Egberto Gismonti - Sol Do Meio Dia (1977)

 

Um dos compositores e intérpretes mais diversos do Brasil, tanto no estilo folclórico quanto no acadêmico, e na fusão ou mistura de ambos. Ele gravou este álbum após sua primeira experiência de convivência com a tribo Yawaiapiti, no Alto Xingu, Amazônia. A guitarra de Gismonti soa como um animal selvagem correndo pela selva (ou, na sua ausência, pela savana). Gismonti captura a complexidade da alma brasileira, às vezes primitiva, às vezes sofisticada, e a projeta com uma visão muito pessoal, onde seus muitos anos de formação clássica estão presentes, e onde o papel do jazz desempenha um papel fundamental. Um álbum lindo, recomendo. Entre outros músicos, destacam-se nomes como Naná Vasconcelos (novamente), Ralph Towner, o saxofonista norueguês Ian Garbarek, grande expoente do jazz europeu, e o percussionista Collin Walcott. Altamente recomendado, obviamente. Imperdível, eu diria.

 

Artista: Egberto Gismonti

Álbum: Sol Do Meio Dia
Ano: 1977
Gênero: Jazz Fusion / Latin Jazz
Duração: 50:39
Nacionalidade: Brasil

Filho de pai libanês e mãe italiana, e criado na pequena cidade do Carmo, no interior do Rio — nome que homenageou com o nome de um de seus discos e com sua própria gravadora, que distribui a ECM —, ele baseia sua história nessas heranças. No Líbano, falava-se francês e a cultura francesa da Itália estava impregnada. O instrumento musical por excelência era o piano. E meu pai queria que eu o tocasse. As serenatas vieram da Itália e, como você sabe, são acompanhadas por violões, então minha mãe queria que eu tocasse esse instrumento. E o que veio da rua foi o frevo e o choro. Acho que acabei combinando tudo isso. Gismonti, em todo caso, não uniu apenas o piano e o violão, mas também tradições musicais populares e acadêmicas. Mas esse anseio tão caro ao século XX — uma arte popular com o nível de complexidade das formas elevadas — foi incorporado no caso de Gismonti de uma forma extraordinariamente feliz. Porque a abordagem brasileira permite a livre movimentação entre materiais e processos de diferentes fontes, mas é baseada em uma regra rígida que a maioria das pessoas ignora. Quando você desenvolve um material, você se apega ao que aquele material tem e propõe. Ele não faz enxertos. Se o seu tema for uma melodia de duas notas coletada pelo povo Xingu da Amazônia, os solos começarão dessa pequena escala e não de nenhuma outra. "Nada disso é consciente, é claro; um tema sempre dita como as coisas devem prosseguir."

Após sua estreia em 1976 pela gravadora ECM com a impressionante "Dança Das Cabeças" com o percussionista Naná Vasconcelos, Gismonti retornou no ano seguinte com este impressionante trabalho colaborativo. Na verdade, o álbum consiste em uma mistura de faixas solo e cortes com vários parceiros, tanto em formato de duo quanto de trio, onde ele compôs todo o material e brilha em todas as partes. Os convidados fazem o mesmo, com destaque para o guitarrista Ralph Towner, o percussionista Colin Walcott, o saxofonista tenor Jan Garbarek e Vasconcelos.

Aqui, um pouco da sua história...

Em 1974 aceitou um convite para dar um concerto em Berlim, para o qual convidou Hermeto Pascoal e Naná Vasconcelos. Durante essa viagem, conheceu o presidente da ECM, Manfred Eicher, que o convidou para gravar com eles em 1975.
Sem saber da importância que essa gravadora teria a longo prazo, adiou o projeto até o final de 1976, quando aceitou pensando que gravaria com seu grupo "all-star" composto por Robertinho Silva na percussão, Luis Alves no baixo e Nivaldo Ornelas no saxofone e flauta.
Mas o imposto de saída extremamente alto de US$ 7.000 imposto pela ditadura militar o levou a decidir empreender o projeto sozinho.
Quis o acaso que, durante uma viagem à Noruega, ele tenha conhecido o brilhante percussionista Naná Vasconcelos, a quem contou sobre o projeto e que aceitou sem muito entusiasmo. O resultado foi seu álbum Dança das Cabeças, ainda muito refinado, embora inicialmente tenha provocado todo tipo de polêmica e confusão devido à natureza inclassificável de sua música.
Na Inglaterra foi premiado como melhor álbum pop. Nos Estados Unidos como melhor álbum de música folk estrangeira. Na Alemanha, como uma grande obra de música clássica.
A Dança das Cabeças mudou a vida de ambos. A partir de então, Nana passou a ser requisitada no mundo inteiro para gravações e shows. Egberto, porém, retornou ao Brasil e se dedicou a pesquisar a música da Amazônia, algo que Vasconcelos já havia feito profundamente antes dele. Seu interesse pela música indiana o levou a passar períodos na selva vivendo com tribos.
Dois anos depois, ele também gravaria Sol do Meio-Dia na ECM com o saxofonista Jan Garbarek, o percussionista Colin Walcott e o guitarrista Ralph Towner, com grande aclamação internacional. Do seu próximo álbum, Solo, gravado no ano seguinte, mais de 100.000 cópias seriam vendidas somente nos EUA.

19 trastes


Para a ocasião, resgatamos as reportagens do "Expreso Imaginário" com Egberto e Hermeto em novembro de 78. Os pedaços de pau que eles jogam em Corea e McLaughlin são muito engraçados. Apresentamos aqui o relatório...

A DANÇA DAS CABEÇAS
Neste momento, Egberto Gismonti está chegando à vanguarda do mundo dentro das novas tendências musicais. Críticos europeus esgotaram seus dicionários de sinônimos tentando descrever a música que ele apresentou, acompanhado pelo percussionista Nana Vaconcelos, durante sua turnê pelo velho continente, ao lado de Keith Jarret e o grupo Oregon. Aparentemente, eu forço os editores a acordar de sua letargia habitual com exclamações como: "Isso aqui é novidade!" E não é apenas um show prodigioso ou uma demonstração surpreendente de virtuosismo. Nem é aquele "exótico sul-americano" que parece um cartão postal. Ele é um homem simples que toca piano, flauta e violão com um sentimento incomparável, apresentando uma música harmonicamente rica, mas também cheia de vida e graça. Os álbuns deles têm esse mesmo calor, esse fogo interno impressionante. E também conquistam a crítica mundial. "Danza das cabeças" foi eleito o melhor álbum do ano pela prestigiada revista Down Beat, seu "Sol do Meio Día", baseado em suas experiências com os índios do Xingu, foi aplaudido na Europa.
O mais notável disso é que Gismonti (assim como seus colegas Hermeto Pascoal, Airto Moreira e os irmãos Fatorusso) está sendo ouvido em todos os lugares, exceto em seu próprio continente, porque os sul-americanos ainda estão esperando as últimas notícias do exterior.
Conversar com Egberto é um prazer. Para um homem no auge da sua carreira, ele é incrivelmente aberto, direto e sincero. Ele não tem como dizer o que pensa, e o que ele pensa é tão saudável e real que fica na sua cabeça por muito tempo, revigorando-a.
Aqui está, então, Egberto Gismonti. Aqui está a dança das cabeças.

Gostaria que começássemos falando sobre a Dance Academy, seu grupo.
Este grupo existe há quatro anos. A formação mudou bastante, porém, o nome "Academia" remete um pouco a essa possibilidade de variação. Começou com Robertinho, bateria, Luis Alves, contrabaixo, e Nivaldo Ornellas, saxofone. Depois saiu Nivaldo e entrou Mauro Senise. O Luis também saiu e o Waldecir entrou. Por fim, saíram o Waldecir e o Eobertinho e entraram o Zé Eduardo na bateria e o Zeca Azumpção no baixo. Uma das coisas interessantes sobre a Academia de Dança é que sempre que havia mudanças na formação, eu tinha muita sorte de encontrar músicos totalmente preparados para esse tipo de música.
Robertinho Luis e Nivaldo já tocaram com Milton Nascimento, formando o grupo
Som Imaginário. O Zé e o Zeca brincavam com o Hermeto Pascoal. Então eles já estavam muito treinados e acostumados a brincar juntos.
Nos tópicos tudo vem escrito com antecedência?
Veja bem: antes de tudo, não é a música que nos interessa tanto, mas a história que será contada através dessa música. Não tenho a música como objetivo. Não é nada mais que uma linguagem. Escalas, acordes, melodias, todas essas coisas estão aí para serem usadas. Como palavras. Ninguém está interessado em exibir sua capacidade de falar. O que importa é o que é dito.
Há muitas pessoas que se concentram em técnica e linguagem, tanto no jornalismo quanto na música.
Claro! (risos). Meu principal objetivo é estimular as pessoas a agirem criativamente. Parece-me muito mais importante do que fazer música, pintar, escrever poesia, ser capaz de viver criativamente. A vida é mais importante que a arte. E nossa música tem como objetivo estimular isso. Estou certo de que o que fazemos não apresenta, para o ouvinte, nenhuma dificuldade técnica. Não é uma música de malabarismo técnico. É uma música que
pode ser feita com garrafas, pentes e batidas em mesas.
Cada um de nós tem seus próprios limites. Pode ser um limite criativo, técnico, de inteligência, de conhecimento, seja o que for. E eu acho que o que importa é estar sempre no nosso limite. Isso é algo que aprendi com os índios do Xingu. Na medida em que alguém
consegue eliminar todos os sentimentos de rivalidade, ele pode ser o que realmente é. Meu grande interesse é que minha música seja tão atual quanto o dia em que estou vivendo. Não quero me adiantar em relação a hoje, 17 de setembro. Estou no dia 17 de setembro. Não quero estar em 1980 ou 1961. Esse é o propósito do grupo. E aí vem a resposta para sua pergunta: Por tudo isso que estou lhe explicando, música não é escrita. Porque ser escrito torna essa relevância permanente impossível. Principalmente para nós, latino-americanos, que não temos uma tradição, uma história musical.
Mas você cuida de todos os elementos de escrita e composição...
Sim! Claro que posso lidar com eles! Mas, pelo meu conhecimento teórico e musical, por mais que eu pratique, nos sul-americanos, a intuição é muito maior que o potencial teórico. É claro que a escrita musical organiza os elementos que devem ser usados. Em vez de levar quatro horas para dominar um tópico, o grupo pode aprendê-lo em dez minutos lendo. Todo mundo lê música muito bem. Fiquei três ou quatro meses sem tocar com esse grupo, porque estava viajando pelos EUA e Europa. Ensaiamos apenas um dia para nos apresentar no Festival. Mas todos nós jogamos o tempo todo, mesmo quando estamos separados. E quando nos reunimos, saímos enriquecidos por todas essas experiências, E, sabendo ler, os tópicos são aprendidos rapidamente.
Como você vê o ambiente musical nos Estados Unidos?
Terrível. Como consequência da grande industrialização do mercado fonográfico, veio uma industrialização existencial. Como o americano médio não tem cultura própria, nem raízes, ele é levado pela massa de informações que o cerca. E o relacionamento entre as pessoas é mínimo.
Eu não gostaria de morar lá. Eu tinha um contrato com uma empresa americana, mas cancelei. Agora gravo para uma empresa alemã, a SM, e a Warner os distribui nos Estados Unidos, Canadá e Japão. Rescindi esse contrato porque não sou forte o suficiente para suportar a pressão americana e continuar com minha música. Quando fico lá por seis meses, perco minha naturalidade. Há muito dinheiro extra circulando por aí. Não acredito em coisas que vão além do natural. Se cinco anos atrás alguém tivesse me oferecido seis dólares por um show, eu teria aceitado porque era natural. Se me oferecessem seis hoje, eu não aceitaria porque seria muito menos, entendeu? Mas se me oferecerem seiscentos, pareceria muito. É um exemplo, mas significa que tento ficar dentro dos meus limites, não quero mais nem menos. Claro que esse critério é muito louco, porque sou eu quem determino meus limites, mas tenho absoluta certeza de que estou fazendo um trabalho gradual, progressivo
, nesses dez anos que sou profissional. Não pretendo contestar a posição de ninguém, estou construindo a minha própria posição. Não tente ser o "melhor pianista" ou algo assim.
Como foi a turnê europeia que você fez com Jarrett e Oregon? Os críticos europeus elogiaram muito seu trabalho.
Aquela turnê foi muito importante. Ter Keith Jairett nos permitiu ter público para tocar em locais muito grandes, os melhores locais da Europa. E era um público disposto a ouvir.
Apesar da industrialização?
É essa música. O jazz-rock progressivo, ou latino, ou não sei que rótulo dar, faz parte dessa era. O que aconteceu nos últimos dez anos, histórica e socialmente falando, foi uma mudança radical. Somos filhos de uma sociedade altamente industrializada, mas esta geração precisa retornar à natureza. Em geral, essa necessidade é inconsciente, mas em muitos de nós ela é consciente. Parece-me que o mais importante para
o homem é encontrar o equilíbrio entre natureza e cultura. Estamos agora muito desequilibrados. Temos muita cultura e pouca natureza. Quando digo natureza não me refiro a plantas e árvores, mas sim à natureza do homem. Felizmente, isso está reaparecendo lentamente, talvez por causa dos hippies. seja rock, Miles Davis ou Salvador Dalí. O público que existe hoje não está interessado em entender a música como algo técnico. O público não precisa "entender" as melodias se nós, que estamos tocando, mal as entendemos seis meses depois. O público percebe a emoção que essa música traz e, a partir disso, faz outras coisas. Há uma troca muito grande. O músico
toca e o público responde com outra coisa que estimula o músico a tocar novamente. Isso está
acontecendo, e os músicos estão refletindo a necessidade das pessoas de estarem juntas.
Estamos muito mais próximos agora — como pessoas, músicos, tudo — do que há dez anos.
No seu show do Festival, havia uma atmosfera muito especial, o público estava muito atento e concentrado...
A mesma coisa aconteceu comigo nos Estados Unidos e na Europa. É um tipo de música que exige atenção, mas não atenção para entender...
É como uma jornada... Eu senti como se fosse uma caminhada pela floresta, o ir e vir dos sons das árvores e o canto dos pássaros...
Sim, exatamente! Você se sente muito bem! Essa é a história que estamos contando. É como a história de uma caminhada pela floresta. Há momentos em que há sol, há momentos em que há escuridão, há momentos em que há pássaros, há momentos em que os animais aparecem. Estou muito animado que as pessoas consigam perceber isso. Geralmente temos pressa e tiramos conclusões precipitadas. Há muita informação e as emoções são industrializadas. E é muito emocionante para mim entrar em uma sala e tocar por 45 minutos, e
depois tocar por uma hora e quarenta minutos e o público ficar relaxado e querer continuar ouvindo.
Tenho a impressão de que o pessoal desse grupo, "Academia de Danzas", e também o pessoal do grupo do Hermeto Pascoal, gostam de tocar. Isso é algo que normalmente não acontece com músicos brasileiros, que ficam tensos e sérios na hora de fazer música. Os argentinos também levam isso muito a sério. Meu objetivo de vida é alcançar a liberdade completa como músico e como homem, seja política, social ou economicamente. Como homem, não desfruto de muita liberdade nesta sociedade, e o mesmo vale para todos nós. Mas acho que uma das soluções é buscar a liberdade do ano em si. Trabalhemos pela nossa própria liberdade e então a nossa liberdade compartilhada será muito maior, parece-me. Eu tento ter essa liberdade mesmo quando toco; e cada músico tem a mesma liberdade que eu dentro do grupo. Estamos jogando juntos porque queremos a mesma coisa, não porque
estou sendo bem pago ou tenho um bom contrato. Agora, o que eu faço é produzir benefícios econômicos, mas antes não era assim. Três ou quatro anos atrás, nós também estávamos juntos.
O flautista também tocou com a Rio Jazz Orchestra, mas era nítido que ele se sentia mais livre em seu grupo
. Claro! Porque essa música que estamos tocando tem um pouco de cada um de nós. Os arranjos são feitos pelos músicos, não pela música. Se eu escrevo algo bonito, mas um dos músicos não sente isso, não estou mais interessado. Porque a música tem que vir dos músicos, senão eu pararia de tocar e me dedicaria a compor música, sem me importar com quem toca. Ou se compõe pensando no grupo, junto com o grupo. Na minha opinião, não adianta deixar espaço para o músico tocar um solo que o satisfaça e nada mais.
O músico tem que gostar de tudo que faz, tem que se sentir livre o tempo todo. O público percebe que tudo o que tocamos, tocamos com entusiasmo. E não temos limites para nada que fazemos. Então, no palco não há preocupação. Nós músicos estabelecemos convenções. Sempre há um esquema que determina se você passa de um instrumento para outro. Você viu nossa apresentação esta tarde no
Festival? Lá eu esqueci como tocar aquele instrumento feito de palhetas, e peguei o violão. E os outros músicos me seguiram e começamos a tocar outras músicas. Tudo bem porque o que acontece é que a sociedade forma padrões de comportamento rapidamente. A gente se acostuma a repetir o próprio comportamento. A mídia coloca padrões na cabeça das pessoas. A beleza feminina tem que ser assim, a música tem que ser assim e assim, as artes visuais também têm seu padrão, sua medida fixa.
E a indústria fonográfica?
Chegou a um ponto de industrialização tal que tudo é permitido. Vou dar um exemplo da minha experiência pessoal. Alguns meses atrás, eu estava em turnê em Nova York e descobri que, entre outros prêmios, meu álbum "Danza das Cabezas" ganhou uma enquete de música pop. O que prova que tudo isso é loucura, porque minha música não tem nada de pop. Mas é ótimo, porque cheguei a um ponto na minha carreira profissional em que posso fazer o que quero. Em entrevistas posso falar do Xingu ou da vida
em si, posso fazer qualquer coisa. Se eu quiser cantar por uma hora e meia, eu posso fazer isso. Se eu quisesse contar piadas no palco, eu também poderia fazer isso (risos).
O que é esse instrumento de palheta?
É uma flauta que vem da Tailândia. Não sei como se chama ou qual é o jeito tailandês de tocar. Eu o chamo de "bambuzar" porque são vários bambus agrupados. O primeiro que consegui foi em Nova York. Alguns acordes muito estranhos saem. Agora eu uso muitos instrumentos estranhos para substituir o sintetizador.
Você está abandonando os teclados eletrônicos?
Eu estava tocando de forma muito parecida com outras pessoas. Não senti que fosse minha praia. Eu ainda toco e procuro coisas, mas não as uso em shows ou gravações. Não vou usá-los até que me sinta mais confortável e apropriado, como o piano, a flauta ou o violão. Não quero imitar Herbie Hancock (faz uma imitação de Hancock com a boca), ou George Duke (imita Duke), ou mesmo o próprio Chick Corea, que eu acho terrível. Corea é um dos meus pianistas favoritos e, infelizmente, agora ele está fazendo essa música ruim. Digo
infelizmente porque preciso de música para viver, e agora tenho uma a menos para ouvir. A última vez que a vi, era uma coisa muito elétrica. Não gosto, muito barulho (guinchos como um sintetizador). O cara que sabe usar esse instrumento com gosto e qualidade é Joe Zawinul, do Weather Report. Eu gosto dessa. Veja bem, não estou avaliando ou criticando a música deles. Estou dizendo que não gosto, não me dá nenhuma emoção. Não gosto de analisar as coisas técnica ou teoricamente. Gosto de ouvir e sentir.

E agora vamos ouvir um pouco da música dele, que é o protagonista aqui...

O próprio Gismonti disse que, com esse disco, o cacique Sapain, do Xingu de Mato Grosso, lhe ensinou mais do que a muitos músicos. Ele dedicou esta obra de 1977 a ele, porque foi ele quem lhe ensinou o segredo da selva impenetrável. Quase tão impenetrável quanto o selo ECM, onde nem qualquer um consegue entrar, e é daqui que esse músico incansável seria gravado em fogo em suas futuras produções. Essa é a lenda que a gravadora conta sobre esse álbum...

Inspirado pelo tempo que passou com os índios do Xingu da Amazônia, a quem o álbum também é dedicado, Sol Do Meio Dia é um álbum de transição consistentemente intrigante do multi-instrumentista Egberto Gismonti. Com ele estão os percussionistas Nana Vasconcelos e Collin Walcott e o guitarrista Ralph Towner, além de Jan Garbarek no saxofone soprano por um breve período. Nesse ponto de sua carreira, Gismonti estava começando a preencher o som poroso de sua guitarra de 8 cordas. Para isso, Vasconcelos e Walcott desenvolvem muito do espaço rítmico vertiginoso que define seu som, enquanto o instrumento de 12 cordas de Towner completa o fundo com acordes mais explícitos. Walcott traça círculos mágicos em “Raga”, na qual Gismonti nos envolve com um ágil trabalho de dedos nos harmônicos mais altos da guitarra. Assim começa uma cadeia de explosões esporádicas atuando em diálogo. Com virtuosismo modesto, os músicos percorrem de mãos dadas esse caminho extático de fazer música em direção a um som ainda mais específico, dessa vez marcado pela kalimba e pelo piano de polegar. A flauta estridente e o canto sem palavras de Gismonti aqui lembram o trabalho de CODONA. “Coração” é um solo rico e, assim como o final do álbum, é uma exposição perfeita da escrita de Gismonti. O disco termina com uma suíte de 25 minutos. Garbarek faz sua única aparição na seção de abertura, que brilha com seus ululamentos tristes. Um solo convidativo de Towner abre os ouvidos para outra passagem flauta ancorada por percussão e palmas. É possível sentir a floresta nesses momentos como se ela estivesse viva e respirando ao nosso redor.
A combinação de músicos é pura ECM e reflete a brilhante escalação do produtor Manfred Eicher. Por mais arejado que Sol Do Meio Dia pareça, ele também é carregado de uma certa nostalgia difícil de quantificar. Como uma memória, seus atores estão sempre fora de foco, mesmo quando suas intenções são claras. E no final das contas o que importa são as intenções.

Análises de ECM


Essa é uma daquelas coisas que não podem faltar no blog, e aqui está. Se você ainda não ouviu, é algo que você tem que fazer antes de morrer. Olha, você pode ir para o inferno... ou talvez para a Argentina, que é mais ou menos a mesma coisa.

 

Você pode ouvir no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4iT13tNxV59B6dhhQ5AWqI

 

 

 

Lista de temas:
1. Palácio de Pinturas
2. Raga
3. Kalimba
4. Coração
5. Café / Sapain / Dança Solitária No.

Formação:
- Egberto Gismonti / violão de 8 cordas, kalimba, piano, flautas de madeira, voz, garrafa
- Naná Vasconcelos / percussão, berimbau, tama, corpo[desambiguação necessária], voz, garrafa (faixas 2, 3 e 5)
- Ralph Towner / violão de 12 cordas (faixas 1 e 5)
- Collin Walcott / tabla, garrafa (faixa 2)
- Jan Garbarek / saxofone soprano (faixa 5)