Meu Deus, essa é longa. Comecei a trabalhar nas sinopses para os lançamentos alguns meses atrás, e a coisa só cresceu a partir daí. Provavelmente é por isso que escritores profissionais têm editores — e também porque eu nem revisei —, mas esse não sou eu. Você é um cara ruim o suficiente para ler a porra toda?
Dado o tamanho considerável desta lista, vou encerrar esta introdução por aqui. Por favor, deixem seus 10/20/100 favoritos nos comentários. Tenho certeza de que perdi muita coisa boa.
#40
Misotheist
For the Glory of Your Redeemer
O segundo e inegavelmente superior álbum desses noruegueses anônimos. Com três músicas e pouco mais de meia hora de black metal denso e antiteísta, nenhum segundo é desperdiçado. Guitarras vibrantes, bateria implacável e uma performance vocal grave e repugnante, uma das mais eficazes que já ouvi em um disco de black metal nos últimos tempos. E há também o estilo de produção, que equilibra uma reverberação quase vazia com uma distorção sufocante, e me lembra do BM islandês que todos nós tanto amamos.
#39
Andy Shauf
Wilds
Como disse um fã no Bandcamp: "O Judyverse continua". Wilds retoma alguns dos fios de The Neon Skyline , o excelente álbum anterior de Shauf (meu segundo favorito de 2020!), sem assumir um enredo mais amplo. Desta vez, os arranjos são mais soltos e a qualidade da gravação é um pouco mais áspera, mas as melodias não são menos imaculadas; Shauf continua mestre no gancho instrumental. A liberdade de uma narrativa abrangente permite que Shauf se apoie nas qualidades mais oníricas de suas composições. Nosso narrador geralmente aparece apenas in media res — em uma praia, em um casamento, em um quarto de hospital ou motel — discutindo com um amante, lutando contra a culpa ou uma ressaca, ou se drogando e dançando desajeitadamente.
#38
S.H.I.
4 死 Death
Uma colisão violenta de thrash industrial estilo Ministry dos anos 90 com hardcore estilo GISM, com uma pitada de eletrônica de potência para completar. Nada além de hinos vibrantes, barulhentos e de punhos no ar, envoltos em atmosferas caóticas e ecoantes, praticamente sem trégua.
#37
Steel Bearing Hand
Slay in Hell
Quando escrevi sobre este disco em maio , chamei-o de "um disco de death/thrash absolutamente incrível". Eu também disse: "Adicione um pouco de lama death/thrash lisérgica e um acabamento levemente enegrecido, e teremos um dos melhores e mais divertidos discos de metal que já ouvi nos últimos tempos". Então eu disse: "Além disso, ele acompanhou algumas sessões de bombeamento de ferro bem intensas na sede da OPIUM HUM, o que significa que é divertido E faz bem!" E então falei brevemente sobre meus nardos. E aí acabou!
#36
GosT
Rites of Love and Reverence
Apesar de ser uma figura de proa do synthwave, GosT (também conhecido como o artista texano James Lollar) nunca realmente se interessou pela nostalgia flagrante daquela cena, usando os sintetizadores sombrios e pulsantes das trilhas sonoras de terror dos anos 80 como ponto de partida, em vez de destino. Rites of Love and Reverence quebra o abuso de faders com infusão de metal do passado de GosT, deixando para trás uma mistura hipnotizante e altamente dançante de EBM e darkwave que ainda assombra e é totalmente capaz de destruir seus alto-falantes.
#35
Danny Elfman
Big Mess
Muita gente não suporta esse disco. E eu não os culpo. Está no nome: esse disco é mesmo uma baita bagunça. É grosseiro e disperso, tanto musicalmente quanto liricamente: um monólito de rock industrial de vanguarda que sugere uma paisagem interior densamente desorganizada e sem luz. Vocalmente, Elfman canaliza seu Mike Patton interior , e através de todos os gemidos, gritos, quase raps e croons (seu modo preferido), Elfman realmente enuncia, então suas reflexões simples e misantrópicas ("Desculpe por você existir porque suga o ar dos meus pulmões"), mantras ameaçadores ("Quero ver você sem suas roupas, sem sua pele") e pânico noturno ("Velhos brancos, eles querem sugar meu sangue"), tudo isso soa cristalino. Bateria distorcida, cordas cinematográficas, guitarras raspando e sintetizadores roucos abundam. E vai ficando cada vez mais caótico e descontrolado à medida que avança. Não estou aqui para oferecer contrapontos. Só acho tudo isso incrível.
#34
Marianne Faithfull with Warren Ellis
She Walks in Beauty
Todos os anos, ao fazer essas listas, tento representar não os álbuns que são "os melhores", ou os mais significativos culturalmente, ou os mais legais, mas aqueles que considero mais propensos a permanecer na minha rotação regular pelos próximos anos. Ao listar She Walks in Beauty , estou quebrando minhas próprias regras. É um disco completo de Marianne Faithfull recitando poesia romântica — de John Keats, Lord Byron e um bando de outros escritores extravagantes cujos nomes soam familiares — sobre as composições ambientais exuberantes do chefe Bad Seed Warren Ellis. Eu o ouvi duas vezes e não espero ouvi-lo com muito mais regularidade nos próximos anos. Mas me faz chorar como um bebê. Em algum lugar entre o som da voz desgastada de Faithfull, sua entrega expressiva sem esforço, a beleza atemporal e impossível dos próprios poemas e os acompanhamentos brilhantes de Ellis, há uma alquimia mágica e desolada, e isso me mata completamente.
#33
Bríi
Sem Propósito
Do meu texto anterior : "Black metal brasileiro que induz ao transe. Duas composições psicodélicas e extensas que fundem os mundos aparentemente díspares do krautrock/synth da escola berlinense e do black metal atmosférico. Não deveria ser surpresa para ninguém que este seja um dos meus discos favoritos do ano até agora, mas, honestamente, eu o ouvi esperando um black metal atmosférico interrompido por interlúdios de sintetizador, e fiquei exultante ao ouvir uma fusão realmente completa e perfeita."
#32
Paranorm
Empyrean
A estreia extraordinária desta ainda jovem banda sueca, Empyrean, marca a primeira vez que me empolguei de verdade com um disco de thrash puro em anos, eu acho. Épicos arrebatadores, com várias partes, riffs afiados, guitarras heroicas harmonizadas por dias e um vocalista rouco, com pegada black metal, para acompanhar suas ocasionais variações enegrecidas. Remete aos dias de glória de bandas como Dark Angel , Heathen e, sim, Metallica.
#31
Paranorm
Empyrean
Um álbum descontraído e doce sobre amor — e sexo, paixão, desilusão amorosa, etc. A maioria das músicas de Glow soa influenciada pelo pop vocal dos anos 50, lounge e música exótica; há também alusões ao lite-grunge e ao dream pop estilo Beach House. Assim como a figura na capa do álbum, o disco inteiro soa submerso em água morna. Talvez seja por isso que eu o ouço no chuveiro com tanta frequência.
#30
Casper Clausen
Better Way
Art rock conceitualmente abstrato, com muita eletrônica. Better Way detona com "Used to Think", uma dose de endorfina de quase 9 minutos de duração, alimentada por kraturock. Mas isso se mostra uma pista falsa, já que o álbum tende a se ater a águas mais lentas e turvas. É um pop experimental, esquisito e descolado, com algumas referências nem tão legais assim — ouço Cluster e Radiohead, claro, mas também ouço um pouco de Phil Collins, da era Face Value , e Passengers , o projeto colaborativo único entre U2 e Brian Eno que defenderei até o dia da minha morte. E, do seu som suave e cintilante aos temas líricos oceânicos, "Ocean Wave", que encerra o álbum, sempre me lembra de outro álbum: "Blue Ocean Floor", de Justin Timberlake. (Isso é mais uma associação pessoal do que uma influência percebida.) Mas eu gosto de muita música "chata", e você provavelmente também, seu grande mentiroso.
#29
God's Hate
God's Hate
Você sabe como o sistema bipartidário nos Estados Unidos é uma piada? E como o Partido Republicano tradicional se alinhou a grupos marginais de extrema direita como os Proud Boys e o Q, deslocando assim todo o nosso discurso político para a direita e pintando democratas moderados, centristas e até mesmo de direita como comunistas? E como, em 2021, a única diferença real entre os partidos Republicano e Democrata é "foda-se os pobres" versus "foda-se os pobres #BLM"?
Claro que sim. Bem, é mais ou menos como o que aconteceu com o hardcore e o metalcore. Nos anos 90, bandas como Earth Crisis e Hatebreed, que eram extremamente pesadas e pesadas, eram consideradas metalcore. Então, no início dos anos 2000, surgiu um milhão de bandas que soavam como At the Gates com breakdowns pesados, e esse som se tornou o que todos chamavam de metalcore, enquanto bandas que seguiram os passos do metalcore dos anos 90 (como God's Hate) agora eram apenas hardcore, ponto final. Essencialmente, toda a conversa mudou. A única razão pela qual essa analogia não se sustenta é porque o hardcore é mais forte por isso, enquanto o sistema político dos EUA parece estar constantemente à beira do colapso.
De qualquer forma, God's Hate arrasa pra caramba. No minuto em que ouvi o refrão de "Be Harder" ("A vida! É! Difícil! SEJA! MAIS DIFÍCIL!"), soube que era um clássico. Não consigo imaginar quanta fibra já foi bombeada para este disco.
#28
Gnod
La Mort Du Sens
Rock barulhento e lamacento com guitarras dissonantes e entrecortadas, um vocalista ansioso e sarcástico e graves distorcidos, encorpados e potentes. Há um toque de pós-punk no som despojado e agitado do álbum, mas as músicas repetitivas, niilistas e autoflagelantes, e a bateria precisa, quase riff, são 100% rock barulhento. Toda vez que coloco esse disco para tocar, acabo aumentando o volume tanto que, quando acaba, meus ouvidos estão zumbindo. Essa banda é nova para mim, mas, pelo que posso perceber, eles costumavam ser uma banda de rock psicodélico? Acho que consegui perceber isso — há algo psicodélico no apocalipse em camadas e de combustão lenta que é "Giro Day", o último álbum — mas eles definitivamente caíram de paraquedas na nossa realidade de merda por enquanto, e estão irritados com isso.
#27
Laura Mvula
Pink Noise
Curti os dois primeiros discos da Mvula, mas, para mim, eles nunca passaram do status de "muito bons", e com o passar dos anos sem um novo disco, eu meio que imaginei que ela poderia ter seguido em frente. Então, Pink Noise chegou com tudo, ostentando uma produção dos anos 80 grandiosa, impactante e absolutamente impecável, digna de competir com o art pop, o electrofunk e o R&B viciante da era So , ao estilo de Peter Gabriel, tudo isso com uma confiança e sofisticação supremas e inspiradoras. A estrutura despojada do álbum — 10 faixas, 37 minutos, um Lado A e um Lado B óbvios — apenas enfatiza a força de cada música e a sutil versatilidade que ela extrai de um som extremamente coeso. É um triunfo de um álbum que, de alguma forma, ainda não lhe rendeu o reconhecimento — pelo menos nos Estados Unidos — que ela merece.
#26
Miasmata
Unlight: Songs of Earth and Atrophy
Estreia completa do Miasmata, o novo projeto solo do ex-Soujourner Mike Wilson. Black metal melódico épico tocado com a ferocidade do speed metal e os leads triunfantes do heavy/power metal. Wilson pisa fundo no metal desde o início, e lá permanece, acelerando a um ritmo alucinante de riff matador em riff matador. Quem diria que seria possível se divertir tanto com um black metal tão gelado?
#25
Azure Ray
Remedy
Um álbum de reunião inesperado de uma das bandas definitivas de Saddle Creek. Felizmente, a dupla evita qualquer tentativa de reinvenção, mantendo-se fiel à sua essência de vocais sussurrantes e harmonizados e canções melancólicas, porém reconfortantes, com letras ambíguas demais para serem consideradas "confessionais". A atmosfera sonhadora e envolvente que colore a maior parte do disco dá continuidade a um caso de amor com sintetizadores e baterias eletrônicas que começou com Hold On Love , de 2003; aqui, porém, eles soam mais naturais e refinados do que nunca. Em um ano marcado por ansiedade quase constante, Remedy realmente fez jus ao seu nome, me ajudando a respirar e a me concentrar em alguns momentos particularmente difíceis. E se isso não é um bom barômetro para avaliar o valor de um disco, então não sei o que é.
#24
Isaiah Rashad
The House Is Burning
Um dos poucos discos de rap que realmente me conquistaram este ano. Rashad presta homenagem à realeza do rap gangsta sulista com samples e referências líricas, e há algumas batidas e flows melancólicos e inspirados no trap no início, mas, à medida que o álbum avança, um som mais descontraído, com influências de R&B, começa a se impor. É uma vibe tranquila e esfumaçada, e Rashad passa bastante tempo se exibindo, mas versos como "Meu irmão era meu parceiro, morreu na semana passada" e "Você não tem nada para viver" apontam para um mundo de mágoa à espreita nas bordas de cada compasso.
#23
Order
The Gospel
As últimas novidades destes porta-estandartes do Verdadeiro Black Metal Norueguês™. Os membros do Order são a realeza do metal norueguês da velha guarda, incluindo dois membros originais do Mayhem (o vocalista Messiah e o baterista Manheim), além do guitarrista Anders Odden (também conhecido como Neddo), do Cadaver. Apropriadamente, sua abordagem ao black metal é habilmente primitiva, evocando Celtic Frost, Bathory e, sim, Deathcrush , ao mesmo tempo em que demonstram uma consciência da melodia da segunda onda e da atmosfera "moderna". Riffs simplistas, porém inventivos, sucessos em andamento médio e um senso inabalável de devoção satânica. Mais um disco que conquistou meu apoio incondicional por me animar enquanto estou malhando.
#22
Alessandro Cortini
Scuro Chiaro
Cortini toca teclado no Nine Inch Nails desde meados dos anos 2000, e em "Scuro Chiaro" isso fica evidente. E não é só o fato de ele utilizar uma paleta de som mais orgânica do que em seus primeiros trabalhos solo. É nas melodias minimalistas e distorcidas; nos sintetizadores distorcidos; e, acima de tudo, nas ondas de distorção estáticas e shoegaze que fluem e refluem em muitas dessas composições, às vezes ameaçando engoli-las por inteiro. Assim como os álbuns "Ghosts" do NIN , "Scuro Chiaro" pode ser classificado como música ambiente, mas é muito sombrio, muito emocionalmente evocativo e — talvez o mais importante — simplesmente alto demais para desaparecer no fundo.
#21
Low
HEY WHAT
O último álbum do Low, Double Negative, foi meu álbum favorito de 2018. Um álbum tão inovador e com um som tão atual quanto provavelmente ouviremos no século XXI, ele mostrou a banda destruindo seu som, substituindo guitarras glaciais e harmonias celestiais por muito do que Tim Hecker chamaria de "lixo digital" — ruído áspero, falhas, sons geralmente muito processados.
HEY WHAT é um refinamento e um brilho para esse som. Os vocais se encaixam confortavelmente sobre a mixagem, em uma forma bem menos processada, e a sonoridade — uma parede quase constante de distorção que se apoia fortemente no trêmulo pulsante como substituto da percussão adequada — é mais uniforme. Apropriadamente, HEY WHAT também sugere que o Low está lentamente encontrando o caminho de volta do vazio de esperança que foi o Double Negative (e, não por coincidência, o fim dos tempos do governo Trump), e embora a esperança não tenha necessariamente retornado, ela foi substituída por uma sensação de resiliência e sabedoria arduamente conquistada. Aquele ruído corrosivo, que arrasa cidades, agora é direcionado para fora, atuando como um escudo e uma arma.
#20
Genghis Tron
Dream Weapon
Para mim, o Genghis Tron sempre foi uma banda que outras pessoas gostavam. Um amigo colocava eles para tocar, eu dizia: "Caramba, isso é loucura!" e nunca mais os ouvia até que alguém tocasse para mim. Tudo isso mudou com o Dream Weapon , porque eles praticamente mudaram completamente o som. Acabaram-se as estruturas desorganizadas das músicas e os vocais chiptune que praticamente imploravam para o ouvinte se irritar e parar de tocar, substituídos por um pós-metal agitado, rítmico e retrô-futurista que soa como se o Mastodon e o Black Moth Super Rainbow tivessem acabado juntos em quarentena e decidido fazer um álbum com isso.
#19
Shifted
Constant Blue Light
Sons extremamente abstratos, quase não musicais, mas que, em algum lugar no fundo, têm raízes no techno minimalista. Enquanto algumas das músicas de Shifted são totalmente adequadas para as pistas de dança, Constant Blue Light é pura cor e textura: cromo suave, ferrugem irregular e fluorescência tênue. Drones vibrantes como subwoofers simulam elementos melódicos, sons de raspagem digital zumbindo e crepitando, e uma pulsação trêmula ou um bipe recorrente de estática marcam o tempo ansiosamente. Nada aqui o obrigará a dançar, ou mesmo a se mover. Pelo contrário, esta é uma música que inspira paralisia temporária.
#18
Funeralium
Decrepit
Facilmente uma das minhas bandas de doom metal favoritas do planeta atualmente. É funeral doom, então composições extensas e depressivas são garantidas, mas enquanto a maioria dos colegas do Funeralium emprega uma abordagem hipnótica e gutural, o Funeralium toca com a intensidade do sludge clássico dos anos 90, com um vocalista expressivo e versátil à altura — ele não está apenas miserável, ele está em agonia total. Além disso, há a presença persistente de black/death atmosférico que, intermitentemente, transborda para uma catarse explosiva, tocada por trêmulo, mantendo as músicas envolventes mesmo quando ultrapassam as marcas de 20 e 30 minutos.
#17
VOLA
Witness
Prog metal melódico e superlimpo, com versos pesados e djent e ganchos poderosos com tendência pop, geneticamente modificados para grudar na primeira audição. Enquanto isso, há todos esses elementos eletrônicos — sintetizadores, vocoders, batidas programadas — integrados tão perfeitamente que podem não ser registrados imediatamente. Tudo é executado com uma precisão tão impressionante que é fácil esquecer o quão rápido poderia ter dado errado. O primeiro grande choque vem depois de algumas faixas, quando, depois de algumas passagens pelo riff mais sombrio e pesado até então, surge uma batida que não soaria deslocada em um disco do Korn, seguida por um verso de rap completo de Bless (da dupla Shahmen de Los Angeles). O segundo choque vem alguns momentos depois, quando você percebe que funciona pra caramba, e agora você acredita em milagres. Costumo ser um pouco desconfiado desse tipo de prog açucarado, mas Witness é simplesmente inegável.
#16
Valac
Burning Dawn of Vengeance
Um dos efeitos colaterais menos notáveis das convulsões sociais e políticas de 2020-21, para mim, foi a diminuição do interesse por músicas que visam ativamente ser desagradáveis. Quando o mundo joga coisas novas e horríveis para você pensar, aparentemente todos os dias, você não precisa de uma banda para fazer o mesmo. Essa foi uma mudança muito real para mim, e eu, na verdade, saí de uma banda antiga por causa disso. (Claro, como boa parte desta lista mostra, não é uma regra rígida.)
Assim, em algum momento, perdi completamente o interesse pela cena black metal crua atual. Começou a parecer uma corrida para o fundo do poço para provar quem conseguia fazer a gravação mais horrível, fazer uma rápida sessão de fotos no porão, converter a imagem mais assustadora para preto e branco de alto contraste, colocar uma moldura bacana em volta dela e enganar os jovens fãs de black metal para comprarem seu LP de edição limitada por US$ 150. Na pressa de soarem como idiotas, muitas dessas bandas e projetos se esqueceram de compor músicas.
Entra Valac. À primeira vista, este projeto solo espectral de Santa Fé pode parecer se encaixar nesse estereótipo, mas difere da fórmula em dois aspectos cruciais. Primeiro, a gravação é crua, mas compreensível. Há um grau de separação entre bateria, baixo, guitarra e vocais, que confere ao disco uma sensação de espaço e atmosfera. Então, quando um solo tocado por trêmulo entra em cena, ou os vocais ghouls cheios de reverberação retornam após uma pausa, há espaço para eles pairarem sobre a mixagem como aparições ofendidas. Em segundo lugar, e mais importante: o cara está escrevendo riffs genuínos e os juntando em rippers eficazes, melódicos e melancólicos para se desligar desta espiral mortal.
#15
The Reds, Pinks & Purples
Uncommon Weather
O rock jangle dos anos 80 se inspira em 2021 com uma névoa lo-fi, estilo Beach Fossils. Uncommon Weather , o segundo álbum completo deste projeto solo do roqueiro indie de São Francisco, Glenn Donaldson (segundo o Discogs, ele já tocou em um milhão de outras bandas, nenhuma das quais eu conheço), incorpora a doce e vibrante inocência do indie inicial da costa oeste com tanta perfeição que é fácil não perceber que cada música é uma verdadeira joia de indie pop inteligente, mordaz e direto.
#14
Mastodon
Hushed and Grim
Olha, ninguém está mais surpreso de ver isso aqui do que eu. Claro, eu amava Remission , mas não estava pronto para os vocais limpos e o som mais melódico que eles adotaram com Leviathan — a quantidade insana de hype em torno dele provavelmente não ajudou — e eu nunca realmente os alcancei. Mas continuo checando com eles, e desta vez, eles acertaram em cheio. Como se poderia esperar de um álbum duplo, as ambições do prog estão de volta com força total, mas são temperadas pelo rock alternativo ensinado e musculoso que eles têm adotado desde Once More 'Round the Sun (talvez até The Hunter , eu esqueci completamente como esse disco soa), encontrando um meio-termo majestoso e emotivo que faz ambos os lados da moeda brilharem mais intensamente. As últimas músicas de cada disco são minhas duas favoritas — "Pushing the Tides" é uma das melhores músicas deles até agora, e "Gigantium" reimagina Torche como uma força cósmica — mas o álbum inteiro é tão emocionalmente ressonante quanto você provavelmente ouvirá de uma banda que eu chamei mais de uma vez de "BBQ metal".
#13
Amyl and the Sniffers
Comfort to Me
Todos os meus amigos estavam pirando com essa banda alguns anos atrás, mas eu continuei dormindo em cima deles até Comfort to Me e os videoclipes que a acompanham. Ops. Essa banda é incrível, e Comfort to Me é o melhor disco punk puro que já ouvi desde que o Royal Headache lançou High e logo depois se separou. A produção é robusta, as guitarras arrasam e Amy exala o tipo de carisma arrogante que só os melhores vocalistas de punk rock conseguem reunir. Tantas letras que podem ser citadas instantaneamente: "Energia boa e energia ruim / Eu tenho muita energia / É a minha moeda"; "Segurança, você me deixa entrar no seu bar? / Eu não estou procurando encrenca, estou procurando amor." Só de digitar isso me dá vontade de ficar bêbado e roubar um carro de polícia.
#12
Loscil
Clara
Tão sombrio e imersivo quanto Loscil jamais soou. Apesar de seus 70 minutos de duração, Clara é em grande parte originário de uma única composição orquestral de 3 minutos. Essa gravação original foi então cortada, manipulada e esticada em uma névoa envolvente e noturna de cordas exuberantes e lynchianas, estática granulada, ecos sem nome, drones brilhantes e sintetizadores leves. Do meu ponto de vista, a música ambiente atualmente é tão popular quanto sempre foi — provavelmente porque todos no mundo sofrem de alguma forma de ansiedade crônica — portanto, o mercado está saturado de álbuns malfeitos, projetados para serem recomendados a você por um algoritmo, tornando um álbum sutil, reflexivo e silenciosamente deslumbrante como Clara ainda mais milagroso.
#11
JPEGMAFIA
LP!
Mais despachos de um dos rappers-produtores mais dinâmicos e desafiadores do planeta. Os álbuns do JPEGMAFIA são sempre caóticos, e LP! realmente se inclina para essa sensibilidade repleta de ideias em todas as frentes. Seus instrumentais oscilam entre sintetizadores borbulhantes, gospel com pitch alterado, samples do Animals As Leaders (sim, a banda instrumental de prog-metal), R&B lo-fi e niilismo explosivo. Liricamente, como sempre, todos são suspeitos, da polícia a estrelas pop, colegas, seus próprios amigos e fãs de edgelord, e seus vocais variam de um sussurro quase rouco e rápido a gritos exagerados, muitas vezes dentro da mesma música. Nada disso é particularmente novo no mundo do JPEGMAFIA, mas LP! é, para mim, o álbum mais completo e completo até agora deste artista singular e intransigente.
#10
William Doyle
Great Spans of Muddy Time
Pop artístico inventivo, desmiolado e com muita eletrônica. Doyle canta com um croon vibrante que desliza facilmente por mares exuberantes e agitados de sintetizadores e glitch, igualmente hábil em transmitir maravilhas sonhadoras ("Há outra realidade / Além daquela que escolhemos ler como evangelho / E nunca isso é mais verdadeiro do que em sua luz") e depressão paralisante ("Estamos enterrados sob grandes extensões de nada.") Essas letras poéticas e inquisitivas são complementadas por uma série de instrumentais vagos e lo-fi, presentes ao longo do álbum, que às vezes parecem ainda estar em construção, ajudando a dar corpo a uma narrativa de autoexploração e crueza emocional.
#9
Wednesday
Twin Plagues
"O grunge vive!", disse um velho amigo meu, que já se foi, quando toquei para ele "Little Judas Chongo" , do Melvins, um momento que, ao longo dos anos, virou um gif de reações que toca na minha cabeça toda vez que ouço uma peça perfeita de revival do grunge, como a faixa-título do álbum Twin Plagues . Todo texto sobre o Wednesday os chama de banda shoegaze, e isso certamente faz parte do som deles, mas também ouço muito da distorção descontrolada do Magic Dirt e do heroísmo narcotizado da guitarra do Helium . O Wednesday bate forte e pesado, e então, do nada, eles te atingem com um devaneio country alternativo de partir o coração como "How Can You Live If You Can't Love How Can You If You Do" (que meu amigo confundiu com Mazzy Star) e você percebe que, por mais incrível que essa banda já seja, por mais jovens que sejam, seu potencial é realmente enorme.
#8
Cory Hanson
Pale Horse Rider
Uma viagem à meia-noite por uma estrada perdida de psicodélico americano deste líder de banda do Wand. Músicas country e folk-rock surrealistas com uma qualidade nebulosa e mística e arranjos fantasmagóricos e discretos – guitarras dedilhadas, pedal steel, piano, bateria discreta – que ocasionalmente assumem nuvens amorfas de psicodelia atmosférica. Ouço ecos de Everybody Knows This Is Nowhere , particularmente na extensa e desorganizada "Another Song from the Center of the Earth", e me recuso a acreditar que "Angeles" não seja, em parte, uma homenagem à música homônima de Elliott Smith. No entanto, visto como um todo, Pale Horse Rider – e o mundo de estradas desertas mal iluminadas e a melancolia noturna que evoca – é inteiramente criação do próprio Hanson.
#7
Andrew W.K.
God Is Partying
Há uma música em "The Sophtware Slump" , a obra-prima de baixo orçamento do Grandaddy sobre a angústia da virada do milênio, escrita do ponto de vista de um robô suicida que foi negligenciado por seus inventores. É uma das minhas músicas favoritas, e uma letra em particular sempre me chamou a atenção: "Eu tento cantar de forma engraçada como Beck / Mas isso está me derrubando". Essa letra sempre me pareceu inteligente, mas ganhou um novo significado quando, alguns anos depois, " Sea Change" foi lançado e, ao que parecia, nem mesmo Beck conseguia mais cantá-la de forma engraçada.
Tive uma sensação semelhante ao ouvir God Is Partying , em que o Deus da Festa, colunista de conselhos, entusiasta de exercícios e, em geral, o homem que promove tudo o que é bom, verdadeiro e positivo neste mundo, aparentemente sucumbiu à escuridão cada vez mais invasiva. Essa escuridão permeia as letras ("Take the world as a loss", "Annihilate, turn me to dust", "I'm in hell") e a música, que é a mais pesada que ele já produziu; além da esperada bombástica de Def Leppard via Meat Loaf, ouço um pouco de sintetizador, Ozzy da era No More Tears e prog metal moderno. Se eu fosse especular, poderia sugerir que seu recente divórcio influenciou essa direção artística. De qualquer forma, God Is Partying é definitivamente o melhor que ele lançou desde o incrível e esquecido The Wolf .
#6
Lice
WASTELAND: What Ails Our People Is Clear
Um amigo meu, Deus o abençoe, está constantemente me enviando links para novos discos pós-punk que, para mim, são todos completamente intercambiáveis. Esqueci como conheci o Lice — não foi por meio dele —, mas suas composições caóticas, vocais estridentes, bateria estrondosa e som dissonante e destruidor de cidades simplesmente detonam tudo isso. Dá para perceber que o Lice é fã de The Birthday Party e The Fall, mas eles usam esses sons como inspiração, não como objetivos finais. Como são de Bristol, comparações com o Idles são inevitáveis, mas o Lice é muito mais estranho, mais ambicioso e, no geral, muito mais interessante — para mim, pelo menos. (Sem ódio, eu gosto dessa banda.) Um álbum conceitual distópico e de ficção científica, WASTELAND surfa na linha precária entre a pretensão e a zombaria com tanta habilidade que é absolutamente impossível dizer onde uma termina e a outra começa.
#5
Ferriterium
Calvaire
Monólitos imponentes de black metal ortodoxo (ainda chamam assim?) com uma produção massiva, de parede de som. Cada uma dessas quatro músicas é construída como um épico de várias partes — com todos os toques e mudanças de andamento que a acompanham —, mas é tudo tão bem escrito e flui tão naturalmente, que é totalmente envolvente e sem preenchimentos. O trabalho de guitarra, quase todo melódico, com perfeição dedilhado em trêmulo, é cortesia do único membro oficial da banda, Raido, que também cuida do baixo e dos vocais. Os riffs e melodias são tão fodas que você pode levar algumas audições para notar o baterista de estúdio Thyr tocando com afinco, intercalando sem esforço explosões frenéticas, batidas duplas thrash e kicks duplos hipervelozes com um drama mais lento e impactante. Quem diria que o AOTY de black metal seria lançado antes do final de janeiro?
#4
Injury Reserve
By the Time I Get to Phoenix
Hip-hop desconstruído a ponto de ser quase irreconhecível. " By the Time I Get to Phoenix" realmente me levou algumas audições para realmente entender, porque eu sempre esperava, de alguma forma, um disco de hip-hop, e ele não se parece em nada com qualquer hip-hop que eu já tenha ouvido. É uma massa crua, sinuosa e alucinante de batidas gaguejantes, linhas de sintetizador errantes, samples fragmentados, guitarras com pegada grunge, raps surreais e ganchos vocais distorcidos, e tudo é tão fascinante quanto completamente desorientador.
Concluído após a morte da colega de banda Stepa J. Groggs, " By the Time I Get to Phoenix" é o melhor tipo de álbum tributo. Há músicas que abordam diretamente a dor do grupo. No particularmente devastador "Top Picks for You", eles descrevem algoritmos como extensões da vida do amigo falecido, após acessarem sua conta da Netflix e conferirem as recomendações de exibição, acompanhados pelo incentivo da Netflix para "voltar a assistir". Mas a homenagem não se limita ao tema do álbum. O Injury Reserve sofreu uma perda devastadora, mas em vez de se separarem ou recuarem, mergulharam de cabeça no olho do furacão e emergiram com uma obra de arte incrível e desafiadora que, sem dúvida, teria deixado o amigo orgulhoso.
#3
Converge & Chelsea Wolfe
Bloodmoon: I
O Converge mudou a minha vida. Já fui a vários shows deles e eles sempre arrasaram, mas nada supera o primeiro. Eu tinha 17 anos e estava viajando de carro pela costa oeste com minha mãe, meu pai e minha irmã. Enquanto estávamos na casa da minha tia e meus primos em San Diego, o primo mais velho sugeriu que fôssemos a um show, e eu topei com base apenas no fato de que seria uma oportunidade de fumar cigarros e possivelmente ficar bêbado. Só quando estávamos no carro é que descobri que iríamos ver o Converge com American Nightmare estreando em algum lugar tipo VFW Hall. Foi fenomenal. Comprei uma camiseta do próprio Jacob Bannon (pelo menos, eu achava isso na época), fiz mosh, levei um spin-kick no rosto, fiz mosh com o nariz sangrando ao som de "My Great Devastator" e fui para casa cheirando a cigarro, vibrando de excitação. Quando as férias acabaram, entrei imediatamente para uma banda com o objetivo principal de soar o mais parecido possível com Converge (e Catharsis ). Embora eu não tenha o mesmo tipo de história com Chelsea Wolfe, sou definitivamente fã dela e adorei a guinada para o sludge metal com toques de bruxaria que ela fez em seus últimos discos.
Eu realmente não tenho certeza do que eu, aos 17 anos, faria com Bloodmoon . Soa mais próximo de Chelsea Wolfe do que de Converge, e definitivamente não se parece em nada com aqueles primeiros discos, ou qualquer coisa que eles tenham lançado desde então, aliás. Ninguém vai fazer movimentos amadores de caratê se tocarem. E ao contrário de discordante e rápido, é melódico e lento, com mais vocais cantados do que gritados, e é complementado com pianos, sinos, violões e sintetizadores. Há nuances de rock espacial e noir americana por todo o lugar. Uma música soa exatamente como Cave-In da era Jupiter (cujo Stephen Brodsky também aparece em algumas faixas). Mas, para mim, aos 39 anos, é um banquete suntuoso para os ouvidos — a produção de Ballou nunca falha — e uma mudança bem-vinda para uma banda que, para mim, tem sido impressionante, mas não particularmente atraente na última década. Sinceramente, este é o disco que eu queria que eles fizessem desde que ouvi pela primeira vez a angústia lenta da faixa-título épica de Jane Doe desaparecer na eternidade. Espero que haja um Bloodmoon: II .
#2
Leanne Betasamosake Simpson
Theory of Ice
De todos os álbuns que amei deste ano, Theory of Ice é o que me sinto menos qualificado para discutir. Além de seu trabalho como musicista, Simpson é uma poetisa aclamada, e Theory of Ice está enraizado em uma série de peças que ela escreveu sobre água. E apesar dos discursos depressivos que enchiam meus cadernos quando eu tinha 16-18 anos, eu realmente não entendo nada de poesia. Além disso — e mais significativamente — ela é uma estudiosa dos Michi Saagiig Nishnaabeg , um povo indígena que originalmente ocupou o que hoje é chamado de sul de Ontário, e este disco é fortemente influenciado por essa experiência e conhecimento cultural. Então, são dois mundos de práticas, pontos de referência e padrões sobre os quais eu não sei praticamente nada.
O que eu sei, porém, é que Theory of Ice é um dos discos mais tocantes que ouvi este ano. Musicalmente, é uma mistura de bom gosto de guitarras acústicas e elétricas, piano/teclado, percussão suave e a voz suave e sussurrante de Simpson — um som infinitamente agradável que o situa em algum lugar no reino do indie-folk-rock. Em termos de letras, porém, é absolutamente fascinante e, muitas vezes, comovente. É rico em imagens de beleza invernal, amor familiar e tradições tribais, mas permeado pela incerteza do derretimento de camadas de gelo, barcos furados e colheitas fracassadas.
Cada música é de tirar o fôlego. "The Wake" tem um dedilhado acústico alegre e simples que sugere inocência, fazendo versos como "Injured certified / I wish I'd held you when you died" cortarem como facas; quando o refrão final de "Ashes in my eyes crush fires" soa, o mundo está desmoronando ao seu redor. "Viscosity" é um ritual de limpeza para a toxicidade da cultura online e do neoliberalismo. Depois, há a peça central, um cover de "I Pity the Country", do cantor folk canadense/indígena Willie Dunn, que Simpson transforma de uma simples canção folk de protesto em um hino cintilante e de construção lenta que destaca tanto a natureza tristemente atemporal da letra da música quanto a sensação de catarse que pode advir de simplesmente dizer coisas como "I pity the country, I pity the state / And the mind of a man who thrives on hate" em voz alta, para quem quiser ouvir.
#1
Marissa Nadler
The Path of the Clouds
No meio da deslumbrante faixa-título de The Path of the Clouds , um solo de guitarra dupla maravilhosamente nebuloso irrompe pelas nuvens como luz vinda do céu. É o tipo de som mágico e transportável que me fez apaixonar por música quando criança, e ao ouvi-lo pela primeira vez, imediatamente percebi que Nadler havia se esforçado MUITO mais para este. The Path of the Clouds ainda está enraizado no folk espectral e repleto de reverberação que ela já dominava em meados dos anos 2000, mas o som aqui é de longe o mais exuberante e psicodélico de sua discografia: um som de banda completa pintado em espirais brilhantes de harpa, sintetizador, órgão, piano, sinos, instrumentos de sopro e muito mais. Toda vez que ouço, sinto como se estivesse levitando.
Mas não é só o som que me cativa. Estas são algumas das músicas e melodias mais evocativas que Nadler já compôs. Ela se aprofunda em desaparecimentos misteriosos — aparentemente devido a um fascínio por episódios antigos de Unsolved Mysteries , devido à quarentena — com um efeito de tirar o fôlego e arrepiante. Às vezes, ela dá voz aos desaparecidos e seus supostos fins trágicos; em outras ocasiões, ela simplesmente conta suas histórias, deixando-as suspensas no ar como pontos de interrogação fantasmagóricos. Elas parecem profundamente enraizadas nas tradições do folk rock de Laurel Canyon e transmitidas diretamente para o nosso mundo através de algum portal do Hades.
Levei meu tempo com este. Levei mesmo. Ouvi várias vezes antes mesmo de querer falar com alguém sobre ele, porque, aparentemente, poucos artistas me inspiram hipérbole como Marissa Nadler. Quando o álbum autointitulado saiu, eu disse que era o melhor dela. O mesmo para July , depois para Strangers . Talvez eu até tenha dito isso brevemente sobre For My Crimes . Entre os álbuns, porém, sempre pareço voltar a Songs III: Bird on the Water . Então, quando no meio da minha primeira audição de The Path of the Clouds , me peguei pensando: "Puta merda, este é totalmente o melhor álbum dela!" Precisei dar um tempo, para não me enganar mais uma vez. Mas aqui estou eu, um mês depois, ainda pensando nisso, então vou chamá-lo pelo que é: sua obra-prima e meu álbum favorito de 2021.
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