Em 02/11/1980: Rory Gallagher lança o álbum Stage Struck
Stage Struck é o décimo primeiro álbum e o terceiro álbum ao vivo do cantor/guitarrista irlandês Rory Gallagher. Lançado em 1980, ele documenta sua turnê mundial de divulgação de seu álbum de 1979, Top Priority. Conseqüentemente, contém muitas músicas desse álbum, mas também inclui músicas de seus álbuns anteriores.
O álbum mostra Gallagher adotando um som mais rápido e hard rock do que em seus álbuns ao vivo anteriores dominados pelo blues. Lançado originalmente com oito faixas, Stage Struck foi aumentado com duas faixas bônus ("Bad Penny" e "Keychain") quando relançado em 1999, quatro anos após a morte de Gallagher, por seu irmão mais novo e empresário, Dónal Gallagher. Em 2005, Stage Struck foi classificado em 419º lugar no livro da revista Rock Hard, Os 500 Maiores Álbuns de Rock e Metal de Todos os Tempos.
Grupo de Lisboa praticante de Doom, Black e Death Metal formado por Pedro (aka Belathauzer, guitarra, voz), Nuno (bateria) e João Pedro (aka Tetragrammaton, baixo, ex-Moonspell, Deepskin). Após a gravação do tema "Count Maggots" num pequeno estúdio de quatro pistas, o trio sofre uma primeira alteração com o abandono do baterista Nuno que é prontamente substituído por Jerzegemoth, irmão de Belathauzer. A sua primeira e única demo tape, "The Miracle of Death" foi editada em 26 de Julho de 1991, tendo este trabalho sido registado no estúdio caseiro dos Morbid God, projecto que não tardará a chamar-se Moonspell. O trabalho incluia uma intro intitulada "Slow Death", bem como as faixas "Count Maggots" e "The Miracle of Death". Após a sua edição, Jerzegemoth deixa a banda emigrando para Espanha e Belathauzer decide mudar o nome do grupo. O resultado terá futuro: chamar-se-á Filli Nigrantium Infernalium.
DISCOGRAFIA
THE MIRACLE OF DEATH [Tape, Edição de Autor, 1991]
Estrelas no céu do norte acima de uma vila costeira escocesa servem como presságios que movem a trama no roteiro original do diretor Bill Forsyth para Local Hero , a extravagante comédia de 1983 que rendeu elogios ao cineasta de Glasgow em ambos os lados do Atlântico. As estrelas se alinharam para Forsyth antes da produção com o envolvimento do produtor britânico David Puttnam, cujo sucesso dois anos antes com Chariots of Fire uniu a credibilidade da casa de arte e o sucesso de bilheteria global, depois através do envolvimento de Mark Knopfler para fornecer Local Hero 's música. O cantor, compositor e guitarrista do Dire Straits apresentou uma trilha sonora que foi parte integrante do apelo duradouro do filme, lançando uma segunda carreira de sucesso como compositor de filmes.
A notoriedade de Knopfler foi inicialmente estimulada por suas proezas como um guitar hero, mas o músico nascido em Glasgow e criado em Newcastle buscou novos desafios além das vendas de álbuns de platina de sua banda e das turnês de sucesso. No início de 1982, com três LPs de sucesso do Straits em seu currículo, Knopfler despachou o empresário Ed Bicknell para trabalhar no cinema, traduzindo Making Movies do título do álbum ao objetivo de carreira.
Em Puttnam, Bicknell encontrou um cliente potencial receptivo. O equilíbrio entre prestígio e sucesso comercial alcançado por Chariots of Fire foi reforçado pela trilha sonora de Vangelis, que evitou orquestrações convencionais e sugestões de época com uma partitura eletrônica ousadamente moderna que ganhou um dos quatro Oscars do filme e colheu sucesso global para ambos. seu tema principal e álbum de trilha sonora, cada um no topo de suas respectivas paradas nos EUA.
Mark Knopfler se apresentando com Dire Straits em 1983
À medida que os planos para a primeira trilha sonora de Knopfler tomavam forma, ele começou a trabalhar no próximo álbum do Dire Straits na Power Station de Nova York, levando o grupo além de seu formato original de guitarra, baixo e bateria com orquestrações de teclado proeminentes. Quando o Making Movies foi concluído, seu domínio forçou o irmão e guitarrista David Knopfler a sair da banda, adicionando o segundo guitarrista Hal Lindes e o tecladista Alan Clark à seção rítmica sobrevivente do baixista John Illsley e do baterista Pick Withers.
Depois de co-produzir esse álbum com Jimmy Iovine, Mark Knopfler se preparou para produzir sua sequência por conta própria, em parceria com o engenheiro Neil Dorfsman para levar o som da banda ainda mais longe, uma ambição corroborada por Love Over Gold em sua abertura épica de 14 minutos . faixa, “Telegraph Road”. Se a nova música de sua banda ganhasse força com o rock progressivo, entretanto, a trilha sonora que Knopfler trouxe para o filme de Forsyth divergiria drasticamente, inspirada no material delicado em questão.
Assista ao trailer do Critério de Local Hero
O charme astuto de Local Hero , lançado em 17 de fevereiro de 1983, reside em seu ritmo vagaroso e nas frequentes conversas laterais que pausam a trama para permitir que os personagens de Bill Forsyth se revelem. Uma divertida síntese de fábula ecológica, sátira de classe e sátira social afetuosa, a história segue um ambicioso jovem executivo petrolífero americano enviado para seduzir os cidadãos de Ferness, uma pacata vila de pescadores na costa oeste da Escócia, a vender seu vilarejo e sua paisagem idílica para fazer espaço para uma enorme refinaria. O que gera o brilho cômico da história é o equilíbrio entre o absurdo maluco, o romance oblíquo e o realismo mágico, à medida que o protagonista encontra um rico elenco de personagens excêntricos dignos de Preston Sturges.
Knopfler responde com empatia cinematográfica, deixando o local e a narrativa guiarem as escolhas estilísticas que se afastam significativamente do território sonoro mais musculoso de sua banda, apesar da participação do grupo na gravação, exceto pela saída do baterista Withers. O que mais se aproxima de seu estilo de conjunto é um instrumental country a todo vapor, ressaltando a sequência de abertura, retratando o executivo do petróleo Mac MacIntyre enquanto ele dirige seu premiado Porsche no trânsito da hora do rush de Houston.
Projetado como a base sonora para um relatório de trânsito arrastado de um DJ em tempo de condução, “Freeway Flyer” é uma plataforma rápida e arrasadora para os solos elétricos fluidos e rápidos sem esforço de Knopfler, projetando uma autenticidade Music Row que antecipa as subsequentes colaborações de Knopfler em Nashville com Chet Atkins , George Jones e Emmylou Harris ao lado de suas aventuras em Notting Hillbillies.
A jornada da história do Texas à Escócia informa os contrastes estilísticos de Knopfler, mudando dos sotaques americanos de Houston (country e jazz) para os tradicionais motivos celtas de Ferness. Um arranjo contido de violão colorido pelos sintetizadores etéreos de Alan Clark introduz uma melodia melancólica que reaparece como um motivo que significa a beleza natural da paisagem, enquanto a tradicional música de dança escocesa mais tarde sobe ao palco em um cèilidh comunitário, onde personagens e tramas irão colidir . Considerando a linha do tempo da discografia geral de Knopfler, essas dicas podem ter catalisado sua afeição pela música tradicional mais próxima de sua herança Geordie do que os modelos de rock americanos e britânicos que foram refletidos nos primeiros trabalhos de Dire Straits.
As sessões de pontuação do Local Hero seriam divididas entre a Power Station e o Eden Studios de Londres. Depois de trabalhar pela primeira vez com o vibrafonista de jazz Mike Mainieri para Love Over Gold , Knopfler convocou Mainieri, o saxofonista tenor Michael Brecker e outros veteranos do jazz de Nova York para outra deixa nos Estados Unidos que colore uma cena solitária de fim de noite no apartamento de Mac enquanto ele tenta e não consegue se conectar com uma sucessão de ex-namoradas. “Boomtown” acrescenta um toque de resignação à sequência, desmentindo a bravata de Mac como prelúdio para o deslocamento que se seguirá na Escócia, onde ele está destinado a ser um peixe fora d’água.
O fato de Knopfler e Forsyth estarem mais interessados em humor e caráter do que em caçar bônus comerciais é medido pelo foco tradicional da partitura em motivos melódicos sucintos que sublinham os temas de Forsyth. Uma figura de sintetizador se transforma em três pistas diferentes que aludem a fenômenos celestes que emergem tanto como mecanismo de enredo quanto como piada.
O vocal solo da trilha sonora rompe com essa disciplina sem quebrar o encanto do filme. Originalmente escrita para Love Over Gold , “The Way It Always Starts” é reaproveitada com o vocal de Gerry Rafferty, cantando em uma faixa pop quente familiar dos sucessos escoceses pós-Stealers Wheel. Tanto a música quanto a performance são agradáveis, mas leves para os padrões de ambos os artistas, relegadas apropriadamente à música de fundo do rádio.
Essa modéstia serve bem ao filme de Forsyth, ao mesmo tempo que permite a Mark Knopfler pontuar sua primeira trilha sonora com um tema instrumental indelével que se tornou uma de suas obras mais reconhecidas e um elemento básico em performances ao vivo. A melancólica melodia das Terras Altas introduzida como “Wild Theme” de Knopfler retorna na filmagem final depois que Mac retornou relutantemente ao Texas, transformado de um tema folk tranquilo em um hino estimulante que é em partes iguais de celebração e anseio. “Going Home (Theme of the Local Hero)” completa o filme e o LP com um arranjo de banda completo que se reúne atrás da guitarra elétrica reflexiva de Knopfler antes de passar para o refrão crescente do sax tenor de Michael Brecker, que serve como o coração pulsante da faixa.
Visto aqui, do filme (da esquerda para a direita): Danny Oldsen (Peter Capaldi), representante da Scottish Knox, Happer (Burt Lancaster) e o aspirante a negociador Mac MacIntyre (Peter Riegert)
“Going Home” fez os espectadores sorrirem (e, talvez, com lágrimas nos olhos por terem saído de Ferness) dos cinemas, com Local Hero superando seu modesto sucesso na arte para ser reconhecido como a maior conquista do cineasta Bill Forsyth, bem como um tesouro cultural pop escocês . Sua resistência levou a uma adaptação como musical de palco, combinando a música de Knopfler com um livro de Forsyth e David Grieg, estreando em 2019 em Edimburgo com um compromisso planejado para 2020 no Old Vic de Londres, sabotado pela pandemia do coronavírus.
Por si só, “Going Home (Theme for the Local Hero)” ascendeu à glória na arena como o tema oficial dos fãs de futebol inglês da cidade natal de Knopfler, Newcastle United, que ficam com os olhos marejados enquanto o jogo é jogado enquanto o time corre para o campo antes dos jogos em casa.
De forma mais ampla, Local Hero inspirou Mark Knopfler a mergulhar conscientemente na música tradicional escocesa irlandesa, continuando com seu próximo projeto de trilha sonora, o drama irlandês Cal , e então aparecendo de forma audível no próximo álbum do Dire Straits, Brothers in Arms , antes de se ampliar como uma influência chave em O trabalho solo subsequente de Knopfler.
Assista Knopfler apresentar 'Going Home: Theme of the Local Hero' para o programa de concertos da BBC A Night In London em 1996
Não havia muitos precedentes, nem dentro do grupo nem no cenário da música pop, para Days of Future Passed , quando The Moody Blues gravou seu (mais ou menos) álbum de estreia. O quinteto britânico tinha acabado de se reinventar com uma nova formação e um novo som, construído em grande parte em torno do Mellotron, tocado pelo tecladista e membro fundador Mike Pinder. Esse instrumento - anteriormente usado de forma tão eficaz em um punhado de faixas influentes dos Beatles (e intrigantemente por Brian Jones em Their Satanic Majesties Request dos Rolling Stones - finalmente proporcionou às bandas de rock a capacidade de incorporar texturas sonoras de tipo “clássico” em suas músicas de uma forma moda relativamente prática.
A estética híbrida rock/pop e clássica (ou pelo menos com tendência clássica) de Days of Future Passed não havia sido tentada por muitos artistas importantes antes do esforço dos Moodys. Quase ao mesmo tempo em que DOFP estava sendo feito, Love's Forever Changes estava sendo gravado a mais de 8.000 quilômetros de distância. Mas as texturas barrocas do álbum de Love, por mais impressionantes que fossem, eram muito menos ambiciosas do que o que os Moody Blues (junto com o produtor Tony Clarke e o maestro/compositor Peter Knight) alcançariam com Days of Future Passed .
Assista aos Moody Blues tocarem “Tuesday Afternoon” em 1967
Para o projeto, a banda forneceria 10 canções pop e alguns poemas breves; todos os cinco membros ajudaram na composição do material para o álbum. Separadamente, Knight compôs e arranjou material para a fictícia Orquestra do Festival de Londres tocar. Suas peças forneceram a ligação sonora entre as faixas pop; eles funcionariam como a cola que mantinha o projeto unido como um todo coeso, em vez de uma mera coleção de músicas de primeira linha.
Uma capa francesa com 45 fotos para “Nights in White Satin”
O álbum abre com um fade-in extremamente longo de um gongo tocado; 30 segundos completos se passam antes que a orquestra de Knight comece, o equivalente auditivo da fotografia em lapso de tempo de uma flor desabrochando. “The Day Begins” oferece uma espécie de abertura para o álbum, incluindo trechos das músicas que virão a seguir. Knight revela as linhas melódicas características de algumas das canções pop - mais notavelmente a primeira e a última delas, "Dawn is a Feeling" e "Nights in White Satin" - antes de conduzir a orquestra em uma seção que lembra partes da música de Tchaikovsky. “Suíte Quebra-Nozes.” A orquestração exuberante de Knight segue uma veia clássica leve, e seus valores pop acessíveis definem o cenário para as músicas da banda.
O baterista Graeme Edge fornece a primeira música da banda no disco, o poema “Morning Glory” (não creditado ou listado na capa original do LP). Maravilhosamente recitado por Pinder, o texto falado é sério e sério, mas em grande parte livre de pretensão. Independentemente de como nos sentimos em relação à poesia em geral, é quase impossível imaginar Days of Future Passed sem as passagens faladas. E as cordas que acompanham a recitação de Pinder acrescentam o toque certo.
Depois de outra breve peça clássica leve (“Dawn”), os Moody Blues fazem sua primeira aparição no disco com “Dawn is a Feeling”. Os vocais românticos e ansiosos de Justin Hayward são apoiados principalmente por Pinder no piano e Mellotron; o resto da banda contribui de maneiras importantes, porém sutis. Mesmo tendo sido gravados separadamente, o trabalho da banda e a orquestração de Knight se unem perfeitamente.
Knight faz um trabalho admirável ao criar melodias orquestrais que conduzem às canções do grupo; uma dessas peças apresenta o galopante “Another Morning” de Ray Thomas. A música dos Moodys finalmente destaca um dos trunfos mais fortes da banda: suas harmonias vocais crescentes. A flauta de Thomas serve para apagar, pelo menos na mente do ouvinte, a divisão entre banda e orquestra.
Outro interlúdio de Knight, “Lunch Break”, um de seus melhores esforços em todo o set, guia o ouvinte para a parte do meio-dia da versão musical do Moody Blues de um dia típico na vida de um homem comum. A cinética “Peak Hour” do baixista John Lodge é a música de rock mais pesado de Days of Future Passed e aponta o caminho para os álbuns subsequentes do grupo (todos feitos sem Knight e sua orquestra). Junto com alguns trabalhos muito expressivos de Mellotron de Pinder e harmonias mais gloriosas, o baixo subestimado de Lodge é um trunfo fundamental da música. Em outro lugar, mesmo que apenas por alguns segundos, Hayward fornece um dos poucos solos de guitarra do disco. Com o final grandioso, porém apropriado, de “Peak Hour”, o primeiro lado do álbum termina.
“Tuesday Afternoon” é uma das músicas mais conhecidas e amadas do Moody Blues, e tem sido usada muito bem ao longo do último meio século. Devido em parte à sua popularidade duradoura, “Tuesday Afternoon” é talvez a faixa menos datada de todo o álbum. O vocal principal de Hayward se eleva enquanto a banda fornece suporte ágil e capaz. Mais uma vez, é o trabalho de flauta de Thomas que conduz à bela orquestração de Knight.
“(Evening) Time to Get Away” melancólico e em tom menor de John Lodge adiciona um pouco de coragem e mistério ao caráter geral do álbum. O enérgico dedilhar do violão de Hayward e o Mellotron de Pinder conduzem às harmonias vocais etéreas do refrão da música. Mesmo um instrumento tão humilde como o pandeiro de Thomas é um ingrediente chave no som. E tocada duas vezes, a ponte cantada em falsete da música é a música mais excelente que os Moodys jamais produziriam. Os chifres Mellotron de Pinder adicionam um pouco de textura extra.
E “Sunset” de Pinder é facilmente a peça musical mais exótica de Days of Future Passed . Percussão incomum, a flauta de Thomas e as cordas (reais) de Knight se unem para fornecer um pano de fundo para um vocal principal de Pinder na frente e no centro. Nominalmente parte da mesma faixa, a insistente “Twilight Time” de Thomas fornece uma ligação com o estilo anterior de grupo de R&B/beat dos Moodys, mas mais uma vez o Mellotron de Pinder transporta a música para o novo estilo.
Assista John Lodge tocar “Sunset” durante a turnê Moodys de 2017, comemorando o 50º aniversário do álbum
A grandiosidade romântica de "Nights in White Satin" sinaliza o início do fim de Days of Future Passed . O baixo de Lodge, a bateria de Edge e o violão de Hayward são mantidos baixos na mixagem, deixando espaço sonoro para o vocal principal melancólico de Hayward. Pinder se junta a Mellotron, inicialmente tocando uma melodia de uma única nota, eventualmente adicionando acordes no teclado. O segundo verso apresenta uma contra-melodia de Mellotron entrelaçada com o vocal de Hayward. À medida que o refrão se aproxima, todo o grupo proporciona harmonias vocais emocionantes. Uma figura de baixo descendente seguida por uma única batida da caixa de Edge leva a um solo de flauta de Ray Thomas. Outros instrumentos são adicionados à mixagem durante o solo.
Para o próximo verso de “Night in White Satin”, a orquestra de Knight se junta, adicionando cor tonal. O refrão climático encontra a orquestra mais uma vez em plena floração, agora ao lado do grupo. Uma majestosa orquestração da linha melódica característica da música se dissolve em um arranjo cheio de antecipação. É seguido por uma melodia orquestral que evoca imagens mentais de estrelas cintilantes, apenas o pano de fundo certo para a leitura de Pinder de “Late Lament” de Edge. Após um floreio orquestral final e um poderoso golpe de gongo, Days of Future Passed termina.
Assista ao vídeo original de 1967 de “Nights in White Satin”
Lançado em 10 de novembro de 1967, Days of Future Passed inicialmente vendeu modestamente no Reino Unido, alcançando apenas a 27ª posição, com “Nights in White Satin” subindo para a 19ª posição. Nos Estados Unidos, no entanto, a história foi diferente: o álbum disparou até o 3º lugar na Billboard , mas “Nights in White Satin” estagnou no 103º lugar, com “Tuesday Afternoon” se saindo melhor no 24º lugar. Porém, cinco anos depois, com o Moody Blues agora uma banda estabelecida de gravação e concerto, “Nights…” foi relançado e desta vez alcançou o segundo lugar. Posteriormente, tornou-se um clássico do rock nas rádios e foi incluído no Grammy Hall of Fame.
Quando Hayward, Lodge e Edge se apresentaram juntos nos últimos anos, eles não ousaram sair do palco sem apresentar os dois sucessos de seu LP histórico de 1967 e, em 2017, apresentaram o álbum inteiro em turnê em comemoração ao seu 50º aniversário. Uma edição de luxo do álbum foi lançada naquele ano.
O trabalho de 1976 do tecladista e flautista Paul Fishman, “In Search of Ancient Gods”, sob o nome de projeto Absolute Elsewhere, é uma espécie de clássico menor do rock progressivo instrumental espacial e sinfônico da era vintage. Baseado nos livros de pseudociência/história alternativa inspirados nas teorias do autor Erik von Daniken, `...Ancient Gods' desfruta de um perfil elevado devido às contribuições de bateria do membro do King Crimson/Yes, Bill Bruford, mas ainda assim permanece bastante obscuro e um segredo mantido! Repleto de teclados sonhadores e luxuosos, o álbum abriga de tudo, desde suítes sinfônicas extravagantes com várias partes, eletrônica de música espacial à deriva, interlúdios de fanfarra mais curtos no estilo Rick Wakeman e fragmentos psicodélicos experimentais.
Há sintetizadores vibrantes e gloriosos temas sonhadores com brilho de Mellotron em abundância ao longo de nove minutos de abertura, 'Earthbound', misturados com uma frieza descontraída dos anos setenta (alguns deles soando como um modelo que a banda francesa Air empregaria em seu clássico álbum de estreia). `Moon Safari' em 1998, embora seja provavelmente uma coincidência) que até lembra o devaneio confuso de `Attic Thoughts' de Bo Hansson, algumas batidas descontraídas e flautas flutuantes dando à peça um toque suave de sabores jazzísticos, e um toque final uma onda de fogo de guitarra elétrica trazendo um groove fumegante. As batidas sutis do sequenciador se movem para a esquerda e para a direita ao longo dos sangrentos drones do espaço profundo de Moon City, e a suíte de quase doze minutos de cinco partes 'Miracle of the Gods' percorre tudo, desde espasmos eletrônicos de pesadelo e reprises de temas crescentes de Mellotron / Moog no estilo Pink Floyd, Novalis, Camel e Pulsar, movendo-se delicadamente em direção a caminhos ambientais etéreos e ruminações de piano imaculadas em pequenas diversões cruciais.
O segundo lado abre com dois interlúdios mais curtos, 'The Gold of the Gods' e 'Tokleta', o primeiro uma fanfarra de sintetizador caprichosa e levemente kitsch, o último um reflexo Moog misterioso e suavemente melancólico. Dois treinos de dez minutos fecham o álbum, o primeiro `Chariots of the Gods' abre como uma reflexão de piano suave e melancólica ao estilo de Rick Wright antes de revelar grooves relaxados de jazz/funk, e `Return to the Stars' é um ritmo lentamente revelador ao estilo Tangerine Dream. drone eletrônico expansivo com distorção e refluxo que é completamente sedutor, envolvente e profundamente envolvente.
Embora haja algumas pequenas passagens conflitantes e algumas escolhas de produção questionáveis aqui e ali (o fade-out fingido de “vinil preso” no meio de “Chariots of the Gods” é um pouco uma desculpa, e as pequenas peças que abrem o segundo lado são distrações um tanto fora do lugar!), `In Search of Ancient Gods' é principalmente cheio de música sinfônica instrumental requintada e grandiosa cruzada com eletrônica experimental e atmosférica, com vários momentos verdadeiramente de cair o queixo para os amantes de teclado mais longo e Mellotron - grandiosidade encharcada. Esta fusão bem-sucedida de estilos cria um álbum que está tão perto de ser um trabalho de crossover sinfônico/chill-out/eletrônico absolutamente clássico, merecendo atenção renovada por seus próprios méritos, muito além da contribuição de um baterista lendário sozinho.
Quatro estrelas e meia.
(Obrigado a Bruce Jenkins, do excelente blog de música Vinyl Connection, por me oferecer uma cópia do LP!
Ninguém mais fala sobre esses registros. E é uma pena, porque neste caso temos a ideia daquele (16 anos na época!) Paul Fishman que queria fazer a música por trás dos livros de Erich von Daniken (na verdade a capa é como um de todos aqueles livros) e acabei com esta magnífica trilha sonora sinfônica-alienígena. Li as reclamações de colegas revisores sobre o envolvimento indistinto de Bill Brufford, mas considero-as inúteis. Brufford era um trabalhador contratado aqui, a música seria a mesma mesmo sem a presença dele. Os teclados são a força dominante, tocados de forma muito criativa pelo próprio Fishman e de uma maneira muito melódica. Sintetizadores, piano, mellotrons etc entram e saem com uma sequência lógica que só poderia ser encontrada na melhor música Tangerine Dream da época (1976), mas a abordagem mais sinfônica também agradará aos fãs de Camel. Esta é a melhor música chill-out que ouvi até agora. Para obter o efeito total, ouça sozinho no escuro ou, melhor ainda, em um lugar muito distante. Coisas mágicas.
Apresentando Bill Brufford na bateria, In Search of Ancient Gods não soa como Yes. Na verdade, Absolute Elsewhere foi um projeto de Paul Fishman, a ideia que escreveu tudo. Ele toca quase tudo aqui (sintetizadores, flauta, piano, mellotron...), menos bateria e guitarra. O álbum é muito eclético, incluindo suítes sinfônicas/eletrônicas, músicas alucinantes e atmosféricas e alguns momentos cafonas, mas o clima espacial do álbum não foi tão ruim para mim, como muitos outros críticos descreveram ao longo dos anos. Este é um álbum conceitual, inspirado nos livros e teorias de Eric von Däniken sobre supostos alienígenas que vieram à Terra em tempos antigos distantes. Não acredito, mas concordo plenamente que as obras de Däniken são um ótimo material para estudar e escrever um conjunto conceitual sobre o assunto, já que escrevi uma música com conceito semelhante (Protocultura), mas influenciado por uma teoria de ficção científica. série.. Com certeza você encontrará um grande livreto junto com a música, cheio de citações e outras coisas, e fotos de lugares que Däniken afirma comprovar suas ideias. Meu momento favorito do álbum é o curto solo de sintetizador analógico The Gold Of The Gods e a progressão hipnótica de Chariots Of The Gods. O single "In Search of Ancient Gods" de Absolute Elsewhere não é um álbum essencial, mas o desenvolvimento SCI-FI junto com as suítes agradáveis e o nível de raridade para encontrar esta peça hoje em dia, fazem deste um álbum valioso para qualquer coleção de rock progressivo.
Este é um álbum que eu não conhecia na época. Como grande parte da música progressiva italiana, nunca a vi nas lojas daqui. Não é um álbum tão ruim. Na verdade, tenho a impressão de que a banda francesa "Air" encontrou aqui alguma inspiração em "Earthbound/Future past".
A música varia de cordas suaves a passagens mais sombrias. Todo mundo parece chamar o nome de Bill Bruford aqui... Ele é um baterista decente, é verdade, mas este não é o álbum DELE. Eu realmente não sabia o que pensar à primeira vista, mas a música se mantém bem. Linda flauta, bom baixo..
Sempre adorei os livros do Von Dainikins, acho que li todos na época e a música combina bastante com eles. E a arte é linda demais!!! Um 4 estrelas.2)
