Mais um álbum de destaque de 2025, este figura em nossa seção de discos menos conhecidos e recomendados. Vinda da Polônia, a BlackLight apresenta seu trabalho mais recente. Com influências que vão de Dead Can Dance aos gigantes do metal progressivo moderno (especialmente OSI), a banda funde emoção, atmosfera e maestria técnica em cada lançamento, e este não é exceção. Uma crítica resume perfeitamente: "Uma tapeçaria sonora tecida com a delicadeza do Porcupine Tree, a crueza do Opeth, a ambição do Rush, a audácia do Tool e a elegância do Riverside. Dos vocais emotivos de Maciej Majewski e teclados cinematográficos à intrincada interação entre guitarras e seção rítmica, a banda prova mais uma vez que está trilhando seu próprio caminho." A banda entrelaça essas influências em um som único e cativante que define sua identidade, forjando um notável álbum de rock progressivo moderno que demonstra sua notável solidez e coesão artística. Excelente trabalho, está na minha playlist desde que o descobri, tão cativante musicalmente quanto a sua arte.
Artista: BlackLight
Álbum: Future Belongs To
Ano: 2025
Gênero: Heavy prog
Duração: 52:54
Referência: Discogs
Nacionalidade: Polônia
O mais recente álbum desses músicos poloneses ainda relativamente desconhecidos, o terceiro da carreira, já cativa pela arte da capa, criada pelo artista gráfico brasileiro Daniel Guerro. E, de antemão, devo admitir que a música deste lançamento é tão primorosa quanto a sua arte.
Não vou me alongar mais nesse assunto; vamos passar para um comentário de terceiros que tenta explicar o que você encontrará nesta obra...
BlackLight, a banda polonesa, e seu novo álbum "Future Belongs To", inspirado por demônios, fantasmas, metamorfose e muito mais
. E se Opeth e Riverside tivessem um filho na primavera?
Desde seu último lançamento (2022), o BlackLight, formado por Maciej Majewski (vocal, guitarra e teclados), Tomasz Szydło (baixo) e Stanisław Skowroński (bateria), dedicou-se a criar algo poderoso e inovador, com influências que vão de Gojira, Rush, Opeth e Riverside. Gravado no "13 Studio", o álbum de 52 minutos leva o ouvinte por passagens bastante incomuns, com letras baseadas no transcendental? Luto? Metamorfose? Primavera? Demônios e fantasmas? Tudo isso, na verdade.
Estamos presenciando muitas mudanças em "subgêneros" dentro do mesmo gênero, similar ao que o Avenged Sevenfold, para citar um exemplo rápido (que também está experimentando com este LP), está começando a fazer no mainstream.
O gênero "rock progressivo" é atualmente caracterizado por duas tendências principais:
1. Misturar diversos gêneros em um álbum, sem uma fusão coesa. 2. Inclinar-se para o lado extravagante e barulhento do metal, combinando-o com variações do rock progressivo dos anos 70, muitas vezes criando uma mistura similar ao King Crimson, mas 200 vezes mais alta e com direito a dor de cabeça.
O trio polonês, que já trabalhou com uma companhia de balé, se esforçou bastante para produzir seu álbum, e embora possa parecer discreto sob os holofotes, para quem aprecia o gênero e lhe dedica 52 minutos de atenção plena, certamente não será. Com uma capa que evoca melancolia, tristeza e decadência, começamos esta análise:
AVISO: Este álbum não é fácil de ouvir, e muito menos adequado como música de fundo… se você não tem tempo para ouvi-lo sentado, com atenção e dedicação, é melhor pular para a próxima faixa…
1. <Endless End> Começa de forma muito semelhante ao Rush; aquele violãozinho sedutor soa muito como Alex. Claro, depois daquela inserção de sintetizador ao estilo Riverside, a primeira coisa que notamos é que este álbum foi feito sob medida para o formato estéreo 2.0 ou talvez 2.1. A bateria, embora um pouco fraca, soa perfeita em ambas as caixas, esquerda, direita, esquerda, direita. A voz de Maciej às vezes soa como uma cópia carbono do Gojira, e com um riff repetido ao longo da música e um verso de tristeza, a canção nos apresenta a esta história de: ?… uhm…
2. <Rising Sun> O baixo nesta música é um dos melhores que ouvi o ano todo… com uma distorção de primeira. A caixa da bateria soa como se fosse explodir… cara, não sei que bateria eles usaram para isso ou quantos halteres o Sr. Stanisław levanta. A três quartos da música, há um solo de guitarra que lembra muito Gilmour por causa do pedal, mas com notas de hard rock semelhantes ao Rush… A letra é cativante e, em apenas um verso, narra o tormento que ele parece estar sofrendo (é preciso incluir uma pessoa para dar sentido à experiência). Os demônios dançam ao seu redor por diversão, e o sol, em vez de ser um símbolo de sabedoria, bondade ou luz, parece até causar dor: “Sinto meu corpo queimando”. Mais uma vez, uma excelente experiência sonora em 2.0.
3. <So Far Away> A letra é difícil de decifrar, apesar da simplicidade das palavras. Sua sintaxe, típica deste gênero, e especialmente do rock — que foi o que o fez triunfar sobre o pop (pelo menos intelectualmente) — é desafiadora. Nesta música, ouvimos um teclado que adiciona leveza e melancolia. Mais uma vez, a caixa da bateria é belíssima. Junto com a arte da capa, podemos pensar que se trata de uma jornada de redenção. Estamos apenas na faixa 3 de 11. A memória de algo que aconteceu no passado está agora se dissipando, e a névoa começa a se dissipar. O sofrimento parece estar diminuindo, mas a memória de algo distante permanece.
4. <Entre Sonhos e Realidade> “Venha, pegue minha mão, eu estive esperando por você em meus sonhos” — letras que, se musicadas por Phil Collins, poderiam ser uma balada de sucesso. Na verdade, não está longe disso; a bateria é novamente uma parte essencial da melodia e soa soberba na versão 2.0. A música transita entre compassos 3/4 e 8/8 de forma imperceptível, e sutilmente remete ao black metal, death metal e brutal metal.
5. <Ghost> 4/4 Algo bom, uma seção rítmica clássica de rock na bateria. Deixarei de lado o quão bons soam os tons e a caixa, apenas para evitar redundância. Este álbum deve soar familiar para quem já ouviu Tales of a Topographic Ocean — se você o ouvir em segundo plano sem ler a letra ao mesmo tempo, será difícil se conectar com ele; pode até soar estranho para seus ouvidos depois de mais da metade da sua vida ouvindo o gênero. Sem mudanças rítmicas complexas, funciona como uma ponte para a compreensão da complexidade do conceito lírico. É também a segunda música mais longa do álbum, lembrando um pouco o Opeth, mais especificamente o chileno Martín López, com cordas que soam como guitarras PRS; no entanto, elas conferem um timbre muito similar, graças à bateria. Parece que estamos lidando com uma história envolvendo duas pessoas, ou pelo menos mais de uma entidade ou pessoa para culpar, o que se reflete em uma terceira entidade. Aparentemente… alguém sente falta de “alguém”, alguém anseia por “alguém” e, por favor… não escreva para seu ex.
6. <Feel The Same> A música mais longa do álbum (7 minutos), que se destaca das quatro seguintes. Também possui a letra mais longa, escrita por toda a banda. O som inicial é um ruído que se dissipa até o silêncio quando os vocais começam. É como um prelúdio para a próxima faixa.
…Continue lendo, caro leitor.
Ela me lembra muito "Victim" do Avenged Sevenfold, que por sua vez me lembra "The Great Gig In The Sky", que também me lembra esta música. Embora tenha cordas muito semelhantes às de Jeremy Galindo e partes vocais que remetem ao GYBE! E… Slipknot? Aliás, o álbum foi lançado em 21 de março… o primeiro dia da primavera. Não estou falando sério com essas comparações; é só que nesta música, o álbum assume um tom multicolorido e multifacetado que evoca mais de seis ou sete gêneros. Por exemplo, nesta música, ela lembra bastante o Post Rock e o Rock Progressivo dos anos 70. E também é uma canção de amor.
7. <I Can't Let Go> Sim… é isso mesmo, tem um pouco de tudo aqui. A três quartos do álbum, ouvimos uma melodia punk, pós-punk e um toque de pop britânico. É curioso, porque soa como The Cure, e a música anterior parece ser uma canção de ninar. Não deve ser levado de ânimo leve, repito, repito, repito (sirenes de alerta soam), este álbum é bem denso. Apenas 6 versos. Um pouco de pós-punk aqui, um pouco de pós-punk ali, e um pouco de tudo. Às vezes parece… como se o álbum estivesse falando sobre… o quê? Ouça algumas vezes. Até o título e a letra sugerem a mesma coisa.
8. <Future Belongs To> Acho que esta é a minha música favorita do álbum, com uma assinatura de tempo Sforzado sincopada que parece ser… 3/8 e às vezes 8/8? Adoro a parte "I CAN'T BREATHE", e agora você junta tudo isso em uma música de 5 minutos onde o Heavy Metal predomina e BAM!...
9.- <Falling Demon> 4/4 Voltamos ao normal... pelo menos por um minuto... Quando percebemos que a música parece estar falando sobre algo... muito típico de Death Metal ou até mesmo Black Metal... Ouça. A caixa da bateria volta a ser importante, e a guitarra toca um solo que me faz pensar se aquela guitarra é uma Paul Reed... parece que sim. Talvez minha segunda música favorita do álbum... além de ter uma sequência com a primeira parte ou as três primeiras músicas. Talvez essa música não faça muito uso de recursos extravagantes, mas a letra…
10.- <Never Again> Essa música é altamente inspirada por Riverside e música eletrônica, às vezes até lembra Robbie Williams ou, para mencionar o primeiro álbum, Envy Of None, onde Alex Lifeson toca. Após uma música em que parecia que tínhamos retornado ao tema do álbum, BlackLight retoma o controle, para melhor, e quebra o padrão ao incluir uma faixa com bases rítmicas eletrônicas.
11. "For A Hope" e "Conceiving You", do Riverside, devem ser parentes próximos. Ambas as músicas falam de uma segunda pessoa, esquiva, mais onomatopaica do que real. Ambas as músicas... sobre fugir, sobre não suportar a vergonha; aos 2:30, temos uma bela voz gutural que encerra a letra, para nunca mais ser dita... e me deixam com um vazio imenso... será que sempre estivemos falando com um cadáver? Ou é simplesmente um processo de metamorfose representado na capa... ou estamos falando de ambos?
Só consigo criticar este álbum, e com bastante severidade: a falta de acessibilidade em formato físico, já que uma complexidade deste calibre é difícil de transmitir por streaming. Imagine isso em vinil prensado... Uau... seria indispensável. Sério, se você não vai se dedicar 100% a ele, nem tente. Vá ouvir Phil Collins (cof cof, ele é meu artista favorito) ou 90125.
. E se Opeth e Riverside tivessem um filho na primavera?
Desde seu último lançamento (2022), o BlackLight, formado por Maciej Majewski (vocal, guitarra e teclados), Tomasz Szydło (baixo) e Stanisław Skowroński (bateria), dedicou-se a criar algo poderoso e inovador, com influências que vão de Gojira, Rush, Opeth e Riverside. Gravado no "13 Studio", o álbum de 52 minutos leva o ouvinte por passagens bastante incomuns, com letras baseadas no transcendental? Luto? Metamorfose? Primavera? Demônios e fantasmas? Tudo isso, na verdade.
Estamos presenciando muitas mudanças em "subgêneros" dentro do mesmo gênero, similar ao que o Avenged Sevenfold, para citar um exemplo rápido (que também está experimentando com este LP), está começando a fazer no mainstream.
O gênero "rock progressivo" é atualmente caracterizado por duas tendências principais:
1. Misturar diversos gêneros em um álbum, sem uma fusão coesa. 2. Inclinar-se para o lado extravagante e barulhento do metal, combinando-o com variações do rock progressivo dos anos 70, muitas vezes criando uma mistura similar ao King Crimson, mas 200 vezes mais alta e com direito a dor de cabeça.
O trio polonês, que já trabalhou com uma companhia de balé, se esforçou bastante para produzir seu álbum, e embora possa parecer discreto sob os holofotes, para quem aprecia o gênero e lhe dedica 52 minutos de atenção plena, certamente não será. Com uma capa que evoca melancolia, tristeza e decadência, começamos esta análise:
AVISO: Este álbum não é fácil de ouvir, e muito menos adequado como música de fundo… se você não tem tempo para ouvi-lo sentado, com atenção e dedicação, é melhor pular para a próxima faixa…
1. <Endless End> Começa de forma muito semelhante ao Rush; aquele violãozinho sedutor soa muito como Alex. Claro, depois daquela inserção de sintetizador ao estilo Riverside, a primeira coisa que notamos é que este álbum foi feito sob medida para o formato estéreo 2.0 ou talvez 2.1. A bateria, embora um pouco fraca, soa perfeita em ambas as caixas, esquerda, direita, esquerda, direita. A voz de Maciej às vezes soa como uma cópia carbono do Gojira, e com um riff repetido ao longo da música e um verso de tristeza, a canção nos apresenta a esta história de: ?… uhm…
2. <Rising Sun> O baixo nesta música é um dos melhores que ouvi o ano todo… com uma distorção de primeira. A caixa da bateria soa como se fosse explodir… cara, não sei que bateria eles usaram para isso ou quantos halteres o Sr. Stanisław levanta. A três quartos da música, há um solo de guitarra que lembra muito Gilmour por causa do pedal, mas com notas de hard rock semelhantes ao Rush… A letra é cativante e, em apenas um verso, narra o tormento que ele parece estar sofrendo (é preciso incluir uma pessoa para dar sentido à experiência). Os demônios dançam ao seu redor por diversão, e o sol, em vez de ser um símbolo de sabedoria, bondade ou luz, parece até causar dor: “Sinto meu corpo queimando”. Mais uma vez, uma excelente experiência sonora em 2.0.
3. <So Far Away> A letra é difícil de decifrar, apesar da simplicidade das palavras. Sua sintaxe, típica deste gênero, e especialmente do rock — que foi o que o fez triunfar sobre o pop (pelo menos intelectualmente) — é desafiadora. Nesta música, ouvimos um teclado que adiciona leveza e melancolia. Mais uma vez, a caixa da bateria é belíssima. Junto com a arte da capa, podemos pensar que se trata de uma jornada de redenção. Estamos apenas na faixa 3 de 11. A memória de algo que aconteceu no passado está agora se dissipando, e a névoa começa a se dissipar. O sofrimento parece estar diminuindo, mas a memória de algo distante permanece.
4. <Entre Sonhos e Realidade> “Venha, pegue minha mão, eu estive esperando por você em meus sonhos” — letras que, se musicadas por Phil Collins, poderiam ser uma balada de sucesso. Na verdade, não está longe disso; a bateria é novamente uma parte essencial da melodia e soa soberba na versão 2.0. A música transita entre compassos 3/4 e 8/8 de forma imperceptível, e sutilmente remete ao black metal, death metal e brutal metal.
5. <Ghost> 4/4 Algo bom, uma seção rítmica clássica de rock na bateria. Deixarei de lado o quão bons soam os tons e a caixa, apenas para evitar redundância. Este álbum deve soar familiar para quem já ouviu Tales of a Topographic Ocean — se você o ouvir em segundo plano sem ler a letra ao mesmo tempo, será difícil se conectar com ele; pode até soar estranho para seus ouvidos depois de mais da metade da sua vida ouvindo o gênero. Sem mudanças rítmicas complexas, funciona como uma ponte para a compreensão da complexidade do conceito lírico. É também a segunda música mais longa do álbum, lembrando um pouco o Opeth, mais especificamente o chileno Martín López, com cordas que soam como guitarras PRS; no entanto, elas conferem um timbre muito similar, graças à bateria. Parece que estamos lidando com uma história envolvendo duas pessoas, ou pelo menos mais de uma entidade ou pessoa para culpar, o que se reflete em uma terceira entidade. Aparentemente… alguém sente falta de “alguém”, alguém anseia por “alguém” e, por favor… não escreva para seu ex.
6. <Feel The Same> A música mais longa do álbum (7 minutos), que se destaca das quatro seguintes. Também possui a letra mais longa, escrita por toda a banda. O som inicial é um ruído que se dissipa até o silêncio quando os vocais começam. É como um prelúdio para a próxima faixa.
…Continue lendo, caro leitor.
Ela me lembra muito "Victim" do Avenged Sevenfold, que por sua vez me lembra "The Great Gig In The Sky", que também me lembra esta música. Embora tenha cordas muito semelhantes às de Jeremy Galindo e partes vocais que remetem ao GYBE! E… Slipknot? Aliás, o álbum foi lançado em 21 de março… o primeiro dia da primavera. Não estou falando sério com essas comparações; é só que nesta música, o álbum assume um tom multicolorido e multifacetado que evoca mais de seis ou sete gêneros. Por exemplo, nesta música, ela lembra bastante o Post Rock e o Rock Progressivo dos anos 70. E também é uma canção de amor.
7. <I Can't Let Go> Sim… é isso mesmo, tem um pouco de tudo aqui. A três quartos do álbum, ouvimos uma melodia punk, pós-punk e um toque de pop britânico. É curioso, porque soa como The Cure, e a música anterior parece ser uma canção de ninar. Não deve ser levado de ânimo leve, repito, repito, repito (sirenes de alerta soam), este álbum é bem denso. Apenas 6 versos. Um pouco de pós-punk aqui, um pouco de pós-punk ali, e um pouco de tudo. Às vezes parece… como se o álbum estivesse falando sobre… o quê? Ouça algumas vezes. Até o título e a letra sugerem a mesma coisa.
8. <Future Belongs To> Acho que esta é a minha música favorita do álbum, com uma assinatura de tempo Sforzado sincopada que parece ser… 3/8 e às vezes 8/8? Adoro a parte "I CAN'T BREATHE", e agora você junta tudo isso em uma música de 5 minutos onde o Heavy Metal predomina e BAM!...
9.- <Falling Demon> 4/4 Voltamos ao normal... pelo menos por um minuto... Quando percebemos que a música parece estar falando sobre algo... muito típico de Death Metal ou até mesmo Black Metal... Ouça. A caixa da bateria volta a ser importante, e a guitarra toca um solo que me faz pensar se aquela guitarra é uma Paul Reed... parece que sim. Talvez minha segunda música favorita do álbum... além de ter uma sequência com a primeira parte ou as três primeiras músicas. Talvez essa música não faça muito uso de recursos extravagantes, mas a letra…
10.- <Never Again> Essa música é altamente inspirada por Riverside e música eletrônica, às vezes até lembra Robbie Williams ou, para mencionar o primeiro álbum, Envy Of None, onde Alex Lifeson toca. Após uma música em que parecia que tínhamos retornado ao tema do álbum, BlackLight retoma o controle, para melhor, e quebra o padrão ao incluir uma faixa com bases rítmicas eletrônicas.
11. "For A Hope" e "Conceiving You", do Riverside, devem ser parentes próximos. Ambas as músicas falam de uma segunda pessoa, esquiva, mais onomatopaica do que real. Ambas as músicas... sobre fugir, sobre não suportar a vergonha; aos 2:30, temos uma bela voz gutural que encerra a letra, para nunca mais ser dita... e me deixam com um vazio imenso... será que sempre estivemos falando com um cadáver? Ou é simplesmente um processo de metamorfose representado na capa... ou estamos falando de ambos?
Só consigo criticar este álbum, e com bastante severidade: a falta de acessibilidade em formato físico, já que uma complexidade deste calibre é difícil de transmitir por streaming. Imagine isso em vinil prensado... Uau... seria indispensável. Sério, se você não vai se dedicar 100% a ele, nem tente. Vá ouvir Phil Collins (cof cof, ele é meu artista favorito) ou 90125.
E a melhor parte é se você começar a ouvir, porque há muito para descobrir aqui...
Como você pode ouvir, sons crus e poderosos se entrelaçam perfeitamente com momentos mais melódicos. Grande parte disso se deve à habilidade dos dois guitarristas em tocar com energia, mas também com um estilo inspirado e etéreo. Mas o verdadeiro diferencial está na excelente produção.
Fiquei muito feliz em compartilhar este material com vocês.
Você pode ouvir o álbum na página deles no Bandcamp:
https://blacklightcontact.bandcamp.com/album/future-belongs-to
Lista de faixas:
1. Endless End
2. Rising Sun
3. So Far Away
4. Between Dreams and Reality
5. Ghost
6. Feel the Same
7. I Can't Let Go
8. Future Belongs To
9. Falling Demon
10. Never Again
11. For a Hope
Formação:
- Maciej Majewski / Vocal, guitarra, teclados
- Robert Kurzyński / Guitarra, guitarra solo
- Tomasz Szydło / Baixo
- Stanisław Skowroński / Bateria
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