'Edge of Seventeen' de Stevie Nicks e aquela guitarra chugging

 

Onde começar? Com as letras mal interpretadas? A lista de músicos talentosos que tocam nele? Sua inspiração? Seu sucesso que ajudou seu álbum a alcançar o primeiro lugar em vendas? Estamos falando de “Edge of Seventeen” de Stevie Nicks , que foi selecionada para a indução no Rock and Roll Hall of Fame's Class of 2019, por sua carreira solo, que começou com o lançamento de Bella Donna em 1981.

Bem, vamos começar pelo início, com a guitarra chugging de Waddy Wachtel, que abre a música e é ouvida por toda parte, principalmente ao fundo. E então, na marca de 3:11, o produtor Jimmy Iovine traz de volta à tona. É hipnótico.

É baseado em efeitos de eco usados ​​em “Bring On the Night”, uma música de 1979 do Police. Iovine tocou para Wachtel no estúdio. “Eu não uso efeitos”, disse o guitarrista às Best Classic Bands em 2021. “Essa não é a maneira de fazer isso”, disse Wachtel a Iovine. "Eu só vou jogar... aqui eu vou te mostrar." Quando ele pegou a guitarra, “eu fiz 'chugga chugga chugga' e Jimmy disse: 'Uau! Isso é ótimo!'

“Eu queria fazer isso fisicamente em vez de criá-lo com o Sonic.”

Quando Nicks canta, repetidamente, “Just like a white winged dove”, você ouve, quase em transe. (Essa letra em particular tem sido frequentemente mal interpretada pelos ouvintes. Nossa favorita é “Joust like a whirlwind does.”) Ela tinha 32 anos na época e seus vocais dominantes prendem o ouvinte desde o início.

Wachtel é um dos mais de 20 músicos convidados em Bella Donna , incluindo a maioria de Tom Petty & the Heartbreakers: o tecladista Benmont Tench é creditado como Diretor Musical. Outros incluem os membros do Eagles, Don Henley, com quem ela canta o single nº 6 “Leather and Lace”, e Don Felder. O baterista Russ Kunkel, o pianista da E Street Band, Roy Bittan, e o pianista do Little Feat, Billy Payne, estão entre os outros alistados por Nicks e Iovine.

O primeiro single do álbum foi "Stop Draggin' My Heart Around", lançado em 8 de julho de 1981, e precedeu o lançamento do álbum em 27 de julho por várias semanas. A favorita do rock clássico, escrita por Petty e Mike Campbell, é essencialmente uma faixa do Heartbreakers, com Booker T. e o baixista do MG, Donald “Duck” Dunn, substituindo Ron Blair. (Iovine e Nicks estavam romanticamente envolvidos na época; ele também estava no meio de vários anos produzindo, com Petty, vários álbuns do Heartbreakers.)

A música foi um sucesso, chegando ao 3º lugar (e, ironicamente, continua sendo o single de maior sucesso na carreira de Petty). Em pouco mais de dois meses, Bella Donna ganhou disco de platina. “Leather and Lace” foi lançado como segundo single e também foi um grande sucesso, alcançando o 6º lugar no Hot 100.

"Edge of Seventeen", a primeira faixa do segundo lado do LP, foi finalmente lançada como single em 4 de fevereiro de 1982, editado para 4:10 de sua duração original de 5:28. Perdeu por pouco o Top 10, chegando ao 11º lugar.

Ouça a versão do álbum

A música foi inspirada nas mortes de uma das maiores estrelas do rock, assim como do tio de Nicks, que ocorreram em dezembro de 1980. “Jimmy [Iovine] era absolutamente o melhor amigo de John Lennon”, disse ela ao escritor musical JD Considine. “Então, quando isso aconteceu, um silêncio tomou conta da casa que foi tão avassalador que não havia nada que eu pudesse fazer para ajudar.” Nicks voou para casa no Arizona. “Fui direto para a casa do meu tio. Ele morreu ali comigo segurando sua mão.”

O título da música veio de uma conversa com Jane Petty, esposa do músico na época. “Ela me disse que quando conheceu Tom ele tinha 'dezessete anos'”, disse Nicks ao The Source , da NBC Radio, em 1981.

Assista Wachtel e Nicks tocarem a música décadas depois

Bella Donna vendeu mais de cinco milhões de cópias nos EUA. Nicks lançou muitos outros álbuns solo ao longo de sua carreira e ganhou vários outros singles no Top 5, mas nenhum se compara ao impacto de sua estréia solo.

Em 7 de abril de 2020, ela relembrou a música em uma série de tweets.

Aliás, dos cerca de duas dúzias de músicos do álbum, nenhum era membro dos Fleetwood Mac. 

Nicks, nascida em 26 de maio de 1948, e seus colegas da Rock Hall Class of 2019 , foram empossados ​​em 29 de março no Barclays Center em Brooklyn, NY.

Revisão do álbum de Khadavra - 'Hologram' (2021)

 Khadavra - 'Hologram' (2021)

(5 de agosto de 2021, autoproduzido)

Hoje é a vez de apresentar o terceiro (e até agora último) álbum do ensemble prog-psychedelic sueco chamado KHADAVRA, que responde ao título de "Hologram" e foi publicado de forma independente no início de agosto do ano passado de 2021. A formação do grupo atualmente é composta pelo quarteto Seb Sebsinsky Eriksson [guitarras, voz, cítara, mellotron, sintetizador e percussão], Alexander Eriksson [bateria, vocais, glockenspiel e outras percussões], Jón Klintö [baixo, canto gutural, sussurros e violão] e Nils Erichson [teclados, mellotron e sintetizador Moog]. O vasto material contido em "Hologram" foi concebido e gravado durante os tempos da pandemia, por isso é bom que todos os inconvenientes existenciais e logísticos decorrentes da atual pandemia não tenham sido um obstáculo real para que o povo de KHADAVRA possa materializar a gestação, gravação e publicação concreta deste excelente item fonográfico. Por agora, Está disponível apenas em formato digital através do blog do grupo Bandcamp, mas no início de janeiro foi revelado que a editora Black Widow está a preparar uma edição física deste álbum em vinil. Seu trabalho anterior de 2019 “Hypnagogia” mostrou um grupo muito inspirado e enérgico, e agora isso é aumentado para o álbum que estamos analisando agora. Nesta ocasião, o quarteto contou com as ocasionais colaborações de Liv Fridén (flauta), Ole Mathis Haglund (guitarra e coros), Ola Lindqvist (flauta) e Nils Erichson (teclados), embora neste último caso seja um ex-integrante que gravou algumas coisas antes de sair do grupo. Bem, vamos agora ver os detalhes do disco em questão. mas no início de janeiro passado foi revelado que a gravadora Black Widow está preparando uma edição física deste álbum em vinil. Seu trabalho anterior de 2019 “Hypnagogia” mostrou um grupo muito inspirado e enérgico, e agora isso é aumentado para o álbum que estamos analisando agora. Nesta ocasião, o quarteto contou com as ocasionais colaborações de Liv Fridén (flauta), Ole Mathis Haglund (guitarra e coros), Ola Lindqvist (flauta) e Nils Erichson (teclados), embora neste último caso seja um ex-integrante que gravou algumas coisas antes de sair do grupo. Bem, vamos agora ver os detalhes do disco em questão. mas no início de janeiro passado foi revelado que a gravadora Black Widow está preparando uma edição física deste álbum em vinil. Seu trabalho anterior de 2019 “Hypnagogia” mostrou um grupo muito inspirado e enérgico, e agora isso é aumentado para o álbum que estamos analisando agora. Nesta ocasião, o quarteto contou com as ocasionais colaborações de Liv Fridén (flauta), Ole Mathis Haglund (guitarra e coros), Ola Lindqvist (flauta) e Nils Erichson (teclados), embora neste último caso seja um ex-integrante que gravou algumas coisas antes de sair do grupo. Bem, vamos agora ver os detalhes do disco em questão. e agora isso é aumentado para o disco que estamos revisando agora. Nesta ocasião, o quarteto contou com as ocasionais colaborações de Liv Fridén (flauta), Ole Mathis Haglund (guitarra e coros), Ola Lindqvist (flauta) e Nils Erichson (teclados), embora neste último caso seja um ex-integrante que gravou algumas coisas antes de sair do grupo. Bem, vamos agora ver os detalhes do disco em questão. e agora isso é aumentado para o disco que estamos revisando agora. Nesta ocasião, o quarteto contou com as ocasionais colaborações de Liv Fridén (flauta), Ole Mathis Haglund (guitarra e coros), Ola Lindqvist (flauta) e Nils Erichson (teclados), embora neste último caso seja um ex-integrante que gravou algumas coisas antes de sair do grupo. Bem, vamos agora ver os detalhes do disco em questão.

A miniatura 'Stundom' abre o álbum com uma série etérea de camadas de sintetizador crescendo, abrindo caminho para 'Shapeshifter', uma faixa poderosa que possui sofisticação versátil projetada em variações de ritmo e ambiência que vão surgindo ao longo do caminho. Os contrastes entre as passagens muito suntuosas e endurecidas pela batalha e as mais sutis são tratados com perfeita compactação. As confluências com MOTORPSYCHO e ARABS IN ASPIC são fáceis de notar. Com a chegada de 'Lucid Parasitosis', o conjunto aposta em cursos melódicos e atmosferas de inspiração oriental, alternando passagens de tenor acid-folk com passagens mais agudas onde prevalece o paradigma stoner. O seu charme essencial é bem gerido através do seu espaço de pouco menos de 5 minutos. A ambiciosa e épica canção 'Possession' é a mais longa do álbum com pouco mais de 16 minutos e um quarto de duração, sendo assim que reúne uma síntese pomposa e maratonista da magia exótica da peça anterior e da sofisticação majestosa da segunda faixa do álbum. Nota-se também que existem alguns flertes com o pós-rock em algumas passagens onde a densidade predominante adquire algumas nuances obscurantistas. Claro que não faltam passagens onde a bateria impõe um swing inusitado enquanto os outros instrumentos estão tramando onde podem intercalar algumas variantes. São vários os momentos em que os teclados se fazem sentir em meio às vigorosas contribuições da guitarra e da bateria, e a capacidade do bloco de som global de reter e capitalizar suas distorções de som mais estilizadas repousa precisamente em seus ombros. As saudades de AMON DÜÜL II, AGITATION FREE e PINK FLOYD são sentidas nos vários cantos e recantos desta maratona, filtradas pelos padrões modernizados de SPACE DEBRIS e HYPNOS 69. A secção final é em 6/8 e mostra uma espiritualidade em movimento que é apoiado por um lirismo eficaz. 'Zoning Out' se passa em um exercício de rocha espacial endurecida pela batalha e um tanto esmagadora, não alheia ao modelo HAWKWIND, mas sem se deixar absorver por ele. As vibrações festivas que atravessam cada poro sonoro desta peça são inegáveis. estes filtrados através dos padrões modernizados de SPACE DEBRIS e HYPNOS 69. A seção final está em 6/8 e exibe uma espiritualidade comovente apoiada por um lirismo eficaz. 'Zoning Out' se passa em um exercício de rocha espacial endurecida pela batalha e um tanto esmagadora, não alheia ao modelo HAWKWIND, mas sem se deixar absorver por ele. As vibrações festivas que atravessam cada poro sonoro desta peça são inegáveis. estes filtrados através dos padrões modernizados de SPACE DEBRIS e HYPNOS 69. A seção final está em 6/8 e exibe uma espiritualidade comovente apoiada por um lirismo eficaz. 'Zoning Out' se passa em um exercício de rocha espacial endurecida pela batalha e um tanto esmagadora, não alheia ao modelo HAWKWIND, mas sem se deixar absorver por ele. As vibrações festivas que atravessam cada poro sonoro desta peça são inegáveis.

A dupla da miniatura '10102020' e 'Katla' (outro tema longo que ocupa um espaço de 14 minutos e meio) permite que a equipe do KHADAVRA expanda seus recursos estilísticos com facilidade. '10102020' é um dueto caloroso de violões, enquanto 'Katla' projeta uma concatenação ambiciosa de vários motivos e atmosferas. O prólogo, ostensivamente cósmico, situa-se em um meio termo entre os paradigmas dos lendários TENTÁCULOS OZRIC e VESPERO, para depois abrir vasos comunicantes com psicodelia com humor retrô e prog pesado. Algumas seções marcadas por um swing inspirado no blues servem como breves estações de graciosa cerimônia no meio do nervo predominante. Em linhas gerais, temos aqui uma rocha espacial estilizada, obediente à preciosidade progressiva de ontem e de hoje. A seção final exibe uma dualidade de solenidade e tensão obscurantista que quase soa como um híbrido de ANEKDOTEN e TOWN PORTAL: o surgimento desse incêndio particular na seção final nos surpreende, assim como o solilóquio em forma de arenga em torno do qual a coda é construída. 'Anhedonia' é uma balada pastoral acid-folk que não estaria fora de lugar em um álbum pré-75 do HAWKWIND ou no terceiro álbum do AMON DÜÜL II. Ao mesmo tempo em que exibe seu clima evocativo, a estrutura dos teclados parece projetada para cobrir com um manto lisérgico o tecido do canto e do dueto de violões. O instrumental 'Vemod', embora tenha um arranjo musical diferente daquele feito para 'Anedonia', mantém as suas vibrações contemplativas e dá-lhes um novo rosto graças ao protagonismo desempenhado pela guitarra eléctrica e, sobretudo, pelo sofisticado dinamismo proporcionado aos arranjos a partir dos quais todos os motivos sucessivos são emoldurados. O fechamento do álbum vem da mão da peça homônima, que dura 9 minutos e um quarto. 'Hologram' caracteriza-se por explorar as arestas mais propriamente melódicas da ideologia musical da banda. Contém secções cantadas reconhecíveis, bem como passagens instrumentais marcadas por uma sofisticação medida que suporta as transferências versáteis do space-rock para o motorik e, daí, para o post-rock, que o conjunto executa com fluidez bem conseguida. O fechamento do álbum vem da mão da peça homônima, que dura 9 minutos e um quarto. 'Hologram' caracteriza-se por explorar as arestas mais propriamente melódicas da ideologia musical da banda. Contém secções cantadas reconhecíveis, bem como passagens instrumentais marcadas por uma sofisticação medida que suporta as transferências versáteis do space-rock para o motorik e, daí, para o post-rock, que o conjunto executa com fluidez bem conseguida. O fechamento do álbum vem da mão da peça homônima, que dura 9 minutos e um quarto. 'Hologram' caracteriza-se por explorar as arestas mais propriamente melódicas da ideologia musical da banda. Contém secções cantadas reconhecíveis, bem como passagens instrumentais marcadas por uma sofisticação medida que suporta as transferências versáteis do space-rock para o motorik e, daí, para o post-rock, que o conjunto executa com fluidez bem conseguida.

“Hologram” é, acima de tudo, um dos álbuns psicodélicos progressivos de maior sucesso que foram feitos no final do ano de 2021. É definitivamente um trabalho com o qual o KHADAVRA se superou; no momento, é sua obra de coroação. Este holograma musical deixou-nos agradavelmente surpreendidos e só podemos recomendá-lo para qualquer boa biblioteca musical dedicada ao rock artístico dos nossos tempos.

- Amostras de 'Hologram':

Revisão do álbum Simon Phillips - 'Protocol V' (2022)

 Simon Phillips - 'Protocol V' (2022)

(4 de fevereiro de 2022, Phantom Recordings)

Hoje apresentamos “Protocol V”, o novo disco solo do magistral baterista britânico SIMON PHILLIPS, um cavalheiro versátil que tem uma carreira ampla e versátil mas que é, acima de tudo, um campeão do jazz-rock. Lançado no passado dia 4 de Fevereiro pela editora CD Phantom Recordings, este álbum mostra-nos um PHILLIPS muito bem acompanhado pelo conjunto tremendamente virtuoso de Otmaro Ruiz (piano e sintetizadores), Jacob Scesney (saxofones), Alex Sill (guitarras) e Ernest Tibbs (baixo ) Mantendo Tibbs de seus álbuns anteriores “procolarian” e alterando os outros para esta ocasião, “Protocol V” é o primeiro deles a incluir um saxofonista, uma ideia muito importante para ampliar o espectro sonoro do programa jazz-musical. tem em mente. PHILLIPS compôs algumas músicas para este novo álbum por conta própria em um processo criativo que começou em março de 2020, enquanto teve a coautoria de Sill ou Ruiz para outros. Há até uma música co-escrita com o tecladista Jeff Babko há 12 anos. O material coletado no “Protocolo V” foi gravado no estúdio PHILLIPS Carbonite Sound, localizado em Ojai, Califórnia, durante todo o segundo semestre do ano passado de 2021. Bem, vamos agora aos detalhes do mesmo.

O repertório abre com a fabulosa faixa 'Jagannath', que surge como uma implosão animada e festiva após um breve prelúdio cósmico sintetizado. Uma vez instalada a ranhura desenhada para que nele se assenta o desenvolvimento devidamente centrado do motivo central, os músicos unem-se com uma agilidade virtuosa, a mesma que colocam ao serviço do dinamismo prevalecente. Claro que há solos de guitarra, saxofone e piano elétrico que decoram o brilho reinante: este último é arranjado com uma certa suavidade, que não interfere em nada no burburinho persistente. Mas… Que bela peça de entrada! Segue-se 'Isósceles', uma faixa que também exala uma diáfana espiritualidade feliz, mas desta vez há um nervo expressivo mais aguçado e um manejo de swing mais sofisticado, assim como uma complexidade um pouco mais ostensiva tanto no foco temático central quanto nos sucessivos solos de guitarra e saxofone. Isso soa como uma partitura perdida do RETURN TO FOREVER de 1976, refeita pelo WEATHER REPORT do início dos anos 1980. Dois zênites para começar o álbum. 'Nyanga' entra totalmente na área do jazz-fusion contemporâneo baseado em atmosferas e cadências orientais. O exotismo evidente na atmosfera sonora criada pelo conjunto é tratado com meticulosa delicadeza, o que faz com que a preciosidade implícita dos arranjos revele uma espécie de espírito contemplativo. No momento do brilhante solo de piano que entra na carve no meio do caminho, PHILLIPS aproveita a ocasião para trazer uma sofisticação refrescante ao swing básico. Um pouco mais tarde, o solo de guitarra leva o quinteto a projetar a única passagem incandescente da peça. Quando é a vez de 'Undeviginti', o conjunto retorna à vitalidade comemorativa que já desfrutamos na faixa de abertura do álbum, combinada com a sofisticação palaciana da segunda. Isso sim, tudo isso é temperado com um novo lote de cores exóticas no foco melódico do núcleo central (mais medido que no tema anterior), o que confere uma magia muito especial à matéria. Na verdade, PHILLIPS compôs esta peça tomando algumas notas de uma peça tradicional búlgara. Praticamente, temos aqui uma celebração sintética dos três itens anteriores. Também temos um belo – embora muito curto – solo de sintetizador. o conjunto retorna à vibração comemorativa que já desfrutamos na abertura do álbum, combinada com a sofisticação palaciana deste último. Isso sim, tudo isso é temperado com um novo lote de cores exóticas no foco melódico do núcleo central (mais medido que no tema anterior), o que confere uma magia muito especial à matéria. Na verdade, PHILLIPS compôs esta peça tomando algumas notas de uma peça tradicional búlgara. Praticamente, temos aqui uma celebração sintética dos três itens anteriores. Também temos um belo – embora muito curto – solo de sintetizador. o conjunto retorna à vibração comemorativa que já desfrutamos na abertura do álbum, combinada com a sofisticação palaciana deste último. Isso sim, tudo isso é temperado com um novo lote de cores exóticas no foco melódico do núcleo central (mais medido que no tema anterior), o que confere uma magia muito especial à matéria. Na verdade, PHILLIPS compôs esta peça tomando algumas notas de uma peça tradicional búlgara. Praticamente, temos aqui uma celebração sintética dos três itens anteriores. Também temos um belo – embora muito curto – solo de sintetizador. tudo isso é temperado com um novo lote de cores exóticas no foco melódico do núcleo central (mais medido do que na música anterior), o que dá uma magia muito especial ao assunto. Na verdade, PHILLIPS compôs esta peça tomando algumas notas de uma peça tradicional búlgara. Praticamente, temos aqui uma celebração sintética dos três itens anteriores. Também temos um belo – embora muito curto – solo de sintetizador. tudo isso é temperado com um novo lote de cores exóticas no foco melódico do núcleo central (mais medido do que na música anterior), o que dá uma magia muito especial ao assunto. Na verdade, PHILLIPS compôs esta peça tomando algumas notas de uma peça tradicional búlgara. Praticamente, temos aqui uma celebração sintética dos três itens anteriores. Também temos um belo – embora muito curto – solo de sintetizador.

'When the Cat's Away' é o belo título da quinta peça do repertório e seu dinamismo é, de fato, bastante gracioso. Aqui temos o produto de um cruzamento entre o jazz-rock contemporâneo e o jazz-rock com herança da era 80. A semelhança de família com INFORMAÇÃO VITAL é fácil de ver. 'Dark Star' nos revela o primeiro (e único) ponto de remanso caloroso e cativante no álbum, com o dueto inicial de piano e guitarra estabelecendo a indicação chave para o groove calmo em 6/8 dentro do qual as músicas serão em breve enquadradas .trabalho de instrumentista. Há um ar muito distinto nos arpejos sutis de violão que orientam o fechamento fade-out desta bela faixa. Com sua duração de pouco mais de 11 ¼ minutos, 'The Long Road Home' é a peça mais longa do álbum, sendo também responsável por fechá-lo. Girando e alternando alguns motivos, enquanto uma atmosfera majestosa prevalece em toda essa sequência, o quinteto explora plenamente o potencial épico que esse extenso tema abriga, dando até mesmo alguns toques progressivos a alguns lugares. Há um momento muito singular em que se abre o campo para um solo de piano envolvente e estilizado, o mesmo que proporciona uma instância de serenidade em meio à excessiva prodigalidade que aqui se faz. Como em outras faixas anteriores do álbum, o saxofone oscila entre ser cúmplice da guitarra e complemento dos teclados; o que faz aqui é aumentar sua capacidade orquestral para facilitar a fluidez arquitetônica do bloco sonoro geral. Tudo isso foi “Protocolo V”, outro grande álbum no currículo do craque SIMON PHILLIPS; É realmente um álbum obrigatório em qualquer boa biblioteca de música dedicada ao jazz em geral e ao jazz-rock em particular. PHILLIPS pode ter feito 65 anos recentemente, mas nós recebemos o presente.

- Amostras do 'Protocol V':

Isosceles:

Dark Star:

Disco Imortal: Skid Row (1989)

Atlantic Records, 1989

Em 1989 começou o declínio do glam rock, um subgênero do qual a MTV bebia ad nauseam, mas do qual surgiram bandas e hinos inesquecíveis. E rotulados neste segmento, talvez por terem sido patrocinados pelo Bon Jovi, o Skid Row estreia em uma cena competitiva com um álbum magnífico, que tem status idolatrado, mas nunca foi falado o suficiente. No entanto, em qualquer lista das "melhores estreias", esta placa aparece nos primeiros lugares. Não em vão, o responsável por sua produção não foi outro senão Michael Wagener.

A marca registrada do Skid Row era a rebelião. Eles exalavam. E todo esse espírito ficou estampado em seu primeiro trabalho, um álbum de singles, de hinos. “Big Guns” é um furacão que se abre da melhor forma, com ritmo diabólico, riffs de rock que sustentam o grande trabalho vocal de Bach; Deixa claro para nós qual será o caminho que o grupo quer tomar. “Sweet Little Sister” tem mais refrões e mais velocidade, enquanto “Can't Stand the Heartache” continua a destacar as qualidades de Sebastian; A bateria de Affuso e o baixo de Bolan o envolvem. É uma ótima música. Quando você chega em “18 and Life” você lembra que naquela época ninguém sabia que estávamos diante de um tema de dobradiça, aquele que gravaria o nome do Skid Row em um momento de rock. É o típico hit de Michael Wagener, com um início melancólico e um baixo sólido e essencial; la voz poderosa de Bach, la guitarra perfecta y la irrupción a lo bestia del resto de la banda, emplaza el formato para seguir con esa mezcla de balada y medio tiempo que se metió en el corazón de una generación completa, para no salir nunca más daí. Os arpejos são de enorme gosto e a música é repleta de contrapontos que levam ao melhor refrão da carreira da banda.

A capa é bem simples. A faixa em branco/preto com a letra em vermelho furioso se destacando completamente. Foi o trabalho de David Michael Kennedy e Mark Weiss. “Skid Row” é um disco redondo, no qual se destaca a voz quebrada e brilhante de Sebastian Bach, que também foi um monstro no palco e entendeu perfeitamente o que era o show; Claro, esse papel de liderança prejudicou o relacionamento com o resto dos músicos e isso os mantém em desacordo até hoje. Felizmente, antes de se separarem, fizeram o grande “Slave to the Grind”, mas a estreia tem peso próprio e ele conseguiu sobreviver estoicamente. Na era da segunda metade das bandas de ontem, é uma pena que o Skid Row veja longe a possibilidade de um refresh ou simplesmente sair em turnê e comemorar esse álbum, que ficou gravado no coração daquela juventude.

The Police no Baú Sonoro

 Calma pois estamos protegidos pela polícia que em grupo , comandado pela icónica voz de Sting,  nos transporta até à década de 80, com o tema synchronicity II. Bons tempos para recordar.

DRAKE E 21 SAVAGE LANÇAM NOVO ÁLBUM… “HER LOSS”

 

Drake e 21 Savage acabam de lançar o seu novo álbum conjunto, intitulado “Her Loss”. O disco de 16 temas conta com a participação especial do rapper Travis Scott numa canção intitulada “Pussy & Millions”. Outra das surpresas é a canção “Circo Loco”, na qual se pode ouvir um sample do clássico One More Time dos Daft Punk.

Os dois rappers anunciaram o projeto conjunto no passado dia 22 de outubro. A dupla lançou também um vídeo para o tema “Jimmy Cooks”, que faz parte do mais recente álbum a solo de Drake, “Honestly, Nevermind”.

Drake e 21 Savage têm trabalhado juntos múltiplas vezes nos últimos anos. 21 Savage participou no tema “Knife Talk” de Drake, enquanto Drake colaborou com 21 Savage e Metro Bomin no tema “Mr. Right Now”.

PESTE & SIDA… 36 ANOS… “NÃO HÁ PÃO”, MAS HÁ ROCK’N’ROLL!

 

De 1986 até hoje, tudo mudou… para ficar cada vez mais na mesma. Peste & Sida, 36 anos no lombo, um álbum novo, grito contra as novas pragas que se vieram juntar às de sempre: “NÃO HÁ PÃO”, mas há Rock’n’Roll!

A estupidificação alimentada pelas redes sociais e amplificada pelos “merdia” (ou será vice-versa?) é combustível para o incêndio contemporâneo. Quando a luta pela sobrevivência é a única pinga do quotidiano, está na hora de beber de outras fontes. Diz a iliteracia popular que “em casa onde não há pão, todos ralham e ninguém tem razão”.

É bem capaz de não ser assim: se “NÃO HÁ PÃO”, é porque alguém lá fora nos anda a ficar com a farinha toda. “NÃO HÁ PÃO” para malucos, e os “malucos” estão fartos de não ter o dito.

Banda sonora da acção e da reacção contra o desgoverno que deixa as classes mais desfavorecidas à mercê das vontades dos anafados do costume, “NÃO HÁ PÃO” traz 10 chapadas musicais a serem devidamente distribuídas pelos focinhos das elites vampirescas, e celebradas pela comunidade Peste & Sida, círculo de amigos de ontem, de hoje e de amanhã.

O álbum foi co-produzido por Emanuel Ramalho, histórico do pop-rock tuga (Faíscas, Corpo Diplomático, Street Kids, Rádio Macau, Delfins e muitas outras bandas). Tendo já produzido o LP “Portem-se Bem” e o Maxi single “Reggae Sida” (1989), o LP “Eles Andam Aí” (1992), o LP “Não Há Crise“, e o registo “Ao Vivo no RCA” (2015), o Emanuel tem uma percepção objectiva de quem são e de como querem soar os Peste & Sida. As gravações tiveram início em Dezembro de 2021 com a captação das baterias na sala de ensaio na Arruda-dos-Vinhos; baixos, guitarras, vozes e metais foram gravados ao longo do ano 2022 no estúdio “Aqui Há Gato”, com a pandemia a condicionar datas mas os Peste a serem mais teimosos que a Covid.

“NÃO HÁ PÃO” é luta e é festa, para a qual foram convidados músicos com fortes laços de amizade com a banda. Juntam-se à pândega Freddy Locks e Johnnie Simbiose, com quem João San Payo e Ricardo Barriga partilham palco nos Rosa Sparks. Presentes estão também o trompetista Ricardo Pinto e o saxofonista Gonçalo Prazeres, sendo que este último vai dirigir o reforço da banda com uma dupla de saxofones em palco.

“NÃO HÁ PÃO” é uma edição de autor, e será distribuído pela Amazing Artists Records em formato CD em Novembro de 2022, e em formato vinil no início de 2023.

BIOGRAFIA DOS Black Oak Arkansas

 

Black Oak Arkansas

Black Oak Arkansas é um banda americana de southern rock, o nome da banda veio da cidade onde foi formada, Black Oak, localizada no Arkansas. 

É considerada uma bandas de rock mais excêntricas dos anos 70, com suas músicas sexy e com apresentações ao vivo cheias de sensualidade do seu Frontman James "Dandy" Mangrum, que influenciaram grandes nomes do rock, como David Lee Roth e Axl Rose. 

História.

The Knowbody Else.

O embrião do que viria a ser o Black Oak Arkansas foi a banda The Knowbody Else. Em 1965, seis jovens de Black Oak, pequena cidade do Condado de Craighead, no Arkansas resolveram montar uma banda. A formação era Ronnie Smith (vocal), Harvey Jett, Knight Stanley e Rickie Lee Reynolds (guitarras), Pat Daugherty (baixo) e Wayne Evans (bateria), mas havia um problema: a banda não tinha dinheiro suficiente para comprar os equipamentos de som, e a solução foi roubá-los. A ação não deu certo e os rapazes pegaram 26 anos de cadeia na prisão Tucker Farm, porém, alguns dias depois, a sentença foi anulada. Por este motivo resolveram se mudar de sua cidade, onde refinaram seu estilo musical. Suas principais influências eram os Byrds e os Beatles. 

Em 1969, a banda se mudou para Memphis, no Tennessee, e assinaram um contrato com a gravadora Stax Records, onde gravaram um único álbum, auto intitulado, pelo selo, que foi completamente ignorado. A banda, nessa época, se interessava pelo psicodelismo e pelo espiritualismo oriental misturado com a educação batista, o que influenciou o som desse álbum. Nessa época, o vocalista Ronnie Smith concordou em ser substituído por James "Jim Dandy" Mangrum, que era amigo da banda, e Ronnie acabou virando manager da banda. Eles não se intimidaram com a pouca receptividade e saíram em turnê pelos EUA, até que foram descobertos pelo fundador da Atlantic Records, Ahmet Ertegun, que gostava das músicas sexy da banda.

Black Oak Arkansas.

Após conseguir um contrato com a Atlantic Records, mudaram o nome da banda para Black Oak Arkansas e lançaram seu álbum de estreia, auto intitulado, em 1971. O álbum não foi um sucesso, porém excursionaram por todo o país, aumentando sua reputação ao vivo com shows incendiários e cheios de sensualidade do seu frontman Jim Dandy — que se apresentava sem camisa e com calças apertadas — apesar de não serem bons musicalmente. 

Em 1972, a banda lançou dois álbuns: Keep the Faith (103° na Billboard 200) e If An Angel Came To See You Would You Make Her Feel At Home? (93° na Billboard 200). Em 1973, lançaram seu primeiro álbum ao vivo: Raunch N' Roll Live que alcançou a 90° posição na Billboard 200, e a banda introduz o baterista Tommy Aldridge, que mais tarde iria tocar no Thin Lizzy, Whitesnake, Ted Nugent, etc. Ainda nesse ano, lançam seu trabalho mais importante: High on the Hog (52° na Billboard 200), que marca o auge criativo da banda e tem a participação de Ruby Starr na música "Jim Dandy", que alcançou a 25° posição na Billboard Hot 100. Segundo Ricardo Seelig "o auge criativo do Black Oak Arkansas, transitando com absoluta naturalidade por todos os elementos que compunham o seu som, pode ser ouvido em suas dez faixas.". 

Em 6 de abril de 1974, a banda se apresentou para mais de 200.000 pessoas no festival California Jam, aparecendo ao lado das maiores bandas de rock dos anos 70 como Deep Purple, Eagles, Black Sabbath, Emerson, Lake & Palmer, etc. A emissora de TV americana ABC Television transmitiu partes do show da banda, expondo-a a um público maior. 

Mantendo o mesmo nível de sempre, lançam Street Party (56° na Billboard 200) em 1974; Em 1975 lançam Ain't Life Grand (145° na Billboard 200), último álbum pela Atlantic Records. Assinam com a MCA Records e lançam X-Rated (99° na Billboard 200). Em 1976, Harvey Jett é substituído por Jimmy Henderson. Lançam Live! Mutha, o segundo álbum ao vivo (194° na Billboard 200), e Balls of Fire, que alcança a 173° colocação na Billboard 200. O último lançamento da formação original da banda é 10 Years Overnight Success. 

Black Oak.

Em 1977, Jim Dandy era o único membro original remanescente e, ao lado de Jimmy Henderson (guitarra), Greg Reding (guitarra e teclados), Jack Holder (guitarra), Andy Tanas (baixo) e Joel Williams (bateria) continuaram na estrada, dessa vez com o nome Black Oak. Essa formação lançou apenas dois álbuns: Race with the Devil, de 1977 e I´d Rather Be Sailing de 1978, e nesse ano, o guitarrista Shawn Lane, de 14 anos excursionou com a banda durante quatro anos. 

Jim Dandy, que havia se recuperado de um ataque cardíaco, convidou seu amigo Ricky Lee Reynolds em 1984 para gravar o álbum solo Ready As Hell. Em 1986, reuniram-se mais uma vez para gravarem The Black Attack Is Back.

Esses dois álbuns não eram lançamentos do Black Oak Arkansas e sim da banda Black Oak. 

Na década de 1990 foram lançadas inúmeras coletâneas e vídeos, além de um álbum inédito do Black Oak Arkansas, denominado The Wild Bunch em 1999. 

Anos 2000 e Atualmente.

Em 2002 lançaram o DVD Black Oak Arkansas: The First 30 Years, que contém alguns dos maiores clássicos da banda. Em 2008 lançaram uma versão remasterizada do álbum The Knowbody Else. Em outubro de 2013 lançaram Back Thar N' Over Yonder pela Atlantic Records. A banda é composta atualmente pelo clássico vocalista Jim Dandy, pelos guitarristas Ricky Lee Reynolds e Hal McCormack, pelo baixista George Hughen, e pelo baterista Johnnie Bolin. 

O som do Black Oak Arkansas ultrapassa as barreiras do Southern Rock, com influências da música country, latina e até mesmo pelo funk e pela junção de estilos totalmente opostos que se fundiram em uma nova sonoridade. Mas o que mais chamava a atenção era a performance da banda no palco, com apresentações totalmente inovadoras do líder da banda, que influenciaram muitos artistas famosos.

Hot And Nasty...The Best Of Black Oak Arkansas (Coletânea 1993)

MUSICA&SOM - senha muro

01. Mean Woman (If You Ever Blues) (2:51)

02. Uncle Lijah (3:20)
03. Hot And Nasty (2:56)
04. Lord Have Mercy On My Soul (6:13)
05. When Electricity Came To Arkansas (5:40)
06. Keep The Faith (3:13)
07. Fever In My Mind (2:53)
08. Hot Rod (3:23)
09. Gravel Roads (3:12)
10. Mutants Of The Monster (6:08)
11. Jim Dandy (2:41)
12. Happy Hooker (5:32)
13. Son Of A Gun (4:33)
14. Dixie (3:40)
15. Everybody Wants To See Heaven 'Nobody Wants To Die' (3:07)
16. Diggin' For Gold (3:36)
17. Taxman (4:29)
18. So You Want To Be A Rock 'N' Roll Star (2:34)

California Breed - California Breed (2014)

MUSICA&SOM

Seguindo a linha hard rock do post anterior, trago o disco do California Breed, nova banda do Glenn Hughes e Jason Bonhan, depois do fim do BCC e confesso que achei melhor o California Breed ao Black Country Communion, aqui vai a resenha do site Whiplash.
Resenha Igor Miranda Whiplash
Fiquei muito chateado quando o Black Country Communion encerrou as atividades. Não só pelos dois álbuns que a banda apresentou antes da informação pipocar, mas também porque o terceiro, Afterglow, que já chegou com um gosto amargo (os fãs já sabiam do fim quando o trabalho foi lançado), é o melhor disco do quarteto sem sombra de dúvidas.
Eis que Glenn Hughes e Jason Bonham, ex-integrantes do Black Country Communion, retornaram com força total no California Breed. A proposta é um pouco diferente e até mais versátil. Acompanhados do jovem guitarrista Andrew Watt, os músicos apresentam algo um pouco mais sujo por aqui - em contraponto à finesse de Joe Bonamassa e Derek Sherinian, que completavam o BCC.
O álbum de estreia do California Breed reforça dois pensamentos que eu já tinha. O primeiro é que Glenn Hughes era, realmente, a força motriz do Black Country Communion. Não é para menos: a experiência de mais de 40 anos do cara mostra que ele dispensa comentários. Além da direção artística, a parte da performance é incrível: toca muito e canta como ninguém nesta idade. O segundo é que Jason Bonham já deixou de ser "filho de John Bonham" há um bom tempo. Mas aqui ele se supera.
Para a nova empreitada, Andrew Watt parece ter dado o seu toque. Tenho a impressão de que a sujeira positiva no som é algo da assinatura dele. Sujeira positiva porque, apesar do estilo mais embrulhado de se tocar, Watt é um excelente músico. É possível entender cada nota que ele reproduz. A ausência de teclados, presentes no Black Country Communion, contribui para o peso.
"The Way" abre o álbum de forma pesada. Densa. Insana. Os riffs viscerais, a boa performance de Jason Bonham e o feeling na voz de Glenn Hughes são os atrativos. "Sweet Tea" tem uma pegada classic rock. Refrão grudento e progressão típica. O destaque é a guitarra de Andrew Watt. "Chemical Rain", um pouco mais alternativa e levemente psicodélica, volta a mudar a atmosfera do disco. Apesar de não ter a sofisticação de Joe Bonamassa, é o momento do trabalho que mais lembra o Black Country Communion - provavelmente por conta dos teclados, aqui tocados por Mike Webb. Show vocal de Hughes.
"Midnight Oil" tem um pé fincado no rock da década de 1970. O swing da bateria de Bonham é o chamariz inicial da canção, que cresce no refrão, com participação de vozes femininas. A calma "All Falls Down" conta com a boa performance vocal de Glenn Hughes e um solo arrebatador de Andrew Watt. O garoto é uma revelação. "The Grey" resgata a visceralidade da faixa de abertura do disco. Os berros de Hughes durante o refrão fazem o ouvinte ter vontade de gritar também. Simplesmente sensacional.
"Days They Come" é contemporânea pela tonalidade e progressão melódica. No entanto, alguns momentos mostram influências das décadas de 1960 e 1970. Contraditório? Só ouvindo para entender. O riff de "Spit You Out", música cantada por Andrew Watt, é bem alternativo, mas o refrão é totalmente classic rock. Uma espécie de solo apresenta psicodelia, em contraponto à simplicidade do resto da canção. Faixa básica e divertida.
"Strong" seria um pop rock se não fosse a bateria de Jason Bonham e as palhetadas de Andrew Watt ao estilo 'pancada' no violão. "Invisible" é um misto de doom e rock progressivo. Arrastada e pesada, tem alguns momentos de estruturas melódicas mais elaboradas - mas nada virtuose. Ponto fraco. "Scars" lembra os momentos mais diretos do Black Country Communion, pelo estilo de riff. A guitarra é o destaque.
"Breathe" é uma digna power ballad com influência setentista. Mesmo com a entrada da bateria, não perde a melodia. A canção fecha o disco de forma soberba e honrosa. A bônus "Solo" dá um complemento final com muito peso na cozinha, na batida ágil e nos riffs. Apesar do resultado do disco ser ótimo, acho que faltaram algumas canções como está.
O debut do California Breed dificilmente sairá da minha lista dos cinco melhores de 2014. Discos muito bons precisam ser lançados para desbancar o novo projeto de Glenn Hughes, Jason Bonham e Andrew Watt. A banda veio para ficar.

Glenn Hughes (baixo, vocais)
Andrew Watt (guitarra)
Jason Bonham (bateria)

01. The Way
02. Sweet Tea
03. Chemical Rain
04. Midnight Oil
05. All Falls Down
06. The Grey
07. Days They Come
08. Spit You Out
09. Strong
10. Invisible
11. Scars
12. Breathe
13. Solo

SELENA GOMEZ ESTÁ DE VOLTA COM NOVA CANÇÃO… “MY MIND & ME”

 

Selena Gomez está de volta com uma nova canção, que fará parte do próximo documentário da AppleTV+, Selena Gomez: My Mind & Me. Inspirada pelos seus diários pessoais, a nova canção de Gomez, “My Mind & Me”, retrata as partes emotivas da sua vida e foi escrita por Gomez, Amy Allen, Jonathan Bellion, Michal Pollack, Stefan Johnson e Jordan K.  Johnson.

Depois de anos no centro das atenções, Selena alcança o estrelato inimaginável. Mas assim que ela atinge um novo pico, uma mudança inesperada leva-a para a escuridão. Este documentário cru e intimista realizado por Alek Keshishian (Madonna: Truth or Dare) abrange o seu percurso de seis anos sob uma nova luz.

O documentário é um filme original da Apple, produzido pela Lighthouse Management + Media e Interscope Films.

O documentário, que teve a sua estreia mundial no AFI Film Festival, será lançado mundialmente no dia 4 de novembro.