Disco Imortal: Los Prisioneros – La voz de los ‘80 (1984)

 

Selo de fusão, 1984

“Quando as pessoas me dizem que se lembram de músicas como “Tren al sur”, fico muito feliz. Mas quando me dizem que se lembram de mim por “El baile de los que sobran” ou “La voz de los '80” não posso ficar feliz, porque significa que no Chile nada mudou”. Palavras carinhosas de Jorge González, líder da banda de rock chilena mais importante dos últimos 40 anos e que concedeu muito recentemente, em uma das muitas entrevistas que concedeu sobre o problema de saúde que o aflige desde o final de 2015.

Jorge González é uma pedra angular do rock chileno por muitas razões. Uma delas é porque ele capturou a letra e os acordes de "La voz de los '80", o primeiro álbum dos Los Prisioneros, lançado em 13 de dezembro de 1984 e que, ao longo dos anos, se tornou um reduto. um bom álbum de estreia. Sem ir mais longe, a equipe Nación Rock acaba de elegê-lo como o 2º melhor álbum de rock chileno (você pode conferir o ranking completo aqui) e aquela análise que sempre o coloca no Top 3 continuará acontecendo, porque a partir de 1984 e com este disco em particular, começou a escrever um novo capítulo na música popular chilena.

Era a época em que o rock em espanhol estava bombando e, embora a maioria dos grupos viesse da Argentina, Los Prisioneros ganhou espaço e os jovens rapidamente deram relevância às suas canções, enquanto os pais ouviam com medo as canções contestando cartas de três jovens de uma escola tributária sem acesso à mídia, sem agência ou relações públicas, sem cultura de marketing, sem dinheiro; os três sanmiguelinos eram capazes de construir histórias que iam além do rádio ou da televisão, passavam de boca em boca, o cassete era emprestado e tocava a todo volume aquele discurso que falava da corrupção, das ditaduras e da hiperinflação que afundaram o sul-americano povos.

Mas o que é “A voz dos anos 80”? São 10 canções que, musicalmente, conseguem um equilíbrio perfeito entre diferentes correntes. Há rock, muito punk, algum jazz, um pouco de ska, também reggae, com um ritmo rápido mas também com espaço para pausa; tem muito destaque o baixo do González, e convenhamos, são linhas de baixo tremendas. Narea não ficou muito atrás, já que há alguns solos brilhantes em sua guitarra, cem por cento rock and roll. E outra marca registrada foi aquele baterista martelando do Tapia, que ainda se arriscou a cantar em “Quem matou Marilyn?”, dando um ar diferente à música, ou seja, cada um tinha habilidades inatas que foram apresentadas neste disco, para o Chile, como melhor que possível; mas aquele "o melhor possível" ficou guardado na memória colectiva e, até hoje, faz-nos sentir tão natural,

Continuando com a estrutura musical, o disco apresenta um perfil variado condizente com as influências de jovens músicos; a produção soa crua, apesar de naqueles anos ser o auge da instrumentalização. Isso acabou sendo um ponto a favor porque, de alguma forma, reflete como se vivia o dia a dia no Chile, praticamente com o básico. Dessa forma, Los Prisioneros, por mais que quisessem soar mais punk, com mais sintetizadores e mais produção, acabaram retratando como vivia o Chile. Com baixo, guitarra e bateria; nada mais.

Mas na hora de entrar no discurso, na letra do disco, surge a discussão se essa letra foi obra de uma juventude irrefletida ou, simplesmente, de um poeta. Por exemplo, "A voz dos anos 80" tem um significado otimista quando diz "Você tem força, você é um ator principal, abra os olhos, seremos a mudança" , mas no discurso intrínseco também há um mandato que o jovem seja um veículo dessa mudança. Em "A América Latina é uma cidade no sul dos Estados Unidos" há uma extrema ironia de González quando ele diz " bata palmas, esperamos que gostem muito do show". "Sex" é uma crítica aberta ao consumidor, enquanto em "We don't need flags" não é preciso ouvir um riff pesado para soar rebelde, provocador, e fazer um apelo para se libertar dos discursos que incentivavam a defesa própria fronteira. Em "Television Mentality" há uma mensagem clara da nossa dependência da TV, e "Nunca quedas mal con nadie" envolve até os artistas quando critica a sua moralidade e acomodação ("má cópia de um hippie gringo" ) . Mais do que letras, cada música carregava uma mensagem poderosa, carregada de fúria adolescente e conduzida por Jorge González em um momento de lucidez abismal.

A capa do álbum também tem poder criativo, é bem minimalista, mas poderosa: Os 3 meninos, seu instrumento, um setor parecido com La Vega, roupas baratas e um visual desafiador. esperando por tudo A foto em preto e branco deu outro toque, sendo obra do cineasta Cristián Galaz.

Por que “A Voz dos anos 80” é imortal? Porque forçou o rearmamento da música chilena, obrigou a mídia a dar atenção a três meninos de escola pública que vieram com sua oratória prodigiosa, e três instrumentos, para escrever um ponto separado e um subtítulo dentro do livro de história da música chilena; “A voz dos anos 80” é um trabalho inquieto, de absoluto poder criativo, sem desculpas e sem vontade de acertar.

"Sangue latino precisa do mundo / vermelho, furioso e adolescente"
"Para amar amar / sua identidade você deve falsificar"
"O melhor gancho comercial / apela para sua imbecilidade"
"Religião chama-se nacionalidade / não queremos representação" "
De as entranhas das nossas cidades/a pele que vai vestir o mundo emerge”

Os clássicos merecem ser tratados como tal e “La voz de los '80” hoje parece não ser apenas um disco, parece ser um espelho para o Chile. Porque não parece que é do passado e é isso que entristece González porque, mesmo que não queira, nada mudou. “A voz dos anos 80” continua a falar ao Chile do século XXI.

Disco Imortal: Rekiem – Apgar:0 (2001)

 

Sonica Records, 2001

Tire meu dedo da boca, fascista
Você não vai me ver cair em suas mentiras, classistas
Cínico Opus Dei a prostituta que deu à luz
Você não vai me ter de joelhos, nem diante de você nem diante de seu deus.

O metal alternativo da segunda metade dos anos 90 nada mais foi do que o portador da mensagem que a juventude americana, no final do século XX, tinha de gritar ao mundo. Eram os últimos resquícios da Geração X, reclamando de conflitos com os pais, bullying escolar (Korn), crises existenciais que davam origem a reflexões um pouco mais profundas (Deftones), raiva misturada com tédio (Slipknot). Raiva canalizada através de uma música que pegava elementos do metal e os misturava com qualquer coisa: funk, rap, new wave, gótico, eletrônico, salsa. Mistura musical e diversidade de mensagens no seu melhor, num estilo não habituado a impurezas. Pelo mesmo motivo, seu rótulo nunca foi claro, e também, como bom mestiço, nunca foi reconhecido pelos mais puristas do metal, por um lado,

Além disso, todas essas bandas pertencem a um imaginário comum, manejavam códigos estéticos semelhantes, e a mensagem que cada uma de suas canções trazia compartilhava mais de uma semelhança. O que causou raiva entre os jovens americanos naquela época? Em geral, o motivo da raiva era bastante pessoal. O que causou a raiva não foi lá fora, não foi uma preocupação social, mas sim dentro, nos conflitos psicológicos, na tristeza por questões pessoais pendentes e mal resolvidas. Pouquíssimas bandas daquela geração escaparam dessa tendência, como System of a Down e Rage Against the Machine, que decidiram usar a música como método de protesto político. Tudo isso é relevante para entender o peso que um disco como Apgar:0 tem na discografia do rock chileno.

No Chile, o metal alternativo desembarcou com força graças ao que acontecia no exterior e ao forte apoio da mídia. No entanto, assumiu uma forma diferente. Havia uma mistura entre um tom existencial e depressivo diante dos conflitos internos, com contas pendentes com a realidade sócio-política chilena. O que nos Estados Unidos apareceu de diferentes formas, no Chile houve uma banda que o fundiu, dando vida a um dos discos mais intensos do rock nacional.

O Apgar:0 de Rekiem transborda de raiva ao falar da ditadura e seus herdeiros pós-plebiscitos, não há nada mais direto, mas também bem escrito, bem pensado e divertido do começo ao fim. Da mesma forma, quando se trata de assuntos pessoais, ele é mais visceral do que qualquer outra pessoa. A dualidade aparece na capa. De um lado, fotos de Ricardo Claro, Raúl Hasbún e Pablo Longueira, entre outros, os bad boys da direita e do poder dos anos 90. Do outro, grande parte da capa traz o desenho de um enforcado, morto. Suicídio sem tabus nem metáforas.

A dualidade está claramente no conteúdo. Por um lado, a letra fala de política, de “fogo na sua bandeira” ('Traga'), de “Viva a segunda-feira, viva a mudança e a carapaça da sua mãe” ('MLCAE'), de “Quem é aquele que censura, aquele que pune, aquele que proíbe e decide por você o que é bom? O porco Claro, bastante escuro” ('Claroscuro'). Mas também falam de temas (muito) pessoais. “Você abriu meus olhos só de respirar” , Julián Durney conta à filha em 'Martina'. “Droga forte, melhor ainda, passa a dor, sem vergonha nem consciência, entrego-me a voar dentro de mim, trancado, já não sou livre” diz em 'Novocaín', numa triste e sufocante história de dependência de drogas.

Pior do que eu.
Não há ninguém
que eu conheça.
('Não respire')

Não há dúvida sobre o seu som. Apgar:0 é um disco de nu metal da mais pura estirpe, se é que isso pode ser dito de qualquer disco que cultive o estilo. Sem dupla interpretação: 12 golpes na cabeça, baseados em guitarras bem no estilo Page Hamilton, com um som sujo e não muito caprichado, mas brutal. Por seu lado, as melodias guturais e vocais de Gino Fuenzalida alternam-se de uma forma que lembra muito o Chino Moreno dos tempos de Adrenaline.

A sobreposição entre a história pessoal e a mensagem política funciona perfeitamente, e faz de Apgar:0 um dos discos mais intensos que existem no rock chileno. Um grito que não para, uma obra-prima do nu metal de Julián Durney, seu guitarrista e principal compositor. Aquele que não pôde seguir a vida, mas que deixou um legado que sempre, de vez em quando, merece ser lembrado como um dos grandes nomes do rock chileno.

Disco Imortal: Nirvana – Bleach (1989)

 

Subpop, 1989

A semente do que estava por vir pode ser encontrada nos acordes dispersos, mas selvagens, elaborados por um menino de olhar perdido e cabelo bagunçado, por volta de 1987 e dois anos antes de sua gravação. Foram tempos no meio de tudo; o nascimento ou o fim de nada estava à vista, exceto por uma leve esperança de que o rock nos daria outro mito novamente.

O Nirvana já teve fortes influências de Black Sabbath, The Doors, The Smithereens, Led Zeppelin, The Beatles, para citar alguns. E a partir desses gostos, começaram a entender, passo a passo, o que queriam expressar (antes de explodir o mundo em 1991) em seu primeiro álbum, carregado de guitarras distorcidas dos anos 70 e um pouco da psicodelia dos anos 60. . A banda estava sob pressão da gravadora para fazer grunge, já que esse era o movimento que começava a dominar Seattle e a Sub Pop estava promovendo. Por isso os acordes malucos de “Blew”, daquelas que misturam o metal dos anos 70 com a psicodelia garage dos anos 60, com muita voz mortificada. Esses elementos foram o primeiro traço de um pedaço de tempo, que coagulou um ritmo furioso expresso nos rosnados de um distante Cobain,

Enquanto Dave Grohl ainda estava na banda Scream, "Floyd the Barber" ataca na mesma direção, mas com mais peso. Um reeling de thrash, com um desenvolvimento de ritmos e percussões bem evidentes mas cheios de cunho, conduzindo a música ao grito abafado do seu refrão. E então vem “About a Girl”. O primeiro vislumbre, para os mais atentos, do inestimável potencial do Nirvana. Uma música que erotiza desde o primeiro suspiro, que seduz todos os que a ouvem. Este delicado intervalo apenas demonstra o inegável peso de um tema diferente e que mostraria uma faceta muito mais artística da banda. "Love Buzz" demonstra a cultura musical que os integrantes tiveram ao fazer o cover dessa música através de um soberbo Krist Novoselic, que roubou a cena com o baixo, sendo uma das melhores falas da discografia do Nirvana. "Negative Creep" e aquela raiva cem por cento pura.

As letras, em geral, são negativas, angustiadas e distorcidas, escritas no caminho para a gravação sobre coisas que as incomodavam. A voz de Kurt é impressionante, muito rasgada, sofredora, mas também muito melódica; há várias linhas de baixo incríveis e a bateria sustenta sua clara influência de metal.

“Bleach” surgiu em cena graças a $ 606,17 e sem que Cobain ou Novoselic tivessem a intenção de inventar nada, apenas puxando as cordas de um barulho que sentiam por dentro. Outros dirão que foi a manifestação da alma torturada de Kurt, que se rompia a cada verso ou mudança de ritmo, enquanto Novoselic tentava soar parecido com os Melvins ou Mudhoney, aos poucos tirando o fardo da gravadora e deixando sua essência voar. O resultado de “Bleach” acabou tendo um significado sonoro maior do que qualquer um poderia imaginar porque o álbum tem gosto de metal e punk, sim, mas também usa com inteligência os acordes de suas influências dos anos setenta e estabelece diretrizes que acabaram incendiando todo o uma geração e todo um estilo musical, aquele que não conseguiu sobreviver à posterior saída do seu líder.

Crítica: "O Viajante Nocturno", de Sevilha, os espanhóis de Lemniscata apresentam-nos o seu álbum de um humano que atinge a enteléquia e viaja para outro planeta

Lemniscata é uma banda sevilhana formada em 2013 com uma filosofia muito clara: ser um espaço de abertura e integração de visões, ideias e perspetivas musicais, filosóficas e ideológicas, ao mesmo tempo que promove o crescimento e aperfeiçoamento de cada um dos seus membros através da valorização artística e humana expressão. 

Esses princípios são os que sustentaram a criação de seu longa-metragem de estreia Enteléquia (2017) e os que justificam sua escolha por realizar obras conceituais que contam histórias complexas e poderosas utilizando diversos recursos narrativos e musicais. 

Assim, em 2022 o grupo lança The Night Traveler , o segundo trabalho de estúdio e continuação conceptual do seu álbum de estreia que nos coloca na pele de um humano que, após atingir um estado mental de enteléquia, é convidado ao planeta Saiph. 

Neste local, ele aprenderá sobre o potencial de transformação da razão e da consciência, mas também sobre a omissão de emoções e sentimentos, que o farão enfrentar um conflito interno e externo que será o motivador da história. 

Encounter , como o início de um filme, subtilmente induz-nos a embarcar na nave e embarcar numa viagem pelos limites da consciência humana rumo ao planeta Saiph. 

Tema introdutório de Godspeed que deixa cair seu peso instrumental para começar aos poucos e criar expectativa através de uma guitarra versátil, mutável e expressiva. Uma voz aguda muito condizente com a intensidade apresentada injeta uma sensação de poder que remete à jornada luminosa e épica. A empolgação do protagonista por embarcar no caminho para um planeta misterioso e desconhecido é perfeitamente expressa musicalmente, principalmente com uma mudança que traz uma seção de jazz.

Naive Wonder é a recepção calorosa ao planeta inexplorado que é acompanhada por uma melodia taciturna que convida a relaxar e contemplar a noite desconhecida. 

Canção First Night In Saiph que expressa o fascínio causado pela descoberta de um novo mundo para o protagonista, com muitas coisas acontecendo diante de seus olhos. A força das guitarras está presente com precisão e intenção, deixando-se apreciar a execução vocal e a comunhão dos restantes instrumentos. Entre mudanças de ritmo e diferentes secções (algumas mais serenas e outras mais técnicas) constrói-se uma faixa progressiva com ares de frescura.

Peça explosiva de Sense Of Entity que se apresenta com um riff complexo e pesado. O confronto de ideais entre o humano e os habitantes do planeta Saiph está presente, criando um embate de visões sobre a gestão das emoções e da razão. A mudança que acompanha o solo é enérgica e memorável, injetando uma dose de intensidade que expressa perfeitamente o conflito, ainda apresentando fortes vocais guturais que adicionam um toque de surpresa muito eficaz. 

Noetic Epiphany imediatamente explode com a mesma intensidade comandada pela bateria e seu eletrizante chute duplo. Uma confissão ligada ao primeiro álbum muda a perspectiva do humano sobre os Saphians e transforma sua aventura em um dilema que pode até mesmo colocar sua vida em perigo. As transições e mudanças são tratadas com total controle pela guitarra, mas também pela base rítmica que mostra grande presença, principalmente o baixo que brilha no topo, fechando a música. 

Geometric Desert é um interlúdio que procura criar um pouco de calma no meio da tensão mental e da saturação sensorial resultante dos estímulos do novo planeta. Arpejos suaves e explosões tensas de distorções procuram neutralizar o momento de crise vivido pelo humano na história. 

Non-Place é o desejo humano de retornar à terra, imperfeição e tudo, isso é comunicado com uma peça tranquila que enfatiza a voz e sua capacidade de mostrar emoção e transições diretas. Pequenas seções de teclado dão uma nova dimensão sonora ao núcleo instrumental que reencontra sua força e significado no violão. Uma música que poderia se encaixar como uma balada poderosa que adiciona um ingrediente variado ao álbum. 

Sonic Mirages vai a mil revoluções de riffs e solos, sendo uma música avassaladora em que o protagonista é induzido a uma viagem sinestésica que altera e viola seus sentidos. Destacam-se a força da bateria e sua execução de bumbo, assim como a destreza com que cada nota da guitarra é tocada. 

Fugindo de The Alien Cold após tentar escapar e ter acesso aos textos do planeta Saiph, o humano é perseguido e preso pelos guardiões deste mundo. A guitarra e o seu estrondo apresentam momentos de intensidade que se equilibram com outros de serenidade contemplativa que ressurgem gradualmente com distorção e força. O acoplamento da voz com a pulsação dos instrumentos é memorável, assim como os solos de guitarra que mostram sua habilidade e habilidade de forma brilhante. 

The End Of The Night Traveler o final épico da história coloca o humano em uma fuga em que sonhar é a única forma de retornar ao seu mundo, por isso ele fará o impossível para retornar ao navio e buscar o sono eterno. É um encerramento e parece um, com o melhor dos riffs, solos, mudanças de ritmo e transições, sendo o destaque o dueto guitarra-voz. Uma delícia para todos os amantes do prog, pois é uma composição bem montada que oferece momentos técnicos impressionantes, mas também seções emocionais e serenas.

The Night Traveler é um álbum intrépido e proposital que, de mãos dadas com um manejo marcante de elementos progressivos no seu melhor, consegue criar um trabalho interessante e bem elaborado que aposta em ser algo grande e complexo. 

Com riffs dinâmicos, solos frenéticos, mudanças surpreendentes, seções envolventes e uma voz poderosa, Lemniscata coloca a técnica a serviço da construção e desenvolvimento de ideias musicais, fazendo deste álbum uma jornada atraente que é sustentada por composições sólidas comprometidas com o que buscam ser e expressar. 

A história se joga no reino do abstrato e reflexivo, o que faz com que o ouvinte decida o quanto quer se envolver com o pano de fundo narrativo, se quer se aprofundar e acompanhar o humano na jornada filosófica ou se apenas decide ficar na superfície; Seja qual for a sua escolha, você certamente se encontrará em uma experiência de audição divertida e desafiadora com um DNA progressivo que encanta os sentidos e, embora reminiscente de sons familiares, também parece novo e moderno.

Lemniscata é: 

Guitarra e Teclados - Yeyo Fernández

Guitarra e Baixo - Alberto Mayorgas

Bateria e Percussão - Luis Ruiz

Voices, Choirs, Concept & Lyrics- David Lázaro

Resenha: "A Day In My Consciousness", o incrível álbum conceitual de rock progressivo de Madrileño, Sergio Rivas (2023)

 

O guitarrista Sergio Rivas apresenta seu primeiro trabalho solo, "A Day in my Consciousness" lançado recentemente em 2023, e disponível em todas as plataformas digitais. O madrileno aqui assina composição, letras e produção, além de gravar vozes, guitarras e teclados. Um álbum conceitual de rock progressivo, cantado em inglês, e com colaborações de músicos incríveis da cena pop, rock e jazz, para criar algo notavelmente variado, técnico, melódico e épico, reminiscente de Steven Wilson, The Neal Morse Band. , Dream Theater ou Transatlantic, mas sempre com o seu toque pessoal. Toda a produção esteve a cargo de seu criador, e Pablo Villuendas se encarregou da mixagem e masterização. Podemos encontrar ao longo desta longa duraçãode pouco mais de cinquenta minutos, força, sensibilidade, tensão e vontade de contar uma história inesquecível. 

“Reflection” é a primeira faixa que nos leva a este portentoso trabalho. Deparamo-nos com uma introdução ambiente que vai aparecendo aos poucos e vai crescendo, somada a um violão com a voz já se apresentando, e isso nos dá o padrão de tudo bombástico que estamos prestes a presenciar. É um bom começo com o nome correto para nos identificarmos com um trabalho bem feito. Em seguida, "Abertura"Ela nos atinge com sua distorção intensa, seus cortes surpreendentes e o piano melódico de Alexis Fernandez contundente em harmonias épicas. Imediatamente, o baixo definido de Alfonso Sifo corta a música ao meio, intervindo com vários riffs sólidos. Um solo de guitarra apaixonado entra em cena para aumentar a intensidade e subir de nível. São sete minutos que avançam sem pestanejar e variam de grande categoria. Continuamos com "The Others" , que demora a entrar e aumenta a sua potência à medida que toca. Irene Valverde de voz impecável, faz sua majestosa aparição e se funde com a banda de forma excepcional. É uma balada ambiciosa que nunca vacila, e se torna ainda mais admirável com o solo no meio. A música ganha ainda mais significado 

"Gargantuan" é uma extensa jornada de gêneros e estilos naturalmente misturados. Influências de todos os tipos são percebidas e, realmente, vale a pena o passeio. É uma epopeia que vale a pena desfrutar, no meio de todo este material criativo, e com a participação de Javier Sanchez na guitarra manouche. A cada passo ela se torna mais poderosa, mais imponente e veemente, para chegar à conclusão, com autoridade e ímpeto. Autenticamente magistral. E assim, nos encontramos com "Legado", a bestialidade de mais de vinte minutos que nos ataca aos poucos, mas sem dó dos ouvidos. Com uma entrada furiosa, a voz meticulosa de David Ordás adapta-se na perfeição, reunindo-se com grande versatilidade. A bateria de Andy C., que há dezenas de minutos mostra o seu toque essencial, consolidou-se como um dos componentes fundamentais de tão prodigiosa composição. Cada uma das passagens cantadas e seções instrumentais são desenvolvidas de forma ideal para atingir tal magnitude musical. Obviamente, dá-se um respiro baixando os níveis de execução no final, mas não os níveis de ideias e certezas. Ele volta decidido, e as polifonias inevitavelmente se juntam para nos aproximar das últimas frases vocais. As eufonias mais marcantes aparecem sobrepondo-se umas às outras e dá-nos um final digno a todo este fluxo de magia. Por isso, com apenas quarenta segundos de duração,"Conclusão" fecha de forma fenomenal e delicada, este dia infinito dentro da consciência universal. 

Estamos diante de um projeto decisivo que provavelmente vai dar muito que falar, ainda mais com as apresentações oficiais ao vivo. É possível distinguir o grande nível de criatividade e inspiração, alcançado em cada parte selecionada para fechar as estruturas e bases. Há uma árdua tarefa também na mixagem, que, junto com a masterização, permite que possamos desfrutar de um material verdadeiramente profissional de estatura internacional. Assim podemos considerá-la como uma placa conscientemente transcendente, face a todo o trabalho que com tanto virtuosismo e dedicação se tem manifestado. Recordemos que Sergio Rivas, além de guitarrista profissional, é professor de guitarra e música em Madrid, artista colaborador da PRS (Paul Reed Smith Guitars), Ex-membro de Los Barones (fundadores da banda Barón Rojo) e Sinfonity (Electric Guitar Orchestra). Além disso, ele participa de Tina the musical (Stage Entertainment) Teatro Coliseum, e Momo (Tributo ao Queen endossado por Brian May). Adicione a tudo isso, como representante espanhol do Copenhagen Guitar Show 2017. 

The Ocean Collective anuncia seu novo álbum "Holocene" para 19 de maio novamente inspirado na paleontologia

 

A banda alemã de pós-metal e metal progressivo continuará a deliciar-nos com mais uma série de álbuns inspirados nos primórdios do nosso planeta Terra.

A declaração deles:

Apesar de um ano agitado de turnês, encontramos tempo para concluir nosso novo álbum e, após uma longa odisséia mixando e masterizando (sobre o qual falaremos quando chegar a hora), não poderíamos estar mais felizes com isso. Holocene fecha o capítulo de nossa série de álbuns inspirados na paleontologia e apresenta uma mudança de marcha em direção a sons eletrônicos, enquanto explora novas profundidades de sons mais pesados.

Phanerozoic II terminou com uma faixa intitulada "Holocene", que apontou na direção do que estava por vir, tanto conceitual quanto musicalmente. A faixa Holocene termina abruptamente, mas se conecta perfeitamente com o início do novo álbum, os sintetizadores de "Preboreal", que lançamos como primeiro single há duas semanas. Este é apenas o começo de uma jornada que, mais uma vez, terminará em um lugar bem diferente de onde começou...

Holoceno" é um adendo aos álbuns Fanerozóico e Pré-cambriano, ou o capítulo final e conclusivo, tornando-o uma quadrilogia, se preferir. Aborda a época do Holoceno, que é o capítulo atual e mais curto da história da Terra, mas é essencialmente um álbum sobre desgosto, alienação, perda da razão e do pensamento crítico, ascensão de teorias da conspiração e desconstrução de valores no era moderna.

Ao mergulhar em nosso próprio DNA musical, fizemos um álbum mais intimista e cativante do que os anteriores. Um álbum com o qual desafiamos a nossa rotina de composição, um álbum que não prevíamos que chegaria, mas do qual nos orgulhamos imensamente. 

POEMAS CANTADOS DE CAETANO VELOSO

 

A Mulher

Caetano Veloso

Lá vai ela
Lá vai a mulher subindo
A ponta do pé tocando ainda o chão
Já na imensidão
É lindo
Ela em plena mulher
Brilhando no poço de tempo que abriu-se
Ao rés de seu ser de mulher
Que se abriu
Sem ter que morrer
Todo homem viu

A Outra Banda da Terra

Caetano Veloso

Amar
Dar tudo
Não ter medo
Tocar
Cantar
No mundo
Pôr o dedo
No lá
Lugar
Ligar gente

Lançar sentido
Onda branda da guerra
Beira do ar
Serra, vale, mar
Nossa banda da terra é outra
E não erra quem anda
Nessa terra da banda
Face oculta, azul do araçá

Falar verdade
Ter vontade
Topar
Entrar
Na vida
Com a música
Obá
Olá
Brasil
Tá que o pariu
Que gente!

Cantuária e Holanda
Maputo, Rio
Luanda, lua
Nossa banda da terra é outra
Canadá, Jamaicuba
Muitas gatas na tuba
Dos rapazes da banda cá
Gozar
A lida
Indefinidamente
Amar

OVERULE EDITA O TERCEIRO SINGLE DO NOVO ALBUM… “PERDIDO EN MADRID”

 

Overule edita o terceiro single do seu novo album, intitulado “Perdido en Madrid. A música conta com a participação do rapper Madrileño, J Battle que escreveu e deu voz a este Reggaeton de veludo, ou como os mais entendidos diriam, Neo Perreo!

O tema deambula pelas “calles” de Madrid pregando aos ventos um eterno amor, agora perdido, mas como a esperança é sempre a última a morrer, há uma réstia que ele possa voltar e renascer das cinzas!

Mais uma sequela nesta série de lançamentos para Dj Overule nos próximos meses, com destaque para o seu novo album de originais “Hustle Days Rave Nights”.

“Esta próxima série de lançamentos combina os meus próprios gostos pessoais com estilos de dance music atuais, estou a tentar misturar estilos de uma forma sem precedentes, tentando trazer uma nova e inovadora abordagem para a forma como componho e produzo música. A ideia também passa por editar cada vez mais músicas que se insiram facilmente em DJ sets e nos meus shows ao vivo.” Dj Overule.