CRONICA - DAVID “HONEYBOY” EDWARDS | Blues Blues Blues (1976)

Nascido em Shaw, Mississippi, em 28 de junho de 1915, David "Honeyboy" Edwards era um companheiro próximo de Robert Johnson. Está presente quando este bebe o famoso uísque envenenado que o levará à morte em agosto de 1938. A partir daí acompanha Charlie Patton, Son House… Suas primeiras gravações ficam por conta de John e Alan Lomax em 1941, na plantação onde trabalha. Ele então tenta a sorte no Texas, Memphis e finalmente em Chicago, onde grava alguns títulos para a Sun. Ele se tornou mais popular no final dos anos sessenta quando acompanhou Fleetwood Mac no famoso Blues Jam In Chicago . Em 10 de dezembro de 1975 em Viena, capital austríaca, durante uma turnê europeia, gravou seu primeiro álbum de 33 voltas, Blues Blues Blues , publicado no ano seguinte pelo selo Roots.

Cantando e tocando sozinho com seu violão e sua gaita, David "Honeyboy" Edwards oferece um LP composto por 12 peças que oscilam entre 3 e 4 minutos, muitas delas standard ou covers de blues. Entre estes encontramos "Kansas City", "Drop Down Mama", "Take Me In Your Arms" para os padrões e nas capas há uma bela homenagem feita ao amigo Robert Johnson com "Sweet Home Chicago" mas também Memphis Minnie's "Bumble Bee", "Long Gone Lonesome" de Hank Williams, "Louise" de Johnny Temple, "Key To The Highway" de Big Bill Broonzy e "  Catfish Blues" de Robert Petway. O Honeyboy também nos oferece duas composições, "Bad Rooster" e "Blues, Blues".

Com exceção de "Kansas City" num registo mais rhythm and blues, o nosso amigo bluesman desenvolve um blues rural ou mais precisamente um swamp blues (o blues dos pântanos) ou ainda um delta blues que cheira a bayous do Louisiana. A voz de David "Honeyboy" Edwards é sombria, rouca com a idade, às vezes melancólica, às vezes nervosa, mas muitas vezes resignada. Como muitos bluesmen de sua geração, ele canta o sofrimento e a miséria de seu povo, o que talvez explique o clima taciturno que invade este LP. Mas entre esses acordes secos de guitarra, esses solos breves com um sentimento rústico tocados por instinto, essas partes bootlneck e gaita trazendo profundidade, David "Honeyboy" Edwards nos convida a caminhar ao longo do rio Mississippi, para atravessar campos de algodão,

Por mais que ouça, o artista nos faz entender que essa música não pode ser dissociada da cultura em que nasceu e cresceu. Que o blues não pode ser dissociado da situação racial do sul americano naquela época, do que os negros tinham o direito de fazer ou não fazer. Em 2022, infelizmente, as coisas parecem ter mudado pouco.

Curiosamente, este LP não consta na discografia oficial do cantor/guitarrista. Também deve ser dito que apenas 170.000 cópias foram impressas e distribuídas apenas na Europa. O Honeyboy tinha uma cópia? ele se lembra desse momento?

Posteriormente, David "Honeyboy" Edwards continuará sua discreta carreira solo. Em 2009, ele tocou para o juramento de Barack Obama e ganhou um prêmio Grammy por seu álbum Last Of The Great Mississippi Delta Bluesmen: Live In Dallas antes de ingressar no panteão dos deuses do blues dois anos depois.

Títulos:
1. Catfish Blues
2. Bad Rooster
3. Blues, Blues
4. Sweet Home Chicago
5. Key To The Highway
6. Bumble Bee
7. Louise
8. Kansas City
9. Drop Down Mama
10.  Love You Baby
11. Take Me In Your Arms
12. When You Get Lonesome

Músico:
David “Honeyboy“ Edwards: Vocais, Guitarra, Gaita

Produção: Evelyn Sperker

BIOGRAFIA DE Bob Welch

Bob Welch

Robert Lawrence "Bob" Welch, Jr. (31 de agosto de 1945 – 7 de junho de 2012) foi um cantor e compositor norte-americano de rock. 

Bob se tornou notável como vocalista e guitarrista do Fleetwood Mac de 1971 a 1974, na fase de transição do grupo entre sua formação original blues e a formação clássica, de orientação pop rock. Ao sair da banda por problemas pessoais, foi substituído por Lindsey Buckingham e, com a colaboração de integrantes do Mac como Buckingham e Christine McVie, teve uma carreira solo bem-sucedida no fim dos anos 1970, mas que declinou na década de 1980. Seus singles incluem "Hot Love, Cold World," "Ebony Eyes," "Precious Love" e a famosa faixa "Sentimental Lady." 

Nascido em Los Angeles, na Califórnia, no seio de uma família artística, Welch virou guitarrista do Fleetwood Mac no início dos anos 1970, mas abandonou o grupo em 1974 - antes Lindsey Buckingham e Stevie Nicks se unissem à banda - para criar seu próprio grupo de rock, Paris, dois anos depois. 

O Fleetwood Mac foi alvo de controvérsias quando, em 1998, ingressou no Hall da Fama do Rock and Roll junto a vários membros originais do grupo, menos Welch. Na ocasião, o ex-vocalista admitiu ao jornal The Plain Dealer que ficou triste com a exclusão, pois, segundo ele, o próprio fundador do grupo, Mick Fleetwood, havia lhe agradecido por ter salvado a banda. 

Welch contribuiu para a produção dos primeiros álbuns do grupo, entre eles Future Games e Bare Trees, mas o artista teve seu maior êxito na carreira solo, com a música Sentimental Lady, de 1977, que esteve nas paradas da revista Billboard. Entre outros sucessos, também figuraram Hot Love, Cold World, Ebony Eyes e Precious Love. Welch morreu em 2012, vítima de suicídio.

The Best Of Bob Welch (1991)

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Paris.

01. Black Book
02. Big Towne, 2061
03. Heart Of Stone
04. Blue Robin
Bob Welch.
05. Sentimental Lady
06. Hot Love, Cold World
07. Ebony Eyes
08. Precious Love
09. Church
10. The Ghost Of Flight 401
11. Don't Wait Too Long
12. Future Games
13. Rebel Rouser
14. Man Overboard
15. B666
Bob Welch & Avenue M.
16. Don't Stop 

LEATHER - WE ARE THE CHOSEN (2022)

 

Leather Leone está no ramo há muito tempo e, quando ouvi sua voz pela primeira vez, fui imediatamente atraído por sua energia. Isso foi em 1986, quando o guitarrista do shred David T. Chastain lançou seu álbum 'Ruler of the Wasteland'.
Leone trabalhou com o guitarrista várias vezes depois disso, mas também lançou álbuns solo. O primeiro, 'Shock Waves', foi editado em 1989, enquanto o segundo álbum Leather Leone surgiu quase 30 anos depois e intitula-se 'II', e agora é 'We Are the Chosen', que chega às prateleiras das lojas de discos.
Fornecida com um contrato com a Steamhammer, a cantora lança um disco de metal sensacional. Já as duas primeiras músicas são mais do que apenas uma declaração. 'We Take Back Control' e a furiosa 'Always Been Evil' estão entre as melhores faixas de metal dos últimos anos. Som, riffs poderosos e a voz rouca de Leone dão a essas músicas uma sensação de metal muito autêntica que percorre todo o álbum.
Com 'Shadows' a cantora tira um pouco da velocidade, mas isso não afeta a intensidade da faixa.
Também vale a pena mencionar a impressionante faixa-título, que também vem com elementos orquestrais. Isso dá à música uma profundidade extra sem desviar a atenção do metal tradicional. 'Hallowed Ground', por outro lado, é uma típica balada de metal que se encaixa perfeitamente no conceito geral do disco.
Com 'Dark Days' Leone muda de marcha novamente e também o seguinte 'Who Rules the World' sabe como agradar. 'The Glory in the End' é uma ótima faixa no final do álbum, onde a velocidade e a enorme potência dos riffs estão no centro das atenções.
Leather Leone criou com 'We Are the Chosen' um destaque de 2022, um disco que eu não esperava tão forte e poderoso. Qualquer um que goste de metal tradicional feito de forma excelente deve definitivamente pegar este álbum.

01. We Take Back Control
02. Always Been Evil
03. Shadows
04. Off with Your Head
05. We Are the Chosen
06. Tyrants
07. Hallowed Ground
08. Dark Days
09. Who Rules the World
10. The Glory in the End

Leather Leone Vocals
Thiago Velasquez Bass
Braulio Azambuja Drums
Vinnie Tex Guitars
Marcel "Daemon" Ross Guitars

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BLACK PAISLEY - HUMAN NATURE (2022)

Black Paisley lançou o novo álbum HUMAN NATURE, e inclui 12 canções bem trabalhadas no verdadeiro espírito Paisley.
Human Nature é o quarto álbum desde 2017 dos suecos veteranos em Black Paisley e seu melhor até agora, muitos trabalhos foram feitos para torná-lo um álbum de clássico rock para lembrar. Em parte, uma cooperação com o lendário Mike Fraser em Vancouver com o objetivo de reinventar alguns dos sons do clássico rock do auge da época, combinados com produção moderna e composição de canções inovadoras.
A banda conseguiu assinar e se encontrar com o ícone Mike Fraser no Armory Studios em Vancouver (mixagem – 5 álbuns do AC/DC, The Cult, Aerosmith, Metallica) e Ryan Smith no Sterling Sound em Nashville cuidou da masterização (AC/DC, Adele , Ozzy & Greta Van Fleet), para ajudá-los com Set Me On Fire e Human Nature.
Esta foi, claro, uma ótima experiência para a banda, mas também uma realização humilhante de já ter uma grande equipe em Estocolmo.
O nome da banda BLACK PAISLEY vem da clássica guitarra Fender de Ritchie Sambora de Bon Jovi, de 1996. Com o nome, tu obtens uma conexão incorporada ao Melodic Rock com melodias cativantes, que é a melhor maneira de descrever a música de Black Paisley.

01. Human Nature (03:34)
02. In the Night (03:23)
03. Not Alone (03:34)
04. Promises (03:10)
05. Silent Asylum (03:48)
06. Mojo (04:30)
07. Set Me on Fire (03:52)
08. Don't Call Me a Liar (03:38)
09. Hard Times (03:26)
10. World's Turning (03:39)
11. Crazy (04:24)
12. Set Me Free (03:19)

Stefan Blomqvist - Lead Vocals, Guitars
Franco Santunione - Guitars
Jan Emanuelsson - Bass
Robert Karaszi - Drums & Percussion

Martin Karlegard & Andreas Karlegard - Backing Vocals

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Neu! – Neu! 75 (1975)

 

Neu! 75, terceiro álbum do duo de Dusseldörf, é a sua incontestável obra-prima. Contemplativa no lado A, mas zangada no lado B, lança pistas em todas as direcções. Um farol para a música ambiente e para o pós-punk.

O rock experimental alemão dos anos 70, o chamado krautrock, foi um dos períodos mais inventivos da história da pop. A geração que o fez era libertária e idealista, revoltando-se contra o establishment, e isso contaminou a sua música, também ela revolucionária e utópica.

É preciso não nos esquecermos da história recente. Quando no pós-guerra se começaram a sanear os nazis depressa se concluiu que era uma tarefa impossível: a Alemanha ficaria sem elites. O passado fascista passou a ser tabu mas o conservadorismo permaneceu, subreptício. É contra ele que uma nova geração com consciência política, e radicalizada à esquerda, se mobiliza. O seu caldo cultural era estranho, misturando Marx com coca-cola, Mao-Tsé-Tung  com drogaria, posters do Che Guevara com nudismo e amor livre. Os estranhos e loucos anos 70, portanto.

Eram também apaixonados por música mas estavam um bocado encurralados: por um lado, desprezavam a pop alemã (azeiteira e frívola); por outro, recusavam-se a imitar os modelos anglo-saxónicos (vistos como imperialismo cultural). De maneira que tiveram de começar do zero, explorando a electrónica emergente, e opondo-se à tradição americana baseada no blues. É este compromisso com um futurismo radical que explica o arrojo do krautrock.

Nunca houve um centro para esta “música cósmica”, espalhada por muitas cidades da República Federal Alemã, com pouca comunicação entre cada ilha. Düsseldorf era apenas mais um desses locais onde a magia acontecia mas berço de duas das mais influentes bandas kraut: os Kraftwerk e os Neu!. As duas estão, aliás, relacionadas: Michael Rother e Klaus Dinger passaram pelos primeiros antes de fundarem os segundos.

No seu álbum de estreia – Neu!, de ’72 – o baterista Dinger inventa o famigerado pulsar “motorik”, um groove monótono mas propulsivo, que evoca o prazer de viajar depressa para lugar nenhum.

A gravação do disco seguinte – Neu! 2 – foi mais atribulada: o orçamento esgotou-se a meio do caminho, com a editora a recusar qualquer dinheiro adicional. Num manguito à indústria discográfica – hoje, mítico – enchem metade do disco com remisturas de dois dos temas em diferentes velocidades. Estranhamente, resulta. Agastados, porém, com os revezes, o duo acaba, enveredando por outros projectos (Harmonia, La Dusseldörf).

Mas ainda não tinham dito tudo o que queriam dizer. Reúnem-se mais uma vez para dar ao mundo a sua obra-prima: Neu! 75. Não foi fácil. O fosso das suas sensibilidades havia-se agravado durante a separação: Michael Rother cada vez mais contemplativo e atmosférico; Klaus Dinger cada vez mais selvagem e “guitarrudo”. Arranjam, contudo, uma saída ardilosa para o impasse: o lado A fica a cargo de Rother (fundando os alicerces da música ambiente) e o lado B de Dinger (lançando pistas para o punk e o pós-punk). Eno, Bowie e Lydon ouviriam cada segundo com uma atenção religiosa.

Gostamos de tudo mas confessamos a nossa predilecção pelo primeiro lado: evocativo e plácido, projectando filmes inteiros com meia dúzia de notas, dando espaço para o silêncio respirar. A profundidade emocional é incrível, cheio de nostalgia e perda da inocência, tristonho mas transbordante. Parece que estamos numa praia deserta (as ondas para lá e para cá), recordando com ternura e dor os momentos felizes que não mais voltarão.

O lado B parece gravado por outra banda: agressivo e tosco, como quem grita: “os bárbaros estão à porta!”. Um punk cerebral, ainda assim, com a sofisticada batida motorik a purificar o crude lamacento. Nesse sentido, cremos que o punk inglês foi mais beber à nascente americana – Stooges, New York Dolls, Ramones – do que ao refinado filão germânico. Já o caso do pós-punk é diferente, minimalista mas requintado, claramente devedor do veio continental. A narrativa – que os media inventaram – de que o punk resgatou os anos 70 do marasmo e do mau-gosto é grosseiramente errada. Bowie, Roxy Music e Brian Eno foram partindo pedra, sempre em cima dos ombros dos gigantes alemães. E os Neu!, sempre na vanguarda, inventando o futuro.

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Icarus Phoenix – No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell (2021)

 

“No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell” é uma citação de Carl Jung, mas é também o título da pequena maravilha sonora que Icarus Phoenix nos deu este ano. Honra seja feita ao ilustre suíço, mas é para o norte-americano Drew Danburry que a maior das vénias terá hoje de ser feita!

Icarus Phoenix é um quase ilustre desconhecido. No entanto, o disco que aqui vos apresentamos mereceria toda a sorte do mundo, coisa que, eventualmente, nunca terá. Triste sina, a de muitos grandes músicos que não conseguem elevar-se mais do que à altura de um pequeno pulo, tantas vezes dado a custo. No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell exemplifica muito bem aquilo que dizemos, mas talvez isso pouco ou nada importe para Drew Danburry que, perdido entre discos, concertos, filmes, documentários que realiza e a sua barber shop na cidade de Provo, no estado de Utah, talvez se esteja nas tintas para o sucesso. Assim sendo, menos mal. Que siga fazendo coisas tão boas como estas, é o que importa.

É impossível não ouvir No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell sem pensar em Silver Jews, Purple Mountains, Stephen Malkmus, Adam Green, Clem Snide e ainda em tanta outra gente boa, mas todos eles açucarados, em versão radio friendly, sem que, no entanto, percam estilo e qualidade artística. Isso, aliás, é o que não falta neste disco. Antes sobra, se quisermos ser justos. São treze canções que não sairão facilmente das cabeças por onde venham a entrar. Isso parece-nos garantido. O próprio Drew Danburry lançou a ideia, ao apresentar este seu segundo longa duração, dizendo “The last album changed my life. This one might change yours.” Com a fasquia assim tão elevada, talvez seja interessante dar ouvidos a No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell. Foi o que fizemos, felizmente, embora com algum atraso, uma vez que o álbum saiu com os calores do nosso verão. Pouco importa. Aquece-nos agora. Ponhamos os óculos escuros, e carreguemos no play.

Só os norte-americanos sabem fazer discos assim. Basta ouvir o tema inicial (“Adam Seawright”) para se perceber que esse tão particular sotaque melódico e rítmico tem marca há muito registada no imaginário daquela parte do globo. Há por ali uma espécie de elegante nostalgia que lhes deve vir das imensas pradarias, dos cowboys estilosos à maneira de Lee Hazlewood, dos hambúrgueres, da Coca-Cola, do tabaco que mascam e cospem ou do que quer que seja, mas que lhes assenta que nem uma luva. Na verdade, nem só de nostalgia vive este álbum. Aqui há rock n’ roll com cheiro a kentucky fried chicken pronto a morder. “Jam Sessions”, “Sleep, for Ian Aeillo”, “Eddie King” (tão deliciosamente upbeat), “The Sea Legs of the Mandarin Dynasty” são provas bem acabadas do que dizemos. Mas os mais baladeiros encontram também em No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell canções de fazer tremer o coração, sendo que o único remédio, ao ouvi-las, será abrir mais uma lata de Budweiser ou de Coors Banquet para que o som e as palavras cantadas entrem de maneira ainda mais escorreita. Os exemplos são vários: “Swim (For Jake and Morgan)”, “All The Same” (linda, linda de morrer), “Anthem” (quase cópia de Adam Green dos tempos de Friends of Mine) ou “Dogma of No Dogma, Non Dogmatically”.

Um pouco fora desse âmbito encontra-se “Rivers”, uma das mais belas canções do álbum. Os versos iniciais são “So you want to write songs in a world full of sound / So you want to make art when entertainment abounds”, o que seguramente remete para as grandes e eternas dúvidas de quem quer fazer arte através de canções com pouco mais de três minutos de duração. Se entendermos esses versos como perguntas elaboradas pela consciência do próprio artista, então a nossa resposta sairá pronta e na forma deste texto. E assim, to cut a long story short, diremos que Icarus Phoenix é merecedor dos melhores aplausos que daremos neste ano que agora finda. A big round of applause para Drew Danburry, por favor!

Perfil e História da Columbia Records

 

Os primórdios da Columbia Records

Columbia Records deriva seu nome de origem do Distrito de Columbia. Originalmente, era a Columbia Phonograph Company e distribuía fonógrafos Edison e cilindros gravados em toda a área de Washington, DC. Em 1894, a empresa encerrou seus laços com Edison e começou a vender suas próprias gravações fabricadas. A Columbia começou a vender discos em 1901. Os dois principais concorrentes da Columbia nas vendas de discos logo após a virada do século foram Edison com seus cilindros e a Victor Company com discos. Em 1912, a Columbia vendia exclusivamente discos.

A Columbia Records tornou-se líder em jazz e blues depois de comprar a gravadora Okeh em 1926. A compra adicionou Louis Armstrong e Clarence Williams a uma lista de artistas que já incluía Bessie Smith. Devido a problemas financeiros na Grande Depressão, a Columbia Records quase foi extinta. No entanto, uma assinatura fortuita do grupo country gospel The Chuck Wagon Gang em 1936 ajudou a gravadora a sobreviver e, em 1938, a Columbia Records foi comprada pelo Columbia Broadcasting System ou CBS, iniciando uma longa colaboração entre as empresas de transmissão e gravação.

Desenvolvimento do LP e 45

A Columbia Records se tornou líder na música pop na década de 1940 com a popularidade de Frank Sinatra . Na década de 1940, a Columbia Records também começou a experimentar discos mais longos e de maior fidelidade para substituir os discos de 78 rpm. O primeiro LP pop lançado oficialmente foi uma reedição de The Voice Of Frank Sinatra , de Frank Sinatra , em 1946. O único disco de 10 polegadas substituiu quatro discos de 78 rpm. Em 1948, a Columbia Records introduziu o LP padrão de 33 1/3 rpm que se tornaria um padrão da indústria musical por quase 50 anos.

Em 1951, a Columbia Records começou a emitir discos de 45 rpm. O formato havia sido introduzido pela RCA dois anos antes. Tornou-se a maneira padrão de emitir gravações de canções de sucesso individuais. nas próximas décadas.

Mitch Miller e uma gravadora não-rock

O cantor e compositor Mitch Miller foi afastado da Mercury Records em 1950. Ele se tornou o chefe de Artistas e Repertório (A&R) e logo se tornou responsável por contratar artistas importantes para a gravadora. Lendas como Tony Bennett , Doris Day, Rosemary Clooney e Johnny Mathis logo se tornaram estrelas da Columbia Records. A gravadora ganhou a reputação de ser a gravadora não-rock de maior sucesso comercial. A Columbia Records não teve um impacto significativo na música rock até o final dos anos 1960. No entanto, a Columbia Records fez uma oferta para comprar o contrato de Elvis Presley da Sun Records. No entanto, eles foram rejeitados em favor da RCA.

Estéreo

A Columbia Records começou a gravar música em estéreo em 1956, mas os primeiros LPs estéreo não foram lançados até 1958. A maioria das primeiras gravações estéreo eram de música clássica. No verão de 1958, a Columbia Records começou a lançar álbuns estéreo pop. Os primeiros foram versões estéreo de gravações mono lançadas anteriormente. Em setembro de 1958, a Columbia Records começou a lançar versões mono e estéreo dos mesmos álbuns simultaneamente.

A década de 1960 na Columbia Records

Mitch Miller pessoalmente não gostava de rock e não fazia segredo de seu gosto. A Columbia Records entrou no crescente mercado de música folk. Bob Dylan assinou com a gravadora e lançou seu primeiro álbum em 1962. Simon e Garfunkel foram adicionados à formação de artistas logo depois. Barbra Streisand tornou-se um esteio pop para a empresa quando foi contratada em 1963. Mitch Miller trocou a Columbia Records pela MCA em 1965, e não demorou muito para que o rock se tornasse uma parte fundamental da história da Columbia Records. Clive Davis foi nomeado presidente em 1967. Ele sinalizou um forte empreendimento na música rock quando assinou com Janis Joplin depois de participar do Monterey International Pop Festival.

estúdios de gravação

A Columbia Records possuiu e operou alguns dos estúdios de gravação mais respeitados de todos os tempos. Eles abrigaram seu primeiro estúdio no Woolworth Building, na cidade de Nova York. Foi inaugurado em 1913 e foi o local de gravação de alguns dos primeiros discos de jazz. O Columbia 30th Street Studio em Nova York foi apelidado de "A Igreja" porque originalmente abrigava a Igreja Presbiteriana Memorial Adams-Parkhurst. Foi operado de 1948 a 1981. Entre as gravações lendárias criadas, estavam o marco do jazz de Miles Davis em 1959, Kind of Blue , a gravação do elenco da Broadway de Leonard Bernstein em 1957 de West Side Story e a obra-prima de 1979 do Pink Floyd, The Wall .. A localização da sede e dos estúdios da Columbia Records no final dos anos 1970 está imortalizada no título do álbum histórico de Billy Joel, 52nd Street .

A Era Clive Davis

Sob Clive Davis, a Columbia Records se posicionou como uma gravadora na vanguarda da música pop e rock. Electric Light Orchestra, Billy Joel , Bruce Springsteen e Pink Floyd são apenas alguns dos artistas que logo se tornaram estrelas da Columbia Records. Bob Dylan continuou a prosperar e Barbra Streisand liderou artistas pop no início dos anos 1970. Clive Davis saiu da empresa sob uma nuvem legal em meados da década de 1970 e foi substituído por Walter Yetnikoff. Ele levou a Columbia, agora chamada de CBS Records, à marca de US$ 1 bilhão em vendas pela primeira vez.

Artistas da Columbia Records

• Adele
• Beyoncé
• Daft Punk
• Celine Dion
• Bob Dylan
• Calvin Harris
• Bruce Springsteen
• Barbra Streisand
• Pharrell Williams

Mover para Sony

Em 1988, o CBS Records Group, que incluía a Columbia Records, foi comprado pela Sony. O CBS Records Group foi oficialmente renomeado para Columbia Records em 1991. Mariah Carey, Michael Bolton e Will Smith estão entre os artistas que forneceram sucessos para a gravadora durante esse período.

Adele, Glee e Columbia Records hoje

Nos últimos anos, a Columbia Records ressurgiu como uma grande força na música pop mainstream. O atual presidente é Rob Stringer e os co-presidentes são o produtor Rick Rubin e Steve Barnett. Uma grande reorganização da Sony Music Entertainment em 2009 fez da Columbia Records uma das três principais gravadoras do conglomerado. Os outros dois são RCA e Epic. A Columbia Records já vendeu mais de 10 milhões de álbuns e 33 milhões de músicas gravadas pelo elenco do programa de TV Glee . Além disso, a gravadora viu seu investimento em Adele resultar em vendas de mais de seis milhões de cópias de seu álbum 21 em seu primeiro ano de lançamento em 2011-2012 e vendas de mais de três milhões de cópias de seu álbum seguinte, 25 , em apenas uma semana.