Johnny Cash tocou gerações de pessoas por cinco décadas em todos os gêneros musicais.Se você é novo emJohnny Cashou deseja se aprofundar em sua variada carreira musical, aqui estão alguns ótimos lugares para começar.
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"American Recordings"
Em 1994, Johnny Cash foi dispensado por sua gravadora e as rádios country não tocavam sua música. Mas o produtor de rap Rick Rubin não estava ouvindo as tendências do "país jovem". Ele sentou Johnny com um violão e um gravador e nada mais. Esta magnífica coleção é o resultado.
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"American IV: The Man Comes Around"
Esta é uma coleção deliciosamente excêntrica de capas excêntricas e originais de Cash que continuam o legado de Cash com estilo e graça impressionantes. Este disco pode atrair apenas os fãs hardcore de Cash, mas não importa, pois parece que nessa idade, Johnny Cash está fazendo músicas de que gosta; não é country, não é rock, não é folk, mas é tudo isso e muito mais.
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"At Folsom Prison"
Johnny Cash na prisão de Folsom não foi a primeira vez que Cash se apresentou em uma prisão, mas foi a primeira vez que uma dessas performances impressionantes foi capturada em uma gravação. Cash está no seu melhor, peculiar e divertido, enquanto dirige seu show diretamente para os homens em seu público, dando-lhes o topo das paradas "Folsom Prison Blues" com aquela introdução memorável e duradoura, "Olá, eu sou Johnny Cash. "
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"At San Quentin"
Este é Cash no topo de seu formulário. Tocar com todo o show de Johnny Cash, incluindo a esposa June, as Carter Sisters, os Statler Brothers e Carl Perkins, é uma delícia do começo ao fim.
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"Carryin' On with Johnny Cash & June Carter"
Lançado originalmente em setembro de 1967, "Carryin' On with Johnny Cash and June Carter " é surpreendente mesmo com os padrões atuais. O casal divertido realmente brilhou nesta coleção.
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"Essencial Johnny Cash"
Este é um dos lançamentos em comemoração aos 70 anos de Johnny. É a primeira vez que quatro décadas de gravações são incluídas em um pacote. São 36 músicas das gravações da Sun, Columbia e Mercury, e é puro prazer sentar e ouvir cada uma delas.
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"Fabulous Johnny Cash"
As canções conhecidas incluídas neste álbum são: "Don't Take Your Guns to Town", "Walkin 'The Blues" e "Oh What A Dream". Adicionadas às doze canções originais, estão seis faixas bônus para adicionar algo especial à coleção. "Mama's Baby" ajudou na forma de The Jordanaires.
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"Highwayman"
Pegue quatro das figuras mais importantes da música country e combine-as: Johnny Cash, Waylon Jennings, Kris Kristofferson, Willie Nelson. Juntos, eles estão fazendo história. Em 1985, quando a música country caiu tanto que mal podia ser ouvida, essas quatro tradições brilharam novamente, como sempre fizeram, simplesmente fazendo boa música country.
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"Hymns by Johnny Cash"
Este não é um álbum gospel tradicional. É um verdadeiro álbum country e as músicas simplesmente são gospel. A fé de Johnny era inabalável, e seu coração e alma foram derramados na música. Ele incluiu algumas canções animadas, outras canções têm letras que são profundamente comoventes, e uma ainda tem o estilo narrativo da canção que Johnny fez tão bem.
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"Ragged Old Flag"
Esta é uma excelente coleção de canções country de Cash, apoiada apenas por Carl Perkins, Ray Edenton e Larry McCoy com ajuda vocal de The Oak Ridge Boys e um pouco de banjo de Earl Scruggs na faixa-título. Se você é fã de Johnny Cash, precisa ter este álbum. Se você é um novo fã, esta é uma bela coleção que mostra as composições dinâmicas de Cash.
A capa do álbum, estrelada pela pornstar Janine Lindemulder vestida de enfermeira, e a contracapa com os três integrantes de cueca prestes a serem examinados por ela, nos dão uma prévia do que vamos ouvir: despreocupado, divertido e impudência, muita coragem.
Dizer que 'Enema of the State' foi o álbum que colocou o Blink 182 no mapa musical seria um erro, seus trabalhos anteriores 'Cheshire Cat' (1995) e principalmente 'Dude Ranch' (1997) com o single 'Dammit' , eles ganharam um nome e um público fanático por seu trabalho. No entanto, 'Enema of the State' foi o álbum que os catapultou diretamente para o sucesso e reconhecimento internacional. Este terceiro álbum, o primeiro com Travis Barker a controlar a bateria, marcou a passagem do género punk-rock para o punk-pop, estilo em que foram reis durante muitos anos.
'Enema of the State' é um disco que se veste de falsa inocência, escárnio e jovens skatistas dos anos 90 que conseguiram cativar os mais diversos públicos. Suas letras e videoclipes seguem um estilo casual e politicamente incorreto que, para muitos, conseguiu torná-lo o melhor álbum da banda. A virada musical que veio com este terceiro álbum trouxe consigo a perda de alguns fãs, mas também a chegada de muitos outros de forma massiva.
Em pouco mais de 30 minutos, os californianos mostram que vivem a música e a vida do jeito que querem, rindo de todos, inclusive de si mesmos, independente das consequências. Desgraças amorosas que acontecem na adolescência foram tema recorrente em canções como 'Dumpweed', 'Don't Leave Me' ou 'Going Away to College', mas também tiveram tempo para falar sobre teorias alienígenas em 'Aliens Exist' e casais liberais em 'Mutt'.
O álbum estava carregado de singles que contavam histórias típicas da juventude de forma carismática e diferente, mas três deles foram os que revolucionaram as paradas, em parte graças ao apoio da MTV: 'All the Small Things', 'What's My Idade de novo? e 'A Canção de Adão'.
O videoclipe de 'All the Small Things' usou o sarcasmo e a ironia para criticar e demolir a atitude das estrelas pop mais famosas da época, como os Backstreet Boys ou Britney Spears, entre muitos outros. As imagens eram uma paródia atrevida e muito ácida da cultura pop, mas este é o Blink-182, então eles deixaram claro seu humor pessoal ao se criticarem também no videoclipe.
'Qual a minha idade mesmo?' Foi o single que mais teve essa nova influência pop presente, por isso é uma das músicas que os fãs que aderiram em 1999 mais gostam. Com seu videoclipe eles queriam chamar a atenção, e cara eles fizeram: colocar Janine Lindemulder como protagonista e mostrando os três membros do grupo andando e brincando nus foi o suficiente para torná-lo, senão o mais famoso, um de seus vídeos mais lembrados. Nessa música, eles contaram as complicações enfrentadas pelos jovens de 20 anos, que são instruídos a se comportar com a idade, mas o que isso significa? Para os californianos é fazer o que querem e se divertir, como sempre.
O terceiro single de maior sucesso do álbum foi 'Adam's Song', uma música que se afastou completamente do tom despreocupado do grupo e mostrou que eles também podiam ser sérios e escrever letras mais maduras. A música fala sobre ter problemas, mas não de qualquer tipo, mas daqueles que te levam a uma depressão profunda onde a única saída parece ser o suicídio. Diz-se que a música é inspirada na nota de suicídio real de um menino, também que é uma música "amaldiçoada" e é por isso que eles não a tocam desde 2009, a única coisa que sabemos com certeza é que a nível sentimental é é uma canção que atinge as profundezas de si mesmo.
Com 'Enema of the State' o Blink 182 deu vida a um álbum que serviu para representar toda uma geração de jovens que se sentiam incompreendidos e perdidos na sua fase de mudança. O mundo queria que eles fossem adultos e eles ainda queriam se divertir. Além disso, incluía hinos musicais que ainda hoje são lembrados e característicos de uma época. Seja em versão física ou nas plataformas online , vale a pena ouvir novamente o álbum que marcou o caminho para o grupo.
A visita da turnê “The End” ao Estádio Nacional mexeu com nossas memórias e restaurou a vontade de ouvir os discos históricos do Black Sabbath e, também, os de Ozzy, com mais carinho. Com mais de 40 anos no metal e 70 discos de platina, Ozzy Osbourne é um dos maiores da história do rock, mesmo tendo sido demitido da banda que o tornou uma referência. Certamente com alguma raiva e muita vontade de fazer boa música, decidiu que aqueles anos como solista não seriam em vão e são vários os exemplos que sustentam esta máxima. Aqui separamos um deles: “Ozzmosis”, obra que aprimorou em 1995 junto com Geezer Butler no baixo e Deen Castronovo na bateria; Rick Wakeman nos teclados e Zakk Wylde na guitarra também estavam lá. Não haverá gigantes como "Crazy train" ou "Mr Crowley" em termos de esquema típico:
Tudo começa com “Perry Mason”, uma ótima música. A introdução é bem original, com teclados perturbadores que simulam um som de violino. Ozzy canta relaxado e com uma luxuosa base de guitarra (o solo dele é fantástico), e o refrão é tão cativante que mais de uma pessoa disse, na época, que a música era mais glam porque você não conseguia parar de cantarolar o refrão. A faixa é bem completa, potente, a bateria impressiona. Um clássico de sua discografia. “I Just Want You” se destaca entre as demais por sua excelente melodia vocal. O solo é bem original e mostra uma instrumentação trabalhada. “Ghost Behind My Eyes” soa mais calma, não bate de frente com o que ouvimos até agora, mas é como uma pausa e passa mais despercebida.
“Thunder Underground” tem mais personalidade, onde se destaca o riff de Wylde, que faz um trabalho de joalharia com aqueles sons realmente apelativos. O refrão se destaca pela produção. Outro grande momento é “See You on the Other Side”, som da gravadora Ozzy. Uma balada que soa como “Mamãe, estou voltando para casa” porque tem aquele ar sulista de alto nível. O tema é bastante mágico e as letras não ficam aprofundadas. Continuamos com "Tomorrow", que é impressionante, uma jóia. As melodias brincam com o clima dark, marca registrada da casa! Há muitas guitarras e um bom trabalho de Wakeman nos teclados. O solo é high-end, com sonoridades experimentais que foram bem montadas permitindo que Wylde se exibisse; Aqui é mostrado que Ozzy sabia quem estava no seu melhor e estava acompanhado por eles. Mais um clássico deste “Ozzmosis”. A próxima é “Denial”, aquela que parece saída da trilha sonora de um filme de terror; A voz do Osbourne torna espetacular e tem um riff muito bom que permite uma mudança de ritmo, bom Zakk.
Até agora, o estilo Vai não apareceu, mas a melodia de “My Little Man” é muito próxima da do guitarrista. Essa proposta é mais triste que as outras, mas o solo é maravilhoso.Após essa pausa, Zakk volta à briga com “My Jeckyll Doesn't Hide” que é claramente mais metal; é um chute forte, com algum trabalho de Castronovo de ponta e uma guitarra afiada. Faixa muito boa. Desaceleramos com uma emocionante balada: “Old LA Tonight”. Com um início de piano, apresenta-nos uma proposta cheia de nuances que soa muito “Goodbye to Romance”. Há um solo sonhador, que provoca sentimento mas também tem velocidade. Zakk novamente pontilhando os i's.
Em algumas edições remasterizadas foram incluídas duas faixas bônus: “Whole Worlds Fallin Down”, com um riff muito poderoso e um Castronovo sólido. E “Aimee”, uma balada muito interessante com piano e teclados.
Dois discos multi-platina, um disco de platina, um disco de ouro e críticas bastante negativas da imprensa da época, que afirmava que Ozzy estava se afastando de seu lado mais duro para cair nos truques de uma produção muito cuidadosa. Em “Ozzmosis” as canções são longas e o andamento médio impera, incluindo algumas baladas (muito sólidas) e onde não há filler. Embora esta descrição nos afaste do Ozzy que se conheceu nos anos 70 e que de facto esta foi uma viagem para um estilo mais elaborado e menos pesado, o álbum nunca perdeu a sua quota de escuridão.
Embora a imprensa não tenha comemorado, "Ozzmosis" conseguiu escalar e se posicionar como um dos clássicos da discografia solo de Ozzy. Um álbum importante, ao mesmo tempo, porque cumpriu duas funções essenciais: voltou a colocá-lo no topo das paradas, o que significou restabelecer sua validade. E ainda, serviu para expor o Príncipe das Trevas como um artista que se encontrava em estado de máxima expressão musical mas também criativa, pois um ano depois viria a fundar o Ozzfest, estabelecendo um espaço ideal para a revitalização do género metal e permitindo a nascimento e difusão de novas bandas, que continuariam a cimentar a paternidade e influência dos ingleses.
O metal gótico encontrou aqueles que tinham a varinha mágica. A banda de Halifax escreveu as regras para um estilo que tocava com metal extremo através de inspiradoras atmosferas góticas, um estilo que estava em um renascimento no início dos anos 90. Essa foi a proposta de Paradise Lost, uma combinação musical sombria relacionada a temas de danação e morte (especialmente em seus dois primeiros álbuns) mas que foi se suavizando até atingir o ponto culminante de sua evolução, nesse estilo, com o álbum "Draconian Tempos".
Esse trabalho começa forte, com uma ótima música como “Enchantment”. A estrutura do tema leva-nos por caminhos especiais, recriados por alguns riffs de “marca da casa”. O enfeite são lindas notas de piano, que criam uma atmosfera extraordinária e transportam o ouvinte em uma viagem lúdica que adorna todo o disco. "Hallowed Land" é uma das melhores canções, marcada por riffs espetaculares e mudanças de ritmo, tudo acompanhado pela voz de Holmes, que faz tudo fluir graças às suas mudanças de tonalidade.
O álbum não pára e com “The Last Time” temos uma das propostas mais rápidas, pautadas por ótimas baterias e, como é constante ao longo do álbum, enormes riffs. A base instrumental é harmoniosa, cativante, com um belo solo para o final. A velocidade vai ao contraponto com “Forever Failure”, uma música que lembra mais os seus primórdios, com muitos toques de doom e ótima letra; há boas guitarras e a bateria dá aula para uma música simples, mas eficaz. A voz de Holmes permeia tudo e o ouvinte embarca em mais uma viagem estereofônica. A música tem uma ótima atmosfera, começando pela letra que faz referência ao uso de drogas e álcool; a melodia é acústica combinada com a interpretação instrumental vocal e lírica.
“Shadowkings” traz-nos o melhor Nick Holmes do álbum, mostrando todas as facetas da sua voz, perfeitamente suportada por riffs de ritmo médio que prendem qualquer ouvinte; o final é tremendo. Mais um intervalo encontramo-nos em “Elusive Cure”, uma música guiada pelo baixo e com o melhor Mackintosh do disco. Com belas harmonias e uma entrega rápida ao ouvinte, a música agrada muito pela perfeição vocal.
E a qualidade continua. “Yearn for a Change” permite descobrir um dos tons mais agressivos da voz de Holmes, além de apreciar como a banda tem tanta versatilidade para se mover em diferentes ritmos e tons. Tema tremendo, cheio de harmonias e guitarras cativantes, vozes poderosas e bateria perfeita. Muito perto do doom está “Shades of God”, uma música que dá nome a um dos seus discos anteriores e que segue a linha do anterior, com muita qualidade. Continuamos com “Hands of Reason”, uma canção melancólica que baseia a sua eloquência na grande interpretação de Holmes.
O final do álbum é perfeito, com muita melancolia, muito doom e mais exibições da eficácia dos músicos. “I See Your Face” (a música mais sombria do álbum) e “Jaded” permitem-nos terminar esta jornada sem cansaço e com eficácia. Graças ao "Draconian Times" a popularidade da banda aumentou, que chegou a ser headliner de importantes festivais. Este é um ótimo álbum, escondido entre todo o emaranhado grunge e nu metal de meados dos anos 90, e ainda ajudou a elevar o grupo acima de várias outras "estrelas". É verdade que é um álbum mais comercial e acessível, mas ao mesmo tempo esbanja qualidade em cada uma de suas tremendas composições, que geram um clima único e são capazes de provocar diversas reações. melódico e melancólico
The Winery Dogs volta aos ringues com seu terceiro full lenght denominado simplesmente "III", após seu último material em 2015 e 2017. Mantêm seu som característico, lembrando um pouco o espírito de seu primeiro álbum, sem a necessidade de criar excessivamente canções virtuosas e rápidas. , e sem perder sua energia brilhante, execução sólida e estrutura polifônica contundente. Tudo vai na medida certa, com trechos bem desenvolvidos e trabalhados. Neste álbum, nem tudo são brilhos e fogos de artifício, mas o que é certo é um groove bem medido em tudo o que é composto e produzido. A maturidade deles é sentida em cada música, e eles certamente estão comprometidos, focados e determinados a fazer mais música com todas as suas influências e estilos fundidos. É uma sincronicidade natural que foi criada com muita vontade e iniciativa. Isso sim, Eles nos mantiveram com uma expectativa imensa durante todos esses anos, não só por mais músicas, mas por sua turnê mundial, que está prestes a começar. Seu terceiro álbum é um retorno bem-vindo ao rock e aos estilos melódicos aos quais nos acostumamos, obviamente com algumas surpresas de blues também. Eles se entregaram ao jogo do improviso e da experimentação, curtindo cada aspecto de sua formação e isso se destaca em cada etapa deste magnânimo novo álbum.
Na primeira parte, "Xanadu" é a faixa introdutória precisa para conhecer o som característico da banda. Quem quiser saber como anda cada composição desse trio, pode colocar o início de todos os álbuns. Eles não podem ser melhor desenvolvidos como já foram. Uma máquina de esmagamento de rocha fácil de esmagar para qualquer ouvido disposto. Talvez consigam fechar todos os concertos com esta música, mas é uma escolha difícil, visto que há muita música para digerir. É sem dúvida um corte conciso, forte e contundente com um ritmo contagiante. "Mundo louco"Não fica nada atrás, já começa com um riff enérgico e poderoso. Quando a bateria e o baixo entram, desencadeia-se um turbilhão de múltiplas eufonias dignas de um pogo agressivo para acompanhar, é incrível como conseguem manter uma atmosfera precisa para chegar a cada refrão. Parece nunca vacilar, a dinâmica é avassaladora e mantém você atento a cada medida. A letra definitivamente convida a cantar e cantar até o fim. E nem é preciso dizer que os solos de guitarra, onde quer que estejam, se fundem com o exigente groove. Aqui, Billy fecha com uma improvisação poderosa e escaldante. Sublime.
Agora, com “Breakthrough” temos uma entrada mais calma, mas não mais intensa depois. Mudamos um pouco o ritmo, para curtir o conjunto com refrões suaves e apertados em cada seção que for necessária. Por vezes mergulhamos naquela magia criada há mais de dez anos, que se mantém intacta, claro, com a respetiva evolução, tanto a nível composicional como sonoro. Não há descanso para quem busca um movimento acelerado em cada nota, riff e batida. Já podemos ouvir e assimilá-lo com “Rise”, um turbilhão de flashes polifônicos em cascata. Um trabalho que já intuímos pode funcionar tanto em estúdio como ao vivo. Ele consegue sacudir todas as células do cérebro para que você possa se divertir. Há golpes por todo o lado, um baixo que não fica parado, (e que sabemos que nunca o fará a não ser que um silêncio o exija) e há acordes contundentes que preenchem cada espaço harmónico. A força imposta acompanhada pelo bumbo consegue castigar profundamente seu tímpano sem piedade. As quatro cordas deslizam com fúria e velocidade, as seis cordas se harmonizam com muita distorção e charme. Enquanto isso, a voz é imersa em climas cada vez mais dinâmicos. Uma bestialidade.
“Star” nos atinge com força, os efeitos desempenham um papel importante para dar um toque de suspense e terminar logo nos primeiros versos. Estamos acima de um mar de nuances bem selecionadas. A estrutura é confortável, e já estamos viajando na mensagem revelada: “Tenho estado em estado de dúvida, não sei se estou dentro ou fora. Não diga que eu o decepcionei, ou que eu sou o motivo. Talvez nós dois esperemos muito tempo? Fizemos uma tempestade que não conseguimos conter.” Realmente se torna uma viagem imensa, não só por todo esse processo seletivo, mas pelo majestoso solo de guitarra. Uma odisséia, que percorre cada acorde com habilidade e emoção. O mesmo acontece em "A Vingança", que te prende desde o início, com uma sequência massiva entre cortes sólidos e invasivos. A voz ataca detonando cada seção com supremacia e imponência. Apesar de ter uma base dominante atrás, ele sempre se mantém na frente. De fato, cada passagem é definida de forma a causar um impacto certo em sua transição. As texturas variam conforme os versos permitem, e se intensificam se cada frase assim o exigir. Magistral. Ou soberbo, como “Faraó”, que se apresenta com suas falas na clave de fá, certamente um alerta para te manter acordado. Sempre há espaço para se descontrolar e tremer um pouco, cada instrumento mostra isso. Há liberdade em todos os lugares, e as cordas vocais de Ritchie aproveitam para gritar um pouco mais. A performance mantém-se atenta a como tudo se vai desenvolvendo, isso se sente, têm vindo a traçar pautas neste momento, a testar as coisas que ficam e as que não ficam.
“Gaslight” derruba você mentalmente se alguém se distrair por um segundo. Todo o virtuosismo é exposto para demonstrar que levam tudo adiante com elegância e melodia. O pedal duplo Mike ressurge mais uma vez para acompanhar e se juntar ao baixo, aos riffs e ao andamento rápido. Uma tempestade voraz de expressões compostas, desenvolvidas para quebrar tudo em seu caminho. Basta parar um pouco em “Lorelei” , única balada, e criada em um compás composto. Acrescenta-se o falsete natural do vocalista, aquele a que já estamos habituados. A vocalização sempre em seu estado emocional e embelezado como a conhecemos. Ritmos em seis colcheias arranjados à medida, com os respetivos solos para nos afundar na temperança de uma interpretação sublime. Interromper é claro"O Vinho Tinto" , levando-nos ao fim deste caminho bem percorrido. Pode ser que apenas dez temas não rendem para todos, mas são mais do que cumpridos e sem desperdício. Realmente, não parece ter chegado ao fim, mas fica uma espécie de convite para ouvi-la ao vivo, no palco. Os refrões se destacam com força, e cada acento marcado junto talvez desencadeie nostalgia. Estamos em fase de encerramento, e ideias que parecem não ter fim estão chegando ao fim.
Até agora você pode perceber essa verve gestada em Mr. Big sem dúvida. Ideias que ressurgem ou que perduram no tempo. Talvez Transatlantic também tenha deixado essa marca lá no fundo, como Poison. Radiâncias que transcendem devido a essa química única alcançada por três. Impossível não distinguir personagens daquela época, ou seria absurdo não relacioná-los. Eles estão definitivamente lá, quer haja alguém que acredite nisso ou não. O álbum foi mais uma vez produzido por todos os três e mixado por Jay Ruston através do selo Three Dog Music do grupo (via Burnside Distribution/The Orchard). Podemos ousar dizer que muitas coisas foram gravadas enquanto as músicas estavam sendo escritas. Muitos concordarão que a mesma coisa está no ar. Possivelmente foi uma reunião em um lugar notável, para brainstorm, ou algum tipo de criação como eles fizeram no passado. Tudo soa muito fresco, relevante e, acima de tudo, com sua marca característica.
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