MUSICA&SOM

segunda-feira, 2 de outubro de 2023

53ºAniversário Pink Floyd: Atom Heart Mother, 1970

Pink Floyd: Atom Heart Mother, 1970

With Roger Waters, David Gilmour, Nick Mason (Official), Richard Wright

Músicas para recordar

REO Speedwagon | Can't Fight This Feeling. 1984)

Hold Me Till The Morning Comes " Paul Anka e Peter Cetera (1983)

Joe Cocker - Up Where We Belong

Mike Oldfield - Excerpt from Tubular Bells I - Live at Wembley 1983 (Crises Tour)

Mike Oldfield - Excerpt from Tubular Bells I - Live at Wembley 1983 (Crises Tour) 

Simon Phillips (drums), Maggie Reilly (vocals), Ant (guitar), Pierre Moerlen (drums and percussion), Phil Spalding (bass), Graeme Pleeth (keyboards) Simon House (violin)

Crítica: "The Lightmaker" de Nine Skies, luminosidade harmoniosa e paisagens maravilhosas nesta grande expressão do progressivo moderno (2023).

Como uma montagem coordenada por uma máquina perfeita, Nine Skies polvilha cada parte deste álbum com virtuosismo com a participação de convidados espetaculares e uma banda no auge de sua capacidade composicional. Paixão e maestria em excelente equilíbrio, um registro ornamentado de particular versatilidade; moderno, mas experiente.

Lista de músicas

1. An Fanai (Intro) (2:46)
2. The Explorer (6:13)
3. The Dreamer (8:01)
4. The Chaotic (7:21)
5. The Lost (9:19)
6. The Wanderer (Interlude) (2:00)
7. The Haunted (11:32)
8. The Architect (11:32)

Tempo total 58:44

Escalação / Músicos

– Alexandre Lamia / guitarras, teclados, piano, arranjos, gravação, mixagem, masterização
– Anne-Claire Rallo / teclados
– David Darnaud / guitarras
– Achraf El Asraoui / vocais, guitarras
– Alexis Bietti / baixo
– Johnny Marter / bateria e percussão

Con participação de:
– Riccardo Romano / vocal (2)
– Martin Wilson / vocal (3)
– John Mitchell / solo de guitarra (8)
– Kristoffer Gildenlöw / vocal e baixo (5)
– Adam Holzman / teclados (4)
– Marco Minnemann / bateria (8)
– Arnaud Quevedo / voz (4)
– Laura Piazzai / voz (4)
– Charlie Bramald / voz (7)

“The Lightmaker” é a mais recente manifestação do talento francês, uma obra ambiciosa de emoções ambivalentes e especiais; por vezes exploratório e de expressão sinfónica, mutável e dinâmico, transbordando de instrumentação e silogismos. Um trabalho que expressa o coração e a coragem desses músicos, seguindo em frente após a morte do multitalentoso Eric Bouillette, que tanto significou para a banda.

Alexandre Lamia e companhia conseguiram trazer de volta vida a Nine Skies, estóico e com a participação estelar de gênios como Marco Minneman, Adam Holzman, Kristoffer Gildenlöw, entre outros... Sem dúvida uma programação avassaladora que se projeta na arquitetura de um álbum introspectivo e sonhador que navega pelas águas filosóficas da condição humana.

Assim que começa, um raio de luz inspirador motiva uma escuta ativa e encantadora. “An Fanai (intro)” no mais puro estilo Genesis em músicas como Horizons, temos uma bela composição acústica que nos leva ao terreno sonoro que este álbum cobre. Notas bem pensadas que escondem complexidade e tensão; o vento nos pega.

Chore, respire, grite, olhe lá para cima e, Riccardo Romano entoa docemente, para apresentar “O Explorador”. Um órgão profundo está ligado como se nada tivesse acontecido a uma explosão progressiva de guitarras quentes e sabores neo-progressivos que iluminam o céu com magia.

Começa tão épico e repentino quanto termina; Os teclados e aquela voz delicada regressam, abraçamos a emoção, a sensibilidade e as palavras sinceras do explorador.

A entonação de Riccardo ocupa o centro do palco e atinge notas de tremendo vigor, demonstrando a capacidade de levar a música ao próximo nível por si só. No meio da composição incidental, a hipersensibilidade do seu canto e o semblante complexo dos instrumentistas misturam-se num clímax retumbante de equilíbrios desequilibrados.
A dinâmica é alterada por uma seção furtiva e de difícil assimilação. Apenas por alguns momentos, então a dinâmica do primeiro refrão é retomada para dar um grand finale a esta segunda quase primeira faixa de sucesso.

“The Dreamer” é uma entrada cerimonial para um outro mundo de sonhos e reflexões. Martin Wilson aparece com uma voz poderosa e abrasadora, com tons profusos e impactantes. Nine Skies compõe sabendo que os vocalistas desempenham um papel vital em dar a cada música uma personalidade distinta. Lindas cordas conduzem melodias tingidas de esperança, com a expressão country quase recitativa de Wilson até que chega um refrão emocional inveterado.

Um solo de guitarra reservado desaparece para dar lugar a uma sessão de narrativa pura e absoluta , palavra falada e sons sinfônicos de fantasia.

Volta a harmonia da massa, que cai com mais força prevendo um excelente solo de melodias delicadas. Curvas emocionais, arpejos estrondosos e figuras bem definidas fazem deste solo uma aparência elegante muito bem-vinda e uma maneira fascinante de fechar esta faixa espaçosa e reflexiva.

Adam Holzman, tecladista de Steven Wilson -entre outros-, junto com Arnaud Quevedo e Laura Piazzai, estão encarregados de moldar a música mais extrema do álbum “The Chaotic”.

Numa explosão de saturação, o caos é concebido diante de nós. Riffs pesados com tons abrasivos implodem um após o outro, entre teclados alienígenas e agudos emocionais. Os vocais filtrados são embalados em uma seção complexa de 7/4, construindo tensões invariáveis, flutuando indefinidamente com as guitarras etéreas.

Este sentimento repete-se à medida que a música cresce mas cada vez que assume uma intensidade mais relevante, aparecem mais vozes que aumentam, se acumulam e se cruzam mas nunca se resolvem, o caos absoluto.

Uma seção de guitarra quase opeth nos atinge ao lado de palavras faladas e teclados dissonantes para concluir em uma exibição catártica de harmonias aceleradas e progressivo de alto nível. Camadas e camadas de instrumentos para divulgar e examinar, o paraíso de todo audiófilo e amante da música.

O ritmo diminui, mas a bateria permanece igualmente ocupada; as melodias ficam sombrias antes que o sintetizador do mágico Holzman assuma as rédeas criativas da música. Modulações pronunciadas e uma ótima mão para escalas caracterizam esse tecladista que toca um solo de mais de dois minutos de grandeza.

Todos os instrumentos se unem para encerrar essa música com absoluto desrespeito e máxima habilidade. Emocionante, mas para alguns pode sofrer de arrogância e pomposidade.

As músicas têm duração ascendente - com exceção do curto interlúdio - e desta vez somos recebidos por “The Lost”, nove minutos cheios de incertezas, pensados para o ouvinte paciente; vales e cumes. Estamos em Ré menor, com um Kristoffer Gildenlöw entusiasmado e nada a invejar do irmão; voz rouca, quebrada por pura emoção. Quando a ouvimos pensamos na parte mais calma de Katatonia, talvez pelas melodias sombrias e pelo violão – evoca músicas como Pale Flag, por exemplo. Uma composição fortemente focada na letra e na mensagem.

Após 2 minutos de canto insaciável encontramos uma guitarra sustentada e destilada, e toda a banda coroando-a com melodias impecáveis. Num determinado momento a voz transmuta-se para uma versão reduzida de si mesma, acompanhada por um mellotron harmonioso numa secção sinistra de personalidade gélida; Sabemos que há uma pausa chegando. A revolução musical chega em camadas de metal e podemos ouvir aqueles vestígios de Pain of Salvation, emotividade e acordes penetrantes e poderosos.

Nada resta para ser visto, é pura intensidade. Intercalando riffs pesados e vocais retocados, um impacto de drama após o outro; em crescendo e em repetição. Não há espaço para respirar, nem um minuto de alívio.

“The Wanderer (interlude)” convida-nos a sentar-nos à fogueira para descansar, com uma guitarra suave e vozes corais.

“The Haunted” começa com melodias brilhantes e um baixo vertiginoso numa bela construção rítmica com impacto emocional. O violão é inserido ao lado da voz de Charlie Bramald. Em tom emocionado, o cantor nada pela instrumentação em absoluta harmonia, harmonizando seu timbre com o dos demais músicos como um encanto.

Aos 3 minutos o violão capta melodias luminosas e o falsete de Bramald se faz presente num vôo alto e sideral.

O baixo penetrante leva a orquestra ladeira abaixo para se desarmar e encontrar uma seção purista: piano de cauda, voz e baixo, em um groove deslumbrante. O violão entra na festa e as ilusões são liberadas em forma de fantasmas celestiais.

Um emocionante solo de violão nos encanta após 7 minutos, depois ficamos suspensos no ar e ouvimos um colchão de cordas acústicas chegando de longe até que uma sensação incômoda - e bela - surge; a voz traça melodias efêmeras e insinuantes. A música se despede com a palavra falada, no que parece ser uma chegada ao sol.

John Mitchell, o emblemático guitarrista do neo-prog, e o brilhante baterista Marco Minnemann unem-se para ajudar a fechar o álbum nesta demonstração de grandeza que é “The Architect”, uma demonstração monstruosa do prog contemporâneo que ultrapassa os onze minutos de duração.

Desde o início temos a receita perfeita para o desastre, um groove contagiante , um baixo fretless de disposição eterna e melodias acústicas perfeitas. A voz de El Asraoui faz um excelente trabalho acompanhando os instrumentistas e tocando uma peça definitiva do quebra-cabeça.

Mergulhamos em um ousado ritmo 5/4, bateria absurda com toque magistral e vozes harmônicas atacando aquele baixo agressivo e soberbo. Tudo parece aparecer e desaparecer no momento certo, design inteligente e engenharia de ponta.

A voz em graves e agudos devora o panorama sonoro, acompanhada por um estrondoso bumbo duplo, que sabe parar quando a palavra falada surge como se fosse uma história de incontáveis nós.

Tensão, tensão e tensão. Homenagens a temas anteriores e conclusões filosóficas para toda a obra, que é um tanto existencialista, mas também otimista, França, claro que leram Camus.
Quando pensamos que tudo tinha acabado, um riff começa, dando origem ao que parece ser uma música totalmente diferente, trazendo também um sintetizador com faixa dinâmica abrasadora e a voz em um despertar emocional. A seção termina tão rapidamente quanto veio, entre descidas harmônicas e ornamentos.

Prossegue o silêncio, ruídos ambientais, sirenes, violinos... É o próprio nada ou é tudo? Hope reaparece em uma guitarra solo com sustentação infinita . Entre as cordas e o ritmo dos tambores se projeta um hino harmonioso de pura luz, amor e pureza. O último solo do álbum é fenomenal e vem do grande John Mitchell, lírico e cativante. Clímax final brilhante para um álbum sobrecarregado de ambição e valor sentimental.

Uma escuta obrigatória da qual não há fuga imutável. Sem dúvida, uma obra-prima, filha de uma modernidade líquida; maleável, mas tão autêntico quanto todos os anos que passaram, e mais certo que o futuro em construção. Existencialidade e absurdo; cores da paixão apaixonada no auge de uma progressão emocional, que não permanece supérflua, mas transcende diretamente ao coração.

Classic Rock - Curiosidades ( Neil Young e o álbum Freedom)

Em 02/10/1989: Neil Young lança o álbum Freedom
Freedom é o 17º álbum de estúdio do músico canadense-americano Neil Young, lançado em 2 de outubro de 1989. 
Freedom relançou a carreira de Young após uma década de grande fracasso. Depois de muitas discussões e uma ação judicial, Young deixou a Geffen Records em 1988 e retornou ao seu selo original, Reprise, com This Note's for You. Freedom trouxe um álbum novo, crítico e comercialmente bem sucedido. Foi lançado nos Estados Unidos como um LP, fita cassete 
e CD em 1989.

Lista de faixas : 
Todas as faixas são escritas por Neil Young.
"Rockin' in the Free World" 
(Live acoustic) : 3:38
"Crime in the City (Sixty to Zero Part I)" : 8:45
"Don't Cry" : 4:14
"Hangin' on a Limb" : 4:18
"Eldorado" : 6:03
"The Ways of Love" : 4:29
"Someday" : 5:40
"On Broadway" : 4:57
"Wrecking Ball" : 5:08
"No More" : 6:03
"Too Far Gone" : 2:47
"Rockin' in the Free World" (Electric) : 4:41.

Pessoal : 
Neil Young - vocais ; violão ; guitarra elétrica ; gaita ; piano em 9
Chad Cromwell - bateria
Rick "O baixista" Rosas - baixo
Frank "Poncho" Sampedro - guitarra em 2, 5 (como "Poncho Villa"), 9, 12; teclados em 5, 7; bandolim em 11; vocais em 12
Ben Keith - saxofone alto em 2, 7; guitarra de aço pedal em 2, 6, 11; teclados em 10, 12; vocais em 11
Pessoal adicional : 
Linda Ronstadt - vocais em 4, 6
Tony Marsico - baixo em 10
Steve Lawrence - saxofone tenor em 2, 7
Larry Cragg - saxofone barítono em 2, 7
Claude Cailliet - trombone em 2, 7
John Fumo - trompete em 2, 7
Tom Bray - trompete em 2, 7.

Soft Machine nunca conseguiu capturar os principais charts nem desfrutou de um grande sucesso comercial.

É verdade, Soft Machine nunca conseguiu capturar os principais charts nem desfrutou de um grande sucesso comercial. Mas eles se destacaram como um dos pilares influentes do seu tempo.

Sendo um dos pioneiros britânicos que testemunharam a ascensão e o pôr-do-sol da psicodélia, do rock progressivo, sinfônico e eventualmente o jazz rock, seu legado nesses gêneros é inegável e os fez respeitados por uma legião de amadores e colegas músicos.

Foram peças chave na formação da chamada (e renegada) "Cena de Canterbury" do progressivo britânico, uma corrente que também envolveu bandas como Caravan, Gong, Matching Mole e National Health.

Deixamos um vídeo espetacular em modo de tributo com John Marshall na bateria (QEPD), e um Allan Holdsworth simplesmente em estado de graça na sempre dinâmica "Hazard Profile Pt 1", saído de "Bundles"

Em 1976, o LP auto-intitulado da Little River Band estreou na Billboard 200 Albums Chart no #166 (2 de outubro)

Após a formação em março de 1975, Little River Band era um supergrupo australiano, com Beeb Birtles, Graeham Goble, Derek Pellicci e Glenn Shorrock cada um de bandas locais proeminentes.

Birtles tinha sido o baixista e vocalista da banda de pop-rock Zoot (que lançou a carreira do cantor e guitarrista Rick Springfield) de 1967 a 1971.

Goble tinha liderado o grupo de folk rock Allison Gros formado por Adelaide em 1970, que se mudou para Melbourne e em 1972, foram renomeados como Mississippi, (uma banda de rock country de harmonia), e no final desse ano juntaram-se Birtles na guitarra e vocais e Pellicci na bateria.

Shorrock tinha sido o vocalista de uma banda pop, The Twilights (1964-1969), e do grupo de rock, Axiom, de 1969 a 1971 (ao lado do cantor e compositor Brian Cadd).

Este foi o álbum de estreia deles.

Ele gerou uma série de singles bem-sucedidos, incluindo "Emma", "It's a Long Way There", e "Curiosity (Killed the Cat)", e alcançou a posição #12 na Austrália, e #80 nos EUA.

O alinhamento de 1976 de Glenn Shorrock, Graeham Goble, Beeb Birtles, George McArdle, David Briggs e Derek Pellicci foram introduzidos no hall da fama da Australian Recording Industry Association (ARIA) no 18o ano ARIA Music Awards de 2004.

CRONICA - DR. FEELGOOD | Down By The Jetty (1975)

Então aqui está, o primeiro álbum do DR. SE SENTIR BEM. O cult grupo inglês de Canvey Island, em Essex, foi formado em 1971 sob a liderança de Lee Brilleaux (voz, guitarra), Wilko Johnson (guitarra) e John B. Sparks (baixo), aos quais se juntou o baterista John Martin. É o nome de uma famosa canção do cantor/pianista de Blues Willie Perryman (datada de 1962) que lhes deu a ideia de se autodenominarem DR. SE SENTIR BEM.

O grupo inglês vasculhou os pubs da região e depois assinou contrato com a United Artists. A partir daí, o horizonte iluminou-se para os músicos que, com a ajuda do produtor Vic Maile, gravaram o seu primeiro álbum nos Rockfield Studios, no País de Gales, entre agosto e novembro de 1974. Foi finalmente em janeiro de 1975 que DR. FEELGOOD lança seu primeiro álbum de estúdio, intitulado Down By The Jetty .

Abordagem do DR. FEELGOOD é baseado na espontaneidade. O grupo inglês oferece uma mistura de Blues-Rock e Pub-Rock, impulsionada por um certo espírito Punk. “She Does It Right” sintetiza isso muito bem e acerta em cheio por seus lados diretos e enraizados, sua propensão de fazer as pessoas baterem os pés, provando ser terrivelmente contagiante e eficaz. "I Don't Mind", fundamentalmente Rock n' Roll, é igualmente eficaz com suas guitarras cortantes e cortantes, a voz áspera de Lee Brilleaux, uma gaita suja, bem como um ritmo groovy que mantém a pressão. “One Weekend” é uma composição Pub-Rock com tons cativantes de Rockabilly, potencialmente hit, revestida de coros aéreos que apoiam a cantora. Ainda no registro Pub-Rock, a mid-tempo “The More I Give” é bem bacana com sua batida groovy, suas guitarras suculentas e cheias de vitaminas, ao mesmo tempo que está imbuído de sentimento, bem como um canto mais moderado. Fundamentalmente local, o revigorante “All Through The City”, com muito Rock n' Roll no fundo, revela-se eficaz, inebriante, rítmico como se pode desejar. O Blues-Rock assume um papel preponderante neste álbum. “Roxette”, a faixa mais conhecida do disco, é tão cativante quanto anti-brainer neste estilo e, com seu ritmo saltitante, um baixo ronronante bem alinhado com as guitarras, um solo de gaita bem sentido, também mais do que um toque de casualidade, entendemos melhor seu sucesso na época (não chegou às paradas, mas se tornou um clássico essencial no setlist do grupo inglês e foi regravado diversas vezes por outros). A saltitante e saltitante “Twenty Yards Behind”, apoiada por um ritmo Ska e uma gaita que assedia implacavelmente, dá vontade de pular em todas as direções, o mid-tempo “Keep It Out Of Sight” é clássico com seus riffs sujos, moderados, mas eficazes, especialmente porque seu refrão é inebriante. Com “Essa não é a maneira de se comportar”, DR. FEELGOOD oferece um Blues antigo tão deliciosamente enraizado quanto retrô, antimoderno possível, que evolui em um ritmo lento e fresco, com um piano que lhe confere uma atmosfera de cabaré com encantos encantadores e o solo de gaita é igualmente agradável. Diversas capas completam este álbum e estão ali para indicar as raízes dos músicos do DR. SE SENTIR BEM. Assim, “Boom Boom”, cover de John Lee HOOKER, respeita bastante o original pelo seu lado raiz com uma gaita onipresente, sua alternância entre andamento lento e ritmo mais frenético e se mostra convincente. "Talão de cheques", um título do LEGEND que data de 1970, é tocado aqui em uma versão cativante de Blues-Rock, muito legal. “Oi! », de Johnny KIDD & THE PIRATES, é um instrumental em que guitarras, baixo e bateria estão no ponto e que permite a todos os músicos expressarem-se sem restrições, mostrarem as suas qualidades. Por fim, aparece bem no final do álbum "Bony Moronie/Tequila", um medley de covers de Larry WILLIAMS e THE CHAMPS em versão ao vivo: os músicos oferecem uma interpretação Rock n' Roll bem colorida e se divertem na comunicação com o público, permitindo-se também algumas fantasias, ao mesmo tempo que ostenta um final explosivo e vemos o que o grupo tem na barriga quando está no palco. de Johnny KIDD & THE PIRATES, é um instrumental em que guitarras, baixo e bateria estão no ponto e que permite a todos os músicos se expressarem sem restrições, mostrarem suas qualidades. Por fim, aparece bem no final do álbum "Bony Moronie/Tequila", um medley de covers de Larry WILLIAMS e THE CHAMPS em versão ao vivo: os músicos oferecem uma interpretação Rock n' Roll bem colorida e se divertem na comunicação com o público, permitindo-se também algumas fantasias, ao mesmo tempo que ostenta um final explosivo e vemos o que o grupo tem na barriga quando está no palco. de Johnny KIDD & THE PIRATES, é um instrumental em que guitarras, baixo e bateria estão no ponto e que permite a todos os músicos se expressarem sem restrições, mostrarem suas qualidades. Por fim, aparece bem no final do álbum "Bony Moronie/Tequila", um medley de covers de Larry WILLIAMS e THE CHAMPS em versão ao vivo: os músicos oferecem uma interpretação Rock n' Roll bem colorida e se divertem na comunicação com o público, permitindo-se também algumas fantasias, ao mesmo tempo que ostenta um final explosivo e vemos o que o grupo tem na barriga quando está no palco.

Este primeiro álbum do DR. FEELGOOD é um sucesso magistral. As composições são tão espontâneas quanto inspiradas e a mistura entre Blues-Rock e Pub-Rock é cáustica. Obviamente, os músicos do grupo têm energia e entusiasmo de sobra. Down By The Jetty pode não ter chegado às paradas, mas foi um primeiro passo importante para DR. SE SENTIR BEM.

Tracklist:
1. She Does It Right
2. Boom Boom
3. The More I Give
4. Roxette
5. One Weekend
6. That Ain’t The Way To Behave
7. I Don’t Mind
8. Twenty Yards Behind
9. Keep It Out Of Sight
10. All Through The City
11. Cheque Book
12. Oyeh!
13. Bony Moronie/Tequila

Formação:
Lee Brilleaux (vocal, guitarra, slide, gaita)
Wilko Johnson (guitarra, piano, vocal)
John B. Sparks (baixo)
John Martin (bateria)
+
Bob Andrews (órgão, saxofone)
Brinsley Schwarz (saxofone)

Rótulo : Artistas Unidos

Produtor : Vic Maile