Rock progressivo britânico de 1970, parte 4 (Pink Floyd)

 “Foi um inferno, um inferno completo”, resumiu Roger Waters sobre a experiência de trabalhar com o diretor de cinema Michelangelo Antonioni. O resultado dessa colaboração apareceu no primeiro álbum de 1970 a apresentar música do Pink Floyd – a trilha sonora do filme do famoso diretor Zabriskie Point. Esta não foi a primeira vez que o Pink Floyd se envolveu em um projeto de filme. A formação original da banda com Syd Barrett apareceu no documentário de 1966 Tonite Let's All Make Love in London, onde eles tocaram uma versão longa de sua bonança psicodélica cósmica conhecida como Interstellar Overdrive. Em 1968, o filme noir em preto e branco de Peter Sykes, The Committee, incluiu uma versão inicial de sua música Careful with That Axe, Eugene. Em 1969, eles foram contratados pelo diretor Barbet Schroeder para escrever a trilha sonora completa de seu filme More, um projeto que eles concluíram em oito dias. Essa não era a fé de seu próximo projeto de filme.

Em 1966, ano em que lançou seu filme marcante Blow Up, o diretor de cinema italiano Michelangelo Antonioni conheceu o Pink Floyd em Londres em uma festa promovida pelo jornal underground IT (International Times). Ele manteve os ouvidos abertos para a música que a banda lançou no final dos anos 1960 e, quando ouviu Careful with That Axe, Eugene, decidiu trabalhar com eles em seu próximo filme. Os quatro membros do grupo se encontraram em dezembro de 1969 instalados no luxuoso Hotel Massimo D'Azeglio em Roma, beneficiando-se do grande investimento que a MGM fez na produção do filme. Mas nem tudo estava bem quando se tratava de trabalhar com o diretor. Roger Waters lembra: "Poderíamos ter terminado tudo em cerca de cinco dias, mas Antonioni ouvia e dizia 'eets very beautiful, but eet's too sad', ou 'eet's too strong'. Era sempre algo que impedia que fosse perfeito. Você mudava o que estava errado e ele ainda ficava infeliz. Era um inferno, um inferno."

O baterista Nick Mason acrescenta sua visão dessa relação de trabalho impossível: “Cada peça tinha que ser finalizada em vez de esboçada, então refeita, rejeitada e reenviada – Roger ia até a Cinecittà para tocar as fitas para ele à tarde. Antonioni nunca fazia um primeiro esforço, e frequentemente reclamava que a música era muito forte e dominava a imagem visual.”

O Pink Floyd acabou ficando um mês no hotel, produzindo música para atender às demandas de Antonioni. O processo finalmente terminou com apenas três faixas sendo usadas no filme, enquanto 50 minutos de música gravada não foram incluídos. A banda tentou o seu melhor na cena de amor chave no deserto, tentando vários estilos e humores, nenhum deles para a satisfação do diretor perfeccionista. Ele acabou escolhendo uma peça de guitarra solo tocada por Jerry Garcia.

O Pink Floyd fez bom uso das faixas rejeitadas, que encontraram seu caminho para os álbuns futuros do Pink Floyd. Um bom exemplo é a música que foi originalmente planejada para a cena final da explosão, na época chamada 'The Violent Sequence', que mais tarde se tornou Us and Them no álbum The Dark Side of the Moon.

Muitas cenas do filme foram filmadas no Vale da Morte, Califórnia, um dos lugares mais quentes do mundo. O filme teve um grande orçamento, apoiado pela MGM, que estava planejando capitalizar o mercado jovem da contracultura. US$ 7 milhões foram investidos na produção do filme, uma quantia enorme na época, e cinco vezes o orçamento investido no filme anterior de Antonioni, Blow Up. Ele provou ser um desastre financeiro, arrecadando menos de US$ 1 milhão. O filme termina com uma cena de explosão acompanhada pela faixa Come In Number 51, Your Time Is Up, uma releitura de Careful with That Axe, Eugene. A faixa foi lançada pela primeira vez em 1968 como um single B-side e depois no álbum duplo da banda de 1969, Ummagumma. Ela se encaixa perfeitamente como um final poderoso para o filme, acompanhando a explosão em câmera lenta:

Em 1969, o Pink Floyd encenou uma série de performances intituladas “The Massed Gadgets of the Auximines”, também conhecido alternativamente como “The Man and The Journey”. Os dois sets de 40 minutos incluíam músicas da trilha sonora do filme More e algumas faixas do álbum UmmaGumma, que seria lançado em breve. Durante o último show daquela série, no Albert Hall em junho de 1969, eles convidaram a seção de metais da Royal Philharmonic Orchestra com o maestro Norman Smith, bem como o Ealing Central Amateur Choir de mulheres. Este foi um período de experimentação para grupos de rock e músicos clássicos, com bandas como The Nice e Deep Purple tentando encenar colaborações entre os dois idiomas amplamente separados.

O Pink Floyd achou o experimento satisfatório o suficiente para tentar fazer um mais elaborado do mesmo tipo. No início de 1970, eles escreveram material suficiente para uma suíte de música que eles originalmente intitularam "The Amazing Pudding". Dave Gilmour disse sobre o título principal da suíte: "Todo o tema principal saiu de uma pequena sequência de acordes que eu tinha escrito, que eu chamei de 'Theme from an Imaginary Western' na época. Soou como 'The Magnificent Seven' para mim." A banda continuou trabalhando naquele tema até que eles tivessem um LP completo de música. Gilmour: "Nós sentamos e tocamos com ele, balançamos, adicionamos pedaços e tiramos pedaços, peidamos com ele em todos os tipos de lugares por eras, até que demos alguma forma a ele."

O Pink Floyd gravou as faixas de apoio para a suíte na primavera de 1970. O próximo passo foi compor e orquestrar música adicional para um conjunto de metais e um coral. Como nenhum deles tinha o conhecimento musical de compor músicas, eles contrataram os talentos de Ron Geesin, com quem Roger Waters colaborou na música para o documentário The Body. Em maio de 1970, o Pink Floyd fez uma turnê pelos EUA e, com instruções mínimas, deixou Geesin para criar a música para completar a suíte. Geesin relembra: "Rick Wright olhou a seção do coral comigo por talvez meio dia, e Dave Gilmour sugeriu um riff para uma parte. Roger não sabia ler música e meio que aceitou que esse sujeito Geesin estava se saindo bem. Não houve grande contribuição criativa deles."

Geesin conseguiu pegar peças musicais desarticuladas, adicionar estruturas melódicas sobre elas e combinar tudo em uma suíte coerente de 24 minutos. A tarefa foi difícil, dada a natureza das gravações que ele recebeu da banda. Geesin: “Houve problemas com os andamentos por causa da maneira como eles estabeleceram as faixas originais. Houve variações entre as seções que não foram devido a nenhuma progressão, apenas a um acidente – caindo no andamento quando ele realmente deveria ter aumentado um pouco; ou seria melhor ter uma mudança repentina em vez de uma mudança muito leve.” Os problemas de andamento continuaram da escrivaninha ao estúdio de gravação quando os músicos clássicos contratados tiveram que tocar sobre as gravações irregulares do Pink Floyd: “Foi um problema acertar o andamento. É normal de qualquer maneira que músicos clássicos tenham problemas com a batida. O senso de batida clássico e o senso de batida do rock são bem diferentes.”

Ron Geesin

As dificuldades de trabalhar com os músicos clássicos eram mais agudas quando se tratava dos músicos de metais. A suíte abre com uma série de notas staccato tocadas pela seção de metais antes que a melodia principal se estabeleça. Geesin: "O que escrevi para aquela introdução gaguejante muito estranha era, na verdade, para ser muito mais gaguejante, mas tocá-la na velocidade que escrevi provou ser praticamente impossível para aqueles músicos." Mas o obstáculo mais desafiador para Geesin, que tinha formação em jazz e música improvisada, era a grande lacuna de atitude entre ele e os músicos clássicos: "Eu estava diante de músicos de sessão de ponta, contratados pelo sistema. Esses trabalhadores musicais de ponta esperavam por instruções, e eu esperava que eles sorrissem um pouco, para dar algum sinal de que eles poderiam estar interessados ​​e envolvidos."

A sessão de gravação foi salva por John Alldis, o maestro do coral que foi contratado para gravar suas partes em uma data posterior. Ele veio visitar os procedimentos e, notando a crescente frustração de Ron Geesin com os músicos de sopro, assumiu o assento do maestro e obteve uma performance decente dos músicos indiferentes. Ouvindo o resultado final, você não poderia dizer que qualquer uma dessas travessuras aconteceu no estúdio. A gravação é uma conquista fantástica para a época, na forma como uma banda de rock e música instrumental e vocal clássica se misturam. Parte do crédito vai para um jovem Alan Parsons em seu primeiro trabalho de estúdio com o Pink Floyd, atuando como engenheiro de gravação e mixagem.

Em junho de 1970, o Pink Floyd foi convidado para tocar no Bath Festival of Blues and Progressive Music. Eles tocaram a suíte completa, ainda chamada de 'The Amazing Pudding', acompanhados pelo John Alldis Choir e pelo Philip Jones Brass Ensemble. A banda subiu ao palco às 3 da manhã, o que não é incomum para uma banda de rock, mas bem depois da hora de dormir para os músicos clássicos. O show também é significativo por marcar a primeira aparição de David Gilmour com a Fender Stratocaster de 1969, que logo se tornaria lendária pelos solos incríveis que Gilmour tocou nela nos álbuns da banda nos anos 1970.

Um mês depois, a banda tocou a peça no programa de rádio BBC Sunday Concert de John Peel. Eles finalmente decidiram dar à suíte um nome permanente. Gilmour lembra: “Nós publicamos um jornal vespertino por sugestão de Ron Geesin, e havia uma história sobre uma mulher que teve um bebê e que teve essa coisa colocada em seu coração. Ao ver a manchete Atom Heart Mother, Roger disse: 'Esse é um nome bonito. Nós o chamaremos assim.'”

Esse título também deu nome ao próximo álbum do Pink Floyd. Atom Heart Mother foi lançado em outubro de 1970 e foi o primeiro de seus álbuns a chegar ao topo da parada de álbuns no Reino Unido. Foi também o primeiro a não apresentar o nome da banda na capa. Em vez disso, os compradores de álbuns nas lojas de discos receberam a bela Lulubelle III olhando para eles. A banda pediu algo simples na capa e recebeu uma foto da primeira vaca que Storm Thorgerson, do Hipgnosis, viu em uma fazenda em Essex. Ele contou a história: "O Floyd estava profundamente em modo experimental. A banda não tinha título, nenhum tema definido, nenhum grande conceito, então eu queria criar uma não capa - não chocante, apenas inesperada. Era tão diferente que a gravadora quase morreu - o diretor administrativo teve apoplexia absoluta, ficou todo vermelho no rosto e foi reduzido a xingar-me." A vaca também inspirou a banda a intitular algumas das peças da suíte 'Breast Milky' e 'Funky Dung'.

As críticas ao álbum na imprensa musical foram em sua maioria favoráveis, com a Melody Maker liderando a multidão com uma comparação entre a suíte Atom Heart Mother e uma obra de um compositor clássico genuíno: "A obra tem muitas mudanças de textura, mas mantém um clima de relaxamento soberbo que é muito bom - bastante semelhante ao efeito de 'Fantasia on a Theme by Thomas Tallis' de Vaughan Williams."

Atom Heart Mother gerou interesse não apenas entre o público de rock que estava procurando por esforços ambiciosos de bandas contemporâneas da época, mas também entre pessoas do mundo da música clássica. Eles nem sempre ficavam impressionados, veja bem. Gilmour se lembra de um episódio: "Leonard Bernstein veio a um dos nossos shows americanos e ficou entediado com Atom Heart Mother, mas gostou do resto." Por outro lado, a suíte rendeu à banda um lugar no Festival de Musique Classique em Montreux, Suíça, em 1971. Eles foram a primeira banda de rock a receber um convite para se apresentar neste prestigioso evento.