Bossa Three – Bossa Nova / Brazilian Jazz (LP Audioton – AELP 4, Series: Musica Para Graduados, 1963).
Género: Bossa Nova, Latin Jazz.
Bossa Three foi um dos melhores conjuntos musicais brasileiros de Samba Jazz, que teve muito sucesso nos EUA, desde que a bossa nova ultrapassou as fronteiras do Brasil.
O grupo era constituído por Luís Carlos Vinhas (piano) Edison Machado (bateria) e Tião Neto (baixo). É considerado o primeiro conjunto instrumental de bossa nova, tendo surgido no início da década de 60. O trio começou a apresentar-se nas boates do Beco das Garrafas, em Copacabana, acompanhando os bailarinos Lennie Dale, Joe Benett e Martha Botelho. Com eles, viajaram para os Estados Unidos onde participaram no Ed Sullivan Show, então um dos programas de TV mais vistos naquele país.
Bossa 3 permaneceu nos Estados Unidos por vários anos. Depois de três discos e uma série de apresentações em clubes de jazz de Nova Iorque, Vinhas foi o único que resolveu regressar ao Brasil. Ao chegar, refez o trio com Octávio Bailly Júnior no baixo e Ronie Mesquita na bateria. A nova formação gravou mais cinco discos, sendo um deles com Pery Ribeiro, e outros dois com Leny Andrade e Pery Ribeiro, sob o nome de Gemini V.
Quando ouvimos música e percebemos a ausência de vocais, letras ou refrões que nos dão vontade de cantar a plenos pulmões, parece que o desafio está em outro lugar. E sim, claro. Canções sem vocais representam uma exploração mais sofisticada e instigante em termos de performance instrumental. Como ouvintes, antecipamos esse desafio; buscamos ritmos complexos, melodias cativantes e harmonias vibrantes. Especificamente, o rock e o metal são terreno fértil para esse tipo de experimentação. A musicalidade da guitarra elétrica, do baixo e da bateria atinge novos patamares quando se mergulha no rock progressivo instrumental.
O Animals as Leaders teve que cancelar recentemente sua turnê de aniversário do álbum "The Joy of Motion" (2014). Para os fãs do gênero, essa notícia infeliz deixou todos com ingressos na mão e um desejo insaciável de ver uma das melhores bandas do gênero, se não a melhor. Devido a esse cancelamento, apresentamos uma matéria especial sobre bandas que dedicam toda a sua alma e energia ao virtuosismo do rock progressivo instrumental, seja metal ou rock. Este é um gênero que, no século XXI, encontrou seu público através de sons ousados e impressionantes.
Com forte ênfase em composições para guitarra elétrica, o Polyphia se consolidou como um nome de destaque no amplo espectro do metal progressivo instrumental . Tim Henson e Scott LePage são os guitarristas da banda e os principais arquitetos do projeto. Seu estilo de tocar guitarra é profundamente enraizado em influências clássicas. Dotados de um forte senso melódico, a banda passou por uma notável evolução desde seu álbum de estreia, "Muse" (2014). Seu segundo álbum, "Renaissance" (2016), é considerado o que consolidou sua posição no gênero. Além disso, sua exploração os levou a incorporar elementos de math rock, e a formação musical de seus membros também os aproximou do hip hop e do funk, resultando em um som único e cativante . Sua discografia até o momento inclui "New Levels New Devils" (2018) e "Remember That You Will Die" (2022).
Um projeto liderado pelo guitarrista australiano Plini Roessler-Holgate. Considerado uma das figuras mais influentes em sua área, Plini oferece um som de rock progressivo que flerta com o math rock . Ritmos irregulares e acordes cativantes são frequentemente enriquecidos pela sonoridade do sintetizador. Ocasionalmente, o saxofone e o piano também se juntam, tornando Plini uma banda visualmente impactante e divertida, perfeita para quem busca novas experiências musicais . “Handmade Cities” (2016) e “Impulse Voices” (2020) são os dois álbuns de estúdio que oferecem um vislumbre desse universo musical.
Scale The Summit
Metal progressivo do Texas, EUA. Com um som desafiador e experimental, o Scale The Summit já dividiu o palco com gigantes da música como Dream Theater e Devin Townsend Project. O apelo da banda reside em seu som sofisticado, que é essencialmente uma sinfonia narrativa. Bateria, baixo e guitarras se combinam em harmonia e espetáculo. A banda se destaca por suas atmosferas sonoras complexas, que exigem uma audição atenta . "The Collective" (2011), "The Migration" (2013) e "V" (2015) são os álbuns mais aclamados de sua discografia até o momento.
Sithu Aye é um guitarrista escocês excepcional . Começando de forma completamente independente, ele rapidamente ganhou destaque entre os fãs de rock progressivo com seu álbum de estreia, Cassini (2011). Este foi seguido por “Invent The Universe” (2012), um álbum de bateria implacável e guitarras que voam em direções inesperadas. Seu estilo rápido e direto está intimamente ligado aos conceitos dos primeiros álbuns do Animals as Leaders, onde o poder das guitarras distorcidas e solos cativantes permeavam a experiência. Graças à adição das harmonias sombrias e espaciais do sintetizador como instrumento de apoio, a experiência acaba tendo uma atmosfera de ficção científica e cyberpunk . No entanto, até o momento, seu trabalho conceitualmente mais marcante consiste em seus EPs “Senpai” (2015), “Senpai II: The Noticing” (2017) e o álbum “Senpai III” (2021); uma série complementada por um romance digital onde cada capítulo é acompanhado por sua própria música.
Formado em 2004, este trio americano é viciante e eclético em seu som. Seu rock progressivo converge com tradições musicais indianas, turcas e de alguns países dos Balcãs. Por exemplo, na música do Consider The Source, é possível ouvir a tabla, um instrumento de percussão indiano, em meio a riffs pesados e ritmos de rock psicodélico, assim como o chaturangui, uma variante de guitarra cujo som emula a voz humana em extensão e harmonia. Essa simbiose entre sons orientais e a guitarra elétrica e bateria ocidentais resulta em uma banda hipnótica. Uma oferta elegante para amantes de música experientes . Sua discografia é extensa e rica em sensações, então um bom ponto de partida para explorar sua música são os álbuns "Are You Watching Closely" (2009) e "That's What's Up" (2010).
Os irmãos Camarena e o guitarrista Erick Hansel moldaram um projeto poderoso. Chon explora com maestria e magnificência as capacidades da guitarra elétrica. Sua música é exaustiva, vibrante e meticulosamente detalhada . O uso de acordes estendidos e polirritmias complexas na bateria é empregado com ousadia. Nesse sentido, ouvir Chon é uma jornada prazerosa, repleta de reviravoltas inesperadas e abruptas, o que é admirável ao se digerir o resultado final. Diante de um som tão avassalador, seria fácil descartá-lo como sem alma, mas o apelo de Chon reside justamente nesse caos controlado. Uma máquina estrondosa mantida em equilíbrio graças a um estudo refinado da música como arte . Em sua discografia, "Grow" (2015) e "Homey" (2017) são imperdíveis.
Intervals
Metal progressivo nascido em Ontário, Canadá. O Intervals abraça a intensidade do metal e a conduz por passagens imprevisíveis. Talvez seja a banda mais semelhante ao Animals as Leaders nesta lista. No Intervals, um equilíbrio químico e uma atenção meticulosa aos detalhes são evidentes nos sons; ou seja, não há ênfase excessiva na guitarra ou em qualquer outro instrumento . Embora isso possa dar a impressão de repetição, uma audição atenta revela um cuidado audacioso na construção das músicas, especialmente nas transições para momentos explosivos, onde os solos de guitarra ou os acentos da bateria soam massivos e cativantes. “The Shape of Colour” (2015) e “The Way Forward” (2017) são álbuns essenciais para apreciar a visão da banda.
Their Dogs Were Astronauts
Um projeto originário da Áustria. A estranheza da banda faz com que pareçam vir de outro planeta. Harmonias e sons sombrios são estruturados com a intenção de perturbar o ouvinte. Isso se justifica pelo domínio das tensões harmônicas e compassos irregulares, que dão forma a canções de considerável peso. Metal progressivo sombrio e visceral que ocasionalmente incorpora elementos eletrônicos. As técnicas de guitarra utilizadas os conectam ao djent como expressão técnica e musical; isso, juntamente com os graves profundos nos ritmos, cria atmosferas dissonantes e poderosas. "Earthkeeper" (2015) e "Dreamcatcher" (2020) se destacam como trabalhos marcantes em sua carreira.
Octopus
Uma banda chilena que se tornou referência para os fãs de metal progressivo . Ao longo de sua carreira, o grupo se consolidou como uma força experiente dentro do gênero. Formada em 2001, a música do Octopus ainda soa poderosa apesar do tempo, e o fato de terem sido predecessores do Animals as Leaders os coloca em uma posição ainda mais louvável. Envoltos por esse manto de carinho e respeito entre os fãs, a banda é atualmente considerada quase mítica e à frente de seu tempo. O metal progressivo que criaram foi fortemente influenciado pelo jazz fusion em termos de conceitos e estilos de performance, o que os transformou em uma banda icônica nesta parte do mundo . Seu álbum autointitulado de 2004, "Bonsai" (2006) e "Into the Void of Fear" (2013) são testemunhos fundamentais da expansão do metal progressivo instrumental.
Hidalgo
Uma banda chilena liderada por Gabriel Hidalgo. Seu metal progressivo se mistura com sucesso a elementos do folclore latino-americano, resultando em um som cativante e singular . O álbum "Yupaychay" (2009) é uma prova clara disso. Neste disco, artistas como Illapu, Inti Illimani, Violeta Parra e Víctor Jara, entre outros, são reinterpretados em um estilo de metal progressivo. Essa admirável audácia se destaca como um tesouro musical para uma terra tão fértil para a experimentação musical quanto o Chile . "Lancuyen" (2015) tornou-se outro marco, adicionando a sabedoria épica e conceitual do povo Mapuche à mistura. O som poderoso de "Kelmuya" (2019) também se destaca, onde a influência de Los Jaivas é evidente nos ritmos e harmonias. Esse encontro de mundos resulta em uma experiência formidável.
Alejandro Silva Power Cuarteto
Uma proposta poderosa e avassaladora, seu som é tão vertiginoso quanto uma locomotiva a toda velocidade. A música desta banda entrelaça os elementos mais pirotécnicos do thrash e do heavy metal, encapsulando-os em uma visão única. Solos e escalas de guitarra virtuosos aparecem regularmente ao longo da discografia do quarteto . O próprio Alejandro afirmou que se sente inspirado pelas técnicas e estilos de Joe Satriani ou Steve Vai, por exemplo, o que é evidente no som cortante e avassalador da guitarra. Entre seus trabalhos mais notáveis estão "Dios Eol" (2002), "Orden & Caos" (2007) e "Solo Caos" (2014).
Engrupid Pipol
Uma banda chilena que se consolidou firmemente em seu nicho. Sua abordagem ao gênero é permeada por elementos psicodélicos, além de uma atitude punk que brinca com a ironia e o comentário social através de conceitos e títulos de músicas . O fluxo e refluxo composicional do Engrupid Pipol os torna particularmente interessantes. Suas transições entre o pesado e o contemplativo, o propício para mosh e o dançante, o djent e o blues são características que adicionam camadas de profundidade à experiência auditiva . Essa interação de sensações os destaca como uma banda que merece atenção. Até o momento, seus álbuns mais aclamados são “Essenchial Engrupid Element” (2016) e “Engrupid Divais” (2021).
Adquirir "Yesterdays" apenas pelo cover de "America" da dupla Simon and Garfunkel da América seria justificado, e também pode evitar a compra dos dois primeiros álbums do YES ("Time and a Word" e "Yes"). "Yesterdays" é principalmente uma compilação desses dois, mas não apenas isso, há também uma faixa ainda não disponível anteriormente, e ela vem na forma de "Dear Father", lado B do single "Sweet Dreams" de 1970.
Talvez as duas melhores faixas do debut ("Looking Around" e a incrível "Survival") estão reunidas aqui, as músicas mais Progressivas ou mais Rock, em oposição aos números Pop-Rock do resto do álbum. Quanto à seleção de seu segundo álbum, "Time and a Word", de fato quatro dos cinco melhores estão presentes aqui, incluindo "Astral Traveller", "Then" e a faixa-título, mas infelizmente "The Prophet" foi excluída, provavelmente por restrições de tempo. Mas a verdadeira doçura é a já mencionada releitura de "América", mas definitivamente aprimorada e dramatizada em comparação com a composição original de Simon and Garfunkel. De fato, esta faixa está perto de ser um "épico" e poderia facilmente ter encontrado um lugar no soberbo "Yes Album", qualitativamente falando ou em "Fragile" sonoramente falando.
"America" apareceu como uma faixa bônus de alguma versão remasterizada de "Fragile", então você pode adquiri-la sem gastar muito com esta compilação, especialmente se você quiser os álbuns originais. Se você não está muito interessado nos primeiros lançamentos do YES, "Yesterdays" será mais do que um adequado substituto!
● Phil Kimbrough: Teclados, sintetizadores, bandolim, instrumentos de sopro
● Mark Tippins: Guitarras, banjo, vocais
● Marc Miller: Baixo
● Rick Rodenbaugh: Vocais
Formado em meados de 1973 em Chicago, o YEZDA URFA era uma banda extremamente competente e talentosa que tocava um Rock Progressivo de qualidade musical finíssima. O som deles era influenciado principalmente pelo GENTLE GIANT e YES, bandas que na época viviam suas melhores fases. Em 1975 eles concluíram "Boris", o primeiro álbum da banda e que era uma produção independente que teve 300 cópias prensadas. A banda mandou o material gravado pra mais de 300 gravadoras, porém infelizmente todas elas se recusaram a assinar um contrato com a banda. Os integrantes, ao viajar para Nova York, até tentaram mostrar suas músicas pessoalmente pra diversas gravadoras, mas pouquíssimas se dispuseram a conhecer a banda. Como o álbum também foi enviado a algumas estações de rádio de Chicago, mesmo que a maioria tenha ignorado completamente, algumas da cena underground local se dispuseram a colocar o álbum completo no ar.
No início de 1976, começaram a gravação de seu segundo álbum, "Sacred Baboon", que apresentava material inédito e também modificado e aperfeiçoado de "Boris". A banda também tinha finalmente achado uma gravadora que se dispôs a prensar os álbuns, a DhamaRecords, porém, quando "Sacred Baboon" foi finalizado, a gravadora, que se encontrava em problemas financeiros, queria que a banda bancasse os custos de produção dos discos. No fim das contas, mais uma tentativa que foi por água abaixo e "Sacred Baboon" só seria lançado pela primeira vez em 1989 pela Syn-Phonic, a mesma que também relançou "Boris".
Este primeiro álbum começa com uma bonita canção hippie Folk, "Boris and His 3 Verses". Sem aviso, a música termina em uma transição impressionante em um território muito progressista. Nos primeiros dez segundos de "Flow Guides Aren't My Bag", você vai perceber o que essa banda é realmente capaz de fazer. Deste ponto em diante, a música é rápida, a musicalidade é surpreendente, e você vai se assustar com a complexidade. Apesar disso, elas permanecem bastante memoráveis depois de ouvir. Após essa introdução épica, surge uma curta canção, "Texas Armadillo", onde todos os instrumentos aceleram a velocidades loucas, surpreendendo a qualquer ouvinte desavisado. "3, Almost 4, 6 Yea", é outro empreendimento em complexa grandiosidade e rapidez, e traz o primeiro lado do disco a um final muito repentino, da melhor maneira possível. O segundo lado é constituído por duas faixas de dez minutos. Tão forte como o primeiro lado, mas de mais difícil audição. Nessa edição está presente uma faixa bônus que segue o padrão do disco.
Até o final deste álbum, você pode precisar de um minuto para processar o que você acabou de ouvir. No final, esta jóia deve ser classificada entre as bandas de Rock Progressivo mais populares, como GENESIS, GENTLE GIANTeJETHRO TULL.
Faixas:
01. Boris And His 3 Verses, including Flow Guides Aren't My Bag (11:00)
Lançado com uma formação bem diferente da era clássica da banda, "Midnight Wire" não é tão bom quanto os quatro primeiros do CURVED AIR, mas ainda assim eles conseguiram entregar um trabalho acima da média. Na verdade, acredito que algumas pessoas se enganam ao rotular este LP como Pop Rock comercial. Não é. É mais suave que todos os anteriores, mas ainda muito sofisticado e Progressivo o suficiente, porém não vendeu bem. Darryl Way estava de volta, mas infelizmente Francis Monkman não e sua presença está faltando. A seleção de músicas também não foi das melhores, com alguns bons momentos na faixa-título e na instrumental "Pipe Of Drems". Não há músicas realmente ruins, mas também não são muito memoráveis. Pela segunda vez a banda mudou seu estilo dramaticamente e eu acho que seus fãs os perdoaram por isso (o álbum anterior, "Air Cut" também foi mal recebido pela mudança de estilo).
Não pode se dizer que se trata de um super álbum Progressivo (como os três primeiros), nem Hard Rock (como "Air Cut"), mas ainda entrega algumas coisas leves e finas. Além disso, a voz de Kristina é maravilhosa e os músicos são habilidosos (incluindo um jovem, pré POLICE, Stewart Copeland).
Este terceiro álbum de estúdio do KANSAS é considerado lendário, com composição musical mais madura do que seus dois antecessores, "Kansas" e "Song For America". De modo geral, se falarmos no nível do álbum, é menos melódico comparado ao anterior, apesar de, conter provavelmente a faixa mais melódica do KANSAS de todos os tempos, chamada "The Pinnacle". Esta faixa aliás, tem de tudo: boas letras, estrutura poderosa combinando segmentos dinâmicos e silenciosos com melodias poderosas (muito saborosas) ótimas composição. É muito difícil negar a supremacia desta faixa, pois ela demonstra boa música do início ao fim em duração relativamente longa.
Os músicos que contribuíram para o álbum, podem ser considerados como a melhor formação da história da banda. Kerry Livgren contribuiu com muitas letras excelentes junto com Steve Walsh, que cuidou do departamento vocal e também dos teclados. O mestre do violino Robbie Steinhardt está excelent, como sempre!
Os destaques vão para a já mencionada "The Pinnacle", "Mysteries and Mayhem" e "Icarus – Borne on the wing of steel" (essas duas faixas realmente mostram como as características principais da música do KANSAS), e "Child of Innocence", ótima faixa com preenchimentos completos de guitarra e riffs que indicam o quão pesada ela é, atendendo aos altos padrões de boa música. Não apenas isso; estruturalmente a faixa nos remete a vários estilos com boa seção rítmica.
Se "Masque" foi um período fragmentado de experimentação para nós, estávamos nos dando muito bem", diz Livgren. "Ainda estávamos em uma subida difícil e essa luta nos manteve realmente unidos". Ele acrescenta: "Ironicamente, a coisa que nos afastou foi o sucesso. Quando você chega, você não tem mais um objetivo". Walsh lembra: "Tenho muito mais lembranças de estarmos com fome do que de estarmos satisfeitos".
A versão remasterizada de "Masque" contém duas versões demo de faixas lançadas no álbum original ("Child of Innocence" e "It's You"). Esse é um álbum muito bom, embora a banda ainda não tivesse encontrado seu próprio equilíbrio. No entanto, individualmente, todas as músicas são boas e "Icarus" e "The Pinnacle" são aquelas que você não pode deixar de ouvir! "Masque" é um excelente complemento para qualquer coleção de Música Progressiva.
Faixas:
01. It Takes a Woman's Love (To Make a Man) (3:09)
02. Two Cents Worth (3:10)
03. Icarus - Borne on Wings of Steel (6:07)
04. All the World (7:13)
05. Child of Innocence (4:38)
06. It's You (2:35)
07. Mysteries and Mayhem (4:20)
08. The Pinnacle (9:35)
Time: 40:47
Músicos:
● Steve Walsh: Vocal principal e backing vocal, órgão, piano, clavinete, Moog, congas
● Rich Williams: Guitarra principal e base
● Kerry Livgren: Guitarra acústica, guitarra principal e base, piano, clavinete, sintetizadores Moog e ARP, backing vocal
● Robby Steinhardt: Violino, vocal principal (4, 5, 7, 8) e backing vocal
● Dave Hope: Baixo
● Phil Ehart: Bateria, bateria Moog, percussão variada
Às vezes, quando você se cansa de todos os clichês do Progressivo e de uma onipresente e pretensiosa opulência sonora, é hora de uma pausa, definitivamente é hora do KRAAN!
Esta banda alemã mostra uma abordagem à música Progressiva muito diferente de muitas outras bandas. Não são os clichês mencionados acima que ganham destaque, mas sim a descontração e a pura alegria. Por isso, sua música às vezes soa como uma jam session interminável, transmitindo a diversão ao ouvinte no melhor ritmo. Acho que é por isso que eles esgotaram cerca de 300 shows em apenas 2 anos.
Este incrível álbum demonstra de forma imponente o quão pura a música soa. Em parte Krautrock, com forte influência psicodélica e em parte Fusion/Funk/Progressiva, a música bastante jazzística difunde uma sensação descomplicada e bastante relaxada. Gravado em 1974 em Berlim (um reduto do KRAAN), o álbum apresenta versões expandidas e bastante estendidas de álbuns de estúdio anteriores, principalmente do antecessor "Andy Nogger". O excelente trabalho de percussão e baixo cria uma base perfeita para a melodia e as performances solo de guitarra e saxofone. O saxofone de Johannes Pappert soa como um violino ou um sintetizador, mas nunca como um saxofone. O baixo de Helmut Hatter pode ser descrito como o motor de sua música, a força motriz, enquanto guitarra e saxofone contribuem para a parte dos solos.
Definitivamente "Kraan Live" é uma excelente adição a qualquer coleção de Música Progressiva, altamente indicado para os amantes do Jazz-Rock alemão dos anos 70!
Faixas:
CD 1
01. Jerk of Life (5:09)
02. Nam Nam (15:09)
03. Holiday am Matterhorn including Gipfelsturm (12:59)
Sons eletrônicos ambientais, noturnos e etéreos, do produtor londrino Mark Van Hoeg. O tipo de álbum que te faz sentir como se tivesse entrado no mundo interior de outra pessoa, sem conseguir ler seus pensamentos ou memórias, mas observando-os interagir inconscientemente na escuridão. Sabe do que estou falando, né? Né? Alguém sabe?
