Ultimate MIDI Bundle: 3 plugins perfeitos para tocar escalas e acordes!

Ultimate MIDI Bundle: 3 plugins perfeitos para tocar escalas e acordes!

Você já ficou bloqueado ao escrever uma progressão de acordes? Ou ficou irritado quando existe apenas uma nota que não soa bem no que poderia ser o melhor riff que você já escreveu?

Pois bem, a W. A. Production criou o Ultimate MIDI Bundle precisamente para garantir que você complete essa escala, encontre aquele acorde adequado e faça progressões que estão fora deste mundo. Integrando 3 plugins de sucesso, nomeadamente o MIDIQ, Instachord e o InstaScale, este pacote está disponível com um preço super baixo!

A W. A. Production foi criada em 2014 por Redhead Roman, um produtor / DJ e designer de som. A paixão enraizada de Roman por EDM e o tempo que já passou na indústria musical acenderam o seu desejo de fabricar recursos de produção de áudio de alta qualidade nas mãos de cada produtor de música electrónica.

O melhor de tudo é que uma das suas premissas é cumprir com esse desígnio providenciando soluções a um preço verdadeiramente acessível.

Tornando-se inicialmente conhecida por fornecer amostras de áudio de som profissional de qualidade, a W. A. Production amadureceu rapidamente e agora possui uma marca de sucesso que oferece plugins de instrumentos e efeitos, modelos DAW, artigos informativos, entrevistas exclusivas com alguns dos artistas EDM mais famosos, e-books , tutoriais, bem como cursos de vídeo online.

A empresa com sede no Dubai também é reconhecida pelo seu estilo prático de atendimento e suporte ao cliente. O objectivo é muito simples: garantir que a experiência de cada cliente seja ótima. Considerando o crescimento massivo da W. A. ​​Production, Roman e a sua equipa são extremamente humildes e interativos com os seus clientes, membros e toda a cena EDM como um todo.

Os plugins da marca são fáceis de usar, com tudo claramente rotulado e com um tamanho de fonte que você pode realmente ler (ao contrário de muitos outros plugins VST!).

É precisamente por estas razões que você nunca mais encontrará os mesmos obstáculos criativos com a variedade infinita de opções e variações de acordes disponíveis no Ultimate MIDI Bundle. Em vez de apenas cobrir o principal e o secundário, este pacote desenvolve opções que abrangem vários estilos e estruturas.

As tríades aumentadas e diminuídas nunca foram tão fáceis! Basicamente, a W. A. Production colocou a Teoria da Música ao seu alcance para que você não precise parar e procurar qual é a próxima nota numa escala ou quais são as notas que formam um acorde específico.

Você acabou de começar a fazer música? Com o Ultimate MIDI Bundle certifique-se de nunca passar horas a ver tutoriais no YouTube, possivelmente aprendendo informações incorretas. Não tem dinheiro ou tempo para assistir às aulas de Teoria Musical? Você ainda pode aprender as mesmas informações cruciais ao descobrir todas as variações de acordes e escalas.

Por outro lado, para o produtor profissional estas ferramentas de plugin fornecem uma referência rápida para quando você precisar executar uma escala específica. “Qual é a 4ª nota de uma escala dórica?” Chega de coçar a cabeça!

Obtenha as suas escalas num instante com InstaScale. Obtenha os seus acordes num instante com Instachord. Obtenha uma sequência de acordes que seja tão única como você com o MIDIQ.

Como bónus adicional, todos os pacotes de expansão para Instachord estão incluídos neste bundle, dando-lhe assim acesso a estilos de acordes para house, jazz, blues e RnB.

 

Análise do MIDIQ

Às vezes, sentamo-nos no estúdio e não temos mais ideias. É nesse momento que podemos abrir o MIDIQ para dar o pontapé inicial através de sequências de acordes, harmonias e linhas de baixo. MIDIQ é um gerador de sequência MIDI inovador para aplicativos de estúdio e ao vivo, apresentando uma interface de utilizador única e altamente interativa.

Gerando possibilidades de sequência de acordes quase ilimitadas, o MIDIQ usa uma linguagem de padrão simples para a definição de acordes repetidos. O layout lembra uma máquina de moedas de casino, integrando uma interface muito visual. Na verdade, você não precisa de ter nenhum conhecimento de teoria musical para obter ótimos resultados com o MIDIQ.

Sempre que você adiciona ou altera um símbolo de padrão, o algoritmo gera um acorde para esta posição e também cria um conjunto de 8 sequências de acordes alternativas para o padrão atual de símbolos. Um simples clique numa das caixas de acordes é o suficiente para mudar para uma nova variante. Este é um método verdadeiramente inspirador e inovador!

Os dados predefinidos são salvos automaticamente nas sessões DAW e podem ser exportados para importação para outras sessões. Da mesma forma, as funcionalidades de copiar e colar, arrastar e soltar e arrastar para hospedar estão incluídas para maior flexibilidade.

Mas, atenção, as vantagens não param. Experimente alimentar uma progressão de acordes com um arpejador, executando várias instâncias do plugin em paralelo, gerando padrões polirrítmicos e encontrando progressões de acordes interessantes entre dois ou mais acordes. Deixe-se surpreender!

Requisitos do Sistema para o MIDIQ

Mac: macOS 10.9 e/ou superior (compatível apenas com 64-bit)

PC: Windows 7 e/ou superior (compatível apenas com 64-bit)

Observação: este plugin também pode ser executado em versões mais antigas, mas não é garantido.

Tipos de interface disponíveis:

VST, AU (MIDI plugins de efeitos)

Compatibilidade:

Ableton Live 9 (ou superior)

Bitwig Studio 2

Cubase 9.5

FL Studio 12 (VST, não VST3)

Logic Pro X (Mac apenas)

Studio One 3

Cockos Reaper

Notas importantes:

Este software não é compatível com Pro Tools, Machine 2 e Reason

Este software é compatível apenas com 64 bits e não funcionará em sistemas de 32 bits

 

Análise do Instachord

Sendo certamente o produto mais famoso deste pacote, o Instachord é um plugin de processamento de MIDI que ajuda a tocar acordes e progressões de acordes de maneira mais rápida e fácil.

É bastante consensual que a base de uma ótima música é baseada nos seus movimentos harmónicos e mudanças de acordes, que geralmente são chamados de progressão de acordes. Uma mudança na progressão de acordes pode ter um efeito drástico no humor ou na direção de uma música.

No entanto, mesmo os músicos e produtores com formação em teoria musical podem experimentar repetição e estagnação. Usar acordes mais ricos e novas progressões de acordes pode levar a música a um novo nível e torná-la mais única e profissional.

Quer você seja um músico experiente ou apenas um iniciante, com um vasto banco de acordes e uma incrível capacidade de execução, o que temos a certeza é que o Instachord tem algo a acrescentar ao seu reportório.

Se você é um compositor ou produtor, então ele poderá ajudar a acelerar o fluxo de trabalho e o processo de criação de músicas. Encontre a melhor progressão e use um único padrão de MIDI para tocar todos os instrumentos, por exemplo.

Por outro lado, se você for um músico, o Instachord permite que você toque alguns dos acordes mais pesados, em qualquer tom musical e combinação de notas e diferentes aberturas, usando apenas algumas teclas do seu controlador. Ou improvise e pratique sobre eles sem perder muito tempo criando uma trilha de jam.

Se você é um aluno ou professor, pode usar o plugin para aprender e estudar os acordes e usá-lo como referência e ouvi-los em ação. As opções são infinitas!

 

Análise do InstaScale

Alguma vez imaginou tocar os seus instrumentos usando a brilhante ideia de notas relativas, em vez da velha abordagem estática? Explore o mundo das escalas e expanda a sua criatividade de uma forma como você nunca fez antes com o InstaScale, um instrumento recém-inventado, orientado à escala, com apenas 16 teclas para tocar.

Mas será isso o suficiente? Acontece que é mais do que suficiente!

Ao contrário dos instrumentos de teclado padrão, onde cada tecla só pode tocar uma única nota, o InstaScale tem um conjunto de teclas inteligentes, sendo cada uma delas capaz de tocar notas diferentes. A nova nota será baseada na escala dada, a posição da última nota e a ação da tecla atribuída a ela.

O InstaScale está disponível como um plugin de processador MIDI que pode ser usado em qualquer DAW que suporte plugins de instrumento VST (com roteamento de MIDI) ou plugins de efeito AU MIDI, dando a você a liberdade de tocar qualquer instrumento à sua escolha sem quaisquer limitações em relação ao som e hardware.

Neste momento pode estar a pensar: “Mas para que posso usar o InstaScale?”

Temos várias respostas:

Primeiro para aprender! Com todas as escalas incluídas no plugin e várias informações exibidas na interface, o InstaScale pode ser uma fonte valiosa para estudar e aprender diferentes escalas e modos muito rapidamente.

A segunda hipótese é para treino de ouvido! Familiarize-se com as escalas em diferentes tons e modos sem precisar saber como tocá-las. Sim, isso mesmo: treine o seu ouvido para reconhecer intervalos e distâncias rapidamente. Usando o recurso inicial, você pode permanecer numa determinada nota e ver quais são as sensações que ela cria em comparação com as outras notas daquela escala.

A terceira resposta à pergunta em cima é que este plugin serve para fazer música a sério! Inicialmente o InstaScale pode parecer um instrumento estranho e desconhecido, mas não se engane: tal como acontece com qualquer outro instrumento através da prática e dedicação suficiente você poderá tocar um tipo de música alucinante que nunca poderia ter feito com qualquer outro instrumento disponível.

Outra alternativa para usar este plugin é experimentar e obter inspiração. Considerando que você nunca pode acertar uma nota errada com o InstaScale, apenas toque notas aleatórias e inspire-se com os resultados imprevisíveis, mas musicalmente agradáveis. Afinal, acidentes felizes podem sempre acontecer. Você nem precisa usar o seu teclado MIDI, já que pode utilizar o seu drum pad / kit, mapear os pads para as teclas corretas e começar a tocar. Decerto ficará surpreendido com os resultados geniais que pode obter.

E, finalmente, a última grande vantagem do InstaScale é quebrar as regras! A base do plugin é fazer as coisas de maneira diferente, conhecendo as regras primeiro e depois quebrando-as. Deixe-se inspirar por este recurso e, sobretudo, permita-se a ir ainda mais longe e encontrar novas maneiras de criar música sem limitar a sua mente ao conceito de tons preto e branco e escalas maiores e menores.

O plugin guarda as regras, mas permite que você as altere, modifique ou quebre. Ele permite que você altere a escala, notas raiz e home no momento, execute ideias loucas e até permite que você crie as suas próprias escalas experimentais!

 Requisitos do Sistema para o InstaScale/Instachord:

Windows 7 ou superior (32/64 bit), VST, VST3, AAX

OSX 10.7 ou superior (32/64 bit), VST, VST3,  AU, AAX

Observação: este plugin também pode ser executado em versões mais antigas, mas não é garantido.

Compatibilidade:

O InstaScale pode ser usado em qualquer software que suporte plugins VST / VST3 com roteamento MIDI ou tipo de efeito AU, AAX MIDI. Mas, para se certificar de que é compatível com o seu hardware, experimente a versão individual de demonstração dos produtos.

Testado com sucesso em:

Windows

FL Studio 12

Cubase 9.5

Studio One 3

Ableton Live 9

Pro Tools 11+

 

Mac

Cubase 9.5

Studio One 3

Ableton Live 9

Logic Pro X

Pro Tools 11+

 

Este software não é compatível com Maschine 2 (Win / Mac) + Reason (Win / Mac) – Sem mapeamento MIDI

 

Disco Imortal: Mother Love Bone – Apple (1990)

 

Registros Stardog/Mercury, 1990

A árvore genealógica do grunge tem galhos e raízes sem fim, mas sem dúvida um dos galhos mais poderosos, frondosos e sentimentais é o ramo que se originou da banda criada por Andrew Wood, personagem que tem sido uma imagem poderosa para a iconografia de o movimento e que, ao longo dos anos, aprendemos a conhecê-lo ainda mais, sendo reconhecidos e mitificados por bandas do calibre de Temple of the Dog, Pearl Jam, Alice in Chains e Candlebox. Aquela morte por overdose sofrida por tal figura, um forte golpe para a comunidade de Seattle, talvez fosse um dos bastiões para todo o sentimento depressivo e existencialista dessa música mágica que evocou a partir de então.

Com músicas em demos desde o final dos anos 80, este foi seu único álbum, que em 1990 já tinha tudo pronto para brilhar com luzes próprias e celebrar todo aquele trabalho anterior, mas dias antes do esperado lançamento, Andrew Wood se sente em casa por sua namorada, totalmente inconsciente, produto de uma overdose de heroína, morreu em 19 de março e transformando este lançamento em um emblema póstumo do grunge.

E não foi apenas o evento fatal, Wood deixou letras enormes e laços inquebráveis, devido a um carisma absoluto na forma, formação e senso de camaradagem com seus pares, e no álbum encontramos versos extremamente marcantes, que foram replicados e novamente no imaginário do estilo mais tarde. Clássicos como 'Far Behind', 'Would?' ou o álbum completo de Temple of The Dog são inspirados na memória do vocalista, e nessas músicas, que eram cheias de sentimento, havia também o denominador comum da banda onde os renomados Stone Gossard e Jeff Ament (Pearl Jam) também participou. , que exalava um espírito de unidade e que em grande parte o tornava tão único.

Soa extremamente nostálgico: «Stardog Champion» que se desloca geograficamente pela Virgínia e São Francisco, com um som algo glam (a exportação desse estilo é inegável, e faz muito sentido com o que ouvimos com um peso mais enorme do que Alice em Correntes em Facelift e seus primórdios). O emocional "Man of the Golden Words" que levou ao nome de Temple of the Dog devido aos seus versos encontrados e a aura blueseira de coisas como "Crown of Thorns" (a sabedoria de considerá-lo para a trilha sonora de Singles ainda é apreciada ). ), ali colado ao lado de «Chloe Dancer»), ou crônicas de estradas perdidas como «Mr. Danny Boy» e a balada num tom mais acústico que «Stargazer» nos dá.

Em muitas dessas músicas ainda não tínhamos o peso que se conhecia no estilo, mas tínhamos a sensibilidade. A importância está no que muitos consideraram essencial para a ascensão, não apenas nessa inspiração "hippie" e zeppeliana ou sabatina do rock/metal, mas nas fibras emocionais que fluíam das notas.

É difícil imaginar o desenvolvimento do que conhecemos como grunge sem este álbum. A MLB transformou a ideia de se conectar com o coração de seus fãs e seus membros sobreviventes leram muito bem. O guitarrista Stone Gossard e o baixista Jeff Ament mais tarde formaram o Pearl Jam e há uma enorme exportação desse som, e a história é clara: eles mudaram o mundo deles, o nosso e a maneira como nos sentimos sobre o rock para sempre.

Revisão do produto: alto-falantes DALI Rubicon 6 BLACK EDITION

 

Não é todo dia que você tem a chance de tocar com um equipamento tão fantástico, então quando tive a oportunidade de experimentar os alto-falantes DALI Rubicon 6 BLACK EDITION não hesitei, especialmente porque já estou apaixonado pelos alto-falantes Rubicon originais.

Trata-se de uma revisão dos conceituados alto- falantes de piso Rubicon 6 lançados em 2014, atualizando alguns recursos-chave e dando-lhes um delicioso novo acabamento todo preto que parece incrivelmente liso em pessoa. O logotipo Dali em ouro é um belo contraste para equilibrar o design escuro.

Eles ainda são um conjunto sólido de suportes de piso de tamanho médio, com uma estética curva que ajuda a minimizar sua intrusão em seu espaço e cones de fibra de madeira, como é a tradição Dali. Como antes, eles estão usando dois drivers maiores na frente, além de um sistema de tweeter híbrido que usa uma cúpula e um tweeter de fita simultaneamente, enquanto na parte de trás há duas portas de graves e colunas de alto-falante bi-fio para todos os entusiastas de amplificadores de potência .

Os gabinetes parecem sólidos e resistentes, o que é bom, pois eles parecem estar jogando um peso sério, e as grades incluídas são boas, mas com alto-falantes tão lindos, eu recomendo deixá-los de fora, pois seria um crime encobrir seu design liso.

Mas o que há de novo aqui além da pintura, eu ouço você chorar? Bem sob o capô, os alto-falantes Black Edition apresentam um novo design de crossover usando capacitores do lendário Mundorf e fiação de cabo prateado de alta qualidade em todo o alto-falante. Em teoria, isso, combinado com a configuração do tweeter híbrido de Dali, deve levar a extremidades superiores incrivelmente nítidas e detalhadas que equilibram o peso da extremidade inferior de seus respeitados drivers tradicionais.

DALI Rubicon 6 EDIÇÃO PRETA

Eu ansiosamente configurei os alto-falantes e, para conduzi-los, estou executando um pré- amplificador Cambridge Audio Edge NQ em um amplificador de potência Cambridge Audio Edge W , usando o cabo de alto-falante Audioquest Rocket 88, com música transmitida do Tidal usando o Chromecast.

Começo com “Atchafalaya” do Snarky Puppy, uma gravação ao vivo com muitos detalhes e camadas. Imediatamente fico impressionado com a clareza e o peso que esses alto-falantes oferecem. A separação significa que cada instrumento na orquestra parece um componente individual, mas harmonioso, que você pode acompanhar ao longo da peça. A extremidade alta e afiada realmente funciona com este design exclusivo de tweeter híbrido e mostra o que ele pode fazer com a oportunidade de funcionar.

O próximo é “Guerilla Radio” do Rage Against The Machine, e eles realmente mostram sua força desde o início. Uma quantidade inacreditável de peso está me agredindo enquanto os outros instrumentos se movem ao longo do ritmo pesado, controlado, mas particularmente forte. Mesmo com a raiva dirigindo os vocais de Zack de la Rocha, os Rubicons conseguem ficar no topo das coisas o tempo todo, e nunca fico imaginando se eles poderiam ir mais longe.

Finalmente, passo para “Propane Nightmares (Grabbitz Remix)” do Pendulum. A sensação de clareza e ritmo continua aqui além de qualquer coisa que você normalmente esperaria de alto-falantes desse tamanho. Estou novamente impressionado com as camadas, e esses tweeters emparelhados realmente ajudam a permitir que você caia em cada componente constituinte à medida que se entrelaça na música. A sensação de espaço é incomparável, pois me vi absorto na música.

No geral, esses alto-falantes forneceram uma quantidade incrível de clareza cristalina, apoiada por uma faixa intermediária detalhada e uma extremidade inferior que parece ir muito mais fundo do que muitos alto-falantes que tive o prazer de experimentar.

Vindo do conjunto mais antigo, eles parecem mais refinados, o desempenho foi cuidadosamente ajustado para maximizar a capacidade desses alto-falantes já fenomenais. Achei-as mais incisivas, com maior sentido de separação e detalhe do que as versões anteriores.

Aqui está o problema – estes são uma edição limitada, menos de 1000 pares produzidos e quando eles se forem, é isso. Portanto, se você estiver interessado, não perca a oportunidade de obter um conjunto de alto-falantes verdadeiramente espetacular, ligue para sua loja local Richer Sounds e descubra mais hoje!

Cronica - KLAUS SCHULZE | Blackdance (1974)

Depois de dois Lp (incluindo um duplo) de difícil acesso, Klaus Schulze voltou em 1974 com Blackdance onde entretanto mudou de gravadora de Ohr para Brain. O Berliner não foge ao costume ao apresentar peças compridas que podem ocupar uma lateral inteira. Este Lp é composto por 3 peças, duas do lado A e a última do lado B.

Como nos álbuns anteriores, a música se acomoda lentamente com "Ways Of Changes", em uma atmosfera desolada e monótona. Mas surpreso! aí vem um doce violão de 12 cordas. Consciente de que seu trabalho de música cósmica está longe de agradar a um grande público, Klaus Schulze tenta acariciar seu público na direção dos cabelos. Porque além de um violão, o mestre do sintetizador usa percussão e congas para nos mergulhar em um carnaval cósmico, limítrofe tribal. Um título superior a 17 mn, salpicado de ondas electrónicas que vestem uma melodia hipnótica que orientaliza em alguns lugares e que nos mergulha num transe irreal. O festival interestelar acabou,  

Vem a peça em conclusão, “Voices Of Syn” na fronteira com 23 mn. Novas surpresas de Klaus Schluze. De fato, é o canto fornecido pelo cantor de ópera Ernst Walter Siemon que inicia esta faixa elástica em capela. Suavemente esta voz de tom sinfônico e dramático é acompanhada por teclados com camadas de gelo que nos transportam para uma catedral espacial. Os teclados impõem-se numa decoração de massa intergaláctica, eclipsando a voz. Este último é substituído por pulsações tecnóides para uma viagem às profundezas do universo.

Em suma, Klaus Schulze oferece um LP acessível. Coisas sérias começam. Mas o reconhecimento internacional ainda não existe, obrigando o berlinense a mudar de rumo.

Títulos:
1. Ways Of Changes
2. Some Velvet Phasing
3. Voices Of Syn

Músicos:
Klaus Schulze: Sintetizador, Órgão, Piano, Guitarra de 12 Cordas, Percussão
Ernst Walter Siemon: Vocais

Produtor: Klaus Schulze

VÍDEO DA SEMANA – Dire Straits – Money For Nothing (1985)

Para inaugurar a nova seção intitulada “o clipe da semana”, resolvi destacar o clipe da música “Money For Nothing” dos Dire Straits. Lançada em 1985 no álbum Brothers In Arms , esta música foi a primeira a beneficiar de um vídeo animado por imagens 3D feitas num computador. Uma revolução para a época.

No entanto, inicialmente Mark Knopfler, o líder do grupo, não estava entusiasmado com o conceito. Foi o diretor Steve Barron, da Rushes Postproduction, que foi contatado pela Warner Bros para convencer o cantor a aceitar a ideia. Barron diz: “  O problema era que Mark Knopfler era muito anti-vídeo. Tudo o que ele queria fazer era tocar, e ele achava que os vídeos destruiriam a pureza de compositores e artistas.  Ele então voou para Budapeste, onde conheceu Knopfler após um show. Este último sempre se opôs à ideia de um videoclipe, mas sua namorada acabou convencendo-o. Ainda de acordo com Barron: Felizmente, sua namorada disse: “Ele está absolutamente certo. Não há bons vídeos suficientes na MTV, e isso parece uma ótima ideia. Mark não disse nada, mas não me pediu para sair de Budapeste. Fomos em frente e fizemos.  »

Assim nasceu o clipe de “Money For Nothing”. Criado por Ian Pearson e Gavin Blair, que fizeram a animação usando um sistema Bosch FGS-4000 CGI e um sistema Quantel Paintbox, o vídeo também inclui imagens de Dire Straits se apresentando no palco. , com animação parcial de rotoscópio.

Se é verdade que as animações em 3D envelheceram particularmente mal hoje, o clipe é, no entanto, um emblema dos anos 80 e, sobretudo, um dos primeiros a abrir caminho para o design de videoclipes originais com designs únicos.

 

Paramore mostra por que é a banda mais quente do momento em apresentação na TV

Assista à performance de "This Is Why", música que integra o sexto álbum de estúdio da banda que está previsto para o início de 2023

O Paramore fez uma participação no The Tonight Show para apresentar ao vivo “This Is Why”, primeira prévia do seu aguardado disco de mesmo nome.

Assim como tem ocorrido em suas apresentações mais recentes, Hayley Williams, Taylor York e Zac Farro se juntaram a uma banda de apoio impressionante que contribuiu para uma performance de peso do single sucessor do disco After Laughter, de 2017, no programa de Jimmy Fallon.

“This Is Why” foi lançado pelo Paramore em Setembro junto com um clipe dirigido pelo vocalista do Turnstile, Brendan Yates. A música é uma das 10 faixas que integram o sexto álbum do grupo que será lançado no dia 10 de Fevereiro de 2023.

No início de Outubro, a banda voltou aos palcos pela primeira em quatro anos e surpreendeu os fãs ao incluir “Misery Business” em seu repertório, já que eles tinham anunciada a aposentadoria da música em 2018.

Após rumores de que o grupo liderado por Hayley Williams iria se apresentar no Lollapalooza Brasil em 2023, o Paramore anunciou shows solo em São Paulo e no Rio de Janeiro em Março do ano que vem.

Os 18 mil ingressos colocados à venda na capital paulista se esgotaram rapidamente, mostrando que o grupo é um dos mais procurados da atualidade.

Recentemente a banda anunciou uma turnê pelo Reino Unido e pela Irlanda que acontecerá em Abril do próximo ano.

Confira no vídeo abaixo a performance do Paramore no The Tonight Show.

U2: Bono faz versão solo emocionante do clássico “With Or Without You”

 O líder do U2 fez uma performance da faixa de sucesso ao divulgar seu novo livro no "Late Show" de Stephen Colbert

Bono, lendário vocalista do U2, surpreendeu o público do Late Show de Stephen Colbert com uma performance especial do clássico “With or Without You”.

O músico participou do programa para divulgar seu novo livro de memórias intitulado Surrender: 40 Songs, One Story e também aproveitou para cantar uma versão solo da faixa que integra o aclamado disco The Joshua Tree, lançado por sua banda em 1987.

Antes de iniciar a performance, Bono fez uma introdução ao melhor estilo “palavra falada” compartilhando algumas notas sobre a música que estão em seu novo livro. Confira no vídeo ao final da matéria.

Bono

Em sua entrevista de três partes com Colbert, o veterano relembrou os primeiros anos do U2 e apontou como a improvisação está no centro do que a banda fez em sua carreira.

Como falamos anteriormente, Bono dividiu seu novo livro em 40 capítulos com cada um explorando uma música específica do U2 ao mesmo tempo em compartilha detalhes sobre sua trajetória. 

Ao longo do processo de escrever seu livro de memórias, o cantor parece ter reavaliado sua produção musical. Isso porque no início deste ano ele disse que sente “vergonha” de sua própria voz e ainda revelou que não gosta do nome de sua banda.

Além disso, recentemente, o músico apontou que tem vontade de lançar um disco de “puro Rock and Roll” com seus companheiros do U2

Confira abaixo a performance especial de “With or Without You” preparada por Bono.

George Harrison e a história hilária de como seu filho descobriu que ele era um Beatle

 Quando Dhani Harrison nasceu, o saudoso músico já havia abandonado o estrelato e tentava viver como um homem comum

A gente sabe que George Harrison nunca foi um músico dado a aparições públicas ou que gostasse dos holofotes. Um dos integrantes dos Beatles mais reclusos, o saudoso artista sempre tentou se manter longe da mídia.

Tanto que Dhani Harrison, filho único de George, fruto de seu relacionamento com Olivia Harrison, demorou anos para descobrir que o pai fez parte de uma das maiores bandas da história.

Como lembrou a Far Out Magazine no documentário George Harrison: Living in the
Material World (2011), de Martin Scorsese, Dhani, que nasceu quando George já havia abandonado o estrelato, revelou quando soube exatamente que ele era um beatle (via Whiplash):

Minha memória mais antiga do meu pai provavelmente é dele em algum lugar do
jardim coberto de terra, em algum lugar quente, um jardim tropical, vestindo jeans
cobertos de terra… apenas lá, plantando árvores. Eu achei que era com isso que ele
trabalhava nos primeiros sete anos de toda a minha vida.

Eu nem imaginava que ele tivesse alguma coisa a ver com música.

Até que um dia voltei para casa e fui seguido por garotos cantando ‘Yellow Submarine’, e eu não sabia o porquê. Aquilo me parecia muito surreal: por que eles estão cantando essa música para mim? Eu cheguei em casa e soltei os cachorros pra cima do meu pai: ‘Por que você nunca me disse que você era dos Beatles?’

 Ele respondeu: ‘Oh, me desculpe. Acho que eu deveria ter te contado’.

No final dos anos 1950, George Harrison teve seus primeiros encontros com John Lennon e Paul McCartney, amigos que mais tarde formariam os Beatles.

Compositor de algumas das maiores canções da história como “While My Guitar Gently Weeps”, “Something”, “Here Comes the Sun” e “My Sweet Lord”, o guitarrista faleceu aos 58 anos em 29 de Novembro de 2001, vítima de um câncer no pulmão.

Naquele mesmo ano, ele participou de uma cover de “Anna Julia”, da banda brasileira Los Hermanos, lançada por Jim Capaldi (Traffic, Jimi Hendrix, Eric Clapton).

No ano seguinte, foi lançado o álbum póstumo Brainwashed.

Universo do Vinil

 

Quem pensa que o Vinil morreu?

Dire Straits com seu disco “Brothers in Arms” de 1985 pode ser considerado como o marco da passagem do Vinil para o CD. Dizem por aí e espalhado pelos sete cantos da Internet, entre blogs e portais sobre música, que as vendas em Compact Disc deste álbum ultrapassavam o número de players para CD existentes no mundo e era uma das primeiras vezes que um disco fora feito totalmente no sistema digital.

Brothers in Arms era o agente que praticamente inaugurava a mudança mais significativa (até o MP3) do formato de venda de música: do Vinil para o CD.

A partir daí, todo mundo lembra. Os discos de plástico pretos foram deixados num canto ou jogados fora e as “aparelhagens de som” mudavam de perfil: tirava-se o toca disco e colocava em seu lugar um tocador de CD. Nessa mudança de tecnologia algumas fábricas e marcas, até então, consideradas fortes e imbatíveis caiam junto com as minguadas vendas de Vinil e davam lugar a outras, mais “antenadas” com a nova era. Quem não se lembra da Gradiente? Esse é o maior exemplo disso! E a indústria fonográfica fechava as fábricas de Vinil e abria outras com a nova tecnologia digital. Saia a música analógica e entrava o sistema digital!

Mas, espera ai? Realmente todos os Vinis foram jogados fora ou deixados em um canto? Todas as fábricas de Vinil fecharam?

No Brasil, praticamente, sim. No mundo, particularmente, nos EUA e em alguns países da Europa, nem tanto…

O Vinil continuou vivo pelas mãos e ouvidos daqueles que gostavam do timbre do disco de plástico preto e essa parcela manteve viva vendas e produções.

A partir de 2007 – também propagado pelos 7 cantos da Internet – um movimento nos EUA chamado “Record Store Day” começou a mostrar ao mundo que o Vinil não tinha morrido, apenas estava um pouco adormecido e para uma legião continuava vivo e forte. Os números mostravam isso. Ano após ano as vendas de Vinil começavam a recolocar cifras na indústria fonográfica, pois, esta passara a perder milhões de lucros com a entrada de um novo formato de emitir som por meio da Informática: o MP3.

As vendas de CD que antes eram na casa dos milhões passavam a cair cada vez mais. Lojas especializadas fechavam e as prateleiras para venda de música dos grande magazines e supermercados davam lugar a outros produtos.

Da revolução do Vinil para o CD e do CD para o MP3, veio a nova era: o streaming de música. No MP3 a indústria fonográfica amargava prejuízos, já que este formato era facilmente pirateado e distribuído para download gratuito em várias páginas, blogs e sites especializados em armazenagem nas nuvens (mesmo que ilegalmente).

O streaming deu um novo respiro para a indústria da música e mantém, até hoje, um relativo sucesso na comercialização, pois, é uma tecnologia que se paga para ouvir as músicas ou, quando gratuito, há a presença de propagandas que mantém as finanças do empreendimento vivas.

Mas, e o Vinil?

Pois bem… o Vinil, de verdade, de verdade, jamais morreu, jamais esteve dormindo, apenas saíram do cenário as notícias que envolviam este universo, mas saíram por 10 anos ou, talvez, no máximo, 20 anos. Hoje o Vinil comemora as altas vendas e está de volta firme e forte e nas mãos não apenas dos saudosistas e dos maiores de 40 anos. A juventude consome Vinil; artistas, inclusive populares como Chitãozinho e Xororó, passaram a privilegiar as gravações em Vinil e as fábricas (as poucas restantes) não dão conta do volume de encomendas.

Para se ter uma ideia, nos EUA, os últimos números sobre a indústria fonográfica (fornecidos pela RIAA – Recording Industry Association Of America)  demonstram que o formato de plástico, redondo e preto que armazena música, é o mais lucrativo (veja essa reportagem do El Pais). Mais que o streaming! E as vendas de CD, ano após ano, despencam…

No Brasil, a única fábrica de Vinil (Polysom) não abre a caixa preta dos lucros, mas, basta dar uma olhada atenta na sua produção que vemos que está de vento em popa, inclusive, coleções (comumente chamadas por “caixas”) com preços considerados de alto valor estão sendo lançadas; sem contar que mês a mês sai um ou mais novos títulos.

Para exemplificar mais a representação do Vinil no mercado de música, rapidamente comento da economia paralela que está “bombando”: a venda de aparelhos vintage (os aparelhos de som das décadas de 80 e 90, principalmente – passem os olhos no Mercado Livre ou na OLX); de toca discos (dê uma olhada em qualquer grande loja na Internet que encontrará uma infinidade de tipos e marcas) e de discos usados (o Mercado Livre anunciou recentemente que a venda de LPs é o maior negócio da parte de música do portal de vendas).

Dizem que estamos numa crise, que ninguém compra mais nada. Nada? Não, senhores! Tudo, do universo do Vinil, como falam por aí, está “vendendo horrores”!

Isso seria um modismo? Creio que não! Porque o que as pessoas querem é “pegar a música”, ou seja, colocar nas mãos a mídia de onde a música sairá, bem como, ver os encartes, com as fotos e imagens do álbum, fichas técnicas e mais ainda: ritualisticamente, colocar o disco pra rodar e ouvir!

Sou da teoria que o MP3 e o streaming podem ter boas qualidades sonoras, mas tiraram a música do mundo físico, sendo nada palpável e o CD, mesmo sendo de alta fidelidade,  não tem o apelo visual que um LP tem.