quinta-feira, 1 de janeiro de 2026

Train in vain - The Clash



Train in Vain ” soa como aquelas conversas que você ensaia tarde da noite, quando não há mais ninguém por perto. Não começa com um manifesto ou um slogan político: começa com uma ferida. Uma linha de baixo que segue sozinha, firme, quase indiferente, e de repente a voz de Joe Strummer pergunta algo que não espera resposta. A partir daí, a música avança como um trem noturno: não para, mas revela paisagens despedaçadas pela janela.

O curioso é que Train in Vain não foi concebida para ser ouvida dessa forma, como uma confissão sussurrada. Surgiu quase por acaso, escondida nas margens de London Calling, sem sequer constar na contracapa original. Talvez seja por isso que conserva esse ar de algo meio dito, algo que escapa sem pedir permissão. O The Clash , banda associada ao ruído, à urgência e à fúria, permite-se aqui algo mais íntimo: o lamento de alguém que acreditou numa promessa e foi deixado à espera na plataforma.

Strummer canta a partir de um lugar vulnerável, mas não submisso. Não há vitimização, apenas perplexidade. "Você ficou comigo quando eu mais precisei?", ele pergunta, e a frase carrega peso porque não se baseia em metáforas grandiosas, mas na decepção cotidiana. Mick Jones, por sua vez, constrói uma estrutura musical que parece simples, quase pop, mas funciona como um mecanismo preciso: cada acorde impulsiona o próximo, como se não houvesse como parar. É uma música que segue em frente mesmo que doa.

O ritmo é um tanto enganoso. Ele te convida a se mexer, a bater o pé, e ainda assim o que ele revela é um término de relacionamento, uma traição emocional. Essa tensão é fundamental: Train in Vain pode ser dançada, mas não sem aquela sensação de aperto no estômago. O The Clash alcança algo raro e poderoso aqui: uma canção agridoce que não se entrega à tristeza, que continua mesmo quando tudo parece perdido.

Ouvir Train in Vain hoje é como redescobrir uma forma honesta de dizer as coisas. Não há cinismo nem fingimento, apenas a constatação de que confiar envolve riscos. O trem passa, a história continua, e você fica na plataforma por mais um segundo, observando as luzes se apagarem. Não há um final perfeito, nenhuma consolação explícita. Apenas uma canção que, sem elevar a voz, permanece na memória muito tempo depois de terminar.



Brass in Pocket - Pretenders


 “ Brass in Pocket ” não entra em cena pedindo permissão. Surge como alguém que atravessa uma sala com passos firmes, ciente de que todos os olhares se voltarão para ela. Desde os primeiros segundos, a música do The Pretenders exala uma autoconfiança que não precisa elevar a voz: avança com um ritmo contido, quase furtivo, como se estivesse avaliando a situação antes de dizer exatamente o que é necessário. E aí reside seu charme. Não é uma explosão, é uma tensão constante.


A voz de Chrissie Hynde se move com uma mistura singular de elegância e vulnerabilidade. Ela canta a partir de um lugar íntimo, mas nunca frágil. Há desejo, sim, mas também cálculo; há sedução, mas não submissão. "Eu sou especial, tão especial", ela diz, e não soa como um slogan ou um desafio vazio. Soa como alguém que se conhece, que conhece o seu valor e que escolhe se mostrar como é, sem enfeites ou desculpas. Essa frase permanece como uma declaração pessoal, e não como um refrão pop.

Musicalmente, “ Brass in Pocket ” é executada com elegância. O baixo dita o ritmo suavemente, a guitarra desliza com fluidez e a bateria acompanha sem impor sua presença. Tudo parece ter sido concebido para manter a atmosfera, permitindo que a música se desenvolva naturalmente. Há ecos de new wave, pop e soul, mas nada domina completamente. A canção não busca exibir influências; ela as absorve e as transforma em algo único, discreto e magnético.

A letra, longe de contar uma história fechada, sugere cenas. Uma mulher se preparando, se observando, reconhecendo sua capacidade de provocar uma reação. Não há romance explícito nem promessas grandiosas. O que há é atitude. Aquela sensação de caminhar pela rua sabendo que algo pode acontecer, de ter "dinheiro no bolso" não como riqueza material, mas como um símbolo de autonomia, de controle sobre a própria narrativa.

Com o tempo, “ Brass in Pocket ” se tornou mais do que apenas um sucesso. É um retrato de uma época, mas também uma canção que ainda soa relevante porque fala de uma autoconfiança construída de dentro para fora. Ela não grita empoderamento, ela o incorpora. E talvez seja por isso que continua a ressoar: porque não tenta convencer ninguém. Simplesmente se mantém firme, segue em frente e deixa claro que, quando toca, já tem sua atenção.



Street Life - The Crusaders

 

Vida de Rua, Os Cruzados

     Em 1979, os Crusaders lançaram um álbum que reconciliou com sucesso os mundos do jazz e do funk:  Street Life. Lançado pela MCA Records e produzido por Joe Sample , Wilton Felder e Stix Hooper , o álbum não foi apenas o maior sucesso comercial da banda, mas também sua obra definitiva. Gravado no Hollywood Sound Recorders e masterizado por Bernie Grundman , o álbum se apresentou como um mosaico urbano de seis faixas que misturavam um groove elegante com exuberância orquestral.  A capa, com sua estética noturna, retratava a cidade com suas luzes brilhantes e sombras persistentes. A edição original em vinil incluía faixas como "My Lady", "Rodeo Drive (High Steppin') "  e "Carnival of the Night ", todas imbuídas da cadência jazzística que definia o grupo desde seus tempos como Jazz Crusaders . Mas foi a faixa-título, estendida para mais de onze minutos na versão do álbum, que se tornou o coração da obra.

A canção surgiu de uma conversa entre Joe Sample e o letrista Will Jennings . Jennings , inspirado pela agitação da Hollywood Boulevard , capturou em versos a máscara da sobrevivência que define a vida urbana.  Sample , por sua vez, confessou que a ideia lhe veio enquanto observava o caos em uma pista de esqui para iniciantes em Mammoth Mountain , Califórnia: “Era como um boulevard da loucura. Essa é a vida nas ruas.”  A canção encontrou sua voz definitiva em Randy Crawford , então uma cantora relativamente desconhecida que, com essa colaboração, ascendeu ao estrelato. Sua interpretação atinge o equilíbrio perfeito entre glamour e melancolia, capaz de transmitir tanto o fascínio das luzes de néon quanto a solidão que se esconde por trás delas.

A canção exemplifica a fusão de dois mundos musicais que, embora relacionados, nem sempre coexistiram de forma tão harmoniosa: o jazz, com sua sofisticação harmônica, arranjos elaborados e tradição instrumental, e o funk, com seu ritmo pulsante, fisicalidade imediata e apelo mais popular.  A bateria de Stix Hooper e o baixo de Felder criam uma base rítmica elegante, enquanto o piano elétrico de Sample  confere à faixa um toque sofisticado que nunca perde sua sensibilidade pop, e os arranjos de cordas e metais, meticulosamente elaborados, beiram o cinematográfico.  A versão do álbum, com mais de onze minutos, permite um desenvolvimento instrumental que reforça a atmosfera noturna. Em contraste, o single de 3 minutos e 58 segundos tornou-se um sucesso imediato, alcançando o 36º lugar na  Billboard Hot 100 dos EUA e o 5º lugar nas paradas do Reino Unido. A canção também repercutiu na cultura popular, aparecendo em filmes como Sharky's Machine (1981) e Jackie Brown (1997), e sendo sampleada por artistas de rap e R&B, confirmando seu impacto intergeracional.  Joe Sample reconheceu que a música foi sua tentativa de capturar a essência da vida urbana moderna: um espaço de luzes brilhantes e promessas passageiras, mas também de solidão e sobrevivência.


In the Flesh? - Pink Floyd

 


"In the Flesh?" é a faixa de abertura do monumental álbum "The Wall" (1979) , a obra-prima definitiva da banda britânica Pink Floyd . Produzido por  Bob Ezrin , juntamente com  David Gilmour  e, sobretudo,  Roger Waters , que verteu uma infinidade de detalhes autobiográficos e reflexões sobre seu próprio estado emocional em  Pink , o protagonista desta enorme obra, é um álbum imbuído de uma atmosfera altamente opressiva. Essa atmosfera gradualmente gera no ouvinte a mesma angústia vivida pelo personagem, ao mesmo tempo que nos permite desfrutar de uma obra musicalmente complexa que combina elementos de ópera rock e rock progressivo.

Pink  é um astro do rock sobrecarregado por uma série de traumas acumulados ao longo da vida, desde a trágica morte de seu pai lutando na Segunda Guerra Mundial, até uma infância marcada pela superproteção de sua mãe viúva e pelo opressivo sistema educacional britânico, culminando em uma vida adulta assolada por fracassos amorosos e os vícios típicos de um astro do rock. Uma a uma, essas experiências complexas constroem um muro ao seu redor, isolando-o do resto do mundo, dificultando seu desenvolvimento pessoal e distanciando-o de seu verdadeiro eu e da pessoa que ele poderia ter se tornado.

"In the Flesh?" é a grande abertura da história, antes que o muro o isole definitivamente, e funciona perfeitamente como uma introdução ao  mundo interior imaginário e desequilibrado de Pink . É um hino aterrador e apocalíptico que, musicalmente, nos transporta imediatamente para um campo de batalha da Segunda Guerra Mundial. A letra é um discurso prosaico de um grito de guerra, com um tom dramático que parece prenunciar a tragédia pessoal e a degradação do personagem ( "Diga-me se há algo que lhe escapa, meu caro. Não era isto que você esperava ver? Se quiser descobrir o que está por trás destes olhos frios, basta arranhar este disfarce!" ). O poder das palavras é acompanhado por uma intensidade sonora impressionante e marcial, culminando no som de um jato de combate caindo e se chocando, uma referência à morte do pai de Roger Waters . E este é apenas o começo, porque após este início monumental, "The Wall" só continuará a crescer e a se contorcer por caminhos sombrios e opressivos rumo à loucura e à angústia.


Another Brick in the Wall - Pink Floyd

 


Dentro da imensa muralha musical que foi  The Wall (1979) , o décimo primeiro álbum de estúdio do Pink Floyd , encontramos uma grande peça central intitulada Another Brick in the Wall , que, dividida em três partes, confere ao álbum aquele toque mágico de recorrência que os grandes álbuns conceituais possuem, e é em grande parte responsável pelo fato de "The Wall" continuar sendo considerado um dos melhores álbuns da história do rock.

A primeira das três faixas que compõem  Another Brick in the Wall  mergulha nos sentimentos e memórias melancólicas de Pink , o alter ego de Roger Waters e personagem principal do álbum, que lamenta a morte do pai ( "Papai voou para o outro lado do oceano, deixando apenas uma lembrança... Afinal, ele era apenas um tijolo na parede..." ) em uma infância na qual, supostamente, vivemos " Os dias mais felizes de nossas vidas( título da próxima música do álbum, intercalada entre a primeira e a segunda parte de  Another Brick in the Wall , uma transição crescente brilhante que é impossível não mencionar ao falar sobre esta obra impactante em partes).

Sem pausa, um grito de angústia marca o início de " Another Brick in the Wall II",  um dos momentos mais intensos do álbum. A música foca na educação inglesa rígida e sufocante dos anos 70, personificada por um professor sádico que passa suas aulas  "despejando seu sarcasmo sobre tudo o que fazíamos e expondo todas as fraquezas das crianças, mesmo que elas se esforçassem para escondê-las ". Essa canção se tornaria o single por excelência e a faixa mais celebrada e lembrada de "The Wall" (com a possível exceção de "Comfortably Numb" ). A famosa letra é um manifesto rebelde das crianças maltratadas de uma escola contra uma educação opressiva e alienante, e na voz do  coral da Islington Green School , tornou-se um verdadeiro hino:  "Não precisamos de educação, não precisamos de controle mental, não ao sarcasmo sombrio em sala de aula, professores, deixem os meninos em paz! Afinal, somos apenas mais um tijolo no muro ."

Teremos que esperar, ao longo de todo o álbum, pela chegada da terceira e última parte,  Another Brick in the Wall III, com um Pink agora adulto que, a primeira coisa que faz, é quebrar uma televisão acesa em pedaços, enquanto canta  "Não preciso de braços ao meu redor, não preciso de drogas para me acalmar, eu vi o grafite na parede (...) Afinal, todos vocês eram apenas tijolos na parede", pouco antes de, em  Goodbye Cruel World sua breve e concisa nota de despedida ( "Adeus mundo cruel, hoje eu te deixo para trás (...) Adeus a todos, não há nada que vocês possam dizer para me fazer mudar de ideia. Adeus."),  o último tijolo a ser colocado na parede o isola completamente do mundo exterior. Mas isso não é tudo, e (alerta de spoiler)  Pink acabará sendo julgado e condenado a se expor ao mundo, depois que um juiz ordenar que o muro seja demolido em mil pedaços, mas para saber a história completa, o melhor é ouvir "The Wall" na íntegra, sem pular nenhum tijolo que o compõe.



Making Plans for Nigel - XTC

 

Fazendo planos para Nigel, XTC

     Em 1979, o XTC passava por uma profunda transformação. Após a saída do tecladista Barry Andrews , a banda se reconfigurou como um quarteto mais focado em guitarras e ritmos pulsantes, uma mudança que definiria seu som pelos anos seguintes. Foi nesse contexto que o grupo  lançou Drums and Wires, gravado nos  estúdios  The Town House, em Londres, durante o verão de 1979. Este álbum também marcou o início de uma relação crucial: a colaboração da banda com o produtor Steve Lillywhite , acompanhado pelo engenheiro de som Hugh Padgham , cujo uso pioneiro de reverberação expansiva e paisagens sonoras percussivas teria uma influência decisiva no pop britânico dos anos 80.  O XTC vinha do punk, mas já buscava um território mais sofisticado, e Drums and Wires  foi seu manifesto de transição: um pé na energia de 1977 e o outro na experimentação rítmica e textural que dominaria a new wave. Neste álbum está incluída a música "Making Plans for Nigel", que se tornou seu maior sucesso comercial até então. Lançada como single em setembro de 1979, a música se tornou o primeiro grande sucesso da banda, permanecendo várias semanas nas paradas britânicas e estabelecendo o XTC como um dos grupos mais inteligentes e singulares da cena pós-punk.

Composta por Colin Moulding , baixista da banda, " Making Plans for Nigel" nasceu de uma experiência pessoal. Moulding explicou em entrevistas que a letra surgiu da pressão exercida por seu próprio pai, que insistia para que ele seguisse uma carreira específica.  A letra adota um ponto de vista perturbador, o de pais falando por seu filho, convencidos de que "Nigel é feliz trabalhando na British Steel ". A frase é ao mesmo tempo um slogan e uma declaração, e a ironia é evidente, assim como a crítica social: em meio à reestruturação industrial da Grã-Bretanha, a ideia de um emprego "seguro" em uma grande empresa estatal era vista como o destino ideal para um jovem da classe média. O XTC transformou essa mentalidade em um mantra opressivo.  A produção de Lillywhite Padgham foi fundamental para entender o impacto da música.  A bateria de Terry Chambers soa rígida, mecânica e metódica, com um padrão repetitivo que lembra uma linha de montagem. Essa abordagem não só reforça o tema profissional da música, como também introduz um som que seria infinitamente imitado nos anos seguintes. O baixo de Moulding estabelece um ritmo firme e constante, quase como se seguisse uma rotina de escritório, enquanto as guitarras de Andy Partridge entram com acordes nítidos e precisos, conferindo à música um tom um tanto frio e meticuloso. Tudo isso junto cria uma sensação de tensão controlada, mas surpreendentemente cativante. É aquele equilíbrio perfeito entre o crítico e o acessível que o XTC sabia dominar tão bem. E, por fim, os vocais contidos, quase neutros, de Moulding reforçam a ideia de um narrador externo que deseja controlar a vida do protagonista.

Com "Making Plans for Nigel", o XTC  alcançou um pequeno milagre: um sucesso pop que funcionou como comentário social, experimento sonoro e retrato de uma geração. 


ROCK ART


 

John Cale & Guests Philharmonie de Paris April 3rd 2016




John Cale & Guests
Paris, France 
April 3rd 2016

To compliment the DVD version I posted previously
here is the full Paris concert compiled from two sources and remastered.
It has two extra songs.
regards
Titus

Disc 1
06 I'll Be Your Mirror (with Étienne Daho)

Disc 2
01 There She Goes Again (with Animal Collective)
02 Sunday Morning
03 White Light/White Heat (with The Libertines)
04 Femme Fatale (with Lou Doillon)
05 Black Angel's Death Song (with Mark Lanegan)
06 Run Run Run (with The Libertines)
07 Heroin (with Saul Williams)
08 Sister Ray (with all)







They Might Be Giants Theatre of Living Arts Philadelphia, PA December 31st 2018/January 1st 2019






Remastered audience recording.
Medium quality but a fun New Year's Eve gig.
regards
Titus

Disc 1
01 The Communists Have the Music
03 Why Does the Sun Shine?
07 talk
11 Let's Get this Over With
12 Doctor Worm
13 Robot Parade
14 Trouble Awful Devil Evil
15 All Time What
16 We Want a Rock
17 Bills, Bills, Bills
18 Letterbox

Disc 2
01 Spy
02 Istanbul (Not Constantinople)
03 Fingertips
04 The Guitar
05 2019 countdown/Auld Lang Syne
06 Dead
07 Man, it's So Loud in Here
08 Mrs. Bluebeard
09 Damn Good Times
10 Shoehorn with Teeth
11 The Mesopotamians






T • A • G • C – Digitaria (1986)

 



Country: England
 
Tracklist
1. Blood Burns Into Water 03:03
2. Dog Star 04:23
3. Balag Anti 08:12
4. Chozzar Over Abyss 02:13
5. Pre-Eval 05:03
6. Ghost Cultures Under Collapse 06:59
7. Noosphere 08:12
8. Lux Nox 09:07
9. Tzaddi (1994 CD Bonus Track) 01:27
10. The Abominable Plateau Of Leng (1994 CD Bonus Track) 01:56
11. Sekhet (1994 CD Bonus Track) 04:59
12. ShgL 3.33 (1987 CD Bonus Track) 03:36
13. Sunset Eyes Thru Water (1987 CD Bonus Track) 05:39
14. Po-Ema (1987 CD Bonus Track) 02:41


O Anti-Group Communications (ou TAGC ) é um projeto colaborativo de arte e informação com participação aberta.
formada em 1978 por Adi Newton e Steven James Turner deRelógio DVA famoso.
A sigla TAGC refere-se aos quatro tipos diferentes de nucleotídeos do DNA: timina, adenina, guanina e citosina.
O principal objetivo do grupo era combinar arte interativa e multimídia, instalações,
e pesquisas sobre psicoacústica e conceitos filosóficos para produzir apresentações fascinantes.
A primeira ação não teórica idealizada pela TAGC foi o filme " The Delivery ", uma projeção em tríptico de 16mm com trilha sonora.
e a performance teatral anti-teatral " A Discussão ", concebida para cinco gravadores e sistemas de projeção de vídeo múltiplos.
Estas duas obras foram apresentadas pela primeira vez no centro " De Doelen " em Roterdã, no sábado, 22 de setembro de 1985.
The Delivery " foi exibida no " 2º Festival Atonal " no " Ballhaus Tiergarten ", em Berlim, em 18 de fevereiro de 1985.
onde a trilha sonora foi gravada em um sistema móvel de 24 canais.
Este documento foi lançado como " The Anti Group - The Delivery " pela Atonal Records .
Após essas apresentações iniciais,  o TAGC concentrou-se no desenvolvimento de áudio.
Foi durante esse período, de 1985 a 1987, que as gravações acima foram realizadas.
juntamente com o aclamado álbum ambisonic " Digitaria ", que é uma obra tecnológica e etnológica.
Baseado nas ideias dos cultos sabeus da antiga Khem e da tribo Dogon do Mali.
Após termos trabalhado nessas áreas, o próximo passo lógico foi avançar para a aplicação da Psicofísica. 
Desenvolvimento do uso de frequências e psicoacústica com o auxílio de tecnologia computacional.
A apresentação dessas ideias ocorreu no " 3º Festival Atonal " no " Alte TU-Mensa " em Berlim, no dia 13 de dezembro de 1986.
e no " SO 36 " em Berlim, em 14 de fevereiro de 1987, e no " Museu de Arte Contemporânea " em Prato, Itália, em 23 de setembro de 1988.
Foi também nessa época que  a TAGC exibiu seu primeiro experimento visual meontológico , " Burning Water ".
As gravações utilizadas nessas apresentações foram lançadas como parte de uma série de gravações.
intitulado Gravações de Pesquisa Meontológica 1 + 2 .
As apresentações do TAGC foram realizadas na Academia de Música Eletroacústica de Estocolmo, em 23 de agosto de 1990.
e no simpósio ARS Electronica sobre Realidade Virtual , realizado em Linz, Áustria, em 8 de setembro de 1990.
As gravações 3 e 4 da pesquisa meontológica foram apresentadas a seguir, sendo que a gravação 3 explora as ideias centrais. 
expresso no Coulier Noire e no Recording 4 , centra-se no atual projeto de pesquisa.
no desenvolvimento de métodos e técnicas para auxiliar na expansão da consciência.
Em colaboração com REST, SpaceTimeTanks e Relaxation Center Chicago, Estados Unidos.
Todos esses experimentos psicoacústicos e rituais auditivos cuidadosamente elaborados são geralmente acompanhados de 
por meio de extensas notas explicativas, que detalham os fundamentos teóricos das gravações.
Dessa forma, TAGC se apresenta explicitamente como pesquisa acústica, e não como música.
 Embora o grupo tenha se dissolvido em 1996, Newton continuou o projeto com lançamentos de CDs e apresentações ao vivo em 2009. As gravações de áudio
do TAGC são lançadas pelo selo Anterior Research Recordings, de Newton .






 


Destaque

Train in vain - The Clash

“ Train in Vain  ” soa como aquelas conversas que você ensaia tarde da noite, quando não há mais ninguém por perto. Não começa com um manife...