Resenha: Dream Theater – Falling Into Infinity (1997)

Banda: Dream Theater
Disco: Falling Into Infinity
Ano: 1997
Selo: EastWest

Faixas:
1. New Millennium – 8’20
2. You Not Me – 4’58
3. Peruvian Skies – 6’43
4. Hollow Years – 5’53
5. Burning My Soul – 5’29
6. Hell’s Kitchen – 4’16
7. Lines In The Sand – 12’05
8. Take Away My Pain – 6’03
9. Just Let Me Breathe – 5’28
10. Anna Lee – 5’51
11. Trial Of Tears – 13’07
a) It’s Raining
b) Deep In Heaven
c) The Wasteland

Formação:
James LaBrie – voz
John Myung – baixo
John Petrucci – guitarras e vocais
Mike Portnoy – bateria/percussão e vocais
Derek Sherinian – teclados

Resenha:
O disco mais injustiçado do Dream Theater? Certamente. A verdade é que sua composição gerou choques entre a banda e a gravadora. Os músicos queriam fazer um trabalho mais longo e complexo, em um álbum duplo com mais de 140 minutos. Mostras disso podem ser vistas nos demos do álbum, onde se vê que eles colocariam a Metropolis Part II como uma música só, com mais de 20 minutos, e bastante diferente em muitos pontos da versão final apresentada no disco seguinte, Metropolis Part II: Scenes From A Memory (1999). Além disso, haveria também uma música de 11 minutos chamada ‘Raise The Knife’ que é fantástica, mas também foi cortada. Os músicos a tocaram no show gravado chamado Score (2006).

Mas a gravadora (como acontece com quase todas as bandas progressivas) não aceitou as idéias do grupo, e contratou inclusive o compositor e produtor Desmond Child para reescrever a música You Or Me, que saiu como ‘You Not Me’. Essa pressão fez com que Mike Portnoy cogitasse a saída da banda, coisa que os outros músicos o convenceram a não fazer, ainda mais que havia uma turnê marcada para fazer.

Alguns dizem que Derek Sherinian (que tinha entrado para assumir os teclados do grupo há pouco tempo) influenciou a banda a fazer um som mais comercial, mas isso é uma injustiça, porque alguns dos momentos mais complexos e técnicos do álbum foram de autoria dele.

Por causa desses problemas com a gravadora, do disco Metropolis Part II: Scenes From A Memory (1999) em diante a produção dos álbuns passou a ser feita por Mike Portnoy e por John Petrucci. E, apesar de todos os problemas, as músicas do disco saíram com grande qualidade, e há uma coesão muito interessante entre elas, uma forma de criar diferente do que foi apresentado anteriormente, quando ainda pertencia a banda o tecladista Kevin Moore, tido por alguns como a força criativa do grupo na fase inicial.

1. New Millenium
Uma das minhas músicas preferidas do DT, ‘New Millenium’ tem um clima arábico incrível, que dá uma nova dimensão ao som do grupo. Interessante que o baixista John Myung usou um Chapman Stick nessa música (espécie de baixo e guitarra conjugados que se toca por meio de tapping, e é muito usado pelo renomado músico progressivo Tony Levin), o que deu a sessão rítmica um tom diferenciado.
Começa com uma melodia guitarra/teclado muito boa, que logo depois para deixando só Myung tocando. A linha de guitarra feita por Petrucci para acompanhar essa melodia a partir de 0:43 é meio macabra, e abre espaço para uma parte bem bonita, com uma bela linha de teclado ao fundo. Em 1:22 começa uma melodia “suingada” de guitarra com um pouco de Wah-Wah que é muito bela, e abre espaço para um pequeno solo de guitarra mais baseado em acordes.
Então, em 1:51 um baque na música, e uma melodia extremamente simples mas incrivelmente pesada traz a linha vocal perfeita, que chega a arrepiar, perfeitamente encaixada ao instrumental lento. Em 2:34 a música dá uma acelerada, com um instrumental mais fluido e dançante. A linha vocal de LaBrie e sua entonação são perfeita, casam fantasticamente ao instrumental mais exótico.
O tom mais denso e pesado volta em 3:34, mas dessa fez mais macabro ainda, com backing vocals muito bons de Portnoy. Tem vários momentos distintos, com paradas onde apenas Myung fica tocando, duetos de guitarra e teclado desconcertantes e vários momentos vocais. Impressionante como tanta coisa pode caber em apenas 8:19 minutos…

2. You Not Me
O nome original dessa música era para ser ‘You Or Me’, mas o compositor preferiu mudá-lo para torná-lo mais comercial… É uma música mais comercial de fato, mas nem por isso perde seu valor. Começa com uma batida precisa e rápida, que abre espaço para um riff de guitarra com Wah-Wah bem interessante, que logo pára e deixa apenas Myung fazendo base para o vocal mais suave. Tem pré-refrões mais pesados, e um refrão extremamente comercial, com uma melodia bonita, mas meio manjada. O solo pequeno e mais voltado para acordes mostra que realmente essa música tem apelo para vender, pois raramente músicas comerciais tem solos longos e complexos…

3. Peruvian Skies
Ah, essa sim é uma música Dream Theater legítima! Começa com um dedilhado belíssimo, que serve de base para um vocal suave e muuito bonito. Vai crescendo lentamente em volume, e as melodias vão se tornando mais “inquietas”, até que explodem em 3:22, com a entrada da guitarra distorcida e da batida pesada de Portnoy. O solo agressivo, belo e técnico de guitarra que começa em 3:44 é um dos melhores já feitos por Petrucci na minha opinião e deixa a música ainda mais pesada depois disso.
Tem várias mudanças, até o retorno do refrão em 5:33, mais gritado e agressivo. Acho inevitável destacar a semelhança entre a fase inicial dessa música com a música Have A Cigar do disco Wish You Were Here (1975) do Pink Floyd. Realmente os músicos pareceram se guiar muito por essa música, tanto que uniram as duas em um show presente no disco Once In A LIVEtime (1998).

4. Hollow Years
O cúmulo do comercial? Possivelmente. A verdade é que Hollow Years é uma música belíssima, com melodias acústicas desconcertantes, solos de violão de chorar, vocais suaves e melodia viciante. Não há muito o que dizer a mais sobre ela, a não ser que fez relativo sucesso, e trouxe um dos momentos mais incríveis de shows ao vivo do grupo, onde Petrucci introduz a música com solos muito bonitos e técnicos. Tem um final um pouco mais pesado, mas nem por isso agressivo.

5. Burning My Soul
Bah, que grande música! Sempre que a ouço fico tentado a dizer que ela é a melhor do disco. Tem uma introdução que vai trazendo os instrumentos um a um, a começar pelo baixo, teclado, bateria e guitarra. O riff de guitarra que se inicia em 0:34 é muito pesado e desconcertante, tamanha a perfeição dele.
A linha vocal também é impecável, e vai crescendo até a “explosão” no final dos refrões. As melodias mais voltadas para o Hard Rock fazem dessa uma música diferente das habituais da banda, e que mostra que os membros do DT conseguem tocar magistralmente qualquer estilo. Minha única lástima é o fato do solo de teclado que se inicia em 3:15 não ser de guitarra, por que assim seria perfeito.

6. Hell’s Kitchen
Alguns dizem que é o ponto alto do disco. Eu discordo, mas concordo que essa música instrumental é muito boa. Começa macabra, mais voltada para uma ambiência de teclado, acompanhada pelo baixo no fim dos compassos. A bateria entra em 0:34, com Petrucci fazendo um belo dedilhado de acompanhamento.
Em 0:58 ele começa a fazer um solo mais voltado para Delay’s longos e precisos. O solo evolui juntando pegada com frases rápidas de forma magistral. Fica mais macabro no fim dele, por volta de 2:01, com o acompanhamento do teclado. Depois disso um riff simples abafado de guitarra dá um novo tom à música, e serve de base para um solo de teclado que começa em 2: 47, e que depois é acompanhado pelos demais instrumentos. De 3: 18 em diante novo solo mais simples de guitarra, muito bonito leva a faixa para o encerramento: um acorde longo de teclado.

7. Lines In The Sand
Sem dúvida nenhuma uma das melhores e mais clássicas músicas da banda. Engata na anterior, e começa com uma ambiência e um solo de teclado bem complexos, que servem para desmentir a idéia de que Derek Sherinian tornou o disco comercial. O solo evolui lentamente até 1:12, quando o restante da banda entra. O solo de teclado nessa fase inicial passa para um riff guitarra/teclado que se inicia em 1:51, e traz a melodia dominante da faixa, dançante, cativante e surpreendente.
Em 2:42, uma base baixo/bateria traz a linha vocal mais suave, que ganha agressividade com a entrada de riff’s pesados em 3:19, e que traz o refrão, uma espécie de vocal pergunta-resposta entre LaBrie e uma segunda voz (ao vivo Portnoy faz a primeira voz e LaBrie faz a segunda).
Em 5:37 a banda pára, e Petrucci começa a fazer um solo calmo, acompanhado logo depois por um instrumental suave. O solo começa a evoluir e a ganhar intensidade, nunca perdendo a grande beleza e pegada precisas, e é um dos melhores momentos de Petrucci de todos os tempos, indiscutivelmente.
LaBrie volta a cantar em 7:28, com um instrumental mais suave ao fundo. Em 8:33 Petrucci toca a melodia principal da música novamente, só que de forma bem suave, e que evolui para um novo solo. Após algumas melodias mais “exóticas”, LaBrie volta a cantar em 10:16 mais uma estrofe, que culmina no refrão final, muito agressivo.

8. Take Away My Pain
Uma música com instrumental mais exótico se mostra em ‘Take Away My Pain’, com extrema influência de música indígena (pelo menos foi minha impressão). É bastante comercial, e uma música menos expressiva. O que salva ela é o solo de guitarra espetacular que se inicia em 3:34, belo e técnico.

9. Just Let Me Breathe
Uma música mais intensa e rápida, Just Let Me Breathe é um dos destaques do disco, tendo baixo pulsante, bateria “inquieta”, linhas de teclado mais experimentais, uma guitarra pesada e dinâmica e linhas vocais excelentes. Tem vários momentos distintos, e os solos são mais experimentais, em geral tocados em dueto por Petrucci e Derek. Mesmo assim não possui a qualidade necessária para se tornar um clássico…

10. Anna Lee
Baladona sentimental, começa com uma linha belíssima de piano, acompanhada logo em seguida pela voz calma de LaBrie. Vai crescendo com o tempo, tornando-se mais volumosa, mas somente a voz cresce de fato, os instrumentos se mantêm mais ou menos plácidos durante toda a duração da faixa. Em 3:42 Petrucci faz um belo solo que valoriza bastante a faixa.

11. Trial Of Tears
I) It’s Raining
Uma das minhas músicas favoritas do DT, ‘Trial Of Tears’ merece destaque pela beleza e evolução perfeita da melodia, todos os elementos encaixados nos lugares certos. Começa com uma evolução gradual, que vai de uma ambiência profunda de teclado a frases de guitarra que vão evoluindo lentamente. Portnoy faz um belo trabalho nos pratos e Myung adiciona notas de baixo ao acaso, enquanto Petrucci vai aumentando a intensidade do solo. Então, em 1:45 Portnoy começa a batida base da música e Petrucci termina a linha melódica de forma magistral, parando de tocar em 2:18, quando LaBrie começa a cantar.
Petrucci vai adicionando lick’s nos finais dos tempos, e volta a tocar no refrão perfeito. Tem mais alguns momentos bem interessantes, com instrumentais de muito bom gosto.

II) Deep In Heaven
Acredito que comece em 6:12, e é mais voltada para solos e instrumentações elaboradas. Em 6:28 Petrucci começa um solo muito belo e impressionante, que vai evoluindo e ganhando intensidade e velocidade e é pra mim um dos solos mais espetaculares e impressionantes de todos os tempos. Termina em 8:09, quando o baixo e a bateria seguram a música, e logo depois é a vez do solo de teclado de Derek.
O solo é bem interessante, e enquanto ele é feito, Petrucci faz uma base suingada por trás que dá uma dimensão diferente ao som, e que vai crescendo em volume e se tornando mais pesada. Quando o solo termina, em 9: 53, deixando soar as últimas notas no ar começa a última parte.

III) The Wasteland
Apenas uma linha de violão lenta segura a música, e um som de vento feito pelo teclado fica ao fundo. LaBrie começa a cantar de forma suave uma linha vocal incrível, que vai crescendo até a “explosão” em 11:16, quando o instrumental torna-se volta a ser mais volumoso. Então é cantado o último refrão, mais alto e pesado, um pouco diferente do primeiro. A frase “It’s raining deep in heaven” é bem viciante, e fica na cabeça.
Depois dele o instrumental “morre”, e uma ambiência e solo de guitarra muito parecidos com os do começo terminam de forma magistral essa música fantástica, e também esse álbum tão injustiçado…

Crítica do álbum: Jacques Greene – Dawn Chorus

Foto: Mathieu Fortin

O franco-canadense Jacques Greene, também conhecido como Philippe Audin-Dionne, está de volta com seu segundo álbum de estúdio. Com seus misteriosos colaboradores e co-produtores, como será o som do Dawn Chorus ?

Seu álbum de estreia Feel Infinitefoi lançado pelo mundialmente famoso selo LuckyMe, com sede em Glasgow, mas Greene também lançou com Night Slugs e co-proprietário da Vase Records. Para um artista que foi apresentado a muitos durante a era 'bloghouse', ele superou muitos de seus colegas de classe e passou a trabalhar com uma lista impressionante de talentos. Além de produzir para Katy B, Tinashe e How To Dress Well, ele também remixou Radiohead, Ciara, Flume e Shlomo. Audin-Dionne, um ex-diretor de arte que fez a transição da música baseada em guitarra para o mundo eletrônico depois que seu professor de história do ensino médio o apresentou a Aphex Twin, levando-o a perceber que “a música não precisa ser de homens brancos raivosos por causa de uma guitarra” . Ele passou a dar festas chamadas Turbo Crunk por alguns anos por volta de 2010, com Lunice e um punhado de outros tocando regularmente.

Depois de aparecer em cena durante um período de grande inovação, onde gravadoras como Night Slugs ultrapassavam os limites a cada lançamento, alguns podem dizer que ele ficou muito confortável. Desde que encontrou seus pés musicalmente, seu estilo permaneceu bastante semelhante, mas em Dawn Chorus ele começou a mudar um pouco, especialmente no que diz respeito às faixas de bateria, com batidas de house menos tradicionais e ocasionais intervalos de bateria sampleados. Seu som geral sempre foi inspirado por muitas áreas, sendo uma delas artistas de trip-hop como Portishead e Massive Attack. Foco de febre do ano passadoO EP, no entanto, sempre foi destinado a DJs de clubes. Seu trabalho inicial, como muitos produtores da época, dependia fortemente de samples de artistas de R&B como Brandy, neste álbum, no entanto, há vozes sampleadas e gravações originais. Algumas foram gravadas em Los Angeles no estúdio de Hudson Mowhawke, assim como muitas das faixas. Talvez esse novo ambiente tenha impactado seu estilo, experimentando equipamentos de estúdio desconhecidos em vez de permanecer em sua zona de conforto.

Os momentos iniciais da faixa de abertura “Serenity” apresentam algumas palavras faladas difusas e bastante inaudíveis; com destaque para a palavra serenidade. Sua faixa de bateria não se encaixa no modelo usual de Jacques Green e, em vez disso, é uma reminiscência de DJ Shadow's Endtroducting. Uma coisa que permaneceu é sua propensão para uma vibração melancólica (especialmente no impressionante Clams Casino co-produzido “Drop Location”). Os sons do Clams Casino estão por toda parte, com sua batida de intervalo e atmosfera melancólica. “Do It Without You” tem uma introdução que sugere o clássico house da era de 2010, com um gancho vocal repetitivo e uma melodia simples de bateria de aço. Em vez disso, outro breakbeat explosivo aparece e a faixa inteligente progride para um dos destaques do álbum. “Let Go” tem uma vibração seriamente nostálgica e tem semelhanças com alguns dos primeiros EPs do Maribou State.

Mesmo que esta faixa não ultrapasse os limites, ela tem um vocal cativante e contagiante e, sem dúvida, será a favorita de muitos. Nem todas as faixas são tão emocionantes, porém, com peças decentes como “Sibling” e “Sel” parecendo um pouco sem graça em comparação. Com o UK garage tendo um verdadeiro renascimento recentemente, tanto no underground quanto nas paradas, não é surpreendente que ouvimos sua influência na faixa agitada “Whenever”. Embora a batida seja inegavelmente influenciada pelo 2-step, ela evita o cafonice que às vezes é associado ao gênero; criando uma faixa perfeita para as últimas horas de uma festa pós-festa. A progressão do álbum é bem executada, e a faixa seguinte compartilha uma vibração similarmente quebrada. No final do álbum, “Understand” e “Influence” têm um vislumbre do estilo de Burial, capturando aquele agridoce,

Você pode imaginar este álbum como um dos favoritos para voltar do clube para casa, é íntimo, emocional e introspectivo, mas não a ponto de seu motorista adormecer. As brasas do clube ainda estão queimando, mas Dawn Chorus se mantém como um álbum para ouvir a qualquer momento. Parte do charme de Jacques Greene sempre esteve em sua capacidade de exibir contraste. Essas faixas são brilhantes e opacas e, à medida que aumentam e giram umas nas outras, você não pode deixar de prestar atenção. Críticos mais severos podem dizer que ele se apegou demais a suas armas, mas os mais justos verão que ele aperfeiçoou seu som. Há algo de especial nisso, recomendamos que você ouça em um dia chuvoso… 

RARIDADES

 

Lea Riders Group - The Forgotten Generation (1960's)

O embrião do grupo foi formado já no outono de -61 sob o nome de Red River Band, um trio com sanfona, trompete e bateria...(sic). Então se tornou Lee Riders e em agosto de 63 o nome finalmente se tornou Lea Riders Group.
Hawkey fundou o grupo e, além dele, outros 12 membros surgiram e desapareceram - Lars Prim (trp), Olof Svensson (drm), Lars "Yancey" Nilsson (no início pi, depois elec.bass, vocal), Åke "Buddy" Johansson(guitarra, vocal), Alf Sandher(drm), Åke "Ake" Engström(drm, vocal), Tommy "Slim" Borgudd(drm,vocal), Sigge Ehlin(guitar,gaita,
vocal), Leif Alverstam(e- bass) e Bosse Häggström (elec.bass). Na semana passada, no Golden Circle em Estocolmo, Georg Jojje Wadenius substituiu Sigge Ehlin na guitarra. (por alguns curtos períodos, Bonnie Zetterberg no elec.bass)

O grupo foi fundado na pequena cidade de Borgholm na pequena ilha Öland e conquistou todo o país e até foi mencionado no exterior como um "grupo de blues e r&b cru, duro e genuíno ...". As influências vieram, entre outros, de Willie Dixon, John Lee Hooker, Muddy Waters, Alexis Corner e, claro, também dos Rolling Stones e Beatles.

O Lea Riders Group começou a tocar em festas dançantes na escola, o "Middle school" em Borgholm, e depois se tornou pequenos "salões de dança" em todas as partes da ilha, mais adiante no continente e na cidade de Kalmar, condados de Småland, Blekinge, Västergötland onde o grupo se tornou "grande e famoso" nas cidades Skövde, Skara e Karlsborg.
Seguiu para o condado de Östergötland e em março de 1966 o grupo chegou à capital Estocolmo pela primeira vez e tocou em clubes como Bobbadilla na Cidade Velha. Em muito pouco tempo, o grupo se tornou "a banda da moda" em lugares como a University of Commerce, University Corps e o ´conhecido´ clube de jazz e blues Golden Circle. No Golden Circle, o LRG tornou-se uma espécie de houseband junto com, entre outros, Hansson & Carlsson. Outros clubes foram, claro, HitHouse, Pråmen (o Scow pela Prefeitura) e o famoso Nalen.
No Golden Circle, os cineastas Jan Lindkvist e Stefan Jarl filmaram a primeira aparição ao vivo na TV com LRG para o programa jovem "Stänk" (Sprinkle) produzido por Mona Sjöström no outono de -66.

O primeiro single foi gravado no novo estúdio da Philip´s House. O "estúdio" ficava no palco com um pequeno compartimento como sala de controle com gravador de 4 canais e Gert Palmcrantz e Bampe Carlsson como técnicos. Nesse estúdio também foram gravados os quatro próximos singles, o último em conexão com o filme "Dom Kallar Oss Mods" / They Call Us Misfits in Spring -68. Hawkey e o grupo fizeram a música para o filme. (filmmusic foi gravado na EuropaFilm)

Em maio de 1968, o Lea Riders Group se apresentou na última semana como grupo no Golden Circle, mas um dos membros - Sigge Ehlin - já havia saído e voltou para Öland. Então, Georg "Jojje" Wadenius substituiu Sigge na guitarra. O grupo só tinha que receber o salário muito modesto, mas era, de acordo com Hawkey, um tanto fútil 'jamsession -nights' e como consequência natural a banda se separou e Tommy Slim Borgudd, Bosse Häggström e Jojje Wadenius se tornaram o novo grupo Made In Sweden .

Lea Riders Group apareceu ao vivo no programa de rádio "Tonårskväll"/TeenageEvening algumas vezes e graças a Hawkey, que salvou cópias dessas ocasiões, a pequena gravadora GarageLand Records em Umeå, conseguiu lançar um LP com algum material ao vivo e 8 títulos do singles em 1989. Em maio de 1998 a mesma empresa lançou um CD - Lea Riders Group/The Forgotten Generation - com o mesmo material do LP mais 4 gravações bônus ao vivo. (certo é que mais um lançamento sairá com material nunca ouvido em disco - gravações anteriores aos singles - durante o ano de 2007. ...processo em andamento...) Home page

Ligação

Creative Rock

Creative Rock é um grupo de rock alto, atrevido e blues encontrado no início do selo Brain, obviamente influenciado pelo início de Chicago (Autoridade de Trânsito). Na verdade, esse é o tipo de música que me faz pensar nos Blues Brothers, embora o vocalista do Creative Rock seja muito mais terreno e masculino do que qualquer um dos irmãos. Há oito faixas em Gorilla, o álbum de estreia da banda de 1972. Ao longo, temos um gostinho do brass rock de estilo americano em todas as suas formas de blues, do boogie completo a movimentos progressivos de bom gosto, como no set. faixa mais longa "Blind People" e sua continuação "The Word Between 6 and 8 am" Devido à riqueza de boa música encontrada na série original Green Brain, o Creative Rock é frequentemente esquecido, afinal, a música deles é muito menos inventiva e envolvente do que pelo menos metade do catálogo. Mas é um rock bem divertido por si só, e há uma reviravolta ocasional aqui e ali para mantê-lo interessante. Mike McLatcheyGnosis 2000

Classifique sua música Creative Rock - Gorilla (1972) CreativeRock - Lady Pig (1974)

ALBUNS DE ROCK

 

The Beach Boys - Smiley Smile (1967)

 Tremenda resenha dos mais raros e experimentais trabalhos da banda nerd The Beach Boys, que soube levar o estilo e a sonoridade californiana mundo afora com suas músicas cativantes, divertidas e ritmadas que ganharam popularidade internacional por suas diferentes harmonias vocais e letras que refletiam a cultura jovem do surf, dos carros e do romance, tendo como raízes os grupos vocais de jazz, rock and roll dos anos 50 e doo-wop, estilo nascido da união do ritmo gêneros e blues e gospel. Considerada a banda mais icônica da América e uma das bandas mais aclamadas pela crítica, uma das bandas mais vendidas de todos os tempos e listada em 12º lugar na lista da Rolling Stone de 2004 dos "100 Maiores Artistas de Todos os Tempos".

Artista: The Beach Boys
Álbum: Smiley Smile
Ano: 1967
Gênero: Surf / Experimental / Psychedelic Pop
Duração: 27:31
Referência: Discogs
Nacionalidade: EUA

Já dissemos muitas vezes que, dos muitos que existem, o melhor caminho que um compositor musical (ou qualquer artista) pode seguir é o espiritual, porque está totalmente ligado ao sentimento, e que uma das infinitas definições de música poderia ser “um sentimento que se ouve”. Este caminho é um dos mais árduos e atípicos, e em geral é um caminho no qual não é difícil se perder. Para que possamos nos entender, vamos pensar em alguns exemplos: John Coltrane de Um amor supremo, Eduardo Mateo quando enfrenta Body and Soul, John Lennon da composição de Tomorrow never know, Spinetta de Fuego Gris (ou de Artaud, intermitentemente ), Charly García em Cliques Modernos, etc.
Muitos desses exemplos terminam no que poderíamos chamar de “desilusão, delírio”, ou “doença e morte”, seja uma morte física ou uma morte do próprio projeto artístico/espiritual. Nesse caminho você não chega ao seu destino, pois isso é santidade (alguns seres de luz propõem Spinetta como aquele que superou aquela barreira sem perder a vida ou a sanidade, acho que não). O resíduo desse caminho inacabado é a obra-prima.
Escolhi falar do Smiley Smile, dos Beach Boys, porque acho que é o momento de autoconsciência desse caminho que Brian Wilson iniciou com Pet Sounds. A história é mais do que conhecida: ele grava aquele disco para concorrer com Rubber Soul, dos Beatles, disco que, acredita, ainda hoje é imbatível. Eles respondem a ele (os Beatles não tinham interlocutor) com Revolver, então ele segue o caminho mais ambicioso. Ele chamou o projeto SMiLE E ele apontou para o mais alto. Obviamente, o projeto falhou, ele queria falar com o deus da loucura ou com o deus da natureza quando não conseguia nem manter a saúde mental. Dirigindo em direção a um pôr do sol turquesa com raios que alaranjam as nuvens, no rádio do carro ele ouve Strawberry Fields Forever, que acabara de sair. “Feito”, disse ele, “fizeram antes de mim, eu queria que o Smile fosse isso”.
Ele compôs sua obra a partir de segmentos musicais intercambiáveis ​​que planejava concatenar conforme apropriado. Ele chegou à conclusão de que não poderia juntá-los, que não poderia tirar nada de bom disso. Depressão e loucura estavam entre seu canto e a alteridade. Quando ele assume que não é possível para ele atingir esse objetivo, ele percebe que o verdadeiro caminho é interior. Do particular ao geral. Santo Agostinho tocou no peito e disse que Deus está aqui. Eles tiveram que cumprir o contrato da gravadora, então os Beach Boys entram em estúdio para gravar o álbum que eu quero falar.

Smiley Smile é um caminho de descida, rumo ao próprio coração, pelo inferno do inconsciente, ou inconsciente infernal. A capa mostra uma selva difícil de penetrar, onde nos espera uma casa, onde pelo caminho podemos encontrar um pássaro mais azul que o céu prestes a tocar uma flor também ela azul clara ou um tigre que nos espreita. O caminho em busca do verdadeiro eu que não existe até que o iluminemos com o sentimento. Cada música de Smily Smile é o que aquela lanterna ilumina dentro de quem canta e, portanto, dentro de nós. Esta selva noturna nos apresenta todos os perigos do sentimento, as lembranças do desgosto, as feridas que não cicatrizam, cada golpe impossível de apagar porque o esquecimento não existe. O propósito desta jornada é abraçar cada besta que surge da escuridão.
A primeira faixa, Heroes And Villains, apresenta-nos o álbum com algo que quase soa como os habituais beach boys, os da praia e do amor, mas notamos que algo mudou, não sabemos o quê, mas algo mudou. A melodia é sarcástica, como se estivesse rindo ou classificando todas as suas músicas anteriores, como supérfluas ou erradas. Passados ​​quarenta segundos temos a resposta: o refrão vem de um corte abrupto, o ritmo e o clima mudam e sentimo-nos numa viagem em espiral rumo a esse centro tonal que muda a cada dois compassos, até chegarmos a esse lugar que está vazio. Só um teclado que nos diz que estamos errados, e volta o verso de praia que ri de si mesmo. A ponte para a intimidade reflexiva na Parte C é um zumbido que parece caótico ou regido pelo capricho de uma intenção,  
A música não tenta fluir, não procura ir sutilmente entre uma seção e outra e esses saltos bruscos fazem parte do coração do álbum. Ouvi alguém dizer que é um álbum "cubista", onde cada tema, ou cada sentimento que pode motivar melodias e harmonias, é visto de diferentes pontos ao mesmo tempo buscando mostrar algo mais que a forma, ou uma forma em oposição à visão parcial, que mostra o complexo e o contraditório do sentimento.  
Nos primeiros passos da descida encontramos a segunda música "Vegetais", que é um encontro com a infância, com agradar aos pais, dizer-lhes que amamos o que nos faz bem, brincar à bola, saltar, passar vergonha. Esta canção é uma tentativa de cura, de purificação desde o início, algo que almejamos ao enfrentar nossos demônios, recomeçar, beber água, a necessidade de pureza (ouve-se um copo enchendo, que pode ser água ou escabiose, não não sei) de bem-estar imediato.

Smiley Smile teve que ser gravado rápido, foi assim, com pressa, e a instrumentação foi mínima: baixo, piano e alguns órgãos, principalmente o Balwin, que é o coração do som do disco. Sempre que se refere ao mais silencioso, ao mais profundo, Brian usa este órgão como se fosse o vento, ou o ruído mais grave da nossa voz a ressoar na nossa garganta e caixa torácica. Em Vegetais o baixo marca a tônica e as vozes os acordes e a melodia, e é assim que todos os arranjos serão dados a partir daqui. Para nós que nos interessamos em cantar, este álbum é revelador, a interpretação é brilhante, nunca vai além do drama, nunca há exageros nas canções cruéis ou tristes, tudo tem uma justa medida que surge logo à primeira audição e que guarda para o público, você ouve com mais atenção um contratempo cruel.
A produção também tem suas reviravoltas interessantes, o uso da tecnologia para mudar a afinação de uma voz sem alterar a velocidade, o uso de sons cotidianos (já demos o nome de copo d'água) onde o convidado Paul McCartney que morde se destaca nesta música algum vegetal crocante para a percussão deste tema alguns efeitos especiais muito inteligentes (a rigidez do tigre e o riso de algum vilão de um filme da Disney).
A terceira música "Fall breaks and back to winter" é de facto uma chegada ao frio, gosto de pensar nisso como um verdadeiro jantar, ao contrário do tão ansiado em "legumes", aqui uma melodia também em espiral sempre nos leva e nos leva aos mesmos lugares enquanto se ouve o barulho de talheres e uma risada sombria. Também podemos pensar nisso como a chegada ao inferno, o que fica claro é que nada de bom está acontecendo. Outra opção é o desfile daquelas coisas que nos atormentam. O fade out nos diz que conseguimos sair daquele lugar maldito ou, melhor, que conseguimos sintetizá-lo.
“She's goin careca” é uma das minhas favoritas, e a mais bem-sucedida dessas obras cubistas que Brian Wilson propõe. A imagem é muito boa e perturbadora, uma mulher que vai perdendo o cabelo até podermos ver seu crânio brilhante. O narrador confessa que não para de rir, que o próprio riso estoura sua cabeça, não dá mais. Pode ser entendido como uma viagem de ácido (Brian estava muito a fim naquele dia) ou uma dessas imagens do seu inferno, pois depois podemos entender que a personagem feminina é a mãe: “Você está atrasada mamãe/ Não é nada ' de cabeça para baixo/ Não mais não mais não mais não mais”. Esse riso provocado pela imagem é representado em uma "shanana" típica de suas canções de praia, mas que (com a ajuda da tecnologia mencionada) se torna mais aguda e estridente, ganhando tensão e sombra. Como tudo o que foi dito, tudo isto é uma interpretação muito pessoal, por isso posso dizer-vos que quando o ouço vejo a mesma imagem do vento a carregar o cabelo de uma mãe, mas a arder. Esta paisagem conduz a um corte de fita muito pouco dissimulado. Com voz e piano, e deixando explícito que se trata de uma história de terror, eles nos contam sobre as tentativas de cura dessa pessoa que perdeu todo o cabelo. É tarde, mãe, não há mais nada atrás da sua cabeça. Seria bom ter o dia todo e pensar no alcance simbólico desse tema e tudo… Mas dura dois minutos, somos obrigados a reler. Em entrevista, um deles diz que a letra fala sobre sexo oral. então posso dizer que quando a ouço vejo a mesma imagem do vento carregando o cabelo de uma mãe, mas em chamas. Esta paisagem conduz a um corte de fita muito pouco dissimulado. Com voz e piano, e deixando explícito que se trata de uma história de terror, eles nos contam sobre as tentativas de cura dessa pessoa que perdeu todo o cabelo. É tarde, mãe, não há mais nada atrás da sua cabeça. Seria bom ter o dia todo e pensar no alcance simbólico desse tema e tudo… Mas dura dois minutos, somos obrigados a reler. Em entrevista, um deles diz que a letra fala sobre sexo oral. então posso dizer que quando a ouço vejo a mesma imagem do vento carregando o cabelo de uma mãe, mas em chamas. Esta paisagem conduz a um corte de fita muito pouco dissimulado. Com voz e piano, e deixando explícito que se trata de uma história de terror, eles nos contam sobre as tentativas de cura dessa pessoa que perdeu todo o cabelo. É tarde, mãe, não há mais nada atrás da sua cabeça. Seria bom ter o dia todo e pensar no alcance simbólico desse tema e tudo… Mas dura dois minutos, somos obrigados a reler. Em entrevista, um deles diz que a letra fala sobre sexo oral. Eles nos contam sobre as tentativas de cura dessa pessoa que perdeu todo o cabelo. É tarde, mãe, não há mais nada atrás da sua cabeça. Seria bom ter o dia todo e pensar no alcance simbólico desse tema e tudo… Mas dura dois minutos, somos obrigados a reler. Em entrevista, um deles diz que a letra fala sobre sexo oral. Eles nos contam sobre as tentativas de cura dessa pessoa que perdeu todo o cabelo. É tarde, mãe, não há mais nada atrás da sua cabeça. Seria bom ter o dia todo e pensar no alcance simbólico desse tema e tudo… Mas dura dois minutos, somos obrigados a reler. Em entrevista, um deles diz que a letra fala sobre sexo oral.
“Little Pad” é o encontro de dois faróis ou dois inimigos que foram anunciados ao longo do álbum mas que ainda não conseguimos enfrentar plenamente: o riso como escárnio e a saudade, o refrão nem consegue cantar a expressão de desejo que é a letra limitada do tema “se eu pudesse ter um cantinho para descansar no Havaí…”, porque outro ri, no fundo simula um trompete com a boca em punho. Após o corte abrupto a nostalgia explícita e aquela dor chegam em duas melodias típicas havaianas, após outro corte abrupto a expressão de desejo retorna e então... novamente a melodia havaiana. A forma como se concatenam estes troços musicais faz-nos sentir que não há progresso, que se trata de um desejo frustrado, coberto de humilhação e tristeza. Essa repetição impensada dos mesmos elementos nos dá a sensação de estagnação, remete à loucura, como quem repete o mesmo procedimento e espera resultados diferentes. A instrumentação é piano, voz, ukulele e órgão Balwin. Existem também vários ruídos ambientais, nunca todos esses instrumentos soam ao mesmo tempo.
“Good Vibrations” não pertence às sessões de gravação de Smiley Smile, não vamos tratar dela apesar de ter muitos pontos em comum com as canções do álbum, não choca e sem dúvida pertence aos seus trabalhos mais elevados.
Uma das músicas mais bonitas e com mais “união” é “With me esta noite”, sua letra também é mínima, uma única frase que se repete e se interrompe ao mesmo tempo. "Eu sei que você está comigo esta noite, tenho certeza" é dito tantas vezes até entendermos que é uma noite terrivelmente solitária, que comigo significa, eu sei que você está, de alguma forma, comigo nesta ausência absoluta. Por isso a fala é interrompida, não tem interlocutor, ninguém nos escuta. Só ouvimos vozes e órgãos. E as vozes estão mais avançadas do que nunca.
O Balwin em "wind Chimes" é o protagonista. As vozes mal o ultrapassam em volume, As notas passadas têm uma textura que nos dói, revelando paisagens que não queremos ver. Um ouvinte desatento pode fugir, mas quem realmente se entrega à música que o rodeia não pode deixar de se sentir tocado por este som. O órgão é como uma pá que entra no nosso peito e tira aquela dor fossilizada que não queremos deixar de reprimir ou negar, vem romper na paz do mais escuro.
Wind chimes (carrilhões de vento) são aqueles pendentes para pátio, feitos de tubos metálicos de diversos tamanhos que, ao serem movimentados pela brisa, provocam um som relaxante para uns, irritante para outros. Na Argentina, nós os chamamos de chamadores de anjos. Vou esboçar uma tradução da letra, que acho que faz muito sucesso, para que você se emocione e vá ouvir de novo: “

esses são meus sinos de vento pendurados na minha janela no profundo pôr do sol       você está pendurado no sinos de vento embora seja difícil tentar não olhe para meus sinos de vento de vez em quando uma lágrima cai pelo meu rosto em uma brisa quente anjos cantando tilintam feche seus olhos, fique confortável

e ouvir os sinos dos ventos

há tanta paz em torno desta canção de embalar…

 e os sinos dos ventos tilintam…
e os sinos dos ventos tilintam…”

O estado de alma que comunica, aquela reflexão sobre o vento e o som, como aquele sino “traduz” a intenção do vento, que é curativa, e lhe permite chorar a sua lágrima. Acho que esse é o lugar mais baixo do disco (o mais alto), acho que pela primeira vez a descida tem um aspecto saudável, um lugar para deitar e chorar. O significado de destino está presente na palavra “vento” e em “enforcar” a ideia de suicídio. Parece-me que em algumas ocasiões os refrões dizem, ao invés do nome da música, "encanto do vento", que seria, "o encanto do vento", referindo-se à sedução daquela música aleatória.
Segue-se “gettin faminto”, que é uma música com sonoridade de banda, desta vez com guitarras tremolo, um pouco mais de percussão e órgãos incríveis. Este tópico fala sobre o apetite. É o tema mais psicodélico e acho que o que menos gosto.
“Wonderfull” regressa à estrutura cubista de vários módulos, de riso e de nevoeiro. Parece cantar com as últimas forças de um corpo que jaz no chão, parece estar à beira da loucura. Acho que depois de "Wind Chimes" o delírio é superado, e entra a loucura, e "Whistle In", aquela que encerra o álbum, e bem poderia ser outro módulo da música anterior é a viagem espiritual frustrada, não sabe poderia emergir de baixo e só permanece neste estágio intermediário, a loucura. O tema é também uma frase que se repete sem andamento, sem reflexão e com grande conteúdo: “recordar o dia/lembrar a noite/ ao longo do dia”.
É muito interessante ouvir as versões dessas canções que aparecem na edição de 2011 do álbum SMiLE, quando Brian Wilson conseguiu dar ordem e sentido a tanta música. É aí que se evidencia a mudança de direção da ânsia do supremo para a busca da sombra, cujo exemplo mais claro é a tão citada “Wind Chime”, onde se percebe a amplitude sentimental de uma boa canção e como, através da produção , pode ser guia para cima ou para baixo.
Pensar no SMiLE junto com o álbum que estamos discutindo é muito fácil, o primeiro foi gravado em grandes estúdios, com mais de uma centena de músicos e por longos meses. Smiley Smile foi gravado na casa de Brian Wilson, com um estúdio portátil, os integrantes da banda tocam os poucos instrumentos. Ambos, sob a produção do líder da banda, seguem caminhos opostos usando quase as mesmas músicas. É preciso ressaltar que a saída de Sgt. Pepper acaba de eclipsar a banda, por isso pretendem fazer um álbum minimalista, algo que ninguém estava fazendo, todos correndo em todas as direções, menos aquele do caminho interior.

Boris

Track List:
01. Heroes and villains
02. Vegetables
03. Fall breaks and back to winter
04. She's goin' bald
05. Little pad
06. Good vibrations
07. With me tonight
08. Wind chimes
09. Gettin' hungry
10. Wonderful
11. Whistle in

formação:
- Al Jardine – vocal, garrafa de água em "Vegetables"
- Bruce Johnston – vocal
- Mike Love – vocal
- Brian Wilson – vocal
- Carl Wilson – vocal
- Dennis Wilson – vocal

Bob Dylan – Fragments: Time Out of Mind Sessions (1996-1997): The Bootleg Series vol. 17 (2023)

O último volume da série Bootleg de Bob Dylan, Springtime in New York de 2021 , narrava o cantor e compositor no início da década de 1980. Em 27 de janeiro de 2023, chegará o décimo sétimo volume da longa série, desta vez explorando a criação do trigésimo álbum de estúdio de Dylan. Fragments: Time Out of Mind Sessions (1996-1997) mergulha profundamente no álbum três vezes vencedor do Grammy, que foi percebido por muitos como um retorno após uma série de LPs sem brilho ou sem inspiração.
…A década de 1990 encontrou Bob Dylan em águas agitadas. Ele abriu a década com Under the Red Sky , um conjunto atipicamente repleto de estrelas (convidados incluídos George Harrison, Elton John, Slash, David Crosby, Bruce Hornsby, Stevie Ray Vaughan e…

MUSICA&SOM

…Jimmie Vaughan), que foi criticado por seu material leve, como “Wiggle Wiggle”. Dois conjuntos de canções folclóricas tradicionais e covers ( Good as I Been to You e World Gone Wrong ) se seguiram, levando alguns a questionar se a musa de Dylan o havia abandonado.  Time Out of Mind provou, categoricamente, que seu domínio do ofício ainda estava intacto.

No início de 1996, pouco mais de dois anos após o lançamento de World Gone Wrong , Dylan começou a escrever material original mais uma vez. Em agosto, ele entrou em Oxnard, no Teatro Studio da Califórnia, com o produtor e músico Daniel Lanois (com quem colaborou no bem recebido Oh Mercy , de 1989).), o baixista Tony Garnier e o baterista-percussionista Tony Manguarian para gravar uma série de demos originais em sessões que se estenderam até outubro. Dylan ficou animado o suficiente com os resultados para se mudar para o famoso Criteria Studios de Miami em janeiro de 1997 para começar a gravar um novo álbum. Os músicos de sessão seriam acompanhados por membros de sua banda em turnê, incluindo Bucky Baxter (violão, pedal steel), Duke Robillard (guitarra, elétrica Gibson L-5), Robert Britt (Martin acústico, Fender Stratocaster), Cindy Cashdollar (slide guitar ), Tony Garnier (baixo, contrabaixo), Augie Meyers (combo de órgão Vox, órgão Hammond B3, acordeão), Jim Dickinson (teclados, piano elétrico Wurlitzer, órgão de bombeamento) e os bateristas Jim Keltner, Brian Blade e David Kemper .

Dylan sabia quando a inspiração o atingiu. Após seu lançamento em 30 de setembro de 1997, Time Out of Mind cativou críticos e fãs. Seu som atmosférico e sombrio foi inspirado pelos primeiros músicos de blues que Dylan apreciava e foi escolhido por muitos para elogios; a evocativa foto da capa foi tirada por Lanois no estúdio. Além de clássicos modernos de Dylan como “Love Sick”, “Cold Irons Bound” e “Not Dark Yet”, o álbum introduziu “Make You Feel My Love”. Uma balada extraordinariamente direta em forma de música tradicional, imediatamente atraiu a atenção de cantores em todos os lugares e desde então foi gravada por Billy Joel, Garth Brooks, Neil Diamond e Adele - alguns dos cerca de 450 cantores que a fizeram cover.

Apesar do enorme sucesso do álbum, Dylan expressou insatisfação com o som assustador criado por Daniel Lanois. O disco um dos fragmentos estreia uma nova mixagem do LP original de Michael H. Brauer no Brauer Sound Studio, que visa restaurar o ambiente e o imediatismo do estúdio. O autor das notas do Liner, Steven Hyden, explica: “O álbum em si foi remixado para soar mais como as músicas surgiram quando os músicos as tocaram originalmente na sala, sem os efeitos e processamento que Lanois aplicou posteriormente. Não se destina a substituir o Time Out of Mind que ganhou todos aqueles Grammys um quarto de século atrás; é uma reimaginação, uma visão alternativa de uma grande obra de arte. Se o álbum original permanece mítico e enigmático, este Time Out of Mindcoloca você próximo aos jogadores.” O disco Time Out of Mind (2022 Remix) também estará disponível digitalmente como remixado em “áudio imersivo”.

O segundo e o terceiro discos da caixa apresentam mais de duas dúzias de tomadas e alternativas de sessão, incluindo quatro canções originais que não fizeram parte da lista de faixas de 1997: “Dreamin' of You” e “Red River Shore” das sessões do Teatro e “Marchin ' to the City” e “Mississippi” de Criteria (o último dos quais seria regravado para o seminal Love and Theft de 2001 ). Uma quinta música inédita das sessões do Teatro, a música folk escocesa “The Water Is Wide”, também é apresentada.

O Disco Quatro de Fragments volta os holofotes para as apresentações ao vivo de Dylan de 1998 a 2001, nas quais ele revisitou e reimaginou as canções do Time Out of Mind com os simpáticos companheiros de banda Larry Campbell (guitarra, bandolim, pedal steel e slide guitar), Bucky Baxter (pedal guitarra de aço e slide, 1998-1999), Charlie Sexton (guitarra, 2000-2001), Tony Garnier (baixo) e David Kemper (bateria). Todas as faixas ao vivo do disco quatro são inéditas, exceto "Make You Feel My Love" (21 de maio de 1998, Los Angeles), que foi incluída no maxi-single "Things Have Changed".

O quinto e último disco reprisa uma dúzia de faixas de The Bootleg Series Vol. 8: Tell Tale Signs: Rare and Unreleased 1989-2006 , incluindo diferentes versões de estúdio dos quatro outtakes do álbum original, bem como uma alternativa de “Can't Wait” e versões ao vivo de “Tryin' to Get to Heaven” e “Cold Irons Limite."

D 1: Time Out of Mind (2022 Remix)

1. Love Sick
2. Dirt Road Blues
3. Standing in the Doorway
4. Million Miles
5. Tryin’ to Get to Heaven
6. ‘Til I Fell in Love with You
7. Not Dark Yet
8. Cold Irons Bound
9. Make You Feel My Love
10. Can’t Wait
11. Highlands

CD 2: Outtakes and Alternates

1. The Water is Wide (8/19/96, Teatro) (*)
2. Dreamin’ of You (10/1/96, Teatro)
3. Red River Shore – version 1 (9/26/96, Teatro) (*)
4. Love Sick – version 1 (1/14/97, Criteria Studios) (*)
5. ‘Til I Fell in Love with You – version 1 (10/3/96, Teatro)
6. Not Dark Yet – version 1 (1/11/97, Criteria Studios) (*)
7. Can’t Wait – version 1 (1/21/97, Criteria Studios) (*)
8. Dirt Road Blues – version 1 (1/12/97, Criteria Studios) (*)
9. Mississippi – version 1 (1/11/97, Criteria Studios)
10. ‘Til I Fell in Love with You – version 2 (1/16/97, Criteria Studios)
11. Standing in the Doorway – version 1 (1/13/97, Criteria Studios)
12. Tryin’ to Get to Heaven – version 1 (1/18/97, Criteria Studios)
13. Cold Irons Bound (1/9/97, Criteria Studios) (*)

CD 3: Outtakes and Alternates

1. Love Sick – version 2 (1/14/97, Criteria Studios)
2. Dirt Road Blues – version 2 (1/20/97, Criteria Studios)
3. Can’t Wait – version 2 (1/14/97, Criteria Studios)
4. Red River Shore – version 2 (1/19/97, Criteria Studios)
5. Marchin’ to the City (1/5/97, Criteria Studios)
6. Make You Feel My Love – take 1 (1/5/97, Criteria Studios) (*)
7. Mississippi – version 2 (1/11/97, Criteria Studios) (*)
8. Standing in the Doorway – version 2 (1/13/97, Criteria Studios) (*)
9. ‘Til I Fell in Love with You – version 3 (1/16/97, Criteria Studios)
10. Not Dark Yet – version 2 (1/18/97, Criteria Studios)
11. Tryin’ to Get to Heaven – version 2 (1/12/97, Criteria Studios) (*)
12. Highlands (1/16/97, Criteria Studios) (*)

 CD 4: Live (1998-2001)

1. Love Sick (6/24/98, Birmingham, England)
2. Can’t Wait (2/6/99, Nashville, Tennessee)
3. Standing In The Doorway (10/6/00, London, England)
4. Million Miles (1/31/98, Atlantic City, New Jersey)
5. Tryin’ to Get to Heaven (9/20/00, Birmingham, England)
6. ‘Til I Fell in Love with You (4/5/98, Buenos Aires, Argentina)
7. Not Dark Yet (9/22/00, Sheffield, England)
8. Cold Irons Bound (5/19/00, Oslo, Norway)
9. Make You Feel My Love (5/21/98, Los Angeles, California) (Previously released on the “Things Have Changed” maxi-single)
10. Can’t Wait (5/19/00, Oslo, Norway)
11. Mississippi (11/15/01, Washington, D.C.)
12. Highlands (3/24/01, Newcastle, Australia)

CD 5: Bonus Disc (all tracks previously Released on The Bootleg Series Vol. 8: Tell Tale Signs: Rare and Unreleased 1989-2006)

1. Dreamin’ of You – Tell Tale Signs (10/1/96, Teatro)
2. Red River Shore – Tell Tale Signs, version 1 (1/19/97, Criteria Studios)
3. Red River Shore – Tell Tale Signs, version 2 (1/8/97, Criteria Studios)
4. Mississippi – Tell Tale Signs, version 1 (9/96, Teatro)
5. Mississippi – Tell Tale Signs, version 3 (1/17/97, Criteria Studios)
6. Mississippi – Tell Tale Signs, version 2 (1/17/97, Criteria Studios)
7. Marchin’ to the City – Tell Tale Signs, version 1 (1/5/97, Criteria Studios)
8. Marchin’ to the City – Tell Tale Signs, version 2 (1/6/97, Criteria Studios)
9. Can’t Wait – Tell Tale Signs, version 1 (10/1/96, Teatro)
10. Can’t Wait – Tell Tale Signs, version 2 (1/5/97, Criteria Studios)
11. Cold Irons Bound – Tell Tale Signs, live (6/11/04, Bonnaroo Music Festival)
12. Tryin’ to Get to Heaven – Tell Tale Signs, live (10/5/00, London, England)