CRONICA- JETHRO TULL | A Passion Play (1973)

 

Sob o disfarce de paródia, Thick As A Brick foi um bom pretexto para Jethro Tull se entregar ao rock progressivo, ganhando para eles seu primeiro hit americano No. Obviamente, era muito tentador para Ian Anderson repetir o experimento. Desta vez, porém, não se trata mais de se esconder atrás do humor e, embora mantendo o tom peculiar, A Passion Playvê o compositor assumir totalmente o slot Prog. Inicialmente, o grupo pretendia escrever e gravar no Château d'Hérouville, então tão popular entre seus compatriotas (Elton John e David Bowie na liderança). Jethro Tull será no entanto uma das desilusões do local (tal como o Fleetwood Mac alguns anos mais tarde) e fugirá dele, não guardando nada do que já lá tinha sido trabalhado. É, portanto, partindo do zero na Inglaterra que Anderson compõe as diferentes peças que juntas formarão as duas partes de A Passion Play , contando a história da viagem ao Purgatório, Céu e Inferno de um homem chamado Ronnie Pilgrim.

A primeira coisa que impressiona quando a primeira parte começa é o saxofone que substitui em grande parte a flauta. Ah, cuidado, esse volta pontualmente – e até bem rápido – mas o Anderson provavelmente está tentando aqui trazer algo novo para o som de seu grupo e, portanto, adicionar uma nova instrumentalidade (com a qual não encontrará nenhuma afinidade). O tom é mais escuro do que em Thick As A Brick, e se encontramos a associação guitarra acústica-vocal, algumas melodias ligeiramente medievais, a influência da música sacra também está muito presente, com o piano de John Evan a apoiar a voz alternadamente com a guitarra acústica. Veremos também instrumentais com leves conotações de jazz (o saxofone, sempre, mas também o baixo melodioso de Jeffrey Hammond). Para dizer a verdade, a peça demora um pouco para começar, os poucos vôos onde finalmente se ouvem a guitarra elétrica de Martin Barre e a bateria de Barriemore Barlow são rapidamente interrompidos para desacelerar o ritmo em favor dos vocais e da guitarra de o líder.

É óbvio que se a música é de qualidade, a fluidez e a inventividade de Thick As A Brick estão menos presentes aqui. A coisa toda parece mais forçada, mais pomposa, ao mesmo tempo que é muito sábia. Mesmo que alguns momentos de graça ainda nos iluminem (o início do Ato II, que vê o grupo se tornar mais presente), é óbvio que Gentle Giant não é quem quer. Provavelmente querendo redescobrir o humor peculiar de Thick As A Brick, Anderson – apoiado por John Evan e Jeffrey Hammond – colocou um interlúdio (“The Story of the Hare Who Lost His Spectacles”) narrado pelo baixista que inicia a segunda parte. Este monólogo absurdo sobre um fundo instrumental que evoca fortemente Monty Python parece algo deslocado e aumenta a sensação de trabalho desarticulado, até porque ainda é bastante longo (mais de quatro minutos). De repente, ficamos aliviados quando a peça real volta, especialmente porque esse início do terceiro ato é muito bem-sucedido musicalmente com atmosferas rítmicas e sonhadoras. Este terceiro acto também permite ter a guitarra de Martin Barre, mais uma vez muitas vezes retirada por Anderson, mais à frente. O último ato oferece um rock dançante clássico Jethro Tull com suas mudanças de ritmo,

Injuriado pela crítica, A Passion Play foi, no entanto, o segundo álbum número de Jethro Tull nos EUA. Porém, uma vez que não é costume, é aos burocratas que daremos razão (e ao público inglês que fez do álbum o menos bem classificado do grupo até então). O álbum mostra o início de um período mais oco para o grupo em termos de qualidade. Porque se não podemos negar uma certa ousadia e algumas boas ideias, o resultado geral está longe de chegar a Thick As A Brick, até pode parecer indigesto para alguns. Além disso, apesar do sucesso, o grupo não a tocará com muita frequência após o término da turnê, onde uma versão abreviada de "Thick As A Brick" continuará a ser tocada regularmente. Em suma, um álbum para reservar para aqueles que desejam descobrir mais álbuns dos anos 70 do Jethro Tull, mas certamente não é um daqueles para começar.

Títulos:
1. A Passion Play, part I(I. Act 1: Ronnie Pilgrim’s Funeral/II. Act 2: The Memory Bank)
2. A Passion Play, part II (I. Interlude: The Story of the Hare Who Lost His Spectacles/II. Act 3: The Business Office of G. Oddie & Son/III. Act 4: Magus Perdé’s Drawing Room at Midnight)

Músicos:
Ian Anderson: Vocais, violão, saxofone, flauta
Martin Barre: Guitarra elétrica
John Evan: Teclados
Jeffrey Hammond: Baixo, narração
Barriemore Barlow: Bateria, marimba, glockenspiel

Produção: Ian Anderson e Terry Ellis

CRONICA - COLOSSEUM | Restoration (2022)

 

Restoration é o primeiro álbum do Colosseum sem seu baterista-líder, o falecido Jon Hiseman, falecido em 2018. Hora de deixar o luto passar, então Clem Clempson, Chris Farlowe e Mark Clarke resolveram relançar a máquina. Sem Dave Greenslade, aliás, o único outro sobrevivente da formação do início dos anos 70 (que havia se reformado de 1994 a 2015 do mesmo jeito!), aposentado, ou Barabra Thompson, substituto de Dick Heckstall-Smith e viúva de Hiseman, que tem doença de Parkinson. Hiseman, precisamente, é substituído por Malcom Mortimore, efêmero baterista do Gentle Giant (o álbum Three Friends ). Obviamente, só nos restava a curiosidade de saber se os veteranos do Jazz Rock Progressivo inglês ainda tinham algo a nos dizer em 2022.

A introdução, “First In Line”, nos garante desde o início que o Coliseu está em boa forma e não parece se importar com o avanço da idade. Vôos instrumentais evitando o deboche técnico, mas servindo para enriquecer a peça. Mas acima de tudo notamos uma grande forma dos três anciãos que tranquiliza. Com seu grande riff, “Hesitation” nos lembra que Clem Clempson fazia parte do Humble Pie (e havia se candidatado ao Deep Purple). No entanto, não é um título de Hard Rock no sentido estrito do termo, pois também reserva momentos Jazzy Funk e Soul enquanto os solos de guitarra têm a fluidez típica dos mestres do Jazz Rock. Balada entre Blues e Soul, "Need Somebody" talvez seja um pouco cativante demais para realmente prender a atenção. Ao contrário, temos a impressão de que ela está ali para oferecer um momento de ternura aos casais de idosos que acompanham o grupo desde o início. Uma pena seguir em frente com outra balada, a Soft Rock "Tonight", bastante bonita, mas um pouco sábia demais para o Coliseu.

O grupo se recompõe com "A Cowboy's Song", um título Pop/Rock sobre o qual paira a sombra dos Beatles (excelente interpretação vocal de Mark Clarke) mas ainda tem um riff de guitarra incisivo que chega a nos chicotear em alguns momentos. Sem contar esses solos de guitarra sempre muito apropriados. A jazzística "Innocence" permite-nos apreciar o talento da nova recruta, Kim Nishikawara, que tem o pesado fardo de colmatar a ausência dos lendários Dick Heckstall-Smith (falecido em 2004) e Barbara Thompson (que nos deixou na início deste mês), enquanto na instrumental "If Only Dreams Were Like This", começando (e terminando) como uma balada calma antes de se transformar abruptamente em Jazz Rock raivoso (infelizmente rápido demais), é a guitarra de Clem (bem amparada por teclados de Nick Steed e sax de Nishikawara) que está em destaque. Depois destes momentos de tranquilidade, regressa a território mais Hard Rock com "I'll Show You Mine" onde a associação Clempson (que é definitivamente dotado para compor riffs bem sentidos) e Clarke fazem maravilhas na guitarra por um e cantando por cada um outro. Depois de um bom Blues que parece saído das favelas de Chicago ("Home By Dawn"), o álbum termina com "Story Of The Blues", um título de Blues Rock com o efeito mais bonito onde a guitarra de Clempson tem novamente seus momentos de glória .

Se alguns dos primeiros fãs vão lamentar que a típica faceta do Jazz da banda tenha sido um pouco retirada (seja em termos de bateria ou um saxofone menos onipresente do que no passado), os fãs de puro Rock e hard ficarão satisfeitos com este óbvio poder de Clempson. e Clarke. Certamente, teríamos passado sem algumas baladas que eram um pouco suaves demais para manter os momentos mais sangrentos ("Hesitation", "Cowboy's Song", "I'll Show You Mine" e "Story Of The Blues" em mente). ), mas é preciso admitir que esta nova versão do Coliseu, embora amputada por três membros emblemáticos, prova aqui que é perfeitamente certo existir.

Títulos:
1. First In Line
2. Hesitation
3. Need Somebody
4. Tonight
5. A Cowboy’s Song
6. Innocence
7. If Only Dreams Were Like This
8. I’ll Show You Mine
9. Home By Dawn
10. Story Of The Blues

Músicos:
Chris Farlowe: Vocais
Clem Clempson: Guitarra, vocais
Mark Clarke: Baixo, vocais
Kim Nishikawara: Saxofone
Nick Steed: Teclados
Malcom Mortimore: Bateria

War of Being – TesseracT: Primeiro single do novo álbum conceitual

 

Devo avisar que meu viés emocional em relação a essa banda e tudo que ela produz me leva a me esforçar para ser neutro: e sim, Tess é minha banda favorita. E claro, naturalmente haverá emoção e euforia antes do primeiro single da banda em 5 anos de intenso trabalho de estúdio e turnês. Claro, sem considerar as músicas "Rebirth" e "Hollow" que foram lançadas em 2022 em apoio à Ucrânia. 

War of Being: single e título do aclamado “T5”

Com uma breve mas intensa campanha de marketing, a banda inglesa removeu 100% de suas postagens nas redes sociais, adicionando imagens misteriosas com mensagens intrigantes todos os dias; que estão associados ao tema do novo álbum. E, por fim, anunciam que 12 de julho de 2023 será a data de lançamento do primeiro single que faz parte do álbum, que foi lançado em Music Video Premier no YouTube, em formato de videoclipe. Assim que lançado, a banda anunciou que o álbum se chamará "War of Being" e será lançado no dia 15 de setembro e que será o primeiro álbum conceitual da banda.  Da mesma forma, eles confirmaram uma turnê mundial, com convidados especiais (Intervarls, Unprocessed, Alluvial e The Callous Daoboys). Em breve eles confirmarão datas na América Latina. 

O single: 11 minutos de profundas paisagens progressivas 

O tema começa com um frágil e sutil fraseado de guitarra em F#, que se tornará a principal linha melódica do primeiro riff de todos os instrumentos. Em seguida, temos constantes mudanças de intensidades, onde a voz marcante de Daniel se entrelaça como protagonista desta peça; deixando espaços instrumentais onde a potência é mantida com mudanças tanto nos tons (agora em Bb), quanto nas técnicas de dedilhado (posterior uso de tapa e notas fantasmas nas cordas; mostrando um fraseado semelhante ao da introdução de Lament do nosso querido álbum One ) . 

Já chegando aos 5 minutos, a predominância é vocal, onde brincam com diferentes efeitos nas vozes, demonstrando distorção, inquietação e poder de partir o coração. Da mesma forma - e transversalmente ao tema - a banda toca com bends constantes (notas esticadas para subir meio tom), demonstrando elementos semelhantes a Beneath My Skin. De tempos em tempos, a música fica mais atmosférica e calma, para depois passar por aqueles riffs sólidos e com uma estética única que costumamos ouvir de TesseracT. Ao final da música, a partir dos 8 minutos, começa a surgir um fraseado comovente, que se destaca pela beleza e suavidade que o timbre de Acle usa em seu violão, transportando a paisagem musical para o que The Arrow irradia .Sim. Lágrimas vieram aos meus olhos nos últimos 40 segundos da música. 

O videoclipe: uma narrativa cinematográfica de primeira 

Se o single se revelou o resultado de uma composição intensa e complexa, o videoclip que nos é revelado é de nível simplesmente cinematográfico e com um guião que promete ser fabuloso, aural e tremendamente envolvente e absorvente. Com animações feitas com IA e com a colaboração de atores, a banda nos mostra eles mesmos interpretando a música em uma superfície em ruínas mas com uma arquitetura geométrica bem premeditada. As cenas principais acontecem no contexto de uma luta entre dois samurais vermelhos e dourados, sob um céu espacial com um halo de luz passando por ele; e com um ambiente de fundo que demonstra destruição e caos. Uma cena com nuances apocalípticas onde o céu, conforme a trama se desenrola, adquire um belo e solene pôr do sol com uma lua intensamente alaranjada. 

Quanto ao enredo, na referida luta existe uma entidade mascarada que "controla" os movimentos (ou a vontade) do referido samurai; impedindo possíveis danos letais um do outro. Nas palavras de Daniel Tompkins, o conceito trata do seguinte: 

“War Of Being é uma luta pela aceitação, uma batalha pela existência e uma resistência contra o ego. É uma luta pelo controle enquanto atravessamos o ruído branco da realidade. É a necessidade de se conhecer e se identificar, de aceitar e compreender o que representamos e quem somos. É urgente 'arrancar a máscara' e revelar o seu verdadeiro eu”.

Em fim. Devo concluir que este single nos mostra que TesseracT está apostando em dar um novo significado à experiência de lançar um novo material. E estou certo de que este álbum estará inexoravelmente ligado ao enredo que nos é apresentado audiovisualmente. Se, porventura, for o principal ingrediente de tudo isto. Este não será apenas um álbum: é uma narrativa e uma experiência cinematográfica fora de órbita. Se exagerarmos na ideia: uma experiência multissensorial. Amos Williams refere-se a este novo projeto conceitual da seguinte forma: 

War Of Being abrangeu tudo para nós desde o final de 2019. Depois de voltar para casa depois de filmar PORTALS, me encontrei em um estado de espírito profundamente introspectivo. A escala de trabalho e a recompensa desse projeto tornaram isso inevitável. Nós apenas tínhamos que tentar ver até onde poderíamos levar um álbum conceitual com o TesseracT.

War Of Being' foi gravado no Middle Farm Studios no Reino Unido com Peter Miles (Architects/Sylosis/Dodie), co-produzido com Katherine Marsh do Choir Noir (Bring Me The Horizon / Architects / Marillion). Randy Slaugh (Periphery, Architects, Devin Townsend) se juntou à banda para ajudar na programação e produção adicionais. Com engenharia adicional de Forrester Savell (Karnivool). A obra de arte, que apresenta os personagens 'ex' e 'el' , foi criada em colaboração entre a IA e os humanos.

Crítica: "It All Began With Loneliness" de The Anchoret, um álbum de estreia revelação prog cativante pela sua frescura e proposta (2023)

 

The Anchoret, apresenta seu álbum de estreia "It All Began With Loneliness", lançado recentemente em junho de 2023 com Sylvain Auclair nos vocais, James Christopher Knoerl na bateria, Andy Tillison nos teclados, Leo Estaleles na guitarra e Eduard Levitsky nos graves. O álbum foi mixado por David Lizotte, masterizado por Tony Lindgren na Fascination Street e a arte da capa foi feita por Joseba Elorza. Este, um projeto de metal progressivo, que combina a sensibilidade do rock progressivo com a energia do metal moderno. Misturando instrumentos como saxofone, flauta, vibrações de mellotron e riffs pesados, o The Anchoret oferece um show sonoro único. Já disponível em todas as plataformas digitais.

“All Turns to Clay” não vai te deixar em paz, ela te mergulha em intermináveis ​​intervalos psicodélicos e texturas estonteantes que, até agora, acho que ninguém está realmente acostumado. No entanto, é um bom caminho, tendo em conta que esta é a pista mais longa. Impressiona sua ferocidade, com o bumbo que não descansa, e as mudanças que se sucedem sem trégua. “Unafraid” demora alguns segundos para começar, mas imediatamente um turbilhão de polifonias sobrepostas é desencadeado, penetrando nos ouvidos para se manifestar com total agressividade. A flauta volta a brilhar, e entre seções instrumentais vigorosas parece que não passou tanto tempo. Aproximamo-nos do fim apenas quando chega “Stay” ., a última música, onde um piano nos intercepta com tensão. A voz, mais uma vez, alcança sua brilhante interpretação, aliada a radiantes guitarras. Os últimos minutos de uma imensa obra que nos deixa como legado um solo abismal e uma balada definitivamente mágica. Uma conclusão digna de todo este trabalho colossal. 

Estamos aqui diante de um árduo material com múltiplas características, com diversas fusões artísticas de gêneros e estilos e, ainda, com todos os ingredientes para agradar qualquer amante do metal e da música extrema. Pela forma como foi pensado e idealizado, não há dúvida de que existe um grande, altíssimo nível de composição e produção. Quem quiser entrar num mundo de originalidade, vanguarda e experimentação será intervencionado com os riffs mais pesados ​​e as melodias mais marcantes. É um autêntico e indiscutível desafio intelectual que deve ser apreciado em todos os seus aspectos, que foram medidos em todos os seus detalhes. Não há perdas sonoras que não tenham sido corrigidas, muito menos barras sobressalentes que não tenham sido estudadas. Até agora este ano, um destaque imperdível para adicionar à sua biblioteca de favoritos. 

JAMES DOS REIS REGRESSA COM O SINGLE “FREE TO B”

 

James dos Reis acaba de lançar o novo single “Free to B”, uma canção sobre descoberta e liberdade em que o artista dá um passo em frente na sua afirmação pessoal.

Com uma sonoridade pop com fortes influências R&B, “Free to B” antecipa o EP de estreia do cantor, com edição prevista para o final deste ano. A letra é da autoria do artista e a música foi composta em parceria com o produtor diogo seis e o compositor Tyoz, conhecido pelas colaborações com Blaya, Madonna, Anitta ou Bárbara Bandeira.

“‘Free to B’ é o clímax deste EP, que tem sido um caminho em busca da minha verdade. Não foi fácil chegar até aqui. Venho de uma família tipicamente portuguesa e criola, em que os valores tradicionais, e diria também conservadores, nos moldam desde muito cedo. Sou um jovem negro do bairro, por isso, imaginem a coragem e estrutura que tive de construir para conseguir ser eu próprio e viver a minha liberdade de forma segura e com o respeito que isso merece”, revela James dos Reis

MIGUEL ARAÚJO EDITA NOVO SINGLE “LÁ VAI SOFIA”

 

No dia de celebração do seu 45º aniversário, o cantor e compositor Miguel Araújo revela o videoclipe do novo single, “Lá Vai Sofia”, o sexto a ser extraído do último álbum de originais “Chá Lá Lá” e que conta com a participação da icónica Orquestra de Praga.

O single faz-se acompanhar de um vídeo oficial gravado no Palace Hotel da Curía, no qual, para representar todas as Sofias a quem o artista dedica esta canção, foi convidada a atriz Laura Dutra.

Miguel Araújo explica que “a Sofia da canção anda sempre atrás de alguma coisa, provavelmente dela própria. Escrevi-a sobre uma Sofia verdadeira, mas de certa forma a Sofia sou eu, todos somos um bocado Sofia, andamos sempre a correr atrás de alguma coisa, provavelmente de nós próprios”.

DISCO ESTREIA DOS SITIADOS VOLTA AGORA ÀS LOJAS NUMA EDIÇÃO ESPECIAL EM LP DUPLO

 

Mais de 30 anos depois do seu lançamento, o disco de estreia dos Sitiados, esse álbum seminal na história da música portuguesa, continua a apresentar-se como uma obra actual e essencial para compreender a música pop/rock portuguesa.

O álbum “Sitiados”, editado originalmente em LP simples (tendo sido amputado de quase metade das suas músicas), volta agora às lojas numa edição especial em LP duplo, na qual se inclui pela primeira vez em vinil o alinhamento completo (16 temas) e ainda 5 dos extras que foram recuperados para a edição em CD de comemoração dos 25 anos, entre eles o clássico “A Noite”, versões embrionárias de “Vida de Marinheiro”, “Naufrágio”, “Rebuçados” (que só viria a surgir para o publico no segundo álbum) e ainda o tema “Euphoria” ao vivo.

Los Mexicanos de Lanth apresenta seu terceiro single "Belladonna" que explora a batalha que existe na conformação da identidade humana

 

“Belladonna” marca o terceiro single lançado pela banda mexicana “Lanth”, que constrói seu álbum de estreia em torno de um elemento conceitual, batizando as músicas com nomes de plantas. Com o desenvolvimento do tema lírico, não seria descabido antecipar que a obra final ligaria as canções sob uma ideia geral.  

Banda formada por Daniel Salín na guitarra, Moisés Vargas na bateria, Fernando Arteaga no baixo e Sergio Rodriguez na guitarra e voz, começam a filmar em 2022 com uma sonoridade influenciada por bandas icônicas como Radiohead, Pink Floyd, Opeth e Riverside, entre outros.

Após os lançamentos de "Laurel" e "Lycoris", o terceiro single foi lançado em 22 de junho deste ano, sete minutos que continuam a revelar as diferentes facetas de "Lanth". 

«Belladonna» apresenta-nos uma proposta musical a meio tempo, que se desenrola com mudanças de cenas e passagens acústicas. A música é meticulosamente construída com diferentes camadas de vozes que se entrelaçam de forma harmoniosa, encontrando-se algures entre a força de “Lycoris” e a melancolia de “Laurel”, captando a natureza multifacetada de uma planta associada ao perigo e à morte como tanto quanto com sedução e charme.

Explorando metaforicamente a batalha que existe na conformação da identidade humana. A música reflete a dualidade entre o que construímos conscientemente e o que é inerente à nossa natureza, convidando-nos a refletir sobre a luta interna que enfrentamos ao tentar equilibrar e conciliar essas facetas de nossa própria identidade.

A sequência de “Lanth” continua com mais uma prévia de alta qualidade, mantendo seu excelente hábito de complementá-la com um vídeo que pode ser encontrado em seu canal no YouTube, demonstrando sua dedicação artística ao proporcionar uma experiência completa para seus seguidores, combinando música e visual .numa apresentação inesquecível.

Com muita expectativa, aguardamos ansiosamente o lançamento do álbum completo, que promete nos mergulhar ainda mais nesse fascinante mundo das plantas transformadas em música.

Revisão: "Morituri Te Salusant" por HAL LABORATORIES, programa espacial de um gladiador cósmico

 

Depois de apresentar um incrível single de ficção científica inspirado no clássico de Stanley Kubrick 2001: Space Odyssey (1968), o projeto vanguardista chileno liderado por Gonzalo Escobar HAL LABORATORIES continua seu épico espacial através de um novo single intitulado Morituri Te Salutant. 

Depois de lutar contra as ilusões de poder de uma inteligência artificial, o protagonista de Hal 9000 enfrenta um perigoso gladiador cósmico em um coliseu espacial. Morituri Te Salutant era a frase que os gladiadores diziam a César pouco antes de deixarem suas vidas em combate e significa "Aqueles que vão morrer te saúdam". 

Um início sutil conduzido por notas de guitarra e pratos de bateria dá lugar a um saxofone quente e envolvente que se desenrola calmamente enquanto o baixo vem à tona, exibindo uma técnica exemplar que sabe trazer à tona todo o potencial expressivo do instrumento.

O tema se torna uma espécie de diálogo entre baixo e sax que flui naturalmente e se complementam de forma extraordinária.

O baterista marca presença com uma base sólida e versátil que se adapta e toma a iniciativa em termos de desenvolvimento e progressões. A distorção da guitarra chega em um momento culminante que aumenta a intensidade criando uma passagem altamente agradável. 

A naturalidade das transições tem um toque orgânico que faz com que cada peça do quebra-cabeça instrumental se encaixe em seu lugar de forma satisfatória, criando uma sensação que à primeira vista pode parecer contrária ao conceito por trás da música, mas que mostra que uma atmosfera calorosa pode ser uma arena de batalha semelhante. 

Morituri Te Salutant   é uma composição sólida que brilha sutilmente, irradiando uma vibração jazzística que não destoa do tema do espaço proposto, mas oferece um novo aspecto a ele, lembrando-nos o lado mais elegante e quente do cosmos.  

Já disponível em todas as plataformas de streaming.

Crítica do álbum: Kid Koala – Music To Draw To: Io

Como uma continuação do aclamado álbum de 2017 com um nome muito semelhante; Music To Draw To: Satellite , vem o último trabalho de Kid Koala, Music To Draw To: Io . Queremos mais do mesmo ou algo completamente diferente?

Nascido como Eric San, Kid Koala é um canadense de muitos talentos. Principalmente DJ e artista eletrônico, ele também é um romancista gráfico, que pode ter inspirado os nomes de seus dois últimos álbuns de estúdio. Mas como o álbum vai aguentar a audição, em vez de apenas música para atrair? Abrindo com uma faixa massiva e espacial na forma de “Circle of Clouds”, parece que Kid Koala criou essa varredura de frequência de sete minutos como um método de aquecer seu respectivo sistema de audição. Carregado com enormes loops de graves profundos e bips e assobios brilhantes, é simplesmente uma faixa ambiente muito isolada e melancólica - e define o clima perfeitamente.

Afastando-se do álbum pseudo-anterior, Io é consideravelmente mais sombrio e menos pop. Trocando a voz intrigantemente doce de Emiliana Torrini pela voz mais rica e doce de Trixie Whitley, parece que tudo caiu uma oitava.

Ao contrário do Music To Draw To anterior , há uma nítida falta de vocais em muitas faixas, permitindo que Kid Koala trabalhe sua própria mágica de paisagem sonora sem interferência vocal. Não que a voz de Whitley seja indesejável, é apenas impressionante ouvir alguém evocar tais sentimentos de impressão a partir de samples, sintetizadores e toca-discos.

À medida que avançamos no álbum para faixas como “Transmission 4”, é fácil ouvir como Kid Koala conseguiu se destacar do dilúvio de DJs comuns que permeiam todas as festas. Mas longe do homem de meia-idade que já teve um par de Technics antigos e agora cria listas de reprodução do Spotify na esperança de que alguém queira usá-las em seu próprio evento, San trata seus decks como instrumentos, em suas mãos hábeis eles realmente são instrumentos . Ao usar discos de corte personalizados, alterando o tom e a velocidade de notas únicas para arrastá-las, torcê-las e distorcê-las - San é capaz de criar sons que até mesmo dobradores de circuito como o talentoso Aphex Twin teriam orgulho de produzir. A engenharia é tão magistral quanto se espera também. Em faixas como “Lost At Sea”,

Apesar desta técnica de estúdio muito polida e bem executada, tudo parece pessoal e não apenas como uma produção de estúdio estampada de fábrica de nomes como Nashville. Cada faixa dá a impressão de que San não teria nenhum problema em replicar esse som em um ambiente ao vivo. De alguma forma, pegando faixas complexas e mínimas como “Transmission 5” e mantendo o som constante e preciso, apesar de toda a troca de discos e trabalho de pedal envolvido.

Apesar do background de DJ de Kid Koala, a sensação ambiente do álbum nunca parece monótona. As faixas parecem envolventes e quase meditativas. Eles são frios o suficiente para que você possa simplesmente colocá-los no fundo de uma atividade mais calma (a pista pode muito bem estar no nome ...) ou você pode ouvir com mais atenção cada nuance surpreendente. Com faixas como “Emuii”, mais detalhes são revelados a cada audição, recompensando você pelo seu tempo.

O álbum é um ótimo exemplo do trabalho do DJ como deve ser feito. Não vai agitar a Billboard dos EUA, ou ficar no topo de nossas próprias paradas, mas julgá-lo apenas por seus próprios méritos, e não pelo pop moderno ou mesmo pelos padrões de outros gêneros – e é realmente uma performance de destaque.