01 - Palácio de Pinturas 02 - Jardim de Prazeres 03 - Celebração de Nupcias 04 - A Porta Encantada 05 - Schereherazade 06 - Bodas de Prata 07 - Quatro Cantos 08 - Vila Rica 1720 09 - Continuidade dos Parques 10 - Conforme a Altura do Sol 11 - Conforme a Altura da Lua
01 - Citações 02 - Sentimental Demais 03 - Gato Gaiato (Não Minto Pra Mim) 04 - Corsário 05 - Alvorada - Eu Te Amo 06 - Sobre Todas As Coisas 07 - Barato Total 08 - Isla Para Dos 09 - Rebento 10 - A Paz 11 - O Que É O Que É 12 - Menino de Brançanã
À primeira vista, "Neo-Depression Songs" parece ser uma mistura aleatória de vários estilos: disco, soul, folk rock, baladas pop vintage com um toque nostálgico e ritmos mexicanos alternando com calipso e cantos havaianos. Além disso, o álbum foi gravado em diferentes épocas, em diferentes estúdios e com seis produtores/coprodutores diferentes.
Isso não é particularmente surpreendente, considerando a experiência de Bette Midler no cinema, teatro e na Broadway — no final dos anos 1960 e início dos anos 1970, ela estrelou diversos filmes e uma série de musicais com temas variados. Ela chegou a participar de uma produção da ópera rock "Tommy" em Seattle. No entanto, apesar da diversidade do material musical, "Songs for a New Depression" consegue, de alguma forma, se entrelaçar harmoniosamente em uma paisagem sonora coesa e até mesmo reflexiva.
Além de uma versão disco do sucesso número um de Frank Sinatra, "Wanderers in the Night", descobriremos nas profundezas sonoras do álbum a canção "Buckets of Rain", composta pelo mais famoso menestrel americano, Bob Dylan, na qual o próprio compositor cantou (!). Uma faixa bônus, é claro.
Outra descoberta inesperada é "Shiver Me Timbers", originalmente composta por Tom Waits, para a qual Bette Midler e o produtor Mark Kingman criarão um novo arranjo. Vale ressaltar que, naquela época, o herói underground Tom Waits não era exatamente um nome conhecido do grande público — seus álbuns não eram exatamente populares nos Estados Unidos, então a inclusão de sua composição em um disco de Bette Midler, figura constante no topo das paradas de vinil americanas, pode ser considerada um impulso significativo em sua árdua trajetória rumo à fama.
A extensa lista de instrumentistas que participaram da gravação deste álbum apresenta praticamente toda a gama de músicos altamente profissionais que prosperaram no campo das gravações de estúdio naquela época. "Com uma formação dessas, até um surdo conseguiria gravar uma obra-prima notável", poderia exclamar o gênio vocal desconhecido do interior, invejando melancolicamente a fama alheia. Não sei, não sei. Talvez ele consiga, claro. Mas até agora, ninguém se atreveu a tentar tal experimento.
Faixas: • 01. Strangers In The Night (Bert Kaempfert - Charles Singleton - Eddie Snyder) • 02. I Don't Want The Night To End (Phoebe Snow) • 03. Mr. Rockefeller (Jerry Blatt - Bette Midler) • 04. Old Cape Cod (Claire Rothrock - Allan Jeffrey - Milton Yakus) • 05. Buckets Of Rain (Bob Dylan) • 06. Love Says It's Waiting (Nick Holmes) • 07. Shiver Me Timbers/Samedi Et Vendredi (Tom Waits – Midler - Moogy Klingman) • 08. No Jestering (Carlton Malcolm) • 09. Tragedy (Gerald Nelson - Fred Burch) • 10. Marahuana (Arthur Jonston - Sam Coslow) • 11. Let Me Just Follow Behind (Klingman)
Produzido por: Ahmet Ertegün , Joel Dorn , Mark "Moogy" Klingman , Jack Malken , Arif Mardin e Bette Midler.
Dominando o violão clássico e tendo passado pelo crisol de várias bandas de rock e punk, Ava se viu, por obra do destino, estudando com Fred Frith, um artista inglês de vanguarda da guitarra altamente reverenciado e um dos líderes do movimento progressivo não comercial "Rock in Opposition".
Só esse fato já basta para interessar aqueles cujas preferências musicais vão além de uma paixão perniciosa pela Liverpool Quadriga ou pelo Dark Purple Five.
Isso me faz lembrar um episódio engraçado que aconteceu há muito tempo em um lugar remoto e nublado, onde o céu plúmbeo paira tão baixo sobre o mar gelado que parece que bastaria um salto para tocá-lo.
Aconteceu em um ponto de encontro com um nome militarista, um local informal favorito para pacifistas ideológicos, estetas da arte e roqueiros veteranos incondicionais. Um debate espontâneo surgiu sobre qual guitarrista principal merecia as honras da multidão reunida. Eles concordaram, mais uma vez, que Ritchie Blackmore era uma força criativa transcendental, Page e Iommi também eram muito bons, mas o líder do "Dark Purple" estava, obviamente, fora de alcance.
Então, um membro dos pioneiros da festa, que havia entrado acidentalmente na mesa, lançou um desafio ousado aos roqueiros veteranos (nesse caso, a palavra "rocker" é escrita com dois "k"), interrompendo sem rodeios: "Eu adoro Fred Frith!" Mas ninguém sequer pestanejou, pois todos têm o direito de se expressar. O cara aparentemente queria mesmo sofrer por suas convicções estéticas e, com uma audácia desesperada, lançou o desafio à comunidade da velha guarda: "Blakemore é um guitarrista péssimo. Fred Frith é o maior!"
Todos apenas se entreolharam e deram de ombros: "Que garoto estranho. Ele provavelmente acha que nos chocou." E saíram para fumar cigarros.
E o herói pioneiro voltou para casa, decepcionado por não ter sido submetido à repressão totalitária por seus grandes ideais. Mal sabia ele, coitado, que os verdadeiros fãs do Purple são criaturas pacíficas, não como os diplodocos e os frênicos roxos cruéis.
Faixas: • 01. Cypress Crossing 04:14 • 02. Pink River Dolphins 04:46 • 03. Ride to Cerro Rico 05:03 • 04. Dust From the Mines 06:32 • 05. The Shadow Song 07:59 • 06. Irene, Goodnight 05:08
Artista: Pieta Brown País: EUA Título do álbum: Remember the Sun (Deserter™ Version) Ano de lançamento: 2007 Gênero: Americana, Folk Rock, Country Blues Duração: 00:39:57
O terceiro álbum de Pieta Brown, cantora, produtora sonora, compositora e multi-instrumentista talentosa de Iowa, Iowa, é um selo musical. A biografia de Pieta inclui performances memoráveis com Mark (K) Knopfler (ex-integrante da banda britânica Dire Straits), John Prine, Justin Vernon e o conjunto vocal e instrumental Calexico. No entanto, não vamos nos alongar nesse assunto – quem sabe quem tocou com quem e quando, e daí?
Embora críticos musicais e audiófilos geralmente classifiquem Pieta Brown como uma artista folk independente (embora alguns, contrariamente à sua crença, ainda a considerem uma artista folk independente), se analisássemos trechos de seus álbuns sob uma lupa estilística, descobriríamos (se tivermos sorte) uma fusão de country blues, jazz e rock alternativo. No entanto, isso não é necessário se, após ouvir este disco, sua curiosidade musical tiver passado.
Pieta Brown nasceu em Iowa City, em 1973. No século XIX, esta cidade de cerca de 67.000 habitantes era a capital do estado de Iowa, na América do Norte, mas mais tarde foi rebaixada para Des Moines. A futura cantora passou a infância no campo, numa casa sem água encanada, aquecimento, banheiro ou acesso à internet. Segundo Pieta, seu pai, Greg Brown, era um talentoso cantor e compositor. Isso permitiu que ela se familiarizasse profundamente com a música folclórica tradicional e a música rural. Talvez a mãe de Pieta quisesse protegê-la da influência boêmia negativa de seu segundo pai, ou talvez não, mas de qualquer forma, seu casamento com Greg terminou e ela levou a filha para Birmingham, Alabama. Mas não se pode escapar do destino, e num belo dia chuvoso, quando os fracos de espírito enlouquecem de melancolia, felizmente para nós, ela começou a escrever poesia e a compor peças instrumentais para piano.
Em 2002, Pieta Brown lançou seu primeiro álbum completo, sem título, mas produzido pelo vencedor do Grammy, Bo Ramsey. O disco foi um sucesso imediato; pelo menos, a organização de mídia sem fins lucrativos americana NPR Music descreveu este álbum de estreia da aspirante a artista como "uma coleção comovente de canções predominantemente melancólicas com raízes no blues" — o que, pensando bem, provavelmente deve ser visto mais como uma reação positiva do que negativa. A Amazon Music declarou seu segundo álbum "suave, hipnótico e sedutor". O que provavelmente é um elogio.
Uma cópia digital do terceiro álbum de Pieta, "Remember the Sun", que caiu nas garras gananciosas da comunidade "Songs of a Deserter™", foi considerada um dos melhores discos de 2007 pelo The Wall Street Journal. O comitê artístico do nosso blog, embora tenha achado a trilha sonora bastante atraente e digna de ser ouvida, observou que sua dramaturgia interna era insuficientemente elaborada. As três primeiras faixas deste álbum, as mais importantes para decidir se vale a pena continuar ouvindo, foram consideradas pouco convincentes pela equipe editorial. Portanto, apresentamos a vocês nossa própria versão deste álbum, que, em nossa opinião, corrigiu as falhas estruturais iniciais.
Faixas: • 01. Sonic Boom • 02. Song for a Friend • 03. Are You Free? • 04. Innocent Blue • 05. Not Scared • 06. Rollin' Down the Track • 07. Hey Run • 08. Remember the Sun • 09. Worlds Within Worlds • 10. In My Mind I Was Talkin' to Loretta • 11. West Monroe
Ano: 9 de maio de 1989 (CD 2005) Gravadora: Island Records (EUA), B0004511-02 Estilo: Folk Rock, Rock & Roll, Classic Rock País: Seymour, Indiana, EUA (7 de outubro de 1951) Duração: 46:10
Paradas musicais: EUA #7, AUS #1, CAN #3, ALE #27, NL #33, NOR #12, NZ #6, SWE #6, SWI #11, RU #25. Austrália: Platina; EUA: Platina; Canadá: 2x Platina. Parece estranho usar uma palavra como "maduro" para se referir a um cara que costumava se autodenominar "Pequeno Bastardo" — mas hoje em dia, a palavra é praticamente inevitável quando se fala de John Mellencamp. Para alguém cujo trabalho sempre sugeriu um medo mórbido de envelhecer, ele está entrando na versão rock and roll da meia-idade com bastante elegância: seu décimo álbum — o quarto desde que chocou muita gente ao se tornar bom — não representa um grande salto como Uh-Huh (1983) e Scarecrow (1985), e não inova musicalmente como Lonesome Jubilee (1987), e nas primeiras audições não apresenta nenhum single tão revigorante quanto “Rain on the Scarecrow” ou tão irresistível quanto “Cherry Bomb”. Em vez disso, é um disco seguro, pessoal e, sim, maduro, um exercício de consolidação, continuidade e maestria. A primeira coisa que você nota é a sonoridade do álbum. Assim como Springsteen, Petty e Seger, outros grandes nomes do rock mainstream americano que surgiram nas últimas duas décadas, Mellencamp tem uma banda cujo som característico o define, inspira e limita alternadamente. Seus principais elementos são a marcante e concisa bateria de Kenny Aronoff e o timbre áspero e rouco da guitarra de Larry Crane: esses caras fazem um rock sujo e bruto no estilo dos Rolling Stones, que realmente impacta. Mas, ao contrário da E Street Band, dos Heartbreakers e outros do mesmo estilo, a banda de rock mainstream de Mellencamp, tanto em The Lonesome Jubilee quanto agora em Big Daddy, se destaca por toques decididamente não convencionais que conferem a esse gênero totalmente urbano um toque das montanhas dos Apalaches ou dos pântanos do sul dos Estados Unidos: violinos, acordeões, dulcimers, banjos, flautas irlandesas.
Ano: 29 de fevereiro de 1980 (CD 2006) Gravadora: Legacy Records (EUA), 88697 00119 2 Estilo: Arena Rock, Hard Rock, Soft Rock País: São Francisco, Califórnia, EUA Duração: 47:27
Paradas musicais: EUA #8, CAN #48, JPN #61. EUA: 3x Platina. Departure oferece ampla prova de que o gênero hard rock dos anos 70, que tantas pessoas tentaram enterrar nos últimos anos, simplesmente não quer morrer. O Journey pode muito bem ser a melhor banda americana nesse estilo, o que é irônico, porque, estilisticamente, eles sempre pareceram ter dificuldades com ele, como se o hard rock fosse uma camisa nova que não servisse. Para um Aerosmith ou um Ted Nugent, não havia tais dificuldades — o hard rock era a única opção. Mas o Journey poderia ter seguido qualquer direção musical. Os membros fundadores Gregg Rolie (teclados) e Neal Schon (guitarra) vieram do Santana, Aynsley Dunbar de seus próprios grupos e do Mothers of Invention de Frank Zappa, e Ross Valory da Steve Miller Band. Por anos, o Journey pareceu dividido por interesses conflitantes que foram apenas temporariamente apaziguados pelo compromisso com o hard rock. A adição do produtor megalomaníaco Roy Thomas Baker e do vocalista Steve Perry complicou ainda mais a situação. Mesmo assim, o grupo conseguiu melhorar aos poucos, lançando álbuns extremamente comerciais. O Journey atingiu seu auge em 1978 com Infinity e, em seguida, começou a se desintegrar. Dunbar saiu, desgostoso com a falta de uma direção musical clara, enquanto Baker foi informado, sem rodeios, de que seu tempo estava chegando ao fim. A banda nunca gostou de sua produção, e o último LP que gravaram juntos, Evolution, de 1979, comprovou isso. Evolution também sofreu com as dificuldades iniciais da adição do baterista Steve Smith à formação. Todos esses problemas foram resolvidos em Departure. A ausência mais notável é a de Roy Thomas Baker, cuja interferência não faz falta. O engenheiro de som Geoff Workman foi promovido a produtor, o que coloca a direção musical do grupo em suas próprias mãos. Não é surpresa que, pela primeira vez na história do Journey, tenha surgido um verdadeiro líder: Steve Perry, um excelente cantor com uma inclinação para refrões melódicos cativantes, está atualmente no comando, compondo ou coescrevendo todas as músicas, exceto uma, e moldando o som em torno de seus arranjos vocais. “Any Way You Want It”, “Where Were You”, “I'm Cryin'” e “People and Places” demonstram a nova abordagem da banda. A bateria constante e sem grandes destaques de Steve Smith provou ser uma adição por subtração: adeus à técnica virtuosa de Aynsley Dunbar. No passado, os bons momentos do grupo aconteciam quando Neal Schon e Dunbar se lançavam em jams prolongadas, mas agora o Journey funciona melhor como uma banda. E eles nunca tocaram com tanta intensidade.
Ano: 22 de julho de 1982 (CD 2007) Gravadora: Mercury Records (Europa), 9800889 Estilo: Pop, Folk Rock País: Birmingham, Inglaterra Duração: 71:24, 78:02
Paradas musicais: Reino Unido #2, Austrália #2, Canadá #10, Alemanha #29, Holanda #9, Noruega #22, Nova Zelândia #2, Suécia #22, EUA #14. Canadá: Disco de Ouro; Austrália, Nova Zelândia e Reino Unido: Disco de Platina. Quando a maioria das pessoas pensa em Dexys Midnight Runners, geralmente é como uma daquelas bandas de um único sucesso dos anos 80. Mas há mais do que isso. A verdade é que, em uma era musical mais conhecida por seus singles do que por seus álbuns, Too-Rye-Ay, do Dexys, é na verdade um dos álbuns mais fortes daquela década, além de ser um dos mais atípicos. Uma banda inglesa que misturava frases e ritmos celtas com influências de soul e R&B, o Dexys Midnight Runners evitou o estilo synth-pop tão em voga nos anos 80. Com isso, eles não apenas emplacaram um enorme sucesso internacional com o single "Come on Eileen", como também criaram um álbum único e poderoso. Após o sucesso moderado do álbum de estreia, Searching for the Young Soul Rebels, de 1980, o cofundador Kevin "Al" Archer e vários outros membros da banda deixaram o Dexys, deixando o vocalista e multi-instrumentista Kevin Rowland e o trombonista Jim Patterson (que às vezes se autodenominavam "Celtic Soul Brothers") para reformular a banda. A nova formação acabou com 11 integrantes, incluindo dois violinistas (cuja inclusão havia sido um dos principais pontos de discórdia que levou alguns dos membros anteriores a abandonarem a banda). O Dexys então deixou a EMI e assinou com a Mercury Records, lançando o primeiro single pela nova gravadora, "The Celtic Soul Brothers", que alcançou apenas a 45ª posição nas paradas britânicas. No entanto, o segundo single pela Mercury, "Come on Eileen", os catapultou para o estrelato. É difícil exagerar o tamanho do sucesso de "Eileen". Uma canção de sedução divertida, na qual o protagonista atrevido tenta convencer a pessoa amada a ir para sua casa e "tirar tudo", a música alcançou o primeiro lugar nas paradas do Reino Unido e dos Estados Unidos, bem como da Irlanda, Canadá e vários outros países. Com seu marcante violino celta e um refrão que incluía a letra "Too-ra-loo-ra, too-ra-loo-rye, aye" (que remetia a uma canção irlandesa-americana de 1913, posteriormente popularizada por Bing Crosby no filme "Going My Way"), "Eileen" era uma espécie de música de efeito que se tornou ainda mais popular graças à constante exibição de seu videoclipe na MTV. Tornou-se um mega sucesso, e merecidamente. Mesmo agora, 35 anos depois, é instantaneamente reconhecível para a maioria dos fãs de música e, inclusive, está sendo usada com destaque em um comercial da nova temporada da série de televisão americana "Preacher".
Ano: 14 de maio de 1969 (CD 2005) Gravadora: Reprise Records (Japão), WPCR-75087 Estilo: Country Rock País: Los Angeles, Califórnia, EUA / Winnipeg, Manitoba, Canadá Duração: 40:28
O álbum de estreia homônimo de Neil Young deu algumas pistas sobre a direção que sua música tomaria após o início de sua carreira solo. Até mesmo "The Old Laughing Lady" sugere a excentricidade das baladas folk que o tornaram tão único. No geral, porém, o álbum, embora agradável, parece hesitante. Young parecia ter algumas ideias de sua época no Buffalo Springfield que precisava expressar. Com seu segundo álbum, Everybody Knows This Is Nowhere, Young se consolidou como um dos principais músicos e compositores dos anos 60 e além. Tudo o que ele realizaria ao longo de sua extensa vida criativa começou a germinar neste álbum, seja o proto-punk de "Cinnamon Girl" ou o country rock que caracteriza a faixa-título. Os solos de guitarra em "Down by the River" e "Cowgirl in the Sand" antecipam seus experimentos posteriores com ruído e dissonância. Everybody Knows This Is Nowhere também marca a primeira gravação de Young com o Crazy Horse, sua fiel banda de apoio. A remasterização em vinil de Chris Bellman adiciona peso a cada um dos instrumentos, mesmo em comparação com a ótima prensagem original. O baixo de Billy Talbot ressoa com autoridade; a caixa da bateria de Ralph Molina estala com força. A voz de Young é mais matizada e detalhada, e mais presente. Em particular, as guitarras distorcidas em “Cinnamon Girl” soam mais incisivas e sustentam por mais tempo na nova prensagem. Os arpejos de Young no canal direito cortam a mixagem com força. Há uma melhor separação entre Young e Danny Whitten em seus vocais principais compartilhados, e as cordas da guitarra no solo do primeiro no final da faixa possuem mais imediatismo e nitidez. Os icônicos solos de guitarra de Young em “Down by the River” e “Cowgirl in the Sand” são sobre timbre, textura e impacto. Todos os aspectos da abordagem explodem aqui. Vibrato, técnica de palhetada e ataque se destacam e dão estrutura e clareza às passagens. As contribuições do Crazy Horse também ganham destaque. É mais fácil perceber o quanto a guitarra rítmica de Whitten contribui para as músicas, principalmente quando ele e Young interagem de forma animada. A masterização de Bellman também adiciona definição ao baixo de Talbot, o que proporciona às canções uma base mais sólida, ao mesmo tempo que as torna mais fluidas e dinâmicas. Mas não é só isso. O som vibrante da guitarra e os dedilhados na faixa-título estão mais brilhantes e potentes nesta nova prensagem. E enquanto os vocais principais e de apoio se misturavam na prensagem anterior, agora os vocais de apoio complementam perfeitamente o vocal principal de Young. Os violões em “Round & Round (It Won't Be Long)” também soam mais naturais e complexos. Eles estão mais bem separados — assim como os vocais sobrepostos de Young. E durante “Running Dry (Requiem for the Rockets)”, o violino de Bobby Nokoff soa contido na prensagem anterior, mas aqui brilha intensamente. Esta remasterização traz todos os elementos da gravação para uma resolução mais alta, e o resultado te leva a uma imersão ainda maior na música. Everybody Knows This Is Nowhere provou que Young era um artista completo — guitarrista, cantor e compositor, transcendendo qualquer categoria. Nesta remasterização, você pode ouvir como ele conquistou seu lugar no panteão do rock and roll. O fato de ele ainda estar na ativa é tanto uma afirmação quanto uma inspiração.
Ano: 18 de setembro de 1970 (CD lançado em 21 de fevereiro de 2007) Gravadora: Strange Days Records (Japão), POCE-1098 Estilo: Hard Rock País: Birmingham, Inglaterra Duração: 42:07
Após um excelente álbum de estreia, o Black Sabbath elevou o nível (Iron Man, para ser mais preciso). Este álbum é um verdadeiro clássico do metal, mas também o primeiro verdadeiro clássico do prog-metal, já que a complexidade da execução e das letras não se limita ao blues convencional. O álbum contém várias músicas excelentes, com duração entre dois e oito minutos, todas com um propósito e capazes de te fazer vibrar. 1. War Pigs - A canção anti-guerra tão controversa que a gravadora não queria que o álbum se chamasse War Pigs (lembrando que foi lançado durante a Guerra do Vietnã). A faixa é, sem dúvida, alucinante, com a introdução já estabelecendo o padrão psicodélico, e os vocais de Ozzy Osbourne são absolutamente clássicos. A maneira como ele cria melodias do nada ainda impressiona até hoje. A improvisação na faixa também é única, uma execução verdadeiramente genial de todos, com a interação entre Geezer Butler, Tony Iommi e Bill Ward sendo inédita e, em grande parte, uma beleza psicodélica. (10/10) 2. Paranoid - O ápice do metal pop conciso. Os riffs pesados de Iommi são, sem dúvida, um dos melhores desse novo gênero (na época), e a seção rítmica constante só pode ser clássica. As melodias vocais e a temática da destruição social tornam essa faixa ainda melhor. (10/10) 3. Planet Caravan - Depois da força bruta e direta, temos um clássico do stoner rock. A música é tão suave e psicodélica que dá para ficar chapado só de ouvir. A canção, sobre viagens espaciais, é executada com maestria; uma pausa bem-vinda após o metal pesado das duas primeiras faixas. A linha de baixo da faixa é quase hipnótica, já que a música tem uma estrutura quase de drone, com muita repetição, embora com alguns efeitos sonoros eletrônicos e phaser nos vocais. Outro clássico do metal, mesmo que suave. (9,5/10) 4. Iron Man - O riff imortal de todos os riffs. Todo mundo conhece essa música, pois é lei da guitarra aprender a tocar esse riff, junto com o riff de Smoke on the Water do Deep Purple e a abertura de Stairway to Heaven do Led Zeppelin. A faixa é um verdadeiro número de blues com muita improvisação, ótimas melodias e alguns dos sons de guitarra mais sombrios e assustadores que você já ouviu. A interação entre baixo e bateria é excelente, quase de cair o queixo pela precisão de Butler e Ward em seu groove. Essencial para ouvir. (10/10) 5. Electric Funeral - Uma das minhas favoritas do álbum. Embora não seja tão conhecida quanto algumas das outras músicas do álbum, é um clássico. O riff e a melodia vocal são executados em perfeita harmonia pelo baixo, guitarra e, obviamente, vocais. A bateria não poderia ser melhor, com Ward mostrando algumas de suas melhores e mais intensas performances. A letra fala sobre um futuro apocalíptico, um tema verdadeiramente novo e assustador. A parte de breakdown no meio da música é totalmente inovadora e psicodélica, muita intensidade em uma única faixa. (10/10) 6. Hand of Doom - Outra faixa clássica, totalmente sobre o que acontece quando você experimenta heroína (uma das drogas mais perigosas conhecidas pelo homem; algo para se pensar). Uma bateria muito complexa e um baixo intenso fazem desta faixa uma viagem alucinante de emoções estranhas que parecem sempre terminar na agulha. Musicalidade no seu auge e mais bizarro. (10/10) 7. Rat Salad - A única faixa abaixo da média, pois é apenas uma música blues com uma excelente performance de bateria, já que se trata de um solo. A faixa pode ser necessária, pois mostra o grande talento que pode ser colocado em uma música com pouco mais de dois minutos. (8,5/10) 8. Fairys Wear Boots - A melhor música do Black Sabbath. De todos os tempos. Esta é uma das melhores e mais alucinógenas faixas que você encontrará em qualquer álbum. A musicalidade da faixa é inegável, e a letra sobre skinheads pode ser uma referência à maconha ou até mesmo ao LSD. A guitarra é ótima, e a linha de baixo funky de Butler é realmente original e crucial para o som da faixa. A bateria é totalmente swingada e muda a atmosfera da música instantaneamente. A melodia vocal é onde a viagem começa, sendo uma das mais interessantes, com Osbourne gritando sobre fadas usando botas. Essa faixa é um clássico que precisa ser ouvido. (10/10) Este álbum é quase perfeito, sendo o mais próximo que alguém poderia chegar do prog-metal em 1970. Todas as faixas são bem elaboradas (exceto uma) e psicodélicas à sua maneira, com uma boa dose de complexidade e pura potência. 5 estrelas para um álbum quase impecável.
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