Pink Floyd sem Roger Waters… Esse tema gera inúmeras discussões, com fãs apaixonados defendendo o baixista, e outros, não menos apaixonados, apoiando o guitarrista David Gilmour.
Assisti há algum tempo parte de um documentário a respeito do Pink Floyd no canal Multishow, do qual não me lembro o nome. Em um certo momento, Roger Waters falava de seus sentimentos em relação à continuidade da banda e citou como exemplo alguns shows feitos por ele na França dois ou três anos depois de sua saída do grupo. Dizia ele que tinha um show em um fim de semana e cerca de 3 mil ingressos haviam sido vendidos. O problema foi que, um dia antes, por coincidência, o Pink Floyd havia realizado um show na mesma cidade para mais de 40 mil pessoas, e Roger se perguntava se isso era justo. Afinal, mais da metade das músicas executadas no concerto eram de autoria dele.
Citei essa passagem porque os defensores de Roger Waters relacionam sua criatividade musical a uma possível perda de força que a banda teria apresentado após sua saída. Considero Roger Waters o integrante mais importante da história do Pink Floyd. A partir da saída do guitarrista e vocalista Syd Barret em 1968, o baixista se tornou o mentor da banda e a elevou à categoria dos grupos mais inesquecíveis da história do rock. Ninguém pode negar sua importância.
Em outro documentário que adquiri recentemente, Pink Floyd: Behind the Wall, Inside the Mind of Pink Floyd, Waters comenta que todos tinham sim suas opiniões na banda, mas nos momentos em que elas eram contraditórias, “coincidentemente” era a dele que predominava. Em uma passagem, o baterista Nick Mason declara que uma pessoa que se acha tão importante só precisa de uma coisa: terapia. Mas será mesmo que Waters era um compositor tão fenomenal assim? Será que os outros componentes não tinham influência na sonoridade da banda? Pensando nisso, e por sempre ter a idéia de que Roger Waters era mesmo a força motriz do quarteto, fiz uma pequena pesquisa digna de um bolha. Compilei todas as faixas presentes nos álbuns em que Roger Waters e David Gilmour trabalharam juntos no Pink Floyd e enumerei as músicas da seguinte forma: composições em conjunto, composições de Waters sozinho ou com outra pessoa que não fosse Gilmour, e, para esse último, fiz o mesmo. O resultado foi o seguinte:
105 músicas 60 composições de Waters (sozinho ou com outros compositores – exceto Gilmour) 29 composições de Waters e Gilmour em conjunto 6 composições de Gilmour (sozinho ou com outros compositores – exceto Waters)
Como nessa compilação estão computadas as faixas presentes nos álbuns The Wall e The Final Cut, obras feitas essencialmente por Waters resolvi considerar então apenas os discos mais aclamados do grupo, aqueles que cimentaram a idolatria à banda: Atom Heart Mother, Meddle, The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here e Animals:
31 músicas 12 composições de Waters (sozinho ou com outros compositores – exceto Gilmour) 14 composições de Waters e Gilmour em conjunto 2 composições de Gilmour (sozinho ou com outros compositores – exceto Waters)
Como vocês podem constatar, existe uma ampla vantagem para o lado de Roger Waters. Obviamente, apenas números não são suficientes para explicar uma arte como a música, e mesmo quando uma faixa é creditada a apenas um compositor, é sabido que outros integrantes da banda pod
em ter contribuído com arranjos que acabam por modificar o resultado final.
Por outro lado, se compararmos o material produzido por Waters depois de sua saída do quarteto ao material criado pelo Pink Floyd e até mesmo à carreira solo de David Gilmour, é possível constatar que o baixista não conseguiu se manter no mesmo nível. Possuo discos de ambas carreiras solo, e os mais ouvidos são os de Gilmour. Acredito que Waters acabou se perdendo na insistente necessidade de criar álbuns que transmitissem seus valores pessoais, seus traumas, sua insatisfação com o status quo. Os valores transmitidos por ele até podem ser corretos, contudo, as músicas criadas com essa finalidade revelaram-se irregulares.
Além disso tudo, David Gilmour conseguiu manter uma carreira mais sólida, gravando álbuns mais constantemente e realizando muitos shows. Vários deles se tornaram DVDs imperdíveis, como David Gilmour in Concert e Remember that Night: Live at Royal Albert Hall. A partir disso e dos dados apresentados mais acima, posso concluir que Roger Waters é sim um ótimo compositor, mas que trabalha melhor quando rodeado por companheiros à sua altura, que tenham afinidade e saibam executar o que o baixista estiver tentando passar. No fim das contas, a conclusão é um tanto óbvia: Waters e Gilmour trabalham melhor juntos do que separados.
Os dois álbuns editados pelo Pink Floyd sem Roger Waters, A Momentary Lapse of Reason e The Division Bell, além de ótimos, são carregados pelas influências musicais de Gilmour. Escutando seus discos lançados em carreira solo, podemos identificar todos os elementos presentes nesses dois discos: a estrutura das músicas, o tipo de melodias, os solos de guitarra… “One Slip”, “Learning to Fly”, “On the Turning Away”, “What Do You Want From Me”, “A Great Day for Freedom”, “Keep Talking” e “High Hopes” são canções fantásticas, impossíveis de não serem apreciadas por aqueles que as conhecem e gostam de boa música.
Podemos terminar este artigo respondendo a pergunta lá de cima: existe Pink Floyd sem Waters? Sim, existe, mas entendo que a única discussão que deveria existir é se foi uma boa ideia continuar a banda com o nome “Pink Floyd”, já que a qualidade das músicas produzidas nos dois álbuns capitaneados por David Gilmour é indiscutível.
O novo começo de Journey em 2000 com Steve Augeri não terá sido um grande sucesso comercial. Pela primeira vez em muito tempo, o álbum Arrivalnão trouxe disco de ouro aos seus autores que, sem grande surpresa numa altura que já não lhes era benevolente, viram-se expulsos pela editora Columbia após mais de 25 anos de estrada comum. Neal Schon e Deen Castronovo partiram repentinamente para se ocuparem no seu canto com Sammy Hagar num projeto sem futuro que contava também com a participação de Michael Anthony e Joe Satriani (Planet Us). Jonathan Cain estava passando o tempo ao seu lado com um novo projeto solo, e Journey parecia enterrado por um momento quando, para surpresa de todos, foi anunciado o lançamento de um EP, o primeiro da banda. Sem gravadora, a Journey inicialmente o comercializou por conta própria, antes de ser assumida para o mercado europeu pela Frontiers, uma gravadora especializada naturalmente levando o nome do famoso álbum .de Journey, muito feliz em aproveitar a sorte inesperada.
No entanto, o amante do AOR não estava de todo na festa ouvindo o primeiro título "State Of Grace", que passou uma longa - dois minutos - introdução pretendida ser enigmática, caiu em todo o "Schonian que por algumas eras tendeu para exasperar os fiéis admiradores do grupo: riff desajeitado, clima dark de se enforcar, e não me poupe nada, algumas insinuações orientalistas nas linhas melódicas, bem em voga no hard rock deste início de milênio. Estamos muito longe das delícias AOR que uma vez colocaram Journey em um pedestal.
Sem ser particularmente alegre, "The Time" sobe um pouco a fasquia, graças a uma linha melódica mais clara e a uma atmosfera menos sufocante, mas os riffs continuam demasiado pesados para um grupo como o Journey que, claro, sempre gravou títulos num registro de hard rock, mas raramente brilhou lá.
A lufada de ar fresco finalmente chega com o terceiro título, a balada "Walking Away From The Edge", graças em particular às partes perturbadoras do teclado de Jonathan Cain e aos versos que emanam uma melancolia suave que rompe com a relativa brutalidade do primeiro dois títulos. O refrão poderia ter sido mais cativante e sutil, mas não vamos pedir muito, depois do que acabamos de receber. Refira-se que neste título apenas Jonathan Cain, Neal Schon e o compositor Andre Pessis foram oficialmente creditados, mas que Geoff Tate também teria contribuído para a sua escrita, o que credenciaria o boato maluco segundo o qual teria sido abordado pelo grupo. para substituir Steve Perry, antes de recrutar Steve Augeri. A colaboração de Tate não seria tão surpreendente,
Finalmente vem o quarto e último título, "I Can Breathe", que revive mais com o estilo habitual do grupo, oferecendo uma melodia AOR, com um refrão bastante animado, e uma atmosfera muito mais sedutora do que a primeira parte deste EP que, verdade seja dita, tinha poucos motivos para estar na discografia do Journey, tão logo após a realização de Arrival .
Títulos: 01. Introdução: Red 13 / State Of Grace 02. The Time 03. Walking Away From The Edge 04. I Can Breathe
Músicos: Steve Augeri: vocal Neal Schon: guitarra, backing vocals Jonathan Cain: teclados, guitarra, backing vocals Ross Valory: baixo, backing vocals Deen Castronovo: bateria, percussão, backing vocals
O terceiro álbum de Ian HUNTER, Overnight Angels , não convenceu as multidões quando foi lançado em 1977, para dizer o mínimo. Ciente dos defeitos deste disco, o ex-MOTT THE HOOPLE dá um passo atrás antes de se lançar à gravação de um sucessor.
Quando ele retorna aos estúdios, Ian HUNTER procede a algumas colheitas. A princípio, ele é apoiado por Mick Ronson, seu velho amigo com quem há uma verdadeira química. A dupla, além de se envolver no desenvolvimento das composições, se põe na produção (como no primeiro disco de 1975). Em torno desta dupla, músicos da E STREET BAND de Bruce SPRINGSTEEN contribuíram para o álbum. O quarto álbum de estúdio de Ian HUNTER foi intitulado You're Never Alone With A Schizophrenic (um programa e tanto!) e foi lançado em 27 de março de 1979.
A primeira impressão, visual, é bastante positiva já que a capa do disco é bem engraçada. “England Rocks”, presente no álbum anterior, foi transformado neste em “Cleveland Rocks”. E o que era, 2 anos atrás, uma demo promissora se transformou em um hino do Rock absolutamente devastador. As influências do QUEEN foram apagadas, aparecem algumas camadas discretas de teclados, anunciando os anos 80, o refrão é unificador, o andamento ora calmo, discreto, ora mais enérgico, o piano marca presença e os coros são irresistíveis. O conjunto dá um resultado magistral. E Ian HUNTER não para por aí. Ele está em boa forma e deixa claro em 'Just Another Night'. um mid-tempo Classic-Rock/Boogie-Rock muito animado que anuncia um retorno mais do que revigorante para o ex-vocalista do MOTT THE HOOPLE. Além disso, este título ficou em 68º lugar no American Top Singles e até hoje é o único de Ian HUNTER a ter alcançado esse desempenho. Mais ou menos no mesmo estado de espírito, "Life After Death" faz bater os pés e corresponde na perfeição ao que gostamos em Ian HUNTER, até porque o refrão está bem encontrado, o piano suporta-o devidamente as guitarras e um lento break é encaixado de improviso no meio das hostilidades. Mais fundamentalmente afinado com os tempos, "Bastard" destaca-se com um longo enquadramento de guitarra antes da chegada dos vocais, um ritmo binário groovy, uma atmosfera no limite e tem um lado pouco experimental (a única coisa a lamentar, é o fato de que este título se arrasta um pouco às vezes). Abrangendo Classic-Rock e Pop-Rock, "Wild East" é uma composição pontilhada de saxofone, algumas notas de piano que a iluminam, bem como um refrão simples que ajuda a tornar tudo cativante. A presença de músicos da E STREET BAND de Bruce Springsteen não é certamente estranha à presença do mid-tempo "When The Daylight Comes" que, embora envolto em melodias Pop, olha abertamente para o Heartland-Rock e é muito provável que mais tarde tenha servido como fonte de inspiração para John MELLENCAMP e até para o próprio Bruce SPRINGSTEEN. 3 baladas estão presentes neste álbum e, desta vez, parecem ser mais convincentes do que as que estavam no Abrangendo Classic-Rock e Pop-Rock, "Wild East" é uma composição pontilhada de saxofone, algumas notas de piano que a iluminam, bem como um refrão simples que ajuda a tornar tudo cativante. A presença de músicos da E STREET BAND de Bruce Springsteen não é certamente estranha à presença do mid-tempo "When The Daylight Comes" que, embora envolto em melodias Pop, olha abertamente para o Heartland-Rock e é muito provável que mais tarde tenha servido como fonte de inspiração para John MELLENCAMP e até para o próprio Bruce SPRINGSTEEN. 3 baladas estão presentes neste álbum e, desta vez, parecem ser mais convincentes do que as que estavam no Abrangendo Classic-Rock e Pop-Rock, "Wild East" é uma composição pontilhada de saxofone, algumas notas de piano que a iluminam, bem como um refrão simples que ajuda a tornar tudo cativante. A presença de músicos da E STREET BAND de Bruce Springsteen não é certamente estranha à presença do mid-tempo "When The Daylight Comes" que, embora envolto em melodias Pop, olha abertamente para o Heartland-Rock e é muito provável que mais tarde tenha servido como fonte de inspiração para John MELLENCAMP e até para o próprio Bruce SPRINGSTEEN. 3 baladas estão presentes neste álbum e, desta vez, parecem ser mais convincentes do que as que estavam no bem como um refrão simples que ajuda a torná-lo cativante. A presença de músicos da E STREET BAND de Bruce Springsteen não é certamente estranha à presença do mid-tempo "When The Daylight Comes" que, embora envolto em melodias Pop, olha abertamente para o Heartland-Rock e é muito provável que mais tarde tenha servido como fonte de inspiração para John MELLENCAMP e até para o próprio Bruce SPRINGSTEEN. 3 baladas estão presentes neste álbum e, desta vez, parecem ser mais convincentes do que as que estavam no bem como um refrão simples que ajuda a torná-lo cativante. A presença de músicos da E STREET BAND de Bruce Springsteen não é certamente estranha à presença do mid-tempo "When The Daylight Comes" que, embora envolto em melodias Pop, olha abertamente para o Heartland-Rock e é muito provável que mais tarde tenha servido como fonte de inspiração para John MELLENCAMP e até para o próprio Bruce SPRINGSTEEN. 3 baladas estão presentes neste álbum e, desta vez, parecem ser mais convincentes do que as que estavam no olhando abertamente para o Heartland-Rock e é muito provável que mais tarde ele tenha servido como fonte de inspiração para John MELLENCAMP e até para o próprio Bruce SPRINGSTEEN. 3 baladas estão presentes neste álbum e, desta vez, parecem ser mais convincentes do que as que estavam no olhando abertamente para o Heartland-Rock e é muito provável que mais tarde ele tenha servido como fonte de inspiração para John MELLENCAMP e até para o próprio Bruce SPRINGSTEEN. 3 baladas estão presentes neste álbum e, desta vez, parecem ser mais convincentes do que as que estavam no Anjos noturnos. Se no gênero balada melancólica e cheia de sensibilidade "Ships" é um belo e franco sucesso com seus arranjos refinados, seus coros presentes apenas quando necessário, "The Outsider" eleva ainda mais a fasquia: durante 2 minutos, o piano ocupa um lugar preponderante lugar, então a bateria e uma discreta guitarra elétrica vêm a musculação do todo que, notavelmente arranjado, leva até as entranhas. Ian HUNTER, imperial nos vocais, transmite admiravelmente as emoções, reforçando o aspecto pungente desta balada que, a meu ver, é um dos mais belos sucessos da década neste exercício. Quanto a "Standin' In My Light", é uma balada habilmente construída com instrumentos e coros que se elevam a um crescendo de poder, mantendo o ouvinte em suspense e a interpretação é bastante agradável.
Desta vez, Ian HUNTER conseguiu convencer. Você nunca está sozinho com um esquizofrênico é melhor produzido e globalmente mais inspirado do que seu antecessor. Alguns até o consideram o melhor álbum de Ian HUNTER. Além disso, o disco vinha se defendendo bastante bem nas paradas da época: 35º nos EUA (seu melhor desempenho histórico), 49º na Grã-Bretanha e 68º na Austrália.
Tracklist: 1. Just Another Night 2. Wild East 3. Cleveland Rocks 4. Ships 5. When The Daylight Comes 6. Life After Death 7. Standin' In My Light 8. Bastard 9. The Outsider
Formação: Ian Hunter (vocal, guitarra, piano, moog, órgão) Mick Ronson (guitarra) Gary Tallent (baixo) Max Weinberg (bateria) Roy Bittan (órgão, piano, moog, sintetizadores) John Cale (piano, sintetizadores) George Young (saxofone) Lew Delgatto (saxofone)
Com seu primeiro álbum, Peter Gabriel conseguiu superar a fase sempre um tanto delicada de uma carreira solo. Sem negar nada das suas origens progressivas, conseguiu encontrar um estilo próprio que o distingue tanto do Genesis como do resto da produção musical. Os fãs, claro, aguardam a continuação de uma aventura que começou tão bem. Sem que muito se pergunte, o cantor aterrará no ano seguinte com o seu segundo álbum. Terminada a colaboração com Bob Ezrin, foi trabalhar para o Pink Floyd. A ligação será mais forte com Robert Fripp que produzirá o álbum além de sua posição como guitarrista. Também encontramos o agora inseparável Tony Levin e Larry Fast. Em termos de caras novas, vamos mencionar o guitarrista Sid McGinnis, o baterista Jerry Marotta e o pianista da E-Street Band Roy Bitten que todos, de Meat Loaf a David Bowie, depois se despedaça. A originalidade de Peter Gabriel também se vai afirmar ao nível do nome do álbum. Com efeito, a cantora recusa-se a dar-lhe um nome, como o primeiro. Para ele, esses lançamentos anuais são semelhantes aos de uma revista que mantém o mesmo nome, mas muda a capa. Para se dar bem nessa sucessão de álbuns homônimos, eles receberão o apelido da foto que servirá de capa. Então neste segundo eles receberão o apelido da foto que servirá de capa. Então neste segundo eles receberão o apelido da foto que servirá de capa. Então neste segundoPeter Gabriel também será conhecido como Scratch .
Este segundo álbum começa com a dinâmica "On The Air", carregada pela guitarra de Fripp e pelo piano de Bittan. Um título bem Rock que nos lembra o que Gabriel já havia nos oferecido no álbum anterior com "Modern Love". Pequena novidade, o sequenciador de sintetizadores de Larry Fast que traz um toque SF para tudo. O único single do álbum, "DIY" (para "faça você mesmo") foi um fracasso. Esta música Pop levemente artística era talvez um pouco intelectual demais para a época, mais inclinada para as últimas explosões de Punk, Disco e a emergente New Wave. Uma pena, porque o resultado é bastante cativante. A melancólica acústica "Mother Of Violence" nos lembra o Peter Gabriel de algum Genesis e vai agradar aos nostálgicos da época. O em breve mítico bastão Chapman de Tony Levin que já tínhamos ouvido no "DIY Os grooves de “A Wonderful Day in a One-Way World”, um título Pop com toques de Funk e Reggae. A pairante “White Shadow” remete-nos para as origens progressivas de Gabriel, mas com sonoridades a condizer com o final dos anos 70, e sobretudo libertas de desenvolvimentos prolongados para focar o coração da canção. Observe um solo de guitarra na pura tradição de Robert Fripp.
Com suas flautas, a balada de piano "Indigo" tem fascínios medievais em meio a sua melodia pop. A sombra do Gênesis volta a pairar, mas sem constituir um verdadeiro retorno a um passado desaparecido. "Animal Magic" permite-nos encontrar um Peter Gabriel mais Rock num estilo que lembra as peças de Elton John, este piano sincopado, certamente não tendo nada a ver com isso. Como resistir ao baixo de Tony Levin na hipnótica "Exposure" onde Robert Fripp mistura as texturas de seus Frippertronics enquanto Gabriel aparece ali como um guru entoando textos minimalistas. Mais Pop mas não desprovido de elementos experimentais, “Flotsam And Jetsam” também nos cativa perante um Rock bastante mas, convenhamos, menos marcante “Perspective”. Terminamos com a tranquila balada "Home Sweet Home",
Se vendeu um pouco menos que o anterior, este segundo álbum de Peter Gabriel faz tanto sucesso – senão mais – e permite ao artista desenvolver ainda mais o seu toque. Se nenhum título foi registrado como um clássico ao longo do tempo como "Solsbury Hill" poderia ter sido, é inegável que cada título é particularmente elegante e merece atenção. Não é bem um ponto fraco no final (apenas uma pequena reserva para “Perspective” que poderia ter sido melhorada), e um álbum que em nada deve ser desvalorizado face a outros mais conhecidos pelo seu autor.
Títulos: 1. On The Air 2. D.I.Y. 3. Mother Of Violence 4. A Wonderful Day In A One-Way World 5. White Shadow 6. Indigo 7. Animal Magic 8. Exposure 9. Flotsam And Jetsam 10. Perspective 11. Home Sweet Home
Músicos: Peter Gabriel: Vocais, teclados Robert Fripp: Guitarra, Frippertonics Sid McGinnis: Guitarra, bandolim Larry Fast: Sintetizadores Roy Bittan: Teclados Todd Cochran: Teclados Tony Levin: Baixo, Chapman stick Jerry Marotta: Bateria Tim Cappello: Saxofone George Marge: Gravador