A cena do rock progressivo francês

 

Os eventos de maio de 68 na França desencadearam o surgimento da cena rock francesa, principalmente a progressiva. A reação coletiva da jovem geração contra o sistema e o governo foi, em menor grau, semelhante à raiva expressa pelo movimento hippie durante a Guerra do Vietnã em relação aos Estados Unidos. Foi durante shows e apresentações em pequenos espaços do underground parisiense que as bandas começaram a emergir da obscuridade.

No final dos anos 60 e início dos anos 70, bandas como Amé Son, Fille Qui Mousse e Red Noise fizeram sucesso localmente, consolidando sua reputação apesar do domínio de bandas míticas da época, em sua maioria originárias da Inglaterra ou dos EUA. Os ingleses Pink Fairies, The Doors e, claro, Arthur Brown estavam entre as figuras mais notórias da cena musical parisiense, essencialmente fazendo turnês em clubes e locais históricos do "underground" como o Circo do Rock'n'Roll. Entre a primeira onda, o coletivo multinacional Gong liderou o movimento do rock francês free-psych. A banda de Daevid Allen permaneceu na França até 1973 para a gravação de um de seus álbuns mais famosos, "Camembert Electrique". Dashiell Hedayat (geralmente conhecido como Jack Alain Leger por seus escritos e traduções), que também gravou com o Gong, lançou, no mesmo período, dois álbuns pessoais de space rock inspirados por sua poesia e pelo "teste do ácido". Menos conhecido que o Gong, o Ame Son figurou como uma banda importante e notória durante esses primeiros anos. Eles foram reconhecidos como os primeiros a expressar o sentimento musical do rock psicodélico nos anos 60.

Mais próximo de Canterbury, o Carpe Diem é uma interessante banda de jazz-rock com arranjos clássicos. Lançado em 1975, seu primeiro álbum, "En regardant passer le temps", mescla o virtuosismo dos músicos com um senso refinado de ritmo e melodia. Naquela época, seu som era bastante singular na cena francesa. Para outros, obras intrincadas no gênero de bandas clássicas de rock progressivo inglês como Genesis, Pink Floyd e King Crimson, a segunda onda inclui o Pulsar com seu misterioso e onírico "Halloween" (1977), o Asia Minor com seu sofisticado e orquestrado "Between Flesh and Divine" (1981). O Shylock, que lançou dois álbuns no final dos anos setenta ("Gialorgues" / "Ile de Fievre"), estabeleceu um interessante diálogo entre o estilo à la King Crimson e influências de vanguarda.

Bem distante de bandas como Gong, impregnada pela cena de Canterbury e mais voltada para o avant-jazz e o rock experimental, está a popular banda francesa de rock progressivo Magma. A incrível música de Christian Vander talvez seja a única vez em que uma banda francesa levou à explosão de um subgênero inteiro: o Zheul! O jazz contemporâneo híbrido do Magma foi rapidamente seguido por outras bandas francesas estranhas e originais, como Zao e Dün. A influência da música do Magma é vista em todos os lugares. Muitas novas formações japonesas carregam ecos desse universo musical atípico. Ainda no lado experimental do rock francês, Fille Qui Mousse foi uma das bandas mais originais. Em oposição aos padrões do rock clássico, eles entregaram composições radicais de avant-rock, como Faust e Can haviam feito. O quinteto de free fusion rock Camisole estava na vanguarda do som RIO, entregando canções de rock teatrais, improvisadas e descontroladas, rompendo com todo o conformismo musical. A banda atingiu seu auge em 1977, pouco antes de seu encontro e fusão com o Lard Free e sua participação no projeto "Urban Sax", fundado por Gilbert Artman (vocalista do Lard Free).

Outra banda incrível e singular foi a Clearlight, liderada pelo pianista e tecladista Cyrille Verdeaux. Com seu primeiro álbum, "Clearlight Symphony", lançado pela Virgin em 1975, a banda desenvolveu um novo universo musical conceitual baseado no romantismo clássico, jazz, experimentação e atmosferas "psicodélicas". A banda fez turnês pela Europa e com o Gong. Desde então, Cyrille Verdeaux gravou diversos álbuns solo para piano de cauda e teclados, ocasionalmente trabalhando com Christian Boule, membro de longa data da Clearlight. Com Tim Blake e Cyrille Verdeaux nos teclados, o guitarrista Christian Boule gravou "Photomusik", uma vasta coleção de composições de rock espacial em uma linha similar à da Clearlight, embora menos inspirada.

Assim como a cena Krautrock alemã, a cena francesa também nasceu como reação à forte influência de bandas britânicas e americanas. A resposta francesa foi uma cena de rock alternativo voltada para a experimentação e instrumentos eletrônicos. Fundada por Richard Pinhas, a banda Heldon esteve na vanguarda dessa direção musical. O álbum de estreia ("Guerilla Electronique", 1974) anuncia claramente o tom: guitarra com sustain distorcido, loops de fita e combinações eletrônicas circulares. A Heldon é reconhecida como uma banda fundamental no desenvolvimento da cena underground do rock francês, oferecendo uma mistura única de punk eletrônico e música pré-industrial. Em carreira solo, Richard Pinhas dedicou-se em grande parte a álbuns de viagens intergalácticas com sintetizadores, à maneira de Klaus Schulze e outros pioneiros da música eletrônica alemã. Os principais álbuns dessas extensas obras com sintetizadores são "Rhizosphere" e "Chronolyse".

A comparação mais próxima com a música cósmica alemã veio de Bernard Xolotl e suas incursões em longas experimentações "épicas" e "atmosféricas" com sintetizadores. Após anos dedicados à pesquisa eletroacústica, este músico francês, que também era pintor e escritor, direcionou sua carreira musical inteiramente para os territórios do "ambient" e do "new age". Gravado em 1983, "Last Wave" é um de seus trabalhos mais memoráveis. Não muito distante dos territórios eletrônicos e minimalistas, o Gilbert Artman's Lard Free é uma grande figura musical da cena underground do rock francês. Sons "alucinógenos" e rock pré-industrial revelam a identidade desta banda. Eles lançaram seu primeiro álbum em 1973 ("Gilbert Artman's Lard Free"), seguido por outros dois ("I'm Around About Midnight" e "III"). Há conexões com outras bandas como Heldon e Clearlight: Richard Pinhas, do Heldon, estreou no Lard Free com guitarra e sintetizadores ("I'm Around About Midnight", 1975). Gilbert Artman colaborou com Cyrille Verdeaux e Clearlight na trilha sonora altamente orquestrada e "psicodélica" de "Visa de Censure n° X" (1975). Membro do coletivo "Musical Electronica Viva", dedicado à pesquisa eletroacústica, Yvan Coaquette fundou a banda Spacecraft com John Livengood. Dessa colaboração surgiu "Paradox": uma performance eletrônica massiva com guitarra e máquinas.

Em uma direção musical totalmente diferente, a banda de folk rock Malicorne lançou alguns álbuns semi-progressivos em um estilo próximo ao de Gryphon e Ougenweide, sem qualquer inspiração medieval ou pré-renascentista. A música tradicional celta se mistura com baladas pop cantadas em francês. Eles lançaram seu primeiro álbum homônimo em 1974. "Almanach" (1976) é um bom trabalho de folk progressivo, composto principalmente por instrumentos acústicos e com uma discreta adição de arranjos de teclado. Também da cena folk, a banda Tangerine, com seus álbuns "Memoire" e "De L'autre Côté De La Forêt", oferece uma bela e etérea "viagem" acústica.

Em sintonia com a música "La Variété" e a "chanson française", bandas de rock mainstream como Ange, Atoll e Pulsar marcaram mais um passo na música progressiva francesa dos anos 70. Muito populares, o Ange combinava um apurado senso lírico com a influência do Mellotron do King Crimson e passagens acústicas originais de rock sinfônico. "Le Cimetière des Arlequins" representa o ápice de sua carreira. Mais tarde, desenvolveram um rock teatral onde os vocais assumem o papel central, dando continuidade ao trabalho iniciado por Peter Gabriel, do Genesis. Até recentemente (até a aposentadoria de Descamp), o Ange era uma atração incrível ao vivo. Desde então, inspiraram muitas bandas "clones", como o Mona Lisa.

Entrevistas relacionadas

RICHARD PINHAS (RP) de HELDON

Por Philippe Blache (PB), Paris, 25/09/2009

PB: Depois, qual foi o mecanismo de lançamento, o início da odisseia musical de Heldon?

RP: No início, havia um grupo de blues, o "Blues Convention", que eu havia formado com aquele que se tornou o primeiro vocalista do Magma, Klaus Blasquiz. Depois de um ou dois anos, paramos porque não nos encaixávamos mais, não com o Klaus, que continuou sendo um bom amigo, mas com os outros dois. Ao mesmo tempo em que estudava na faculdade, pensei em fazer música de forma mais "séria". Formei um grupo chamado Schizo, uma espécie de introdução ao Heldon. Um primeiro disco foi lançado e distribuído gratuitamente em milhares de exemplares, seguido por um segundo álbum de apoio à RAF, sem nenhuma pretensão leninista (risos). Em 1971/72, havia os cursos de Deleuze, que descobri meio que por acaso. Digo por acaso porque o encontro com Deleuze aconteceu durante a defesa de tese de Lyotard. Comecei a frequentar suas aulas, comecei a ler seus livros e então me deparei com eles, porque eram realmente impressionantes. Ao mesmo tempo, havia um grupo que eu comecei a formar em torno de dois ou três amigos, principalmente Patrick Gauthier, que acabou ficando. Rapidamente, formou-se uma formação estável, incluindo François Auger na bateria, Didier Batard no baixo e Patrick Gauthier nos sintetizadores. Decidi encerrar o projeto Heldon, mesmo sendo um projeto com algumas variações, porque os dois membros com quem eu estava em turnê decidiram parar. Disse para mim mesmo que continuaria sozinho. Eu já havia começado a gravar discos solo, e não havia muita diferença entre o que eu fazia solo e o que era lançado sob o nome Heldon. O último disco do Heldon é Stand By (1979). Desde o início, ele foi lançado em oito ou nove países (incluindo o Japão...), pois foi lançado pela Barclay's.

PB: Como você explicaria o ressurgimento de Heldon no início dos anos 2000? Quais foram os efeitos na mídia?

RP: Tínhamos um orçamento excelente e a gravadora nos deu o tempo necessário, foi um presente e isso acontece raramente. Além disso, a base da banda já estava formada. Por outro lado, o lançamento do disco Only Chaos is Real (conceito baseado no tema da "entropia social" de Markowitz) não deu certo e, como a Dantec não queria mais produzir, preferimos parar.

PB: Para você, quais são os álbuns principais?

RP: Durante o primeiro período, entre 1972 e 1984, certos álbuns, posso dizer que "após o impacto", naturalmente, me parecem bastante ruins, para dizer o mínimo, "secundários". Isso significa que hoje eu não os relançaria. Por exemplo, "Heldon 2" e "Heldon 3", até mesmo "Agneta Nilsson". Mas alguns deles permanecem muito bons, até mesmo referências no mundo da "música eletroacústica", penso em "Interface" ou "Stand By". "Um Sonho Sem Consequências Especiais" foi uma verdadeira revolução se considerarmos sua data de lançamento, em 1976. Isso prenuncia o início da música industrial com bandas como Throbbing Gristle. "O Viajante" (baseado em um texto de Nietzsche com a voz de Gilles Deleuze) é uma peça que se tornou o que chamamos de clássico, não sei por quê. No entanto, todos os discos estavam constantemente disponíveis no mercado, se incluirmos os EUA e o Japão, além do território europeu. Na verdade, os problemas só existem na França... Ninguém é profeta, etc.... De resto, a partir de 1999, com a experiência "esquizotrópica" e os álbuns solo, há alguns álbuns mais ou menos bons, mais ou menos definitivos, mas nada de que eu realmente me arrependa. A gravadora Captain Trip, no Japão, relançou "Of the One and the Multiple", um álbum de que gosto particularmente. E há também as colaborações, notadamente uma recente com o grupo experimental e barulhento Merzbow. Agora, se eu pudesse voltar atrás em certas coisas, seriam nos primeiros álbuns; eu excluiria muitos elementos. O que é estranho é que o público e a Cuneiform (minha gravadora) não têm ideias semelhantes: álbuns como "Go teia" ou "Of it rock only n roll" foram aprovados pela grande maioria, enquanto, inicialmente, eu não queria relançá-los. É uma decisão da qual não posso ser o juiz. De qualquer forma, os últimos CDs, "Metatron" ou "Tranzition", estão entre os meus favoritos. Penso ter alcançado, com "Metatron", uma espécie de patamar de composição que será muito difícil de manter. A experiência com "Schizothrope" também foi muito proveitosa, mas três álbuns já são suficientes. É preciso saber se renovar, mesmo que isso signifique "pagar o preço", ou seja, permanecer em silêncio por um momento. O mais difícil na vida de um músico é "o silêncio".

No início da carreira do Heldon, o mundo da música eletrônica era muito pobre. Podíamos apreciar apenas o krautrock na Alemanha, Eno na Inglaterra, Yellow Magic no Japão e alguns americanos com seus sintetizadores MOOG, e isso era tudo. É surpreendente como hoje, quando falamos de bandas francesas, americanas e japonesas, são sempre Magma e Heldon que vêm à mente, às vezes Daft Punk. Todo o resto é praticamente inexistente, independentemente dos meus gostos musicais. Foi com os anos 80 que a música sintética se expandiu a ponto de se tornar, às vezes, qualquer coisa ou nada, música para supermercado. A tecnologia ao alcance de todos, ao contrário do que poderíamos imaginar, não permitiu a criação de mais música no sentido nobre do termo. Não basta ter um "apple" em casa para fazer música; fazemos "plof plof" ou "tictic", na verdade, ampliamos o mercado, o consumo em massa. Mas aí seria necessário fazer uma vasta análise crítica de todo o sistema, tendo a produção sonora como exemplo básico. Tudo está inundado por isso, "tudo se resume", mas esse processo nos foi observado por muito tempo. Em conclusão, no que diz respeito à música eletrônica, apesar de uma incrível devassidão dos meios tecnológicos, talvez haja muito menos criação sonora, composição "real", hoje do que há trinta anos. Estamos muito mais na "reprodução", no retorno ao mesmo, ao idêntico. A música poderia se alimentar de um excedente negativo, mais ou menos do nada, mas felizmente, aqui e ali, raramente, mas sempre, surgem ilhas de criação que às vezes reforçam o próprio processo, o plano da composição sonora.

PB: Quais foram os encontros pessoais e artísticos decisivos em sua trajetória musical?

RP: Musicalmente, Robert Fripp foi muito importante. Tive a sorte de conhecê-lo várias vezes e de vivenciar toda a ascensão do King Crimson. Mas talvez o que mais me impressionou foi a música que tocava antes dos shows do King Crimson, as gravações de Fripp e Eno que passavam ao fundo, às vezes coisas que nunca foram lançadas em disco. Isso marcou esse período (por volta de 1973/1974). E, obviamente, Gilles Deleuze. Além dele, conheci Lacan, Foucault. Assim como todas as pessoas sortudas daquela época.

PB: Você poderia me apresentar a rica imaginação literária e estética que alimentou e enriqueceu o universo musical de Heldon?

RP: O nome Heldon vem de um livro de ficção científica escrito por Norman Spinrad: "O Sonho de Ferro". É o nome de um país imaginário governado por uma espécie de ditador (Feric Jaggar). No momento, gosto da literatura americana com Faulkner, Woolman (...)

PB: Na Paris dos anos 70, na sua opinião, quais foram os grupos ou artistas que mais contribuíram para impor os adjetivos "novo" e "progressivo" à cena musical francesa?

RP: onde quer que você vá no exterior, sempre há um nome e meio que sempre retorna: Magma, depois Heldon. Há também Universe Zero, mas eles são belgas. Tudo o que posso dizer é que a figura principal é Magma e é bem merecido (pela duração). Eles têm uma aura particular. Fizeram sucesso impondo um estilo.

PB: Qual é o legado de Heldon para a geração mais jovem?

RP: Não reivindico absolutamente nada, mas quando vejo pessoas do Wolf Eyes ou do Merzbow, etc., dizendo que ouviram minha música, é uma honra, fico bastante surpreso... e depois que nos tornamos amigos, talvez seja por isso que também fizemos coisas juntos. No próximo álbum também haverá algumas músicas do Wolf Eyes e do Merzbow.

PB: Para você, qual foi o papel dos minimalistas pós-modernos e dos pesquisadores em eletroacústica na vanguarda musical? Eles influenciaram seus trabalhos?

RP: Se você falar de Philip Glass e de Steve Reich, é certo que são figuras notórias no mundo da música. Eu descobri Philip Glass bem no início dos anos 70. Antes disso, eu tinha ouvido um pouco de Stokhausen. Também precisamos lembrar que o primeiro álbum de «Einstein on the Beach» foi gravado em Paris.

PB: Com repetidas referências à filosofia de Gilles Deleuze, você buscou em sua música uma dimensão abstrata, mas também tátil (a fisicalidade dos sons em seu movimento ondulante, sua estaticidade). Do ponto de vista da composição, como você procede para traduzir sonoramente essa obra de grande porte elaborada por Deleuze sobre conceitos?

RP: «plano de composição sonora», «plano de composição do desejo», «plano de imanência», os conceitos fundamentais de diferença e repetição. Você tem Deleuze e toda a história da música ao mesmo tempo. Quando ele fala sobre os blocos de duração, é óbvio que existe uma relação com os blocos sonoros. E o trabalho dos músicos contemporâneos é um trabalho sobre o material; não são mais as formas ou o significado que contam. O que conta fundamentalmente é o trabalho sobre o material, o material trabalhado, o processo de se tornar aquilo. O que importa é o "processo". O termo "processo" pode ser aplicado tanto na filosofia quanto na música. Pessoalmente, não faço absolutamente nenhuma distinção na música; um solo de guitarra bem rock pode ser tão brilhante quanto uma composição muito elaborada.

PB: No livro «Mil Bandejas», apresentei o conceito de «sintetizador de consciência». Seu nome é citado no livro em relação a esse termo. Poderia esclarecer-me, em poucas palavras, o sentido e o lugar dessa expressão no «perspectivismo» de Deleuze?

RP: Sim, é a «ritournelle» (motivos territoriais). Deleuze trabalhava com pequenas notas sobre pessoas. Ele fez uma anotação sobre sintetizadores, no sentido de síntese «disjuntiva» na filosofia, as sínteses temporais e as sínteses sonoras. Prefiro ser citado por Deleuze do que por Fillon (risos). Tudo isso se tornou uma infâmia... Deleuze marcou a filosofia do século XX. Ele aparece entre os 20 melhores.

PULSAR: Victor Bosch (bateria) / Gilbert Grandil (guitarras) / Jacques Roman (teclados)

Por Philippe Blache (PB), Lyon, 07/10/2009

PB: Como vocês se conheceram e qual foi a origem do grupo?

JR: Isso foi há muito tempo. Houve um anúncio no clube juvenil, eu fui lá e tudo começou assim. Conheci o Victor e já conhecia o Gilbert um pouco. Alugamos um lugar para ensaiar. Começamos a fazer covers de blues e rhythm and blues.

VB: O primeiro ponto de encontro foi o clube juvenil de Saint Jus (cidade de Lyon). Na época, funcionou bem. Começamos como um trio. Começamos a fazer um blues rock por diversão e para treinar. Era o período de sucesso do rhythm and blues com Otis Redding, a era da Stax e, paralelamente, no Reino Unido, o blues britânico com John Mayall e os bluesbreakers de Eric Clapton. A gente sempre começa com o blues porque acha que é mais fácil, mas, para falar a verdade, nem sempre é o caso.

PB: No início da Pulsar, como você descreveria o impacto e o sucesso do movimento "rock progressivo" na França?

VB: Nessa época, percebemos rapidamente que estávamos testemunhando o nascimento de um novo movimento musical. Graças a Jacques, que está sempre em busca de novidades, descobrimos o "verão do amor", que chegou à França com um pequeno atraso. Durante esse período, surgiram bandas como The Nice, Pink Floyd e Soft Machine; em linhas gerais, nós as descobrimos em 1967. Para nós, foi uma verdadeira revolução. A partir daí, começamos a tocar com mais coesão dentro do grupo. Ainda não tínhamos encontrado nosso caminho e foi a partir dessas descobertas musicais que nos envolvemos seriamente com a música progressiva e tudo o que esse movimento estava representando. Era parte da nossa geração. Foi conveniente para nós, chegou justamente nesse momento, com toda a sua contestação ao poder político. Conforme os teclados ganharam mais importância na banda, Jacques começou a tocar teclado e seu irmão o substituiu no baixo.

PB: Na sua opinião, quais bandas abriram caminho para esse tipo de linguagem e expressão musical no cenário musical francês?

VB: No final dos anos 60, estávamos muito isolados na França. Tocávamos em cavernas. Não havia uma rede densa, era um pouco "cada um por si". Em nível regional, era muito mais difícil. Em Lyon, éramos os únicos que curtiam esse estilo de música, para muita gente era um desafio muito grande. E nós, franceses, não tínhamos muitos contatos, a comunicação com o mundo exterior era difícil. Percebemos a intensidade desse movimento mais tarde. Em 1968, começamos a ficar realmente informados sobre tudo o que estava acontecendo. O Pink Floyd veio tocar aqui no teatro do VIII distrito. Para nós, foi uma revelação, não fomos os mesmos depois daquele show. A partir daí, mudamos o rumo da banda, o que marcou a verdadeira estreia do Pulsar. Isso deu uma direção à banda, dissemos para nós mesmos que havia muitas coisas que podíamos fazer. Dissemos para nós mesmos que podíamos fazer coisas fabulosas.

PB: A partir desse ponto de virada, você se familiarizou com o cenário musical em nível nacional, realizando encontros com outras comunidades de músicos?

VB: O que aconteceu foi que começamos compondo nossas próprias músicas. Com o tempo, nos integramos em pequenos grupos e percebemos que os outros também compartilhavam o desejo de fazer parte do movimento.

PB: Até que ponto bandas que se tornaram "clássicas", como Genesis, Pink Floyd, Tangerine Dream, Eloy e outras, influenciaram suas composições? Em termos de estilo ou assinatura musical, o que diferencia vocês dessas bandas? Em outras palavras, o que define e caracteriza o som do Pulsar?

JP: Nosso som era essencialmente um dos nossos instrumentos; era o resultado de nossa pesquisa e do que estávamos ouvindo. Mais tarde, começamos a compor sobre temas específicos. No início, começamos com algumas peças escritas pelo meu irmão e depois tentamos dar-lhes substância e cor. Quando ouvimos nossa música, podemos sentir uma sensibilidade musical próxima à de Genesis ou Pink Floyd, mas quando estamos imersos na música e a estamos criando, isso é menos aparente e é algo que não percebemos.

GG: São individualidades que se encontraram. O que dá sonoridade ao grupo é que aprendemos a fazer as coisas juntos.

PB: Como vocês chegam a um acordo quando iniciam o processo de composição? É a partir de uma reunião de ideias sugeridas por cada um?

JP: Sim, é um processo de criação coletiva. Alguém traz uma ideia que inspira outra pessoa a ter uma ideia. Mais tarde, podemos seguir várias direções até que todos estejamos satisfeitos com o resultado. É esse momento de conexão entre nossas ideias mútuas que é essencial e que tentamos moldar de forma concreta.

VB: É interessante notar também que as influências que podemos atribuir são, no início, bastante sensoriais, o que nos empolga e o que não. No entanto, é verdade que, a princípio, nossa inspiração foi o Pink Floyd. Contudo, ao ouvir os discos do Pink Floyd e depois os do Pulsar, percebe-se que não há semelhança alguma. Como Jacques disse antes, nunca tentamos imitá-los. Apreciamos o fato de essa música ter sido a que mais nos influenciou e de nos permitir desenvolver diferentes atmosferas, enriquecer nossa percepção das cores musicais.

PB: Além das influências musicais, a música do Pulsar parece nos convidar a uma viagem imersiva por paisagens imaginárias distantes, repletas de fantasia e feitas de sensações mágicas e devaneios vaporosos. Vocês desenvolvem certas referências a representações visuais, simbólicas ou literárias?

VB: No início, foi a música que nos uniu, nos tornamos amigos. O que alimentou nossa música, porém, foi a imaginação, a percepção, nossa concepção do mundo e as coisas que compartilhamos. Para nós, a música era essencial, mas o mais importante era o resultado da comunhão entre essas quatro pessoas. Subconscientemente, mergulhamos em diversas fontes, mas nunca tentamos reproduzir algo. Por exemplo, no álbum "Halloween", o que nos influenciou inicialmente foi um texto bastante esotérico que eu havia escrito. Como tínhamos ouvido muito a Quinta Sinfonia de Gustave Malher, também fomos tocados pelo filme "Morte em Veneza" e refletimos sobre a ideia de um confronto entre o tempo e o absoluto. O resultado em "Halloween" é a convergência desses vários estados, impressões e convicções. Em "Pollen", começamos a trabalhar com nossas influências do Pink Floyd. Para o álbum "At the Strand of the Future", primeiro criamos a imagem e o simbolismo do pano de fundo, com as influências torturadas e fantasmagóricas de Lovecraft (por exemplo). É isso que dá força a este grupo: sempre partimos de um tema. Ele vai se criando aos poucos, sem planejamento prévio. Acontece intuitivamente, porque a ligação entre os membros da banda é muito forte. Não precisamos falar, todos caminham na mesma direção. Isso também ocorre no palco, durante as partes improvisadas das músicas já existentes.

JR: Foi o caso, por exemplo, da peça "O cavalo de Syllogie" no primeiro álbum. Era uma peça com começo, meio e fim, mas sem meio, o que nos permitia improvisar. Em cada concerto, era diferente.

VB: O tema do último álbum surgiu da ideia de um reencontro anos depois e, por isso, usamos a metáfora das cinzas. Há vestígios, entre os restos, que voltam a respingar de forma impactante. Esse é o ponto de partida. Todas as letras, desde o início, falam de um mundo presente, mas vivido por alguém que pertence ao passado, sem nostalgia. Há uma lógica: é um passado a serviço do presente. Por enquanto, não conseguiremos gravar um álbum. Primeiro, dá muito trabalho; levamos dois anos para gravar "Memory Ashes". Além disso, a alquimia precisa acontecer, é necessário estarmos no estado de espírito certo; é por isso que passamos tanto tempo em estúdio. Essa é a principal diferença entre esta banda, sua história e outras bandas mais básicas. A produção de um álbum exige todo o nosso esforço, demanda uma quantidade incrível de energia.

PB: Comparado ao primeiro Pulsar, quais são os aspectos inovadores?

VB: Hoje em dia, o que mais me influencia é uma mistura de coisas. Todas essas interferências e um senso de criação do tipo "faça você mesmo" que podemos apreciar particularmente na House e, ainda mais, na música eletrônica contemporânea. Quando ouço misturas de sons, reconheço a história das minhas influências musicais, mas também mergulho em descobertas recentes como o Radiohead, porque eles são uma das bandas que melhor representam o que podíamos apreciar antes em bandas como o Pink Floyd. Eu vou a quase tudo na minha pesquisa, mas sempre procurando por fragmentos e pequenas sequências, e não apenas no domínio musical. Hoje em dia existem menos bandas essenciais; sempre haverá bandas consolidadas, mas o que me interessa são essas passagens, essas pontes que podemos estabelecer entre colagens sonoras modernas (por exemplo, na música eletrônica) e a nossa música. Eu ouço de tudo, mas, naturalmente, seleciono.

PB: Por que o grupo foi dissolvido após o álbum "Görlitz" (1989)?

VB: Não, a banda nunca se dissolveu. O problema que tivemos foi que, durante a década de 1980, houve a ascensão do punk. Não tenho problema nenhum com isso, a música é cíclica. O punk era o oposto do movimento musical anterior. A banda sofreu com isso e a gravadora ficou menos ativa. Com exceção das grandes bandas que continuaram vendendo muitos álbuns, inúmeras bandas desapareceram ou continuaram, mas a qualidade de seus álbuns caiu. Participamos de um experimento teatral que deu origem ao álbum "Bienvenu au conseil d'administration" (1980). Foi um enorme sucesso, uma experiência maravilhosa e nos divertimos muito fazendo-o. Tinha uma atmosfera realmente vanguardista para a época. Tínhamos a opção de continuar com o teatro, mas isso teria sido um erro, porque não faríamos isso hoje. Foi nesse exato momento que começamos a relegar a banda a um segundo plano. Jacques e Gilbert trabalharam em outros projetos musicais em um contexto bem diferente, sem qualquer relação com o Pulsar. Se tivéssemos continuado, acho que teria sido muito ruim para o clima do grupo. Estávamos cientes de que alguns músicos haviam se apropriado do nome da banda na ausência dos membros fundadores que participaram do desenvolvimento de um som original e único, e que nada de bom resultou disso. É como se você tirasse Charlie Watts dos Stones: eles não seriam mais os Rolling Stones, nunca mais seriam os mesmos. Houve um período em que o grupo ficou inativo até o lançamento de "Görlitz" em 1989. De certa forma, foi um prenúncio do que aconteceria com a banda mais tarde.

PB: Qual é o público-alvo da Pulsar hoje em dia?

VB: Houve uma experiência marcante que relançou a banda para o público. O novo diretor da Ópera de Lyon me chamou para preparar um programa no anfiteatro. A ideia era apresentar um programa temático com outros artistas de diferentes origens (pintores, etc.), dentro do meu próprio universo, sem retornar à entidade Pulsar. Alguém da ópera, um fã fervoroso do Pulsar, me disse que havia tudo ali, menos o Pulsar. Ele me convenceu a reformar a banda para o concerto. Tocamos duas noites com ingressos esgotados. Acho que o público interessado na nossa música vai além do público da chamada música progressiva. Vai muito além disso; a banda sempre se baseou no ecletismo e na complementaridade.