Registros de fábrica, 1980
O mundo da música e do rock está cheio de personagens cruciais e interessantes, mas sem dúvida um dos personagens que mais conseguiu nos atrair quase magneticamente é Ian Curtis e toda essa essência depressiva incorporada junto com Joy División. 'Closer' é sem dúvida um álbum musicalmente visionário e influente para as novas gerações do rock (seja alternativo, indie, new wave ou o estilo de que se penduraram, que já são vários nesta altura), mas também o que marcou este álbum foi claramente o suicídio deste menino de apenas 23 anos que encheu a cena de tristeza e melancolia. 'Closer' foi um álbum de referências literárias conscienciosas e com cartas de suicídio escondidas em todas as suas letras. Como se antecipasse o ato devastador que cometeu em 1980.
O disco - e todo o processo - veio em um momento difícil para Ian e dali em diante as coisas ficariam ainda mais sombrias para o - já sombrio - cantor. O diagnóstico de epilepsia do músico já havia sido anunciado e sua doença se agravaria ainda mais. Já estão contadas as vezes em que Peter Hook e Bernard Summer falaram sobre seus ataques e como tiveram que ajudá-lo mais de uma vez. Os remédios fortes começaram a provocar nele cada vez mais aquele sentimento de alienação da sociedade e de seus próprios companheiros, sua personalidade tornou-se cada vez mais íntima e sua relação sentimental devido ao mesmo foi se desfazendo aos poucos.
Se 'Unknown Pleasures', a boa estreia de há um ano quis reflectir aquela conduta punk e visceral da banda para terrenos mais artísticos, com 'Closer' o artista da banda revela-se claramente, apresentando um álbum de maior maturidade musical, com um grau abismal de sombreamento, mas grande ao mesmo tempo. As letras de Ian Curtis também eram um ponto chave, onde —e de forma quase infame— as letras depressivas refletiam tudo o que estava acontecendo, sim, cobertas por toda aquela poesia e citações literárias das quais Curtis era muito assíduo, quase
A literatura é imediatamente desmontada com 'Atrocity Exhibition', que tem como referência clara o romance de ficção científica de JG Ballard, muito semelhante em estilo à poesia de William Boroughs, de quem Curtis era declarado fã (ele teve até um infeliz encontro com o escritor em um ponto, onde acabou sendo insultado pelo poeta, para grande alegria e piadas de seus companheiros de banda), 'Colony' inspirado no conto gelado de Kafka mais muitas citações de músicas neste disco. Curtis sempre foi um leitor e estava determinado a descobrir outros mundos, o que realizou nas suas letras e nas músicas dos Joy Division, tentando enfatizar que a sua banda era um canal para outras dimensões artísticas.
A intensidade e densidade profundamente depressiva talvez seja o que separa esse disco de trabalhos do estilo na época, sem dúvida o estilo vocal barítono de Curtis ajudou nisso, mas também há um ambiente musical completamente dark, as letras são alimentadas por escritos desencorajadores sobre o constrangimento de um indivíduo, ou a quebra de tudo o que pode ser encorajador para um ser humano. O desastre pessoal de Curtis nunca foi refletido tão bem quanto em passagens claras do disco.
A referida 'Atrocity Exhibition' desvenda o sentimento de morbidez que Curtis cita, através de uma pessoa exposta num asilo condenada à solidão e ao sofrimento eterno, tudo sob um ritmo repetitivo de tambores, efeitos e intrusões dissonantes de guitarras. Em 'Isolation' pode-se dizer que os sintetizadores «aumentam» a animosidade do álbum, mas não, a letra é devastadora: «Mãe eu tentei por favor acredita em mim, estou a fazer o melhor que posso. as coisas pelas quais passei, tenho vergonha da pessoa que sou.» (“Mãe eu tentei, por favor acredite em mim, estou fazendo o melhor que posso. Tenho vergonha de quem fui, tenho vergonha de quem sou.”). 'Páscoa' fala sobre o vazio em que se encontrava em relação ao relacionamento com sua esposa Deborah Curtis.
Em 'Colony', pode-se dizer que temos o tema mais próximo do que se poderia chamar de "hit" ou single, embora sua frieza permaneça a mesma das anteriores, o autoquestionamento do porquê de estarmos neste mundo ou o que viemos fazer é simplesmente esmagador. Arranca quizá con algunos guiños a 'Interstellar Overdrive' de Pink Floyd, la canción mantiene un ritmo cabalgante, simple pero desconcertante al mismo tiempo, Joy Division sin ser experimental a un nivel extremo, sorprendía con cosas oscuramente enganchadoras, algo difícil de explicar, pero ai está.
A ideia de suicídio e o epílogo brutal que todo esse acúmulo de sensações teria pela existência de Curtis se reflete em canções como 'Twenty-Four Hours', 'A Means to the End' e "Heart And Soul", em este último reforçando a ideia de que não há salvação, pois o que será queimado será a alma ou o coração deliberadamente. Em 'The Eternal' e 'Decades', há a ideia dos soldados aleijados da guerra, a devastação, o holocausto, o sofrimento humano trazido de volta aos olhos e à mente de Curtis. 'The Eternal' é musicalmente superior ao conteúdo contundente e qualitativo do álbum, uma canção arrebatadora e essencial em termos do que esta incrível banda quer nos refletir.
A verdade é uma experiência e tanto, a letra realmente consegue transmitir uma sensação depressiva, muito mais significativa quando no meio do processo acaba com a vida de seu principal protagonista enforcado em sua cozinha. Um álbum para recordar? Sim, muito triste, mas também ajuda a entender sua mente devastada e em parte o que o levou a tomar essa trágica decisão, fato que fica claro no álbum, que sob os conceitos literários havia algo muito revelador e profético. É até um disco que pode mexer com alguma alma sensível por aí, é tão forte que tem que pegar com cautela, sério, sem exagerar.
Musicalmente, suas intervenções e experimentos iriam detonar em algo verdadeiramente promissor para as novas gerações: The Cure, Depeche Mode, U2, Radiohead são apenas algumas bandas que beberiam de seu legado, a ramificação de seu som expandiu-se enormemente e em a este ponto já não há espaço para isso, duvida que a sua influência musical e composicional seja latente no presente e que continue a sê-lo com muitas bandas que não param de representar o seu som de várias formas. Um álbum que se tornou cult, merecidamente, e permanece completamente imortal em nossas memórias, assim como a assombrosa imagem e talento do grande Curtis.
Registros épicos, 1994
A história do rock nos mostrou que grandes coisas surgem de processos tensos. Exemplos deixam isso claro, como a genial "Let It Be" dos Beatles gravada em meio a claras disputas de ego no que seria quase o epílogo da banda de Liverpool ou "The End of The Century" dos Ramones, em que até que o produtor Lunatic Phil Spector ameaçou Johnny Ramone com uma arma no que foi uma das sessões mais cansativas da história do rock. O caso dos Pearl Jam com "Vitalogy" não ficou de todo isento deste tipo de tensão, mas tal como os discos clássicos referidos, conseguiu sair por cima e é claramente considerado hoje como um dos melhores discos da discografia dos Seattle Musketeers .
Foi um momento um tanto opaco para um dos pilares fundamentais da banda como Stone Gossard, homem que fez parte de generosas contribuições para os aclamados dois primeiros álbuns do grupo, "Ten" e "Vs", mas desta vez não encontrou muito com a animosidade de ser o "governante" em termos de composição, razão pela qual o bom Eddie Vedder vem em socorro de sua banda e do disco, já se revelando plenamente como artista e gênio, sendo o principal compositor e capa negra gerador de ideias de álbum.
E claro, a capa, a embalagem, o design deste grande álbum diriam muito sobre ele e o conceito concebido, um álbum que foi influenciado pelo "estudo do ser vivo", o fim dos ciclos, o comportamento humano e as diferentes formas de sobrevivência que um indivíduo tem ao enfrentá-los. A ideia do livro tinha sua razão de ser, pois foi inspirada em um livro de medicina da década de 1920 que Vedder encontrou em um antiquário e que, aliás, tinha todo um outro mundo para descobrir, como o escrito mensagens que não faziam parte do mesmo álbum, como poemas obscuros na página "Aye Davanita" e em outros casos não há nem letra nas páginas correspondentes, ao invés de imagens de antigas torturas, processos medicinais retrógrados e até um Eddie O dente de Vedder aparece sob a lente de uma máquina de raio-x.
A rigor na música, já dá para perceber um certo ímpeto experimental, desde a abertura com aquela coisa meio-garage-jazz que antecede 'Last Exit' até seu fechamento equivocado cheio de sons e experimentações, conversas entre (verdadeiros) malucos em hospício e com grande número de minutos. Foi chocante, foi o 'Revolution #9' dos Beatles em sua melhor versão dos anos 90. Também esta coisa do punk direto, até ao osso, murchando, inunda-nos com os respetivos riffs e a potência de 'Spin The Black Circle', a ode por excelência ao rock vinil, com a ambiguidade de ser um tema de referência a drogas, como se para antecipar o que 'Not For You' nos quer entregar, uma das canções do álbum com aquela letra certeira: «Restless soul, enjoy your Youth», uma canção crua, direta, fria e agressiva, mas com um espírito tremendo. A luta interna de si mesmos para fazer parte do marketing e exploração das grandes empresas, falando para a juventude, uma questão representativa e polêmica, lembremos que o processo contra a Ticketmaster também surgiu nos dias de hoje, fato que os marcou profundamente. Nesta época a banda assumiu uma postura anti-comercial e em muitas passagens do álbum é retratada a luta interna contra a exposição na mídia e o fato de ser considerada uma banda tão mainstream, talvez a mais do bairro dourado de Seattle.
Esse tipo de vitalidade continua com canções tremendas que a banda conseguiu entregar para esta nova etapa de sua carreira: 'Tremor Christ', 'Whipping', 'Nothingman', 'Corduroy', essas quatro e também adicionando 'Satan's Bed' e ' Imortalidade' (que é um caso à parte, diga-se de passagem), concluem mais ou menos em algo parecido, com esse tipo de conceito de ciclos de vida e sofrimento potencializado por falta de jeito e mudanças radicais, 'Homem de Nada' fala de um mea culpa pelo fato de ter estragado uma relação sentimental, 'Corduroy' expõe de uma forma muito íntima e algo ambígua mais uma vez o tema da passagem de pessoas comuns a estrelas de rock ou 'Whipping', que se expõe ao nível do tema de protesto e petição que foi feita na época a Bill Clinton contra a questão do aborto.
Nesse processo outro fator fundamental para o que significou a realização do álbum foi a figura de Kurt Cobain no Pearl Jam, o líder do Nirvana faleceu no meio do processo de composição desse álbum, e marcou claramente um momento muito triste para os integrantes. do grupo, a admiração era clara: as declarações de Cobain contra o Pearl Jam foram tão decisivas para a banda há alguns anos que McCready, Vedder e companhia. eles questionaram se o que estavam fazendo era realmente certo. Mais tarde Cobain iria retratar suas declarações, sim, e eles até terminaram em uma espécie de admiração mútua com Vedder. Fala-se que 'Imortalidade' -que fala sobre o tema da morte irrefutável- seria dedicada ao músico loiro, mas a verdade é que já havia sido composta antes, sim,
A experimentação e a loucura que já exibimos com «Hey Foxymophandlemama, That's Me», poderíamos perfeitamente unir com «Aye Davanita», com esta coisa um tanto psicodélica, que serve de interlúdio, como 'Bugs', com o acordeão como principal arma e a digressão de um homem algo como um louco da rua falando que tem insetos por todo o corpo. Isso, no meio de tanto som mais cru fez desse álbum algo misterioso mesmo. Por outro lado, talvez este tenha sido O álbum dos Pearl Jam onde os solos de guitarra e aquele fator hendrixiano são deixados de lado, razão pela qual este álbum se destaca claramente das duas primeiras incursões do quinteto, mesmo já começando a dar o tom para o que O que aconteceria depois: deixar de ser uma banda tão imersa no segmento "grunge", para simplesmente se tornar uma banda de rock.
Sem ser um álbum conceitual «Vitalogy» se reunir elementos para um conceito bem pensado, a saída de Dave Abbruzzese na bateria marcou o processo do álbum e foi aí que Jack Irons (que até conseguiu gravar a bateria em «Hey Foxymophandlemama] entra em ação, That's Me"), fato que mudou a cara do grupo em um momento de grande pressão interna e externa. A grande graça de «Vitalogy» é que tem vida própria, representa o momento que a banda atravessava de uma forma muito honesta, no momento de maior pressão libertam a sua raiva através de canções e temas dedicados à sua resistência à comercialização e ao facto de se sentirem "vendidos", PJ sempre lutou com isso, também os temas, o seu design único e o seu som característico nunca foram de forma alguma igualados em nenhum outro álbum vindouro da banda.
Parlofone, 1995
“The Bends” dos Radiohead pode ser claramente enquadrado como “a transição necessária” da banda essencial, embora seja um álbum onde já havia sinais claros de evolução, esteve longe de surpreender o nível do grupo britânico com o seu magnum opus "Ok Computer" alguns anos depois. Através deste álbum, a banda já começava a mergulhar em outras direções, a atitude mais universitária de seu primeiro "Pablo Honey" foi deixada de lado em busca de um álbum muito mais voltado para a guitarra e ao mesmo tempo experimental, onde como se quase por força querem destacar-se das credenciais que lhes foram impostas pela comunicação social: estar no saco das bandas de brit pop do momento. Infelizmente para os britânicos, a imprensa e a indústria os mantiveram naquela caixa por muito tempo,
Havia também uma necessidade urgente - particularmente para seu líder Thom Yorke - de se distanciar de algo que os havia exposto aos olhos e ouvidos de todo o planeta: o ultra mega hit 'Creep', uma música que sem dúvida os lançou ao estrelato, mas que foi muito além do que Yorke e seus companheiros queriam para a banda: não ser uma banda 'maravilha de um hit', mas mostrar muitas músicas que poderiam equilibrar a pressão desse sucesso avassalador e encantar os ouvidos mais exigentes. Era o início da banda "terrestre" que conhecemos, a partir daí o mundo das orientações musicais não bastaria aos ingleses.
O melancólico combo de canções já endossava essa premissa: 'High and Dry' (mais tarde renegada como 'Creep' do próprio Yorke) não sendo estranha, já que a canção originou-se das sessões daquele contraditório «Pablo Honey", canção emblemática que paradoxalmente conseguiu para silenciar a obsessão do mundo com 'Creep' por um tempo. 'Fake Plastic Trees', uma das músicas mais espontâneas que saiu da cabeça de Yorke e que deu ainda mais crédito para a validade deste álbum. Adjetivos não faltam para elogiá-la: cativante e devastadora para citar alguns.
Mas há muito mais: 'My Iron Lung' é uma explosão vulcânica de guitarras onde a dupla Ed O'Brien e Jonny Greenwood já faziam o seu trabalho, o uso de pedalboards, amplificação inovadora e feedbacks estavam na ordem do dia, muito mais do que na estreia. Reinvenção nirvanesca? Deixemos os créditos para Radiohead, a grande canção que diminuem quase por um ato de heresia: "é uma canção, igual a anterior, uma total perda de tempo", como diz a letra. Quase como uma dedicação ao tormento que 'Creep' tem sido muito mais significativo hoje do que naqueles anos. Também 'Just' não faz nada de errado, provando que não só as belas melodias cabem nas cabeças das rádios, mas também muito soul e rock'n roll.
'Planet Telex' era o presságio de que algo novo estava acontecendo no início do álbum, suas reminiscências do som dos irlandeses do U2, embora sejam claras, quebram esquemas de qualquer forma, alimentadas por atmosferas em todos os lugares, onde muito importante papéis seriam cumpridos o produtor fundamental John Leckie e claro o engenheiro Nigel Godrich, o "sexto Radiohead" como tem sido catalogado assertivamente. A música soa tão focada que não há vestígios em lugar algum de que foi faturada após um dia de festa pelo quinteto, bêbado mesmo como conta sua história. A intensa 'The Bends' que dá nome ao álbum deixou marcas dessa desolação brutal liricamente falando, um claro meio termo mais existencialista do que crítico, que é o que aconteceria com a banda mais tarde em 'Ok Computer'.
A verdade é que é um disco onde havia muito mais a que se agarrar musicalmente, as orientações Pinkfloydianas iriam ditar tendências, nem mesmo do clássico Pink Floyd, mas daquele Floyd de discos mais experimentais como 'Meddle', de que Jonny Greenwood mais de uma vez citado como influência. 'Bullet Proof… I Wish I Was' poderia provar isso, uma música onde o próprio Yorke se critica por sua sensibilidade ao escrever para a banda. 'Sulk' passa pela mesma área com um Yorke mais "alegre" no momento de vocalizá-lo e as guitarras voltam a crescer muito intensamente para aumentá-lo nos momentos certos.
Foi um ponto intermediário, inserido no meio da era da explosão do grunge em Seattle e o lado britânico que estava em ascensão com coisas do Blur e do Oasis, conseguiu se separar de todo aquele estilo imponente e enfim uma influência clara para o indie rock, rock alternativo ou como você quiser chamá-lo desde o nascimento até hoje. É o álbum que identifica o Radiohead na sua veia mais "clássica", pois o que viria a seguir estaria totalmente fora de qualquer previsão, mas isso - logicamente - é suficiente para mais um Immortal Record.
Elektra, 1995
Há discos que só a distância das décadas permite apreciar o quanto sobreviveram à passagem das erosões musicais, ao súbito avanço de novos géneros e nuances sonoras que continuam a descortinar o horizonte da reinvenção. Este é um deles e acreditamos firmemente que poucos o alcançaram.
Com Brant Bjork tocando sozinho na época e Alfredo Hernández (Yawning Man) assumindo a bateria, a banda continuou a construir sua base, seu próprio som lo-fi stoner, do qual agora eles podem dizer que foram muito importante para o desenvolvimento. Eles estavam conscientemente tentando fugir do "grande" som que tinham em sua estreia em uma grande gravadora (Sky Valley/Elektra) e com a gravadora os empurrando na cara de que não tinham um hit com o último álbum, eles recuaram ainda mais para dentro de si mesmos e tentaram voltar ao início, às raízes. Tudo do zero, mas sim, com muito mais campo na carroceria; e sem menos menção ao nome do álbum, tanto porque em sua arte reflete a sensação de um território inóspito, onde outrora havia atividade, alegria e carnaval (sintoma epílogo),
A voz áspera e lisérgica de John Garcia, os riffs e solos de Josh Homme, e a forte seção rítmica de Scott Reeder e Hernández criaram algumas faixas inquestionáveis naquela árida forma e sabor stoner, talvez mais do que nunca a "gravidade" dos tons . em torno deste disco fez-nos mesmo pensar como é que conseguiam fazer barulho com maestria nas nossas cabeças mas como se tudo estivesse mal gravado, um ensaio, um jogo, ou simplesmente jams onde um dos melhores rapazes estava a fazer história.
Com faixas como aquela tempestade de areia chamada 'Hurricane' na entrada, a paciência insana para construir riffs e melodias dissonantes de 'One Inch Man', a densidade furtiva e ávida de ruído de 'Gloria Lewis ', a magnificência por trás de 'Phototropic' assim como ' Catamaran' , com uma sutileza zeppeliana misturada a um caos esmagador em curta duração ou aquela última música, 'Spaceship Landing' que dura pouco mais de 11 minutos e seu esvoaçante tema oculto que erraram em não destacar, assim como o hipnótico solo de abertura e estrutura de 'El Rodeo', que continua a trazer arrepios com seus riffs viciantes e tons de reggae mais lentos, para finalmente atacar com ondas sônicas estrondosas e apresentar uma de suas faixas mais pesadas e catárticas.
É verdade que existem outros discos do Kyuss mais valorizados , mas este último bastião dispensou a carreira do grupo nos anos 90 de cabeça mais do que erguida. Então, o que muitos de nós sabemos, todos eles se perdendo em direções diferentes (e apenas três meses depois desse álbum ter sido lançado), Homme foi quem se saiu melhor com o QOTSA, mas sem esquecer que juntos eram pura potência, com um desert rock bem pensado, arriscado, longe de tudo e que fez escola mesmo.
Typical Combo – Madam’ A L’He Ki Lé 1978
