A música clássica começa com sangue e vísceras. Os primeiros violinos eram encordoados com intestinos de ovelha, enquanto os primeiros tímpanos tinham peles de cabra. Os estudantes de conservatório passam anos se contorcendo, sofrendo bolhas e bolhas, às vezes até o ponto de danos permanentes. Na capa de seu novo álbum, inspirada em Francis Bacon, Noémi Büchi aparece estendida e ensanguentada sobre uma folha de plástico, uma visão que evoca tanto um casulo quanto uma sala de tortura de Dexter . Büchi, artista sonora suíço-francesa e pianista com formação clássica — o final do período romântico e o início do modernismo são sua área de atuação — intitulou seu novo álbum com o termo latino “exuviae”. Para Virgílio, eram os despojos retirados do corpo de um combatente inimigo; para um entomologista moderno, são as cascas…
…deixados para trás por insetos em muda, como cigarras. Em Exuvie , Büchi se desfaz da carapaça metálica polida de seus discos anteriores, expondo a carnificina por baixo.
Parafraseando o título de uma de suas canções, Exuvie é uma colagem de “corpos deslocados”, peças sobressalentes de diversos gêneros e séculos que Büchi costura de volta. “A precisão enigmática” praticamente emerge cambaleando da laje, com seus membros reconectados em ângulos estranhos. Arca e Lotic, outros dois artistas conhecidos por alegremente Frankensteinizar o orgânico e o artificial, projetam longas sombras na entrada. Ao longo de Exuvie , Büchi induz um estado de autofonia temporária, uma condição na qual sons internos do corpo, como respiração e piscadas, são amplificados a um volume ensurdecedor. A faixa de abertura e primeiro single, “I was always there”, é mais fácil de descrever em termos de suas qualidades vibracionais puras do que com analogias a instrumentos físicos: um baque, um chocalho, um tremor. Um ancestral genético inesperado acaba sendo o Amnesia Scanner, cujos primeiros singles frenéticos reconstruíram o trap em escala microbiana em meados da década de 2010.
Apesar de sua linhagem, Büchi está longe de ser purista. É possível imaginá-la vasculhando servidores do Discord sobre síntese modular até altas horas da noite, ou garimpando nos confins digitais em busca de detritos pós-dubstep. Adicione um baixo sincopado a "structure undone" e você terá recriado "Wut", do Girl Unit. Büchi compartilha até mesmo o gosto de HudMo e Lunice por metais sintéticos; supondo que civilizações alienígenas avançadas ainda tenham monarcas, "beneath form" poderia servir como sua fanfarra real. E se Los Thuthanaka elogiasse Mahler e Brahms em vez do panteão aimará, o resultado poderia soar como "a divided surface". A composição menos notável de Exuvie , "I Suppose", é aquela que Büchi não transforma em alguma amálgama bizarra. Ainda assim, é esclarecedor traçar suas paixões ao longo do tempo, do contraponto barroco às trilhas sonoras dos primeiros jogos de arcade e ao glitchcore contemporâneo.
Exuvie é o primeiro álbum de Büchi a utilizar sua voz de forma identificável — no sentido de que uma vítima de assassinato pode ser identificada pelos dentes. Em “dislocated bodies” (corpos deslocados), fragmentos de fala se aglomeram e se dissolvem em torno de um motivo elíptico de piano: “I am exhausted” (Estou exausta). “I’ve had a quite day” (Tive um dia e tanto). “I am not a ballerina” (Não sou bailarina). A paixão otimizada para a performance muitas vezes se torna uma prisão. “A criação musical na escola e em um contexto institucional sempre foi difícil para mim”, disse Büchi em 2021. Quando criança, ela adorava improvisar, mas não conseguia compreender as minúcias da notação musical. Hoje, um piano vertical e um teclado Roland dividem o lugar de destaque em seu estúdio de gravação caseiro. Büchi aborda a música clássica não como um embalsamador com um cadáver, mas como um cirurgião com um paciente, usando um bisturi para dissecar os órgãos vestigiais. Todo o sangue significa apenas que ainda está vivo.
Seria difícil exagerar a retidão do coração de David Zé . Criado em Angola, quando o país da África Austral ainda era um posto avançado colonial de Portugal, ele é considerado regionalmente um ícone da resistência que usou a música como arma de libertação e reforma. Zé foi assassinado em 1977, dois anos após a retirada de Portugal, mas em uma nação ainda fragmentada e instável. Especula-se que o medo do governo em relação à sua voz influente tenha levado ao assassinato; a autora e professora de estudos africanos Marissa Jean Moorman aponta que, embora não haja relatos definitivos sobre suas mortes, os assassinatos de Zé e dos músicos Urbano de Castro e Artur Nunes fizeram parte de uma "purga".
Criado por pais que pertenciam a uma igreja metodista…
…coral da igreja, Zé lançou uma série de singles de 7 polegadas no início e meados da década de 70. Mas é o seu álbum de 1975, Mutudi Ua Ufolo / Viuva Da Liberdade , proibido em Angola durante uma década após a sua morte, que oferece a visão mais completa da sua arte. É aí que entra a Jazzybelle Records que, com a bênção da família de Zé, supervisionou esta restauração do 50º aniversário.
Apesar da nova remasterização, a produção mantém uma intimidade e uma potência cruas. Nos momentos mais animados do álbum, as guitarras ensolaradas evocam o highlife nigeriano, enquanto as batidas vibrantes derivam de tambores de mão tocados com maestria — os bongôs são creditados a Gregório Mulato, com percussão adicional de João Lourenço Morgado, por vezes conhecido como o “Rei dos Tambores” de Angola. Em um trecho de “Nguma – Inimigo”, alguns tiques vocais melodiosos, presumivelmente de Zé, podem ser ouvidos em volume baixo na mixagem, enquanto ele se entrega ao ritmo alegre.
Cantadas em português e dialetos locais, são as canções mais lentas, como “Ngongo Mua Ngola – Sofrimento Em Angola” e “A Luta Continua – O Nvunda Ki la Bue Lua”, que revelam a profundidade das habilidades vocais de Zé. Na melancólica “Undenge Uami – A Minha Infância”, Zé usa sua voz profunda e comovente para compartilhar memórias das “manhãs de perseguição pelos colonizadores portugueses”. Sua chama política se acende em “As Cinco Sociedades – O Isangela Itanu”, onde ele situa o capitalismo na linhagem do feudalismo e a escravidão em sua necessidade de exploração em massa.
Como muitos grandes artistas revolucionários, as palavras de Zé podem ser aplicadas às lutas contemporâneas, permitindo que ativistas se inspirem em sua sabedoria e espírito. Espera-se que esta reedição de Mutudi Ua Ufolo / Viuva Da Liberdade garanta que um álbum clássico do gênero esteja disponível quando a necessidade for maior.
Gun Outfit é uma banda de estilo de vida de longa data de Los Angeles, Califórnia. Há duas décadas, o grupo vem criando um rock underground inclasificável, que busca manter a humildade e a autenticidade. Isso foi documentado em diversos lançamentos por selos renomados como Post Present Medium, Paradise of Bachelors e Joyful Noise. Começando como um duo rudimentar, eles se consolidaram como um quinteto excepcional; uma banda pós-punk que toca folk rock experimental com um toque local. O som se tornou mais suave, expansivo e intimista em resposta ao ambiente esquizofrênico em que vivemos.
Process and Reality é o seu álbum mais ambicioso até o momento. Gravado de forma independente ao longo de um mês em um rancho em Pine Flat…
…Enquanto um incêndio florestal queimava a dez quilômetros de distância na Califórnia, o álbum é uma improvisação apocalíptica sobre um mundo em declínio. Uma série de paisagens sonoras e um conjunto de canções distintas e envolventes, Process and Reality é um turbilhão de vibrações ancorado pelo engajamento lírico e recursos limitados. Dulcimer, autoharp, teclado, melódica, cítara e uma variedade de outros instrumentos em arranjos inovadores ampliam o som; uma abordagem colaborativa na composição expande o alcance emocional; e a mixagem intuitiva e o compromisso com equipamentos analógicos conferem à produção uma sutil ressonância mística.
Os principais compositores, Dylan Sharp e Carrie Keith, cresceram na zona rural do estado de Washington e formaram o Gun Outfit em Olympia, em 2006. Daniel Swire toca bateria na banda desde 2010; neste álbum, ele também toca uma variedade de outros instrumentos. O multi-instrumentista Henry Barnes (do Amps For Christ) juntou-se à banda em 2015, mas este álbum enfatiza seu virtuosismo em seus instrumentos e equipamentos eletrônicos feitos à mão. Kayla Cohen toca baixo na banda desde 2019. Outros colaboradores – Chris Cohen, Warren Lee, Danny Sasaki e outros – também deixaram sua marca neste majestoso álbum duplo.
Process and Reality (Processo e Realidade) recebe seu nome do livro do filósofo A.N. Whitehead, que articulou uma metafísica que enfatiza a primazia da intuição, da experiência e da criatividade, bem como a sociabilidade inerente ao desdobramento do ser. Gun Outfit foi inspirado por essa obra, no sentido de ser uma crítica fundamentada ao vulgar materialismo cartesiano que ainda prevalece, fingindo ter certeza da natureza do nosso mundo. Para preservar o que é significativo em nossa cultura, devemos resistir à invasão tecnológica e usar as ferramentas que respeitam e incentivam nosso modo de vida. A música é uma dádiva, devido à maneira misteriosa como carrega significado. Process and Reality é uma tentativa de dar e preservar significado por meio de métodos obscuros.
Tem se tornado moda ultimamente bandas lançarem novos álbuns impactantes após longos hiatos. My Bloody Valentine fez isso, Slowdive fez isso e Boards of Canada fará isso ainda este ano. O hiato se encaixa em algum lugar no meio para o projeto Gem Club, de Christopher Barnes .
Eles lançaram seu último álbum há 12 anos, mas Emerald Press retoma de onde pararam, embora com uma noção aprimorada de como usar o espaço vazio e arranjos minimalistas para preencher canções intimistas de bedroom pop em proporções gigantescas. Não há mudanças repentinas aqui, apenas as mesmas gravações de dias chuvosos, só que em maior escala.
Barnes observou, antes do lançamento do álbum, que embora Emerald Press seja o primeiro disco do Gem Club desde…
… Em Roses , ele nunca parou de compor nesse período. O novo álbum é fruto de 12 anos de composição, reescrita, refinamento e, finalmente, gravação. O motivo de tanto tempo é um mistério. Não há muita diferença entre seus dois primeiros discos e Emerald Press ; In Roses e o álbum de estreia de 2011, Breakers, foram gravados de forma semelhante. Ambos eram coleções de baladas lentas e melancólicas centradas no piano de Barnes e em sua voz potente e cheia de anseio, com acentuação do violoncelo e dos vocais de sua colaboradora de longa data, Ieva Berberian.
“Small Ruin”, a primeira faixa vocal, mostra que pouca coisa mudou. É um bedroom pop constante e cheio de reverb, com ocasionais notas de baixo surpreendentemente estrondosas. Há uma qualidade emotiva que remete aos primeiros discos do How to Dress Well, embora a voz de Barnes não alcance a mesma potência de Tom Krell. É uma música no estilo do Gem Club, muito parecida com as que você encontraria em seus dois primeiros álbuns. “Aperture”, no entanto, mostra onde reside a diferença. Emerald Press se dedica em grande parte a um som cada vez mais expansivo, fazendo com que cada faixa preencha o espaço sonoro ao máximo. Às vezes, o reverb torna a faixa opressiva, como se não houvesse escapatória do piano ou da voz de Barnes. Em alguns momentos, isso funciona perfeitamente com o tema da música; “ Sem alívio, sem escapatória de você e eu ”, ele canta em “Aperture”, e a potência de sua voz na canção reforça esse sentimento profundamente. Em outros momentos, porém, torna-se excessivo; Quando ele canta em “Spirit & Decline” que “ A violência cresce com sua canção/ Estou começando a perder o foco ”, isso soa tanto como uma confissão quanto como uma letra de música.
Em muitos momentos de Emerald Press , é o violoncelo de Alex Norberg que mantém tudo no rumo certo e dinamicamente interessante. "Tend" é o melhor exemplo disso. Barnes leva sua voz por uma jornada diferente da que costuma fazer, subindo e descendo sobre o ritmo lento das teclas. O violoncelo de Norberg complementa a linha vocal de Barnes, transformando o que poderia ter se perdido na estrutura em algo com peso real. Da mesma forma, seu trabalho em "Sea So White" faz com que o impacto do Oceano Atlântico na costa pareça mais palpável, como a espuma branca no topo de ondas gélidas.
Embora o grupo nunca tenha incendiado as paradas musicais, surgiu na época de Grey's Anatomy, quando colocar músicas lentas e melancólicas em programas de televisão era uma estratégia para alcançar o público. Apesar de nunca terem sido a trilha sonora de um momento dramático de Ellen Pompeo, eles marcaram presença no spin-off Private Practice , além de aparecerem em cenas de séries como Parenthood e Locke & Key . Em última análise, é assim que soa o retorno do Gem Club: uma coleção de músicas lentas e melancólicas licenciadas para trilhas sonoras de cenas dramáticas. Embora seja exatamente o que os álbuns anteriores do Gem Club soavam, parece uma conclusão decepcionante para um hiato de 12 anos entre álbuns. Claro, há algumas faixas instrumentais que abrem e fecham o álbum e mostram lampejos de uma verdadeira voz composicional de Barnes, mas, além disso, o que há de realmente novo aqui? Depois de todo esse tempo, o retorno do Gem Club deveria oferecer algo mais do que mais do mesmo.
"Alive & Alright", um álbum duplo ao vivo gravado diante de um pequeno grupo de cerca de 50 fãs em 4 de fevereiro de 2000, apresentando todas as músicas do álbum "Between the Bridges " mais um lado B, também foi filmado em vídeo numa tentativa de contornar o problema emergente de videoclipes custarem mais do que o orçamento de álbuns inteiros, pensando que o canal de videoclipes do Canadá poderia exibir várias gravações ao vivo em vez de videoclipes, o que não aconteceu.
Ao tentar fornecer uma visão geral de uma grande história – uma que abrange tanto as inúmeras conquistas de seus personagens ao longo de várias décadas quanto os impactos dessas conquistas – você pode seguir dois caminhos. Há a abordagem "apenas os fatos", onde você lista…
…as pessoas, os lugares e as coisas que povoam a história, e depois há outro caminho que serpenteia pelos "comos" e "porquês" por trás dos nomes e números. Ao observar a história da instituição canadense do indie rock, Sloan, a tentação de olhar por ambas as perspectivas é forte.
Para aqueles que preferem a abordagem factual, certamente há eventos e experiências memoráveis suficientes ao longo dos mais de 30 anos de história da banda para render uma boa narrativa. Há as várias encarnações musicais que floresceram na fértil cena indie de Halifax, Nova Escócia, no final dos anos 1980 e início dos anos 1990, que reuniram o baixista e vocalista Chris Murphy, os guitarristas/vocalistas Jay Ferguson e Patrick Pentland, e o baterista/vocalista Andrew Scott – bandas como The Deluxe Boys, Happy Co., No Damn Fears e Kearney Lake Road, que qualquer pessoa de certa idade originária da cidade costeira canadense recordará com carinho.
Há o primeiro registro, em 1991, daquela que pode ser considerada sua primeira música de assinatura, "Underwhelmed", que entrou em uma coletânea de artistas de Halifax muito difícil de encontrar, chamada Hear and Now, que – combinada com uma apresentação autopromovida caótica, porém explosiva, durante um festival de música em Halifax – chamou a atenção de várias gravadoras, incluindo a gravadora do momento no início dos anos 90, o selo DGC da Geffen Records.
Essa informação nos leva à próxima sequência de eventos: a assinatura com a DGC e o lançamento de seu primeiro álbum, Smeared, em 1992, gravado no mesmo estúdio caseiro do produtor de Halifax, Terry Pulliam, onde também foram gravadas as sessões de Hear and Now, praticamente na mesma época. Antes disso, porém, lançaram o EP Peppermint de forma independente, pelo seu próprio selo, murderecords. Impulsionada pelo apoio de uma rede de rádios universitárias e publicações impressas voltadas para o indie, a banda fez turnês pelos EUA e Canadá antes de se estabelecer em Nova York para gravar seu segundo álbum completo, Twice Removed, com o produtor Jim Rondinelli.
E aqui temos a primeira grande reviravolta na versão factual da história de Sloan. Um tanto entediados com a abordagem shoegaze, uma mistura de Abba com My Bloody Valentine, tão bem documentada em Smeared, e imersos nos modelos sonoros minimalistas do "Álbum Branco" dos Beatles e de Rumours do Fleetwood Mac enquanto percorriam o continente em vans de turnê, a banda entregou a DGC um álbum desprovido da energia maníaca e efervescente da estreia – substituída por uma clareza e inteligência que aumentaram o poder de cativar músicas como "Coax Me", "Snowsuit Sound" e "People of the Sky". Mas essa abordagem ia contra o que estava "vendendo discos" na época, e DGC ficou, para usar um trocadilho previsível, desapontado com um álbum que viria a ser considerado "o melhor álbum canadense de todos os tempos" pela revista Chart Magazine do Canadá.
