O líder da banda norueguesa Sirenia, Morten Veland, liberou hoje nos streamings e clipe no youtube, o single ‘The Hourglass’, 2ª faixa do novo trabalho “The Covid Aftermath Sessions“, de seu projeto paralelo Mortemia.
A canção conta com a cantora Ambre Vourvahis ao microfone, frontwoman da banda germânica Xandria.
Morten disse sobre sua convidada:
“Estou orgulhoso e honrado em receber @ambre_vourvahis / @xandria_official como minha convidada especial para ‘The Covid Aftermath Sessions’. Essa música se chama ‘The Hourglass’. Ambre tem uma voz linda que combina perfeitamente com essa música. É uma faixa muito melódica e atmosférica com alguns elementos sinfônicos também. Eu me sinto verdadeiramente privilegiado e grato por ter Ambre a bordo deste projeto, e estou realmente ansioso para compartilhar esta música com todos vocês. A música estará disponível em todas as plataformas digitais no dia 5 de maio de 2023.“
Ambre agradeceu:
“Estou muito feliz por fazer parte desse projeto maravilhoso, sempre fui fã do @sireniabandofficial e amei o primeiro álbum do Mortemia em 2010… quem diria que eu iria cantar uma música para ele hoje! E que música, adorei desde a primeira vez que ouvi. Morten sabia exatamente o que se encaixaria na minha voz – eu simplesmente amei gravá-la e fazer parte dessa aventura com todos essas cantoras incríveis. Obrigado Morten pela confiança.“
Antes de iniciar este projeto, intitulado “The Covid Aftermath Sessions”, o multi-instrumentista, produtor e artista norueguês Morten Veland quebrou 11 anos de silêncio do seu projeto solo Mortemia, desta vez com um conceito totalmente novo. ‘The Pandemic Pandemonium Sessions’, uma série de singles lançados mensalmente, cada música apresentando um cantor convidado bem conhecido e de alto perfil da cena do metal, até agora os seguintes cantores contribuíram:
Em 1988, a ascensão da MTV e os videoclipes foram a chave de entrada para muitas bandas que queriam oferecer novas propostas de todos os tipos. Entretanto, os históricos, aqueles que há uma década tocam e criam ritmos de primeira, também foram convidados para esta festa organizada por novos membros desta nova cena world music, que exigia muito mais visual e parafernália.
Nessa época, o Iron Maiden já era um gigante no cenário do rock, apesar de ter superado obstáculos pelo caminho. Já em seu álbum de 1986 "Somewhere in Time" eles introduziram sintetizadores, o que significou uma mudança paradigmática na proposta de uma banda de metal, seguida e adorada, mas que abriu portas para a criação de outros estilos sem deixar completamente a era pesada. E seguindo este caminho, em 1988 surgiu “Seventh Son of a Seventh Son” , um álbum que viria a culminar um período de considerável experimentação, libertação do puramente pesado do género e que os aproximaria de um novo público, de a tão esperada renovação.dos torcedores.
A perfeição deste “Seventh Son” reside na combinação equilibrada da “história” do Maiden, com a criatividade acentuada em algo mais progressivo, voltado para o público que seria jovem nos anos 90.
“Seventh Son…” é um conceito em si porque há uma linha comum completa nas letras; há uma narrativa muito bem plantada que faz com que as cartas funcionem como uma história, mas também reconhecidas individualmente. A produção é muito mais suave do que o normal para o Maiden, há sintetizadores novamente, alguns teclados até e instrumentais longos. “Moonchild ” começa com acordes suaves que de repente o envolvem no poder daquelas gloriosas guitarras, desta vez acompanhadas por teclados. O refrão é uma criação perfeita, a garganta de Bruce atinge um nível épico e as gargalhadas no final são uma grande contribuição.
"Infinite Dreams" é protagonista do álbum, talvez a melhor música. Os solos e as melodias vão e vêm acompanhando um Dickinson muito inspirado, força demais na voz, emoção pura, interpretação brilhante para uma letra poética; o tema é metal totalmente progressivo. “ Can I Play With Madness” soa mais comercial, mas a letra é uma excelente história. “The Evil That Men Do” tem um prelúdio muito emocionante quando o selo Maiden invade: aquela cavalgada de guitarras cheias de poder e rock clássico; os riffs e as guitarras estão vivas a cada momento, e o refrão talvez seja um dos melhores da discografia de La Doncella, com uma força avassaladora que realmente te arrebata com sua melodia cativante.
“Seventh Son of a Seventh Son” demonstra a ambição de propor uma composição diferente, cheia de camadas, de nuances. Há uma composição complexa, a percussão mostra um grande trabalho colaborativo, ao nível dos coros são alongadas, exigindo o máximo do vocalista, que passa depois para uma espécie de recitação suave que decanta num dos momentos mais salváveis da O álbum; o retorno repentino àquela carreira de guitarras, todas virtuosas, com solos poderosos que nos remetem a um bom momento instrumental, cheio de harmonia e rock. "E nada aconteceu aqui" diz o tema, claro! Se depois disso tivermos que nos beliscar para acordar e ficarmos atentos. "A profecia"é bem diferente, é dinâmico, e tem uma acústica que te hipnotiza, mas em adição e subtração é uma das músicas que você menos lembra. “The Clairvoyant” é uma música muito louca, com uma força perceptível no refrão. “Only the Good Die Young” soa nostálgico, elegante, com o baixo de Steve protagonizando após o grande solo anterior ao dele, porém, é estranho que tenham decidido fechar um disco de metal com um tema tão melódico (mesmo atrelado ao comercial ).
Após a turnê com este sétimo filho, ficamos com um sentimento de genialidade. No balanço final, o álbum foi super influente para muitas bandas que queriam continuar recriando a força do metal, mas também aderindo às novas correntes que seriam donas dos anos 90, principalmente. "Seventh Son of a Seventh Son" tem clima mas uma produção muito branda para uma banda lendária dentro do metal, e talvez seja compreensível porque seria o último álbum deles dessa fase mais experimental, tanto que a partir daí eles só queriam voltar à sua essência. Uma paragem no caminho da qualidade, que ao longo dos anos foi triturada e analisada à lupa de quem não gosta da “traição” do metal. Um Seventh Son que como proposta progressiva é perfeito, tendo em conta as notórias mudanças que o rock iria experimentar nos próximos anos.
Quando Rick Rubin abordou Johnny Cash e se ofereceu para gravar em seu estúdio, muitos não podiam imaginar qual seria o resultado dessa experiência. A saúde de Cash estava piorando, ele era mais uma estrela do passado, inacessível às novas gerações que simpatizavam com a oferta do metal e do grunge. Cash já era um colosso, seu legado era lendário, portanto, era muito curioso que um homem já imortal diante dos americanos, quisesse se aventurar e merecesse mais atenção. Mas havia sangue jovem para conquistar com as últimas gotas de criatividade e charme do homem de preto. Qual seria a fórmula de sucesso para esses volumes chamados " americanos"? Nada além da voz impressionante de Cash acompanhado de seu violão.
Escrever sobre os americanos é um longo caminho e para um ouvido muito educado musicalmente. E nesse contexto, essa coleção produzida por Rubin tem sido a chave para que os jovens abram a porta e voltem pela vida de Johnny Cash , e descubram tantas preciosidades, assim como foi para mim descobrir a própria genialidade quando ouvi "Na prisão de Folsom", por exemplo. Pero volviendo a lo que convoca, quisiera enfocarme en el volumen V de los Americans llamado “A Hundred Highways”, editado en 2006, y el primero sin el cantante vivo, por tanto, sólo su música, y ahora de verdad sería así, hablaría por ele.
American Recordings Volume V soa melancólico no balanço, e é uma boa maneira de interpretar como a lenda viveu seus últimos dias: abraçando a gravação de cada música como terapia para sua dor física e emocional. Ele já estava muito doente, mas, como muitas vezes, essa foi sua melhor fonte de energia para dar ao álbum a chancela de enfrentar as adversidades apenas com sua música.
Tendo isto em conta, há canções que, por isso mesmo, se ouvem carregadas de emoção. "Eu nunca pensei que precisava de ajuda antes..." é a música "Help Me", de Larry Gatlin, que abre o álbum de uma forma bem emotiva porque parece uma oração, um apelo a algo maior que ele mesmo... como se o próprio álbum fosse um caminho que precisava de ajuda para ser percorrido e finalizado. “God's Gonna Cut You Down” segue esse ritmo solene, parece que está profetizando a música. "Like a 309" é uma descrição adequada do caixão que o espera viajando de trem, uma música que ele escreveu para o resto, com letras cheias de força e uma mensagem chocante, enquanto "If you Could Read My Mine" é tudo ao contrário e parece um sussurro, um pedido de calma que reforça a ideia fantasmagórica das falas;
Não havia espaço para versões dos anos 90, ao contrário do resto dos americanos ; talvez a melhor nessa linha seja “ Further On Up the Road ” de Bruce Springsteen , mas apesar da genialidade do Boss e toda sua maravilhosa E-Street Band , eles não conseguiram entrar em sintonia com a vida que Cash lhe dá .a esta música. Para recuperar, continuamos com a poderosa “On the Evening Train”, e é aqui que junta forças com outro gigante do country como Hank Williams e nos deixa com esta música poderosa e cheia, onde há muito mais do que apenas um trabalho, há é virtude.
Outro novo tema e pedra angular da coleção é " I Came To Believe " que soa tão simples, calmo, e cuja mensagem é focada em um ator central na vida do artista, Deus.
“Love's Been Good To Me”, “A Legend in My Time”, “Rose of My Heart” e “Four Strongs Winds” equilibram muito bem o álbum, destacando-se a sua voz crua, que dá todo o peso ao trabalho. Fica claro que o Volume V subiu ao topo, assim como seus predecessores. O toque final é dado por “I'm Free from the Chain Gang Now”, de grande beleza, um tema sublime e completo.
Sem Cash vivo, Rubin encarregou-se dos detalhes, que cuidou com esmero, demonstrando diligência nessa tarefa. Este “A Hundred Highways” tem uma qualidade majestosa e, tal como nos restantes volumes, estão incluídos covers, temas originais e regravações de qualidade. Cash fez suas as canções e ergueu-se como verdadeiro protagonista, transmitindo a dor que o consumia, mas contando com a sua voz, a produção cuidada de Rubin e a sua guitarra para deixar um manifesto musical, mais um pedaço de história cheio de qualidade e criatividade.
O melhor é que isso não seria tudo, porque 4 anos depois viria à tona outro americano , volume VI, “Ain't No Grave”, com uma força ainda mais avassaladora e que só nos diz o quão órfã era a música . , e os fãs, desta figura elementar.
Free Love, ao fim de algum tempo, torna-se numa adição para os nossos ouvidos. Mal acaba a derradeira faixa do projeto, temos vontade de ouvir tudo do início e arranjamos todas as desculpas possíveis para dançar, nem que seja por um bocadinho.
Amelia Meath é responsável pela voz e Nick Sanborn é responsável por toda a parte instrumental. Os dois artistas formam a dupla Sylvan Esso e, para além disso (… e mais importante do que isso…), formam também um lar. Pois é: Amelia e Nick são casados (deram o nó em 2016), e o que os uniu desde o início foi a música. Nós gostamos destas histórias.
Em 2012, Amelia era cantora backup de Feist, e foi nesse sentido que acompanhou a artista canadiana na sua atuação na edição do Coachella desse ano. Pouco tempo depois, Amelia avisaria Feist de que a iria «abandonar», de modo a seguir os seus próprios projetos musicais. Foi nesse contexto que Amelia e Nick, que já se conheciam há sensivelmente dois anos (de acordo com os próprios), começaram a fazer música e, pelo meio, se apaixonaram. Numa entrevista recente a Feist, a artista indie recorda essa época com um sorriso e uma gargalhada ainda maior: «She’s like, ‘Yeah, I think I’m in love. And we’re going to make a wicked record! (…)I remember her being like, ‘It’s sort of electronic music and he’s going to make beats and I’m going to sing and it’s going to be massive and amazing.’».
Free Love é o terceiro álbum de originais do duo eletronic-pop Sylvan Esso. Lançado no passado dia 25 de setembro, sucede a What Now, que, em 2017, foi nomeado para o Grammy de Best Dance/Electronic Album, num ano em que foi Flume a levar esse trofeu feito de restos de disco balls para casa.
Estamos perante um trabalho manifestamente curto, de apenas 29 minutos distribuídos por 10 canções, no entanto, o que não lhe falta é energia e eletricidade. O processo de audição de Free Love é veloz, as faixas sucedem-se umas às outras rapidamente e a voz de Amelia, entrelaçada nas criações eletrónicas de Nick, é presença constante. Ficamos com a ideia de que Amelia Meath aproveita todos os momentos deste registo para cantar, descansado apenas nos períodos pontuais, mas intensos, em que os beats de Nick ganham vida própria.
Existe sempre uma sensação de equilíbrio entre as tarefas dos dois músicos. “Ring”, a segunda faixa do LP, é um bom exemplo disso, sobretudo nos refrões. “Ring” é, aliás, um dos bons momentos de Free Love, mas não é, naturalmente, o único.
As faixas seguintes, “Ferris Wheel”, “Train” e a potente “Numb” assumem contornos mais elétricos, dançáveis e, de certa forma, hipnotizantes. Estas passagens são intensas, estão cheias de apontamentos pop e projetam, na nossa cabeça, a vida noturna de uma cidade iluminada a neon lights, onde a vida não para e as pessoas caminham pelas ruas dançando loucamente.
Free Love, ao fim de algum tempo, torna-se numa adição para os nossos ouvidos. Mal acaba a derradeira faixa do projeto (“Make It Easy”), temos vontade de ouvir tudo do início, e arranjamos todas as desculpas possíveis para dançar, nem que seja por um bocadinho. Não nos podemos esquecer, porém, de que essa é uma situação típica de álbuns deste género musical, no entanto, em Free Love, esse desejo é mais forte (talvez porque a química quente que vive entre Amelia e Nick provoca isso em nós?).
O álbum começou a ser montado no início de 2019. Naturalmente, há um ano, todas as questões com que lidamos hoje em dia não passavam de meras distopias. O termo «Covid-19» não existia e as palavras «confinamento» e «distanciamento» eram usadas noutros contextos. Os Sylvan Esso não puderam imaginar que Free Love iria ser lançado nas condições que agora conhecem, e também não tinham como adivinhar que os temas abordados ao longo do álbum iriam fazer tanto sentido num mundo profundamente diferente.
O álbum acaba por abordar vários momentos das relações e convivências humanas – o amor, sobretudo. Num momento de magia, essas relações convergem para a sexta faixa do álbum, “Free”, fonte de inspiração do título do projeto. “Free” é um apontamento musical muito bonito: o poema que sustém a canção é bonito, a voz de Amelia é bonita e a progressão musical da faixa é bonita, até acabar abruptamente, como se a cantora, com vergonha, tivesse sido apanhada por alguém a cantarolar.
Seguem-se “Frequency” e “Runaway”, que voltando, a dar energia e movimento ao álbum, preparam a chegada de “Rooftop Dancing”, uma das músicas mais interessantes de 2020, se tivermos em conta tudo aquilo que fomos obrigados a viver durante os últimos tempos.
Como qualquer outra canção sobre Nova Iorque, “Rooftop Dancing” traz essa forma citadina até ao interior dos nossos sentidos, dando-nos a sensação de que estamos, efetivamente, em NY, num parque soalheiro, junto ao Hudson, ou no terraço de um típico prédio nova-iorquino. Esta é uma faixa alegre, cheia de esperança e que faz com tenhamos apenas vontade de dançar, sorrir e viver.
Os Sylvan Esso são autênticas fontes de eletricidade e todos reconhecem que a música que a dupla produz é rica em energia. Apesar de ter sido um trabalho pouco inovador, Free Love foi muito bem recebido pela crítica, sobretudo porque é difícil não gostar da relação que a banda estabelece com os seus seguidores. A comunidade de fãs que Amelia e Nick formaram ao longo dos últimos anos está com certeza desejosa de, num futuro próximo, poder estar junto da banda num concerto ao vivo, onde não dançar será proibido.
Os Thirty Seconds To Mars, formados pelos irmãos Jared e Shannon Leto, acaba de lançar o seu mais recente single “Stuck” pela Concord Records.
Este novo single propulsivo estabelece as bases para uma nova era dos Thirty Seconds To Mars.
O single é acompanhado por um vídeo que celebra a forma humana, o design minimalista, a moda de alta costura, a arte e a dança. Cheio de energia, o vídeo centra-se num elenco incrivelmente único de personagens que interpretam a canção com movimento, metáforas e ações.
O sexto álbum de estúdio do grupo, “It’s The End Of The World But It’s A Beautiful Day”, será lançado em setembro. Cinco anos após o lançamento do álbum, “America”, os Thirty Seconds To Mars começam a lançar nova música como nunca antes. Ao longo da sua carreira, a banda continuou a esforçar-se para evoluir e expandir os seus horizontes. O seu novo foco é ser simples e conciso, sem canções com mais de três minutos e meio e uma ênfase na voz emotiva e direta de Jared.
Alinhamento de “It’s The End Of The World But It’s A Beautiful Day”:
Em vésperas dos concertos de apresentação de “Gótico Português” na Culturgest em Lisboa (12 de maio) e gnration em Braga (20 de maio), os Glockenwise lançam um vídeo para a “Margem”, a primeira canção do novo disco da banda de Barcelos, lançado em fevereiro deste ano.
“Há um Portugal a fervilhar na margem, abundante em manifestações culturais interessantes e bizarras, rico e diverso em tradições visuais e orais. Onírico, criativo e surpreendente. Há um Portugal esquecido na margem, sedento de representação, mas obstinado, que se arregaça para ocupar de forma inventiva o vazio deixado pelas carências materiais, culturais e metafísicas.” [citação da banda retirada do comunicado enviado à imprensa aquando do lançamento de Gótico Português].
Realizado por Ana Mariz, e tendo a artista Barcelense Juliana Julieta como principal protagonista, o vídeo foi parcialmente rodado no Museu de Lamas, espaço que serviu como umas das inspirações para a estética visual e emocional do “Gótico Português”.
Sobre o vídeo a realizadora esclarece: “Pareceu-me que esta junção, entre as imagens documentais e as filmadas neste espaço místico – que nos trouxe o Museu de Lamas -, poderia ser uma forma interessante de falar sobre este processo de tentar encontrar uma memória coletiva específica. Se por um lado tentei retratá-la a partir de ações (e não bibelots), por outro tentei retirar aos objetos utilitários a sua função e assim transformá-los em ícones, são objetos emocionais.”
Ópera rock em 3 actos, “Atum” marca o regresso dos The Smashing Pumpkins às edições.
“Atum” é a peça que completa a trilogia, iniciada em 1995 com “Mellon Collie and the Infinite Sadness” e continuada em 2000 com “Machina/The Machines of God”, e que traz até nós uma história interplanetária num futuro não muito longínquo.
Os The Smashing Pumpkins são Billy Corgan, James Iha, Jimmy Chamberlin e Jeff Schroeder
“Sleepin Soul” é o novo single de ELIS NEON, duo composto por Beiro e Fred Severo, desta vez acompanhados por Pedro Antunes na bateria. “Sleepin Soul” leva-nos pelo relaxante universo do chill-hop, numa mistura entre o acid jazz e o hip-hop, com uma textura sónica única e envolvente.
O novo single marca a segunda colaboração de ELIS NEON com Pedro Antunes, depois da sua participação na reinterpretação de “Cadáver”, retirada do álbum de estreia de xtinto
Os MeiaCura anuncia o lançamento do seu primeiro álbum, “Ritual”, em todas as plataformas de streaming, no próximo dia 12 de Maio. O concerto de lançamento acontece dia 20 de Maio no Auditório Municipal de Arruda dos Vinhos
“Ritual” descreve a nível artístico diferentes perspetivas dos processos envolventes de MeiaCura. O conceito do álbum, explícito e metódico (mesmo que abstrato e invisível ao ouvinte, com exceção a referências literárias e poéticas) não se limita a restrições quasi religiosas. A narrativa é a fonte abstrata que cria o universo musical e suporta as faixas como um todo. O álbum contou com Gravação e Mistura por João Oliveira e Masterização por Tiago de Sousa.
MeiaCura é um projeto de auto regeneração perante aquilo que enfraquece o Ser Humano, criado por Daniel Constantino (teclas, voz), Tiago Matos (teclas, voz), David Mourão (saxofone, percussão, voz), António Branco (eletrónica, percussão, voz) e João Tojeira (gaita de foles, guitarra portuguesa, percussão, voz). A banda combina influências da música portuguesa com jazz fusão, dance music, trance, funk, experimentalismo e World Music.
Siraiva acaba de editar um novo single, “O que eu descobri de ti”. Com música, letra e produção de Siraiva, esta canção conta ainda com a colaboração de Isabel Rocha, Mimi Sá Coutinho e Denise Machado nos coros. As misturas e masterização é assinada pelo produtor Vitor Silva.
“O que eu descobri de ti” é uma canção que reúne todas as características para fazer parte da sua playlist de Verão. É dançável, transborda felicidade, é fashion e sensual, é acima de tudo uma canção que durante 3 minutos nos transporta para o Universo do Siraiva.
Em constante processo de mutação, Siraiva apresenta uma abordagem diferenciada das tendências atuais da música portuguesa. Sempre em processo de atualização sistemática da sua sonoridade, selecionando as melhores influências dos anos 80 e 90 com o olhar posto na atualidade e no futuro, esta canção é uma lufada de ar fresco no que de melhor se vai produzindo de música eletrónica no nosso país.
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