muito necessário com baquetas suaves, bateria firme e vocais suaves. A faixa em si soa angustiantemente paciente, como o tique-taque de um relógio. Ela contextualiza perfeitamente a história contada da família da personagem esperando que ela chegue em casa antes de começar a perceber que algo deve ter dado terrivelmente errado. A mulher se imagina como um espírito, caso morra de hipotermia, no quarto com eles, mas, frustrada e lacrimosa, incapaz de interagir com seus entes queridos. Os vocais com falhas perdidos na tradução ilustram isso notavelmente, enquanto ela tenta desesperadamente e desesperadamente falar com sua família. Então temos a "Jig of Life", influenciada pelo folk irlandês, que encontra a personagem, ainda congelando e ficando sem oxigênio, agora sendo confrontada por uma versão futura de si mesma que a estimula a não negar a si mesma seu possível futuro adormecendo e morrendo. A música em si é triunfante e fortalecedora, e a melodia do violino é estelar, até mesmo dançante. A mulher se vê inspirada a viver por essas memórias futuras potenciais evocadas, que funcionam com vozes motivacionais convincentes para mantê-la lutando.
Então, com "Hello Earth", assim como a sensação real de congelar/afogar-se até a morte, um milhão de gritos e sensações são silenciados. Esta música descreve auditivamente o momento da morte da personagem, enquanto os socorristas e seu próprio subconsciente (o já mencionado "assassino da calma") tentam acordá-la. Conforme ela perde a consciência e enfrenta o vazio, ela de repente é capaz de realmente ver o mundo. Ela vê as pessoas da Terra e as chama para tentar salvá-las, talvez como um paralelo à intervenção divina. Hinos gregorianos percorrem o fundo como um cortejo fúnebre. Uma amostra simbólica é empregada da comunicação entre a NASA e a nave espacial Columbia. Conforme a música avança, a letra e o som a descrevem flutuando cada vez mais, enquanto a Terra fica cada vez menor antes de desaparecer aos seus olhos, apenas para ser saudada com uma nova vida no final do álbum. Em forte contraste com o vácuo triste de seu antecessor, “The Morning Fog” anuncia uma nova era, enquanto o personagem renasce para a vida pela ressuscitação dos médicos no barco de resgate. Teclas serenas e cordas pastorais dançam pelo fundo enquanto o locutor descreve uma nova apreciação pela vida: “Nascer de novo/Na doce névoa da manhã/Sabe de uma coisa? Eu te amo mais agora.” Ela se alegra e beija o chão, tomada apenas pelo desejo intenso de ir para casa e dizer à família que os ama.
Então, no final, Hounds of Loveposiciona-se como uma experiência única, poderosa, surreal e transformadora por meio de sua ampla gama de sons e temas convincentes, e sua execução impecável de complementar os dois. É um álbum do qual todos podem tirar algo, e um álbum do qual a pessoa certa pode tirar tudo. Contos de desgosto, amor, vida, morte, solidão, saudade, medo, desespero, ansiedade, paixão e, acima de tudo, vida fluem por este álbum como sangue. A fusão total é uma perspectiva abrangente (bem como um olhar interno) deste espaço massivo que chamamos de universo e além dele. Você vai chorar, será coberto de conforto e ficará apavorado, maravilhado com os poderes inimagináveis do universo, e da vida e da morte, e essa é a convicção que este álbum transmite. Uma verdadeira obra-prima de um dos maiores e mais talentosos indivíduos que já agraciaram o mundo da arte.
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