Começamos a semana com um ótimo álbum de uma banda brasileira, num estilo que mistura Ayreon com Diablo Swing Orchestra. Ouvindo, você se pergunta: será que isso é heavy metal progressivo ou um musical da Broadway turbinado com esteroides e anfetaminas? Com um efeito "Disney-Metal" (mas do bom tipo), é como se os personagens de um filme da Disney tivessem se cansado de cantar baladas e bobagens e resolvido formar uma banda de prog metal. É colorido, bombástico e tem tantas mudanças de ritmo que vai deixar algumas figuras espalhadas pelo chão. Com quase 80 minutos de duração, cantado em inglês para distribuição internacional, com produção excelente, há uma forte influência de Queen, um virtuosismo à la Dream Theater e um toque de música brasileira que lhe confere um sabor especial, uma qualidade única. É música para quem tem energia de sobra e o cérebro um pouco acelerado... mas num mundo tão cinzento, um pouco de cor do Maestrick é sempre bem-vinda
Artista: Maestrick
Álbum: Espresso Della Vita - Lunare
Ano: 2025
Gênero: Heavy prog
Duração: 78:34
Referência: Discogs
Nacionalidade: Brasil
O álbum tem tudo. E é ideal para quem gosta de trilhas sonoras, rock sinfônico e estruturas complexas que nunca enjoam, demonstrando também que a América do Sul produz rock progressivo de alta qualidade que, se quisermos, pode facilmente superar muitas bandas europeias.
Maestrick é uma banda brasileira formada em 2004, mas iniciou sua carreira com álbuns completos em 2011 com o álbum de estreia, "Unpuzzle!". A partir daí, a banda ganhou reconhecimento na cena do metal progressivo, incorporando diversas influências de power metal e hard rock, e até mesmo alguns elementos de heavy metal. Esse conceito levou ao seu segundo álbum, "Espresso della vita: Solare" (2018), lançado pela renomada gravadora japonesa Avalon, berço de grandes lançamentos de metal desde os anos 90 e uma das maiores gravadoras da atualidade. Agora, a banda apresenta a segunda parte desse conceito, iniciado em 2018, intitulado "Espresso della vita: Lunare", lançado por outro gigante do hard rock, AOR, rock melódico e todo aquele rock doce e cheio de alma. O que podemos esperar deste novo álbum?... Vamos descobrir.
Essa banda sempre aparecia como recomendação de um apresentador de webcam, que tocava músicas de seus álbuns anteriores. Por curiosidade, resolvi ouvir, e a música deles era, no geral, agradável. Claro, não estamos falando de álbuns facilmente reconhecíveis entre as muitas bandas do gênero que estão na ativa há mais de cinco anos. Mas, dentro desse conceito, a banda sabe como misturar vários gêneros e encontrar a fórmula certa para um álbum conceitual. Agora, com uma ideia um pouco mais ambiciosa, temos "Espresso della vita: Lunare", do Maestrick, um álbum de 78 minutos que dá continuidade ao conceito do lançamento de 2018. É isso que é interessante na música: o conceito inicial da banda, combinado com a influência do rock progressivo, ajuda a desenvolver a ideia geral. Isso fica bem claro ao longo do álbum, que poderia até ser usado como trilha sonora de um filme. E é isso que é tão interessante — me trouxe à memória o clássico Moulin Rouge! (2001), um filme incrível que tinha aquela ideia de cabaré e todo o conceito de musical, estando naquele lado onde a música, e obviamente com aquele lado metal que é a sua parte mais crua.
Da faixa de abertura, “A Very Weird Beginning”, à faixa de encerramento, “The Last Station (I AM Leaving)”, é interessante observar como a banda brasileira aprimorou seu trabalho inicial de 2018. Embora aquele álbum já apresentasse uma abordagem conceitual, agora eles se esforçaram muito mais para criar um álbum que estrutura tudo por meio de cenas, seções vocais e partes vocais narradas, como em “Mad Witches”. Essa faixa parece saída de um musical ou peça de teatro, o que te obriga a ouvir o álbum inteiro. Com esse tipo de estrutura, não é possível pular faixas, e isso é um feito notável para os brasileiros. Em uma era em que as pessoas tendem a se concentrar apenas em playlists ou músicas para suas atividades diárias, este álbum não permite que se pule faixas. Se você pular alguma, perderá todo o conceito. Este é um ponto extremamente positivo para a banda, pois é preciso ouvi-lo por completo, e os vocalistas convidados, como Tom S. Englund do Evergrey, Jim Grey do Caligula's Horse e o incomparável Roy Khan do Conception, são peças essenciais na música. É assim que um convidado deve funcionar: alguém que muda a dinâmica da música, fazendo você se sentir como se estivesse assistindo a uma ópera ou a uma peça de teatro. E, claro, eles têm a influência de bandas como Ayreon, e Arjen criou toda essa ideia de uma ópera metal em álbuns como "The Human Equation" (2004). Todas as participações são incríveis, e ter uma base progressiva lhes dá uma enorme liberdade para usar qualquer estilo, mantendo ainda assim esse conceito musical metal.
"Espresso della vita: Lunare" do Maestrick se destaca como um dos melhores álbuns latinos do ano, graças à sua tremenda demonstração de ideias teatrais e conceituais, e à sua estrutura musical envolvente que torna impossível pular uma única faixa. Isso pode ser um desafio para a geração mais jovem, pois, se você tentar, ficará perdido no mar de ideias e não conseguirá captar totalmente o seu significado. Um álbum verdadeiramente excelente desta banda brasileira.
A verdade é que eu não conhecia a banda brasileira Maestrick, que vem oferecendo sua visão de heavy metal progressivo desde sua formação em 2004. Recentemente, eles lançaram seu terceiro álbum, "Espresso Della Vita: Lunare", pela Frontiers Records. Este álbum me surpreendeu com sua maneira primorosa de mesclar diferentes texturas e universos. Imagine ouvir "Bohemian Rhapsody", do Queen, misturado com o metal progressivo de bandas como Dream Threaten ou Symphony X, e o refinamento de Kamelot. Essa foi a sensação que tive ao ouvir "Upside Down", a faixa que sucede a introdução "A Very Weird Beginning".
Maestrick entrega um álbum que é mais como uma montanha-russa de 78 minutos, com paradas em um cabaré, metal sinfônico e ritmos afro-brasileiros, pontuadas por baladas ocasionais que poderiam ter saído de um musical da Broadway. Às vezes, parece uma ópera. Em outros momentos, uma peça de teatro frenética. Assim como em “Upside Down” ou “Ghost Casino”, que possui aquela energia de cabaré, com instrumentos de sopro, coros ao estilo dos anos 60, tudo com uma pegada progressiva, até mesmo surreal em alguns momentos,
“Espresso Della Vita: Lunare” é um álbum onde, como em um circo mágico, tudo é possível. Mas esteja avisado: tudo é meticulosamente planejado. Um exemplo claro: a maravilhosa “Mad Witches”, que trouxe à tona memórias daquela faixa sombria do Pink Floyd, “The Trial”, devido à sua performance teatral e melancólica na primeira parte. Uma canção vibrante, mas com diferentes nuances que levam a momentos mais doces e delicados, com aquelas vozes femininas criando uma atmosfera de forte carga emocional, e um final épico e grandioso!
Embora haja canções como “Boo!”, onde eles mostram uma pegada um pouco mais pesada, com guitarras diretas e um ritmo mais intenso, e um som que por vezes beira o futurista, e no qual Tom Englund colabora. Como algo saído de uma trilha sonora de filme futurista, “The Root” se destaca como a segunda faixa mais longa do álbum, 12 minutos de pura progressão ao estilo Symphony X, onde cada membro do Maestrick demonstra seu virtuosismo com execução impecável.
Há também momentos como “Agbara”, onde samba, prog e vocais em português se fundem em uma espécie de ritual sonoro afrofuturista, com a participação de Jim Grey (Caligula's Horse) e do grupo Movimiento Baque Mulher. Ou “Lunar Vortex”, onde Roy Khan (Kamelot) aparece em uma das faixas mais agressivas do álbum, mantendo o tom progressivo, mas incorporando até mesmo elementos de djent.
“Espresso Della Vita: Lunare” encontra tempo para um respiro, oferecendo baladas melancólicas como “Sunflower Eyes” e “Dance of Hadassah”. E uma coisa que me chama a atenção é que, a partir da metade do álbum, o caráter louco e teatral que marcou as primeiras faixas desaparece para oferecer um lado diferente de Maestrick.
E ainda assim, “The Last Station”, aquele monstruoso final de 18 minutos, consegue reunir todo o caos precedente em uma sinfonia progressiva, começando com um andamento mais lento e evoluindo para um retorno a sons mais diretos, passagens que poderiam ter sido extraídas de álbuns clássicos do Yes, com aqueles teclados transbordando fantasia quase psicodélica. Uma faixa de encerramento extensa, porém excelente, repleta de grandeza épica e emoção. Brilhante!
O Maestrick é formado por Fábio Caldeira (vocal principal, piano, sintetizadores e orquestrações), Guilherme Carvalho (guitarras e vocais), Renato 'Montanha' Somera (baixo e vocais) e Heitor Matos (bateria, percussão e vocais). Esses brasileiros nos oferecem uma jornada repleta de melodrama, virtuosismo e teatralidade. Um álbum arriscado e ambicioso, que merece ser deixado de lado e vivenciado na jornada que eles propõem em “Espresso Della Vita: Lunare”.
Brujo,
em resumo: este é um álbum exuberante, técnico e extremamente divertido. Maestrick não faz música, ele dá uma festa de gala onde todos acabamos pulando e dançando com uma xícara de café na mão.
Um álbum que fará você se sentir como se estivesse em um parque de diversões espacial enquanto tenta descobrir qual é a batida da bateria.
Mas vamos ao último comentário que farei, mas você pode encontrar mais informações na internet.
No dia 2 de maio, os visionários brasileiros do Maestrick lançaram seu terceiro álbum de estúdio, Espresso Della Vita: Lunare. Mais do que um simples álbum, é uma jornada conceitual que dá continuidade à história iniciada em Espresso Della Vita: Solare (2018), imergindo o ouvinte em um universo onde o metal progressivo se entrelaça com a grandiosidade sinfônica e a frescura de Charleston.
Embora esse território já tenha sido explorado por outros, poucos alcançam a naturalidade e a engenhosidade com que o Maestrick o executa. Essa odisseia sonora ressoa com ecos de Devin Townsend, referências teatrais à Diablo Swing Orchestra, a potência do BTBAM, o som clássico do Dream Theater e um toque de modernismo que remete ao Haken, tudo integrado sob um estilo único que molda uma experiência monumental — possivelmente a melhor de sua carreira até o momento.
O projeto é ainda mais enriquecido pela participação de convidados renomados como Jim Grey, Tom S. Englund, Roy Khan e o coletivo de percussão feminina Baque Mulher, cuja presença reforça o caráter diverso e expansivo da obra, sob a liderança dos atuais membros do Maestrick: Fábio Caldeira (voz e piano/teclados), Guilherme Henrique (guitarras), Renato Somera (baixo) e Heitor Matos (bateria).
Faixa 1, Um Começo Muito Estranho: Com uma função claramente introdutória, esta peça atua como prólogo para uma grande obra teatral. A voz de Fábio Caldeira, acompanhada por seu piano, nos convida a cruzar um limiar para um mundo paralelo, alertando-nos de que o que está por vir está longe de ser leve ou convencional — algo com o qual concordo plenamente. O acompanhamento de cordas, sopros e coros enriquece a atmosfera, maximizando a experiência teatral.
Faixa 2, Upside Down: Como um fio fino e meticuloso, esta segunda música irrompe com maior intensidade para descrever o despertar de um mundo invertido, habitado por criaturas grotescas e referências literárias distorcidas, onde a magia e a infância se tornam ameaçadoras. A instrumentação, carregada de teatralidade, busca provocar desconforto em perfeita harmonia com a letra. O resultado evoca, por vezes, a grandiosidade de Devin Townsend e, em suas passagens mais pesadas, a energia de Between the Buried and Me, embora aqui tudo pareça em uma tonalidade diferente, muito mais planejado, orquestrado, deliberadamente teatral, como se tivéssemos entrado em um estranho mundo de Jack Skellington.
É um começo perfeito que destaca o árduo trabalho de Maestrick, ou talvez seu gênio inato… provavelmente ambos.
Faixa 3, Boo!: Esta música transforma uma mansão assombrada em uma metáfora para memórias traumáticas e medos infantis, com uma tensão interna latente refletida não apenas na letra, mas também na instrumentação. O narrador alterna entre a vítima (uma criança) — que promete retornar "quando crescer" para buscar vingança — e o caçador (a criança agora adulta) que retorna para confrontar e "exorcizar" esses fantasmas, enquanto riffs poderosos e linhas de baixo profundas ditam o ritmo do confronto iminente.
A banda opta por uma abordagem mais clássica, que lembra o Dream Theater, escolhendo um som que é ao mesmo tempo mais acessível e eficaz para reforçar o drama da narrativa. A colaboração de Tom S. Englund adiciona uma sinergia vocal que incorpora poderosamente tanto a raiva e o desejo de vingança quanto a libertação final, acompanhando a metamorfose do eu lírico que renasce das cinzas e decide não olhar para trás.
Faixa 4, Ghost Casino: É como presenciar uma performance teatral em um cassino infernal, onde o jogador entra atraído pela diversão e acaba entregando dinheiro, corpo e alma a forças que jamais o libertarão. Essa atmosfera ganha vida com ritmos cativantes de Charleston entrelaçados com riffs de metal, enquanto a performance vocal é enriquecida pela interação entre Fábio Caldeira e um coral feminino que adiciona contraste e drama.
A música exala frescor e entretenimento, aprimorando-se a cada detalhe, desde os vocais já mencionados e o solo de guitarra preciso até os arranjos de sopro, xilofone e piano/teclado que completam a tela sonora. Embora possa parecer uma mistura excessiva de elementos, tudo se encaixa naturalmente e demonstra uma composição impecável, reafirmando um estilo que rivaliza com o de bandas mais consagradas como The Diablo Swing Orchestra.
Com essa apresentação, é impossível não pensar que estamos diante de uma das melhores sequências de abertura de quatro músicas que um álbum poderia oferecer.
Faixa 5, Mad Witches: Proporcionando ao álbum a virada necessária — e precisamente no momento certo, após tanta exuberância musical — esta canção diminui o ritmo instrumental, mas não a narrativa. É também o momento de destacar a versatilidade de Fábio, não apenas como cantor, mas também como tecladista, abrindo a faixa com uma atmosfera que serve de base para um vocalista convidado que nos apresenta a história.
Não se trata simplesmente de um conto de terror gótico, mas de uma parábola sobre a necessidade humana de dar e receber afeto. Sugere ainda que o abandono gera monstros — reais ou metafóricos — e que a única maneira de libertá-los não é através da violência ou do sacrifício, mas sim através de uma conexão genuína.
Musicalmente, estamos testemunhando um ápice do rock progressivo moderno. Esta canção exala rock progressivo ao extremo, desdobrando cinco cenas que são verdadeiros filmes sonoros, onde dinâmicas que variam do intenso ao melódico e reflexivo coexistem.
Até agora, estamos acumulando canções de qualidade sem precedentes na carreira de Maestrick.
Faixa 6, Sunflower Eyes: Esta marca uma das passagens mais nostálgicas do álbum, um verdadeiro ponto de transição onde Maestrick desacelera para nos convidar a saborear seu lado mais calmo, com claras reminiscências do estilo melódico do Dream Theater. A voz de Fabio abre caminho com grande destaque, mas logo cede o protagonismo a Guilherme Carvalho, cujo solo de guitarra chega como um desfecho antecipado, repleto de emoção.
A letra complementa perfeitamente essa atmosfera de uma história romântica e melancólica sobre um amor nascido na infância que, com o passar do tempo, tem a oportunidade de renascer.
É, em última análise, um dos momentos mais comoventes do álbum, um respiro das atmosferas sombrias e aterrorizantes para iluminar a narrativa com uma faísca de esperança.
A faixa 7, "The Root", apresenta-se como uma verdadeira epopeia mitológica-cósmica, onde Maestrick entrelaça perfeitamente ecos da antiga Mesopotâmia, o mito bíblico do Gênesis e até mesmo teorias modernas sobre alienígenas ancestrais. Não se trata apenas de uma exibição de referências; cada parte da música funciona como um ato dentro de uma obra maior, com passagens que oscilam entre a narrativa e o grandioso, sustentando uma história progressiva de 12 minutos que a banda desenvolve sem medo de excessos.
Musicalmente, esta faixa apresenta alguns dos riffs de metal mais poderosos de todo o álbum, uma energia que por vezes lembra Haken, mas é sempre reinterpretada sob o estilo próprio e distinto de Maestrick. A inclusão de violinos expande ainda mais o horizonte sonoro, adicionando um drama épico que parece totalmente coerente com a magnitude da história que está sendo contada.
O resultado é um dos pontos altos do álbum, combinando intensidade, imaginação e virtuosismo, e se sustentando do início ao fim como uma jornada tão monumental quanto suas influências míticas.
Faixa 8, Dança de Hadassah: A peça começa com um suspense assombroso, porém belo, no qual o piano se inicia sozinho enquanto a voz de Fábio desdobra uma narrativa carregada de dor e resiliência. Fala do horror do Holocausto e da perda da família, mas o faz com uma sensibilidade que também abraça a memória, a herança cultural e aquela centelha de esperança que resiste à escuridão.
A adição do violão e do violino intensifica o drama, mantendo o ouvinte em estado de expectativa. Sabemos que em algum momento a tensão explodirá, mas o desfecho surpreende por não chegar com um golpe devastador, e sim com dedilhados suaves apreciados com paixão, mais próximos da catarse do que da violência.
Após uma passagem quase cinematográfica, surge um solo épico, crescendo como um clímax instrumental, até que a voz de Fábio retorna com força para coroar o final. O resultado é uma faixa bela e de tirar o fôlego, capaz de gerar arrepios enquanto transforma uma memória de horror em um ato de arte profundamente humano.
Faixa 9, Agbara: Trata-se de uma luta política e social com profundas raízes brasileiras, algo evidente no uso do português — pela primeira vez no álbum — em cânticos coletivos de resistência. A canção entrelaça imagens surreais, metáforas animais e referências culturais/musicais, destacando a participação do Baque Mulher, um coletivo de percussão formado exclusivamente por mulheres que revive a tradição do maracatu como ferramenta de combate ao racismo e ao sexismo. Nesta ocasião, essa força coletiva une-se a Maestrick para denunciar a corrupção, a manipulação e a desigualdade.
A colaboração de Jim Grey, do Caligula's Horse, como vocalista principal, adiciona um surrealismo inesperado; seus vocais limpos e precisos dominam as linhas com seriedade e comprometimento. Descobrir essa colaboração me pegou de surpresa.
O resultado é uma bela faixa, na qual a energia libertadora de Maestrick fornece o impulso metálico necessário para transformar a denúncia em um ato motivador e empoderador, capaz de inspirar força e esperança.
Faixa 10, Lunar Vortex: A música se desenrola como uma fábula moral envolta em tragédia pessoal, refletindo uma narrativa marcada por imagens lunares e um encontro sobrenatural que serve como metáfora para a perda da fé, a ambição desenfreada e a busca pela redenção. Essa densidade lírica não permanece isolada, mas encontra uma contraparte direta na música.
Os vocais convidados, com distorções que reforçam o drama e dialogam com a expressividade de Roy Khan, conferem uma qualidade quase espectral, como se a própria narrativa ganhasse vida. Paralelamente, a guitarra se reinventa em um papel destrutivo, lançando ataques que contrastam com a natureza etérea da letra e enfatizando os momentos de maior tensão emocional.
O resultado é uma faixa que equilibra com ousadia o conceitual e o visceral, transformando uma história sombria em uma poderosa experiência musical, onde cada elemento — vocal, instrumental e narrativo — se entrelaça com um propósito comum.
Faixa 11, Ethereal: Originalmente lançada como o primeiro single de Lunare, esta música aborda o despertar da consciência humana como uma faísca cósmica, um chamado para transcender as limitações terrenas, abrir-nos a dimensões superiores e compreender a vida na Terra como uma jornada compartilhada. O final, inspirado em Ptolomeu, enfatiza essa ideia, lembrando-nos de que contemplar o celestial nos permite transcender nossa condição mortal.
Musicalmente, a faixa transmite esperança e luminosidade. A performance vocal reforça o caráter reflexivo universal, embora por vezes beire o clichê típico do metal progressivo. As passagens instrumentais, por outro lado, ganham frescor graças à adição de sintetizadores, que ampliam o horizonte sonoro e conferem um toque moderno. Embora
eu não a considere uma das melhores composições do álbum, ela cumpre seu propósito de apresentar a abordagem conceitual do Maestrick e aguçar o apetite para o que estava por vir. É uma prévia que, embora não brilhe como single, se sustenta por si só graças à sua natureza esperançosa e perspectiva cósmica.
Faixa 12, The Last Station (I AM, Leaving): Esta faixa se destaca como a grande despedida do álbum. Uma suíte de 18 minutos na qual Maestrick consegue condensar uma jornada sonora e emocional que reflete a própria passagem da vida rumo ao seu inevitável fim. Desde os compassos iniciais, a peça se apresenta como uma metáfora comovente, um trem viajando por estações feitas de memórias, provações, lições e, finalmente, aceitação. Mas longe de ser sombria, a narrativa é permeada de luz, lembrando-nos de que o amor é a marca mais duradoura quando se chega à última parada.
Não é um final apressado; pelo contrário, parece uma decisão consciente da banda de prolongar a jornada o máximo possível, como se não quisessem dizer adeus. Cada seção se inicia com frescor e brilho, oferecendo momentos memoráveis que entrelaçam o pulso progressivo com um tom consistentemente esperançoso. Não há aspereza ou drama forçado, mas sim uma demonstração admirável na qual cada músico tem espaço para brilhar e contribuir para a sensação de plenitude.
Em última análise, The Last Station não apenas encerra o álbum, como o transcende, deixando um gosto de catarse filosófica e musical que confirma Maestrick como um artesão de grandes obras conceituais.
Conclusão: Maestrick nos surpreende com um álbum intenso e ambicioso, no qual as duas primeiras faixas servem para introduzir e estabelecer as bases, enquanto as três seguintes alcançam um desenvolvimento brilhante, demonstrando um domínio da cena prog que vai do legado do Dream Theater à irreverência da Diablo Swing Orchestra. A quinta faixa, em particular, se destaca como um verdadeiro ápice do gênero. No entanto, a partir daí, a obra começa a vacilar sutilmente; os elementos mais fortes estão concentrados no início, e a banda tenta disfarçar isso. Isso pode ser perceptível porque as primeiras faixas, imbuídas de teatralidade e ritmos de Charleston, instilam uma energia no ouvinte, uma espécie de vício insaciável.
Isso não impede que o álbum ofereça momentos memoráveis, com linhas vocais que convidam a cantar a plenos pulmões, ritmos de Charleston que surpreendem com seu frescor dançante — viciante, como eu disse — e riffs de metal carregados de um espírito lúdico. A amplitude instrumental também é um ponto alto; A orquestração não é meramente decorativa, mas sim um elemento cuidadosamente integrado que enriquece a narrativa e demonstra o compromisso da banda em entregar uma obra bem elaborada.
Em última análise, é um álbum que nos ensina a apreciar o prog em sua melhor forma, oferecendo lampejos de genialidade que reafirmam o Maestrick como uma banda que não tem medo de arriscar, experimentar e deixar sua marca na cena contemporânea.
Ok, tudo bem, ainda há espaço para um último comentário, mas é o último...
É um prazer ver como o som de uma banda underground brasileira como o Maestrick está evoluindo e progredindo. Embora fundada há mais de vinte anos, a banda ainda não possui muitos álbuns completos, mas os dois que gravaram, "Unpuzzle!" (2011) e "Espresso Della Vita: Solare" (2018), exibem um power metal progressivo de alta qualidade e, como dizem, qualidade é melhor que quantidade.
A marca registrada do Maestrick é criar músicas sonoramente diversas que evoluem e nunca soam repetitivas. Seu terceiro álbum, "Espresso Della Vita: Lunare", continua a jornada iniciada em "Espresso Della Vita: Solare", mas de uma forma mais ousada. Este álbum se destaca como o mais ambicioso dos brasileiros até o momento, soando imenso e até extrovertido, com linhas mais progressivas e uma estrutura melódica sempre presente graças aos teclados teatrais. Em relação à voz de Fábio Caldeira, o que impressiona é que, apesar de possuir um registro vocal agudo, ele não a utiliza em excesso nem a abusa, garantindo que as composições não soem todas iguais e que, de alguma forma, se diferenciem umas das outras. E, ainda sobre o aspecto vocal, vale mencionar que teremos cantores convidados renomados como Giulia Nadruz, dubladora brasileira conhecida por seu trabalho em musicais, Tom Englund (Evergrey), Roy Khan (Conception) e Jim Grey (Caligula's Horse). O álbum abre com "A Very Weird Beginning", uma faixa que inicia a jornada, como se fosse uma apresentação teatral, com vocais suaves e melodias intrincadas que nos levam a "Upside Down", uma peça altamente dinâmica onde uma melodia envolvente predomina sobre uma base de guitarras progressivas. Mas, justamente por isso, não hesita em se adornar elegantemente com todo tipo de elemento, como orquestrações sutis, teclados bombásticos e vocais puramente teatrais.
O lado mais comercial do Maestrick é representado por "Boo!", que apresenta guitarras alternativas poderosas e sons mais convencionais, teclados que adicionam um toque sombrio e a contribuição significativa de Tom Englund em meio a vocais guturais implacáveis. Uma das faixas mais extrovertidas é "Ghost Casino", que se inspira em diversos estilos musicais, incluindo outros não-metal como pop, jazz e música eletrônica, sem mencionar referências à música clássica e outros sons mais comerciais, o que se encaixa perfeitamente no que poderia ser uma descrição exata do que o Maestrick quer impor: temas mutáveis e diversos no sentido mais requintado da palavra.
A faixa que se mostra complexa e difícil de descrever em detalhes é "Mad Witches", uma peça de nove minutos com influências diretas dos universos da Disney e de Tim Burton. Ela possui diversas facetas musicais, uma personalidade forte e um toque de magia próprio, dando ao ouvinte a sensação de estar em uma apresentação teatral, graças à participação da vocalista Giulia Nadruz. Essa peça impecável brinca com a ilusão e o equilíbrio musical, construída sobre uma base de metal progressivo requintada, porém acessível, incorporando elementos sinfônicos que adicionam um toque extra, tornando-a uma das melhores faixas do álbum.
É em "Sunflower Eyes" que a palavra "romantismo" assume seu significado mais pleno, enquanto os brasileiros nos presenteiam com uma faixa suave, encantadora, terna, quase como um conto de fadas, apresentando melodias vocais arrebatadoras e solos de guitarra incríveis. Outra faixa brutal é "The Root", que tem uma pegada progressiva que lembra Kamelot, apresentando melodias de guitarra distorcidas, ritmos turbulentos e detalhes intrincados que culminam em uma peça intensa, melódica e soberbamente elaborada, sustentada por orquestrações brilhantes. Nossa jornada nos leva à encantadora "Dance of Hadassah", imbuída de uma atmosfera melancólica. Esta faixa cativante ostenta uma musicalidade mágica e teatral, construída sobre uma base de teclados e violinos cheios de alma.
Com um espírito excêntrico, surge "Agbara", uma faixa séria e sólida onde as guitarras são um verdadeiro espetáculo. A letra, consistente com o resto do álbum, é invejável, enquanto as melodias gradualmente nos conquistam. Maestrick então nos convida a dançar com seu lado mais intrincado e brilhante, fazendo referência a Angra e dando grande ênfase aos solos de guitarra e ao desenvolvimento instrumental diversificado. Outra explosão progressiva é "Lunar Vortex", que, com mudanças rítmicas brilhantes e melodias modernas, é provavelmente a faixa mais progressiva do álbum. O vocalista convidado Roy Khan nos conduz por uma performance melancólica, sem dúvida uma das faixas mais dinâmicas de todo o álbum, com uma contribuição excepcional do vocalista do Conception.
Os brasileiros liberam suas armas melódicas mais poderosas em "Ethereal", uma faixa que incorpora com ousadia melodias e refrões cativantes sobre uma base de hard rock do início ao fim. Para mim, é uma das peças mais simples em termos de composição, mas ainda assim incrivelmente atraente e agradável. A jornada se conclui com "The Last Station (I am Leaving)", que, apesar de sua duração, se destaca como a faixa com as mudanças rítmicas mais significativas. Ela ostenta uma multiplicidade de melodias, instrumentação solene e uma seção rítmica poderosa que se desenrola de forma cativante, intensa, brutal e sentimental. Tudo isso é realçado pelos vocais incrivelmente delicados de Fábio Caldeira e por uma atmosfera que, sobre a já mencionada seção rítmica poderosa, oferece toques de fantasia e magníficos solos de guitarra. As orquestrações adicionam o toque final perfeito, juntamente com arranjos de teclado neoclássicos distintos.
Em resumo: como mencionei anteriormente, esta parece ser a criação mais extrovertida e ousada do Maestrick até o momento. É um álbum multifacetado, talvez um pouco difícil de assimilar devido à diversidade de estilos musicais, mas que mantém a essência do metal graças às intrigantes mudanças rítmicas do guitarrista Guilherme Carvalho. Os arranjos progressivos e melódicos são muito bem definidos e complementam perfeitamente os vocais de Fábio Caldeira, que ele interpreta com grande cuidado e uma performance vocal impecável e artística. Portanto, a nota para o terceiro álbum da banda brasileira é 8/10.
Texto demais para o meu gosto, você pode ouvir no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/artist/5zsg4P6lTHHjQwTCzn74sX
Lista de faixas:
1. A Very Weird Beginning (0:37)
2. Upside Down (4:35)
3. Boo! (4:22)
4. Ghost Casino (3:59)
5. Mad Witches (9:02)
6. Sunflower Eyes (4:24)
7. The Root (12:02)
8. Dance of Hadassah (6:20)
9. Agbara (5:15)
10. Lunar Vortex (5:09)
11. Ethereal (4:49)
12. The Last Station (I am Leaving) (18:00)
Formação:
- Fábio Caldeira / vocal principal, piano, sintetizadores, orquestrações
- Guilherme Carvalho / guitarras, vocal
- Renato "Montanha" Somera / baixo, vocal
- Heitor Matos / bateria, percussão, vocal
Sem comentários:
Enviar um comentário