Para fechar a série de artigos sobre a Vertigo Records em 1970, escolhi cinco álbuns de estreia de bandas que realmente mostraram o lado de música progressiva do selo aventureiro. Começamos com uma banda que continuaria a produzir alguns dos álbuns mais interessantes do rock progressivo ao longo dos anos 1970.
Estreia do Gentle Giant
O Gentle Giant foi formado quando os irmãos Derek Shulman (vocais), Phil Shulman (vocais, saxofone, trompete) e Ray Shulman (guitarra, violino, trompete, vocais) queriam sair do mercado de música pop que prendia sua banda Simon Dupree and the Big Sound. Embora a banda tivesse sucessos, incluindo o single #8 do Reino Unido Kites em 1967, eles não representavam as aspirações dos irmãos de criar música mais ambiciosa, do tipo que não era impulsionada por reproduções de rádio e vendas de singles. Derek Shulman lembra: "Era 1970. O King Crimson estava acontecendo, o Yes estava surgindo e nós estávamos no mesmo tipo de coisa." A convicção deles foi forte o suficiente para recusar uma oferta de Elton John para se juntar à banda e contribuir com músicas que mais tarde se tornaram sucessos para ele, Your Song sendo uma delas.
Adicionando o tecladista Kerry Minnear, o guitarrista Gary Green e o baterista Martin Smith, um novo sexteto foi formado. Eles se autodenominaram Gentle Giant em homenagem à pentalogia de romances do século XVI de François Rabelais, Gargantua e Pantagruel, uma narrativa das aventuras de dois gigantes. Em 1970, com Tony Visconti no assento do produtor, a banda gravou seu álbum de estreia autointitulado. Visconti, que se tornou um dos produtores de art-rock mais reverenciados da história, estava bastante entusiasmado com a gravação de Gentle Giant: "Eu era um jovem muito otimista em 1970. Eu achava que uma música como a deles salvaria o mundo da mediocridade. Eu mal podia esperar para cravar meus dentes nela. Eu defendi a causa deles me tornando simpático a ponto de me juntar temporariamente à banda. Modifiquei seus arranjos e fiz alguns efeitos de áudio impressionantes que deram ao som deles mais profundidade e imediatismo."
Trabalhar de perto com um produtor que acreditava na arte deles e era bem versado em gravação de estúdio foi uma experiência nova para a banda. Ray Shulman acrescenta: “Com Simon Dupree, normalmente íamos para o estúdio, gravávamos um single em três horas e estava pronto. Fazer um disco com Tony foi uma dádiva de Deus. Todo o processo de como você grava uma banda, primeiro fazendo as faixas básicas e obtendo a sensação certa, depois fazendo overdubs e coisas experimentais em cima delas, foi muito importante para o álbum.”
O guitarrista Gerry Green também ficou impressionado com o produtor: “Tony foi uma revelação para mim. Nem Kerry nem eu tínhamos feito nenhuma gravação profissional antes. Tony foi incrivelmente encorajador e positivo conosco. Em vez de apenas gravar coisas como minha guitarra plana e depois mixá-las, ele incorporava toques adicionais como efeitos de oitava e rastreamento duplo. Tudo parecia mágico e de alguma forma normal ao mesmo tempo.”
O álbum de estreia autointitulado do Gentle Giant foi lançado em novembro de 1970. Na melhor tradição dos álbuns de música progressiva do período, o álbum foi adornado por uma maravilhosa arte de capa, criada por George Underwood. Nos próximos dois anos, Underwood criaria as capas icônicas de álbuns de Hunky Dory e Ziggy Stardust, de David Bowie.
Uma faixa de destaque no álbum é Nothing At All. As harmonias vocais lembram Crosby, Stills e Nash, que estavam no auge da popularidade na época. Kerry Minnear, que escreveu a introdução de guitarra de abertura, comentou: “Estruturalmente, você pode dizer que é um tecladista tocando guitarra. Foi uma das minhas primeiras contribuições. O riff estilo Black Sabbath que começa dois minutos e meio depois veio dos irmãos Shulman. Lembro que todos nós tivemos que ir ao pub e fazer uma pausa enquanto fazíamos, porque não estava indo muito bem no começo.”
A música é única na discografia dos álbuns de estúdio do Gentle Giant por apresentar um solo de bateria, alimentado por um efeito phaser. Gary Green lembra: "Quando fizemos o solo de bateria em 'Nothing At All', foi um verdadeiro caos. Lembro-me de Martin, Kerry e Ray tocando na bateria de Martin e gritando enquanto faziam isso. Acho que eles fizeram várias tomadas. A maioria delas terminou com todos deitados no chão rindo, sem conseguir acreditar que estavam produzindo esse som cacofônico." O solo de bateria continuou sendo uma parte favorita das apresentações ao vivo da banda, conhecido como 'Drum Bash'. Na gravação de estúdio, Kerry Minnear toca em cima do solo de bateria, uma bela melodia de piano citando 'Liebestraum No. 3' de Franz Liszt.
Gary Green – guitarra solo, violão de 12 cordas
Kerry Minnear – teclado, algum baixo, violoncelo, vocais principais, vocais de apoio, alguma percussão afinada
Derek Shulman – vocal principal, vocal de apoio, algum baixo
Phil Shulman – sax, trompete, flauta doce, vocal principal, vocal de apoio
Ray Shulman – a maioria do baixo, violino, alguma guitarra, percussão, vocais de apoio
Martin Smith – bateria, percussão
Cressida
A próxima banda nesta análise começou com o nome Charge, quando o guitarrista John Heyworth e o vocalista Angus Cullen começaram a escrever material juntos e decidiram procurar músicos com ideias semelhantes para tocar juntos. Expandindo para um quinteto, eles tocaram covers de músicas do The Doors, The Drifters e Spirit, ao lado de composições originais. Como outra banda na lista do Vertigo, Uriah Heep, eles decidiram mudar seu nome com base em uma obra de um gigante literário: William Shakespeare, e sua trágica peça Troilus and Cressida.
Cressida foi influenciado por muitos estilos musicais, notavelmente sons vindos da Costa Oeste dos EUA. O baterista Iain Clark explicou: “Acho que com Cressida houve uma combinação de influências de ambos os lados do Atlântico. Estávamos ouvindo artistas americanos como Quicksilver Messenger Service, Iron Butterfly e os grupos da Costa Oeste, as bandas que estavam fazendo coisas mais interessantes. Para ser honesto, é apenas em retrospecto que você pode olhar para trás e ver um pouco de Tom Rush ou Jeferson Airplane no material.”
A banda rapidamente assinou um contrato de gestão e produção com Ossie Byrne, que trabalhou anteriormente com os Bee Gees em seus primeiros singles. O baixista Kevin McCarthy lembra: "Ossie veio nos ouvir tocar. Ele queria saber se poderíamos fazer harmonias, então cantamos 'Save The Last Dance For Me', que mais tarde concordamos que soou muito ruim! Felizmente para nós, Ossie queria nos contratar de qualquer maneira." Byrne não perdeu tempo em encontrar uma gravadora para gravar a estreia da banda. A primeira a mostrar interesse foi a respeitada gravadora Elektra, que lançou álbuns do The Doors, Love e Paul Butterfield Blues Band.
A banda acabou com a Vertigo Records, uma entidade desconhecida para a banda na época. Kevin McCarthy: “Nós nunca tínhamos ouvido falar da Vertigo e, claro, não tínhamos ideia de quão icônica a gravadora se tornaria. Mas não importava. Nós apenas pensamos que isso significava que estávamos a caminho de alcançar algum sucesso.”
Em setembro de 1969, uma mudança de formação ocorreu e o tecladista Peter Jennings se juntou ao Cressida. A nova adição deu à banda um grande impulso musical. Iain Clark: “A chegada de Peter transformou a banda de muitas maneiras. Aqui tínhamos um músico absolutamente soberbo, cuja execução de Hammond estava no mesmo nível de qualquer um naquela época. Isso nos deu incentivo para começar a forçar os limites em termos de arranjo e complexidade das músicas.”
A Vertigo rapidamente reservou a banda para um estúdio de gravação em outubro de 1969. Clark relembra: “Nós conseguimos gravar nosso primeiro álbum nos brilhantemente equipados estúdios Wessex, que na época tinham a primeira mesa de mixagem de 16 pistas do Reino Unido. Algumas semanas antes de nós, o King Crimson havia gravado sua estreia lá, outro bom presságio. Eu também deveria dizer que estávamos bem preparados para gravar nossas músicas ao vivo no estúdio, nós tínhamos sido uma banda bem ensaiada ao vivo.”
Ao contrário de muitos álbuns de rock progressivo daquele período, a estreia do Cressida consiste em músicas mais curtas, entre 2 e 5 minutos de duração. Iain Clark falou sobre isso: “Estávamos muito focados nas músicas que geralmente tinham apenas três minutos e meio de duração, mas que tinham uma estrutura que não era estranha, embora não necessariamente típica, das bandas de prog da época. No entanto, tocávamos como uma banda progressiva, se você preferir.”
Vertigo lançou o álbum na sexta-feira 13 de fevereiro de 1970, uma data escolhida cuidadosamente para outro lançamento de álbum pela gravadora no mesmo dia, a estreia do Black Sabbath. As críticas ao álbum foram positivas em revistas especializadas. Iain Clark: “Não acho que sabíamos o que esperar. Tínhamos feito o álbum e então era mais uma questão de esperar para ver o que os críticos achavam. Obviamente ficamos impressionados com muitas das reações. Foi muito gratificante.” Kevin McCarthy: “Sempre pensei que este álbum fosse um bom álbum de estreia. Levou algumas semanas para ser criado, eu me lembro.”
O chefe do selo Vertigo, Olav Wyper, disse sobre o álbum: “O primeiro álbum do Cressida é o melhor que existe – esses caras tinham direito à coroa de bandas 'progressivas' definitivas tanto quanto o King Crimson, mas, a menos que você curta Vertigo ou curta profundamente a música progressiva da época, minha aposta é que você nunca ouviu falar da banda.”
Uma faixa favorita do álbum é a que encerra Tomorrow Is a Whole New Day. A combinação de órgão Hammond, violão e a voz de Angus Cullen fazem maravilhas para essa banda, e essa faixa é um ótimo exemplo. Às vezes me lembra o lado mais rock do Moody Blues. A letra da música tem traços de agitação social, protestos estudantis e a guerra do Vietnã. Clark: "Houve uma crescente conscientização política que realmente influenciou muito aqueles tempos e muitas das músicas que foram gravadas naquela época. Lembro-me vividamente de escrevê-la e assimilá-la e, para minha surpresa, os outros gostaram."
Angus Cullen – vocal principal
Kevin McCarthy – baixo
Iain Clark – bateria
John Heyworth – guitarras, vocais
Peter Jennings – órgão, piano
Gracious!
Outra estreia de rock progressivo em 1970 foi da banda Gracious!, que começou como um grupo pop. Em julho de 1969, eles dividiram um show duplo com o King Crimson, um evento que mudou a maneira como pensavam sobre música. Suas influências se ampliaram para incluir Frank Zappa, Captain Beefheart, Chicago, Todd Rundgren e Spirit. O baixista Tim Wheatley falou sobre essa mudança: "Começamos a nos afastar da mistura de covers e originais de Pop/Tamla e começamos a escrever e tocar material progressivo. Ainda havia melodias e harmonias pop intercaladas em peças muito mais longas e fizemos algumas coisas estranhas como 'Fugue in D minor', que foi uma chance para nosso tecladista mostrar algumas habilidades clássicas."
O material da banda foi escrito pelo guitarrista Paul Davis e pelo tecladista Martin Kitcat. Davis falou sobre trabalhar com seu parceiro de composição: “Eu tinha muitas palavras e frases que eu tinha aprendido da época, e Martin tinha seu treinamento clássico e estava ansioso para ir. Eu provavelmente teria dito, bem, vamos tentar um Fá sustenido, Mi menor para um Fá sustenido maior, e ele teria tocado um pequeno riff. Eu teria criado alguma frase que eu tinha na minha cabeça e se achássemos que a frase era boa, teríamos mudado a melodia um pouco.”
Assistir King Crimson também desencadeou o uso do mellotron por Martin Kitcat. O baterista Robert Lipson disse: “Isso mudou nossas vidas. Martin ganhou um Mellotron e nós partimos!” O arsenal de instrumentos aumentou para incluir também outro instrumento de teclado de som distinto. Paul Davis: “O cravo era próximo de Martin porque ele tinha sido treinado classicamente e eu acho que esse é um dos principais instrumentos com os quais você é treinado. Mas nós simplesmente gostamos do som.”
A banda começou a se apresentar em locais mais conhecidos ao lado de algumas das principais bandas e artistas da época: Pink Floyd, Elton John, Fleetwood Mac, Moody Blues. Em um desses shows, eles foram visitados pela gravadora que os contratou para um contrato de gravação. Tim Wheatley: “Estávamos em um circuito de clubes e faculdades e o pessoal da A&R da Vertigo veio nos ver tocar no Klooks Kleek, um famoso show de pub em Londres. Eles gostaram do que viram e nos ofereceram um contrato. Lembro-me de dividir a conta naquela noite com o Renaissance de Keith Relf.”
A estreia autointitulada da banda foi gravada nos estúdios Philips em Stanhope Place, Marble Arch, mais tarde propriedade de Paul Weller. O produtor foi Hugh Murphy, que alguns anos depois produziu o multimilionário 'Baker Street' para Gerry Rafferty. O álbum foi gravado em poucos dias no início de 1970 e lançado em julho. O material foi gravado principalmente ao vivo no estúdio com apenas alguns overdubs de guitarra e vocais.
Minha faixa favorita do álbum é Heaven, uma ótima audição para os amantes do mellotron, com o tecladista Martin Kitcat usando o instrumento com uma configuração única. Damon Fox, do Bigelf, falou sobre o uso do mellotron neste álbum: “Kitcat foi a primeira pessoa a colocar sons 'lead' em ambos os lados. A maioria das bandas tinha Mk II e os usava como eram vendidos: os sons rítmicos de um lado, e então flautas, cordas, metais — os sons lead — no lado direito. Mas Martin foi o primeiro cara a contatar os irmãos Bradley (fabricantes de Mellotron baseados no Reino Unido) e ter o seu feito sob medida, com som lead em ambos os lados.”
Paul “Sandy” Davis: vocal principal, violão de 12 cordas, percussão
Alan Cowderoy: guitarra, backing vocals, percussão
Martin Kitcat: Mellotron, órgão, piano Hohner, piano, vocais de apoio
Tim Wheatley: baixo, backing vocals, percussão
Robert Lipson: bateria
Affinity
Continuamos com os álbuns de estreia e chegamos ao Affinity, uma banda com fortes influências de jazz. O nome foi tirado do título de um álbum de Oscar Peterson de 1961. Eles começaram como um grupo instrumental de jazz-rock chamado 'Ice' e então adicionaram uma cantora, a excelente vocalista Linda Hoyle. A talentosa cantora falou sobre sua motivação para entrar na banda: “Eu estava noiva de um cara adorável, que eu decepcionei muito depois de ver Lynton Naiff de longe tocando um piano de jazz divino. Ele era bronzeado, bonito, indiferente e não me queria. O que mais uma garota poderia pedir? Nem preciso dizer que ficamos juntos por três anos. Acontece que eu sabia cantar jazz, tendo feito isso essencialmente desde o nascimento junto com os 78's do meu pai. Ele precisava de um cantor para o trio e, mais tarde, para o Affinity.”
O baixista Mo Foster listou a lista eclética de artistas que influenciaram os membros da banda: “Nós tiramos nossas influências de muitas fontes. Em momentos diferentes: The Shadows, Duane Eddy, Buddy Holly, The Beatles, Oscar Peterson, Miles Davis, Gil Evans, Cream, Brian Auger, Billie Holiday, Bill Evans, Dave Brubeck, Cannonball Adderley, The Modern Jazz Quartet, Gary Burton, Aretha Franklin.”
Em 1968, eles garantiram um contrato de apresentação no prestigiado clube de jazz Ronnie Scott, começando na sala de cima e depois indo para o andar de baixo para tocar junto com artistas de jazz bem conhecidos, como Stan Getz e Les McCann. Ronnie Scott concordou em administrar a banda e continuou a contratá-los ao lado de lendas do jazz como Elvin Jones, Gary Burton e Charles Mingus. Com a força desses shows, a banda conseguiu garantir um contrato de gravação com a Vertigo Records.
As críticas ao álbum de estreia foram bastante positivas nas revistas de música britânicas. The Times: “Há muita musicalidade fina para aproveitar: os solos, a interação entre guitarra e baixo, a união do grupo como um todo e uma cantora, Linda Hoyle, que é poderosamente eficaz.” Daily Mail: “Ouvindo Linda Hoyle, você não pode deixar de sentir que é assim que Bessie Smith deve ter soado se tivesse nascido em uma época diferente. O organista Lynton Naiff e o guitarrista Michael Jopp improvisam com grande verve e originalidade.”
O álbum de estreia autointitulado do Affinity incluiu uma série de grandes interpretações de músicas conhecidas, uma delas uma longa jam de All Along the Watchtower de Bob Dylan, que ficou famosa pelo cover atemporal de Jimi Hendrix. Este é um tesouro para os amantes do órgão Hammond (a banda comprou o Hammond que era usado anteriormente por Brian Auger). Mo Foster sobre a música: “Esta música de Bob Dylan foi arranjada para ser uma participação especial de Linda e Lynton. Quando tocávamos a música ao vivo, ela podia durar meia hora. Nossa versão é anterior à versão (muito diferente) de Jimi Hendrix.”
Outra ótima capa deste álbum é Mr. Joy, composta por Annette Peacock e apresentada em um álbum de Paul Bley alguns anos antes. John Paul Jones, do Led Zeppelin, contribuiu com arranjos de metais e cordas para algumas músicas. A capa do álbum lembra a estreia do Black Sabbath em estilo, novamente a coloração distinta criada pelo fotógrafo Marcus Keef. Embora o álbum tenha recebido ótimas críticas e a banda estivesse constantemente em turnê, eles não duraram muito e as gravações restantes com uma formação modificada foram lançadas apenas muitos anos depois.
Linda Hoyle – vocais
Lynton Naiff – órgão Hammond B3, piano, piano elétrico Wurlitzer, cravo, vibrafone, percussão
Mo Foster – baixo, contrabaixo, percussão
Mike Jopp – guitarras elétricas, acústicas e de 12 cordas, percussão
Grant Serpell – bateria, percussão
Beggar’s Opera – Act One
A última banda nesta análise vem de Glasgow, Escócia. Seu nome exclusivo foi escolhido aleatoriamente de um dicionário de palavras cruzadas, uma referência a uma peça de 1728 do poeta inglês John Gay. Eles foram influenciados por peças de música clássica, e seu álbum de estreia inclui a faixa épica Light Cavalry, baseada na opereta Leichte Kavallerie Overture do compositor austríaco Franz von Suppé de 1866. Um compromisso inicial no clube Burns Howff na West Regent Street em Glasgow foi coberto pelo jornalista Iain McDonald: "Se eu não tivesse visto com meus próprios olhos, não teria acreditado. Eu nunca tinha visto uma fila de mais de 200 pessoas esperando para entrar em um pub. A razão pela qual o lugar se tornou tão popular é o grupo no palco - Beggar's Opera."
O guitarrista Ricky Gardiner, que mais tarde tocou com David Bowie (Sound and vision) e Iggy Pop, falou sobre os outros membros da banda: “Havia uma forte influência clássica do tecladista Alan Park. O baterista, Ray Wilson, era como um homem selvagem e usava um kilt escocês, uma barba longa, um chapéu grande e nada mais. Ele era um admirador de Ginger Baker. O baixista, Marshall Erskine, tinha ampla experiência em música popular. Nosso cantor, Martin Griffiths, admirava Frank Sinatra e gostava de colocar muito drama em seu canto, com bons efeitos. Ele era muito teatral.”
O álbum de estreia da banda, Act One, foi lançado em 1970. O engenheiro de som do álbum, Martin Birch, trabalhava na época como engenheiro de som em álbuns clássicos do Fleetwood Mac, Deep Purple e Wishbone Ash. Ele se tornaria um lendário produtor de hard rock com Rainbow, Whitesnake, Black Sabbath e Iron Maiden. A banda só tinha elogios a dizer sobre ele: "Ele não era o produtor, mas sabia exatamente o que queria. Tínhamos muito respeito por ele. Não sei se ele também nos respeitava. De qualquer forma, estávamos na mesma sintonia."
O álbum foi gravado em dois dias, ao vivo no estúdio, como muitas outras gravações da Vertigo da época. Martin Griffiths sobre a experiência no estúdio: “Eu era o metrônomo. Colocamos todas as nossas emoções, nossos corações nisso. Estávamos nervosos, é claro, e provavelmente tocamos um pouco mais rápido. Não achamos que havia pouco tempo na época. Não ficamos totalmente felizes com a produção finalizada, mas ela tinha uma certa espontaneidade.”
Martin Griffiths – vocais
Alan Park – órgão
Raymond Wilson – bateria
Ricky Gardiner – guitarra solo
Marshall Erskine – baixo
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