CRONICA - MAGMA | Köhntarkösz (1974)

1974 foi um bom ano para Magma. Após a publicação do formidável e iconoclasta Mekanïk Destruktïẁ Kommandöh em 1973, 3º ^movimento de Theuzs Hamtaahk, a gangue Christian Vander (reduzida a 4 membros) lançou a trilha sonora de Tristan Et Yseult do diretor Yves Lagrange. Também intitulada Ẁurdah Ïtah e atribuída a Christian Vander, esta obra é o segundo movimento de Theuzs Hamtaahk . Nesse ínterim, ocorreram mudanças no treinamento. A seção de metais e grande parte dos coros partiram (o que já acontecia com Tristan Et Yseult ). Por sua vez, o pianista Jean-Luc Manderlier e o guitarrista Claude Olmos deixaram o navio.

Apoiado pelo maluco baixista Jannick Top, pelo cantor guru Klaus Blasquiz e pela angelical cantora Stella Vander, o excêntrico baterista recruta o pianista/organista Gérard Bikialo, o pianista clavineteiro Michel Graillier (que já havia feito algumas cenas com Magma) e O guitarrista inglês Brian Godding (ex Blossom Toe). Esta nova formação lança pela A&M Records Köhntarkösz , a quarta obra do Magma (a 5ª ^se considerarmos Tristan Et Yseult como LP do grupo). Só para constar, o título parece ser uma homenagem aos heróis dos quadrinhos Black e Mortimer que, em uma de suas aventuras, O Enigma da Atlântida , se deparam com Magon que leva o título de Contarkos.

Logicamente este deveria ser o primeiro movimento do Theuzs Hamtaahk . Muitos estão esperando por um segundo Mekanïk Destruktïẁ Kommandöh . Exceto que Christian leva o público para o lado errado. O primeiro ^movimento vai esperar. Correndo o máximo de riscos possível, ele não quer se afundar no sucesso do MDK . Muito fácil. O que não nos impedirá de produzir uma nova obra-prima intemporal.

Se o estilo Zeuhl de Magma com os seus aromas jazzísticos é facilmente reconhecível por esta canção imaginária que é o Kobaïen, Köhntarkösz toma outra direcção musical que é desconcertante no início, mas que rapidamente se revelará sedutora.

O disco é essencialmente mantido unido pela peça homônima em duas partes que abrem cada lado. Magnífica composição de dois tempos de 15 minutos onde a tensão é palpável a cada momento. Título deslumbrante, livre dos pomposos metais dos discos anteriores. Com andamentos lentos, uma atmosfera pesada, perturbadora, vaporosa, fantasmagórica, elevada, misteriosa, perturbadora mas nunca angustiante, “Köhntarkösz” mergulha-nos num peplum cósmico nas fronteiras das mitologias e mitos do planeta Kobaïa.

Mas o que chama a atenção não são esses teclados cativantes, quase árabes, beirando o jazz fusion. Não é esse canto e esses coros encantadores. Não é esse baixo assustadoramente lindo. Não é este piano coltraniano com motivos hipnóticos. Não ! É esta bateria. Longe da execução convulsiva e grosseira a que Christian Vander nos habituou, este último com palavras mais sóbrias e pesadas estabelece uma batida original, uma colocação no ar das pulsações rítmicas que em vez de marcar as batidas está continuamente acima. Resumindo, uma peça que nos mantém em suspense até à última nota.

De resto, duas peças mais curtas (entre 4 e 5 minutos) que fecham cada lado. Em primeiro lugar, uma composição de Jannick Top, “Ork Alarm” que narra a evacuação dos habitantes do planeta Ork após uma grande ameaça. Título doentio que, como o próprio nome sugere, é alarmista e sufocante atravessado por um solo de guitarra esquizofrênico. Por fim tem a majestosa “Coltrane Sündïa” conduzida por um piano grandiloquente e celestial (tocado por Christian Vander) para uma homenagem ao famoso saxofonista de jazz, imensa influência do baterista francês.

Títulos:
1. Köhntarkösz (Parte I)
2. Ork Alarm
3. Köhntarkösz (Parte II)
4. Coltrane Sündïa

Músicos:
Christian Vander: bateria, voz, piano, percussão
Brian Godding: guitarra
Jannick Top: baixo
Klaus Blasquiz: voz, percussão
Stella Vander: voz
Gérard Bikialo: piano, órgão
Michel Graillier: piano, clavinete

Produzido por: Giorgio Gomelsky

CRONICA - LE ROUX | So Fired Up (1983)

 

Em suas colunas, o amigo Trendkill observou o ecletismo dos dois primeiros álbuns de Le Roux (então chamado de Le Roux da Louisiana), que alternavam entre Southern Rock, AOR, funk, etc. A partir do terceiro álbum, o grupo de Baton Rouge não apenas encurtou seu nome, mas também reorientou seu estilo focando em AOR, com muito bons sucessos em outros lugares. Após o quarto álbum, o cantor e guitarrista Jeff Pollard deixou não só seus parceiros, mas também o mundo da música, para dedicar sua vida ao evangelismo. O vazio que deixou foi preenchido com a chegada de dois novos integrantes: um jovem guitarrista chamado Jim Odom e, sobretudo, um cantor que começava a ser procurado: logo chamado para substituir Bobby Kimball no Toto, Fergie Frederiksen já havia efetivado foi abordado por grupos de primeira linha como Kansas e Survivor. Outra mudança: o multi-instrumentista Bobby Campo (percussão, violino, metais), subempregado desde o terceiro álbum, também havia deixado o grupo em 1982.

Então Fired Up continuou o caminho percorrido nos dois discos anteriores, acentuando por vezes os tons “pom rock” já tocados no passado. A voz estratosférica de Frederiksen encorajou o grupo a enfatizar refrões enfáticos, como o muito bom mid-tempo "Lifeline" e a balada poderosa "Let Me In", ambos construídos como uma montanha-russa, alternando versos relaxantes e refrões ascendentes. Estas são provavelmente as duas peças mais marcantes deste álbum que, no entanto, não carece de boas canções. A receita dos dois títulos anteriores ainda se aplica a “Yours Tonight”, a meio caminho entre uma balada (os versos) e um refrão estridente onde pudemos ver em retrospectiva os contornos do que um certo Bon Jovi ofereceria alguns meses depois. Também poderíamos falar desse tipo de conexão novamente em títulos como o de tirar o fôlego “Turning Point”, até mesmo “Don't Take Me Away”, peças que endurecem um pouco o tom e não teriam deixado marca no primeiro álbum do glórias futuras de Nova Jersey. De um AOR mais suave, o single “Carrie's Gone” – música com contribuição de Frederiksen, que fala sobre seu rompimento com a atriz Carrie Hamilton – chegará aos primeiros 80 lugares do ranking americano. Será o último sucesso relativo do grupo que posteriormente se dispersará, deixando este disco como o último da discografia de Le Roux por muito tempo.

Títulos:
01. So Fired Up
02. Lifeline
03. Let Me In
04. Yours Tonight
05. Line On Love
06. Carrie’s Gone*
07. Wait One Minute
08. Turning Point*
09. Don’t Take It Away
10. Look Out

Músicos:
Fergie Frederiksen: vocais, backing vocals
Tony Haselden: guitarra, backing vocals
Jim Odom: guitarra, backing vocals
Leon Medica: baixo, backing vocals
Rod Roddy: teclado, backing vocals
David Peters: bateria, percussão, backing vocals
+
David Pack: vocais de apoio (*)

Produzido por: Leon Medica

Rótulo: RCA

ROCK ART

 

"I Love It Loud" é uma música do Kiss lançada no álbum "Creatures of the Night" em 1982.

"I Love It Loud" é uma música do Kiss lançada no álbum "Creatures of the Night" em 1982. É uma das músicas mais icônicas da banda, com seu poderoso riff de guitarra e letras cativantes. A música se tornou um clássico e é muito apreciada pelos fãs de rock. A energia dessa música é contagiante

 

Crítica ao disco de RPWL - 'Crime Scene' (2023)

 RPWL - 'Crime Scene (2023)

(17 de março de 2023, Gentle Art of Music)

Hoje apresentamos o mais recente trabalho da banda neoprogressiva alemã RPWL , que atualmente opera com a formação de Yogi Lang [vocal e teclados], Kalle Wallner [guitarras e teclados], Marc Turiaux [bateria] e Markus Grützner [baixo]. . “Crime Scene” é o título do álbum que hoje discutimos e foi publicado em meados de março passado pela editora Gentle Art Of Music, tanto em CD como em vinil (com vermelho, azul, amarelo ou o habitual preto opções de cores). ). “Crime Scene” é o primeiro álbum em quarteto depois de ter gravado uma série de três álbuns em quinteto com um tecladista extra entre 2012 e 2019 (“Beyond Man And Time”, “Wanted” e “Tales From Outer Space”). Fazendo um pouco de história, RPWL (nomeado pelas iniciais dos sobrenomes dos integrantes do quarteto original, que eram Phil Paul Risettio, Chris Postl, Waller e Lung) surgiu em 1997 como uma banda tributo ao PINK FLOYD que enfatizava seu material de 1973 em diante, e sua abordagem sinfônica moderna permitiu à banda amadurecer sua própria modalidade neo-progressiva. Começando a fazer suas próprias composições, o pessoal do RPWL fez sua estreia fonográfica às portas do novo milênio com o álbum “God Has Failed”. Este álbum de estreia chamou a atenção do mesmo público que adorava MARILLION, MOSTLY AUTUMN, PORCUPINE TREE e, posteriormente, GAZPACHO, RIVERSIDE e THE PINEAPPLE THIEF. Aliás, ao longo da sua carreira fonográfica, este grupo tem vindo a estabelecer diversas ligações estilísticas com os referidos grupos. O álbum que estamos discutindo agora é um trabalho conceitual sobre crimes infames. Por exemplo, a canção 'Red Rose' é inspirada na depravação necrófila que o radiologista germano-americano Carl von Cosel impôs ao cadáver de María Elena Milagro-Hoyos; Há também ‘A Cold Spring Day In’22’, que é inspirado no massacre da vila de Hinterkaifeck, que significou um massacre cruel de seis membros de uma família inteira.

Tudo começa com 'Victim Of Desire', música que se sai muito bem na elaboração dos desenvolvimentos temáticos e dos ambientes estilizados que os cercam após um prelúdio cósmico de certas arestas densas. Instalada a pronta engenharia do grupo, a banda mostra suas afinidades com MARILLION, PALLAS e THE PINEAPPLE THIEF (e, colateralmente, com COLDPLAY) enquanto se move com fluidez por suas diversas seções temáticas. Uma viragem cibernética que ocorre pouco antes de atingir a fronteira do quarto minuto e meio serve para explorar efémeramente o caminho do space-rock, e, aliás, dar uma breve carta branca aos tambores para que possam brilhar. Um truque bastante interessante que nos pega de surpresa e que, talvez, merecesse uma expansão um pouco maior. Após esse início atraente chega a vez da bela canção 'Red Rose', cuja estratégia expressiva consiste em entrar em uma aura contemplativa e reflexiva sobre um andamento de 7/8 em tom lento. Esta inspirada balada progressiva sabe ser envolvida por uma atmosfera amigável enquanto a letra revela os desejos sombrios do protagonista alucinado, o que implica literalmente um cruzamento entre Eros e Thanatos: “Toda a minha ajuda parecia falhar / Mas até o seu último suspiro, / Eu sei que você é minha futura noiva. / Não é um mundo que precisamos dizer.” – “Na ausência da sua luz / Quase desmoronei, / Mas agora começamos um novo dia. / Eu sei o quanto você está assustado, / Mas, por favor, volte à vida. / Você é meu refúgio em um mundo sem coração.” Uma menção especial vai para o solo de guitarra de Gimouriano que entra em cena perto do final devido à sua forma eficaz de realçar a base melódica criada para a ocasião. 'A Cold Spring Day In '22' é uma agradável música mid-tempo que nos leva simultaneamente de volta ao MARILLION de 2004 e ao PORCUPINE TREE da fase 1999-2000. Quando chega a hora de 'Life In A Cage', o grupo retorna parcialmente à majestade densamente estilizada que marcou a peça de abertura. Claro que aqui notamos uma atitude um pouco mais restrita na gestão do rock punch ativado para o esquema sonoro. Tudo começa com um tenor um tanto etéreo e depois se transforma em um swing moderado onde as vibrações melódicas do violão assumem o novo comando do bloco sonoro integral. Há muita ligação com o PINK FLOYD pós-Waters pela música que abraça essas letras inspiradas na mentalidade de um sociopata carcerário que se sente tanto prisioneiro do regime prisional quanto de sua própria mente.

Com duração de pouco mais de 12 minutos e meio, 'King Of The World' se destaca como a peça mais longa do álbum, sendo explicitamente projetada para elevá-lo ao auge da riqueza musical. Para começar, temos o prólogo mais animado de todas as canções que compõem este repertório, uma excursão musical bem definida onde os instrumentos contribuem com os seus próprios destaques para reforçar a maquinação comunitária. O próprio baixo proporciona floreios muito interessantes para realçar a orquestração, muito imersa no espírito do paradigma neo-progressivo britânico dos anos 80 (não podemos deixar de evocar aqueles primeiros álbuns de PENDRAGON, MARILLION e IQ quando percebemos tudo o que acontece no primeiro minuto e um quarto). Uma vez iniciada a cantoria, as coisas se acalmam para que seja dada a quantidade adequada de cerimônia para a música, e as coisas continuam assim por um longo tempo para que a atmosfera emocional forneça a forma adequada ao esquema melódico em andamento. No meio do caminho, as coisas ficam moderadamente sofisticadas e é aqui que o palco parece apropriado para um bom solo de sintetizador no estilo Banks e outro bom solo de guitarra no estilo Rothery. O fato de esse brilho refrescante ser manuseado com sóbria facilidade garante que a seção cantada fique em um terreno compacto, ao mesmo tempo que assume maior poder do rock. O encerramento do repertório vem com 'Another Life Beyond Control', música que retorna integralmente às convergências estilísticas com THE PINEAPPLE THIEF e o PORCUPINE TREE do final do último milênio. Seu mid-tempo constante e sua maneira muito particular de filtrar com elegância sistemática o punch rock da banda alimentam de forma eficiente o groove principal e os vários ornamentos de teclado que surgem ao longo do caminho. Tudo isso foi o que nos foi oferecido com “Crime Scene” da sede da RPWL, banda veterana que já tem nome próprio dentro do universo neoprogressista do novo milênio. Do nosso ponto de vista, é uma das obras mais notáveis ​​deste grupo que, hoje, já conta com um público muito fiel, e claro que é merecido.

- Amostras de 'Crime Scene:

Victim Of Desire:

Red Rose:

Crítica do disco de Univers Zéro - 'Lueur' (2023)

 Univers Zéro - 'Lueur' (2023)

(22 de novembro de 2023, Sub Rosa Label)

Felicidade para milhares, até milhões, dentro da tradição progressista de ontem e de hoje!! O veterano colectivo belga UNIVERS ZÉRO , referência inevitável e fundamental do que se tem chamado rock-in-opposition no âmbito europeu continental, regressa aos ringues com um novo álbum. Este novo trabalho, décimo primeiro estúdio da sua longa carreira (e sexto desde a sua reforma no final dos anos 90) intitula-se “Lueur” e foi publicado muito recentemente, no dia 3 de novembro, pela editora nacional Sub Rosa. vinil (preto e transparente). A formação que criou e gravou “Lueur” é composta por Daniel Denis [bateria, percussão e teclados], Nicolas Dechêne [guitarras], Kurt Budé [clarinete e clarinete baixo] e Nicolas Denis [baixo, percussão e canto], que tiveram já lançaram “Phosphorescent Dreams” (o último álbum do UNIVERS ZÉRO até agora, que data de fevereiro de 2012). Na verdade, este novo álbum continua o caminho marcado por este outro; Parece até que o título (que significa brilhar em espanhol) aponta para essa ideia. “Lueur” é o resultado de dois anos de trabalho de inspiração criativa e de reflexão sobre os objectivos estéticos que o grupo (formado em 1974 e que só conseguiu fazer a sua estreia fonográfica com o álbum homónimo de 1977) pretendia estabelecer. nesses tempos.

'Migration Vers Le Bas' abre o álbum com alguns ares industriais que se expandem em cadências imponentes e sombrias; As batidas da percussão, comandando a atmosfera obscurantista que se reforça a cada segundo que passa, parecem anunciar a aproximação constante de algo ameaçador e misterioso. A partir daqui irrompe 'Sfumato (Part 1)', que é a música mais longa do repertório com quase 9 minutos e meio de duração. Os acordes iniciais do órgão têm uma cerimônia acinzentada que também tem algo etéreo, e quando a música começa a esculpir, uma aura de feitiço surrealista penetra na estrutura sonora. Logo após o terceiro minuto, todo o conjunto é enquadrado num langor pesado e feroz, enquanto o tripé de guitarra, baixo e clarinete cria uma fanfarra noturna enquanto o piano instala alguns floreios ligeiros e ligeiramente luminosos. Passado esse momento de tensão apurada, a peça retorna à parcimônia anterior, adotando um lirismo um pouco mais pronunciado. É aqui que percebemos que o que nos parecia sombrio era, na realidade, nebuloso, e o que parecia perturbador era, no fundo, solipsista. Assim que o canto retorna, o teor da atmosfera geral parece um pouco mais relaxado. 'Cloportes' orienta-se radicalmente para o extrovertido com um clima muito mais animado que, notoriamente, alimenta os grooves jazz-rock nas bases da engenharia instrumental em andamento. Há certa semelhança familiar com MASAL e ARANIS no que aqui se constrói. Depois desta demonstração de desenvoltura colorida vem a mestria de 'Rolling Eyes', outra peça portadora de uma vivacidade inconfundível, mas desta vez focada numa altivez que obriga os arranjos instrumentais a limitarem-se a um esquema rítmico ligeiramente mais austero. Cuidado, só um pouco, ainda há uma boa dose de exuberância na forma como os dois Denis apoiam a engenharia sonora global. O momento em que o fantástico solo de guitarra brilha estabelece uma sustentação momentânea de vibrações tensas. Foi uma sucessão de duas peças tremendamente belas. A sequência dessas duas músicas constitui o apogeu absoluto do álbum. 'Axe 117' é uma manifestação do minimalismo mecanizado que aponta para a dimensão mais abstrata da ideologia estética do UNIVERS ZÉRO. É o fim da agitação e a entrada para um novo lugar através de uma passagem de cimento frio que parece esconder alguns espíritos infames do outro lado.

'Sfumato (Parte 2)' retorna totalmente à tensão emocional derramada na Parte 1, mas desta vez passa por uma cirurgia radical de fogos dançantes e luzes absorventes que fazem tudo parecer mais esmagadoramente majestoso. Do jeito que está, a banda planeja uma espécie de retorno à fase 1981-87. Depois surge a sua breve e lânguida coda 'Wavering', uma peça marcada por um clima fúnebre e envolta numa névoa espectral, suficientemente ténue para não afundar numa sombra inescrutável. 'La Tête À L'envers' é uma peça curta (não dura dois minutos) que consegue expandir-se num agradável swing jazz-progressivo relativamente próximo do padrão FORGAS BAND PHENOMENA, embora com uma distinção furtiva que fica sentida através do sulco dominante. 'Mister Chung' é exatamente o oposto: sem swing, uma exibição direta de atmosferas cinematográficas perturbadoras, onde sutilezas exóticas criadas para a ocasião se transformam para dar lugar a uma severidade sombria. A dupla ‘Dartafalk’ e ‘Coda’ se encarrega de dar o toque final ao repertório. A primeira das canções mencionadas começa por assumir a liderança de 'Mister Chung' para mergulhar no sombrio, mas pouco depois o esquema instrumental é reativado a partir de configurações folclóricas saltitantes que, aos poucos, se deixam levar por um arrogância graciosa e progressiva. A brilhante criatividade aqui expressada faz com que esta música incorpore o último apogeu do repertório. Já a peça apropriadamente intitulada 'Coda' consiste num ritual de celebração aristocrática da pulsão de viver. Na relação entre o aperto das guitarras e a agitação incendiária da percussão, opera um pathos de delírio assertivo de onde irradia um otimismo sem precedentes, algo que funciona como o encerramento perfeito de “Lueur”. Concluindo, é uma maravilha do momento atual da música progressiva que uma entidade tão veterana como a UNIVERS ZÉRO não só permaneça em vigor, mas também continue a ser capaz de criar obras musicais de tão grande qualidade. Um brinde a este novo brilho do esplendor incombustível do UNIVERS ZÉRO!!

- Amostras de 'Lueur':

Concerto do 90º aniversário de Willie Nelson Star-Studded: análise de CD/Blu-ray

 

Willie Nelson teve um ano e tanto em 2023. Ele ganhou dois Grammys, somando-se aos 10 que já havia ganhado; publicou um livro chamado Energy Follows Thought: The Stories Behind My Songs ; lançou dois álbuns de estúdio, Bluegrass e I Don't Know a Thing About Love ; foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll; viajou constantemente; e comemorou seu 90º aniversário com um concerto gigante de duas noites no Hollywood Bowl nos dias 29 e 30 de abril. Tudo isso resultaria em uma impressionante agitação de atividades para um artista jovem ou de meia-idade, mas o aniversário que Nelson estava comemorando era o número 90.

Willie Nelson e Keith Richards no segundo concerto de aniversário de 90 anos no Hollywood Bowl em 30 de abril de 2023 (Foto: Randall Michelson; usado com permissão)

E que celebração foi aquela, completa com o tipo de lista de convidados de todos e seus irmãos que você associaria a um evento como Woodstock ou a Última Valsa da Banda. Além do próprio Nelson , os shows contaram com Beck, Dwight Yoakam, Emmylou Harris, Keith Richards, Lyle Lovett, Neil Young, Norah Jones, Bob Weir, Sheryl Crow, Stephen Stills e Tom Jones, para citar apenas alguns dos aproximadamente quatro dúzias artistas em destaque. Suas apresentações abrangeram muitas das composições clássicas de Nelson, como “Pretty Paper”, “Hello Walls” e “On the Road Again”, bem como outros números que estão associados a ele, entre eles “Always on My Mind” e “ Olhos Azuis Chorando na Chuva.”

Até a banda de apoio era luminosa, com artistas como Don Was no baixo e Benmont Tench dos Heartbreakers nos teclados. O mesmo aconteceu com os apresentadores, que incluíam os atores Ethan Hawke, Helen Mirren e Woody Harrelson.

Os destaques dos shows acabam de ser lançados em um pacote que inclui dois CDs e um Blu-ray widescreen com som surround. O conjunto se chama Long Story Short: Willie Nelson 90 , mas não há nada de especial: os CDs duram duas horas e meia e o vídeo é ainda um pouco mais longo. (E se isso não for suficiente para você, você pode optar por uma edição digital que adiciona 13 faixas bônus.)

Inevitavelmente, talvez, dada a vasta gama de artistas, nem todas as 39 performances apresentadas sejam memoráveis, mas muitas delas são. Dave Matthews derrama seu coração e alma em uma versão acústica de “Funny How Time Slips Away” de Nelson, por exemplo, enquanto o filho de Willie, Lukas, faz uma versão de parar o show de “Angel Flying Too Close to the Ground” de seu pai, na qual ele soa quase exatamente como seu pai.

Outro belo momento vem com a leitura de Rosanne Cash de “Loving Her Was Easier (Than Anything I'll Ever Do Again)”, que termina em um dueto emocionante com Kris Kristofferson, de 86 anos, o compositor da música.

Assista a dupla se apresentar no show do 90º aniversário de Willie Nelson em 28 de abril

O próprio Nelson também tem muitos papéis excelentes, incluindo duetos com George Strait em “Pancho and Lefty” de Townes Van Zandt e com o frequente parceiro de composição Buddy Cannon na comovente “Something You Get Through”.

Bem antes do show terminar – com a apresentação de Nelson de sua música característica, “On the Road Again”, seguida por uma cantoria de “Happy Birthday” – você vai desejar ter estado lá. Você provavelmente também desejará que, quando chegar aos 90, ainda possa estar pelo menos metade da vida de Nelson. Ele teve uma carreira e tanto e, para citar o título de uma música de Rodney Crowell apresentada neste show, “It Ain't Over Yet”.

Nº1The World Is a Ghetto – War, Fevereiro 17, 1973

 Track listing: The Cisco Kid / Where Was You At / City, Country, City / Four Cornered Room / The World Is a Ghetto / Beetles in the Bog

17 de fevereiro de 1973
2 semanas

War estava no mapa como banda de apoio do ex-vocalista do Animals, Eric Burdon. Embora Burdon tenha feito inicialmente parte da invasão britânica, a guerra era exclusivamente americana e um produto definitivo do sul da Califórnia. Depois de dois álbuns com Burdon, o cantor saiu, mas o War, com sete membros, continuou.

No início, as coisas estavam instáveis. War , lançado em 1971, mal atingiu a parada de álbuns, chegando ao número 190. Mas o álbum seguinte, All Day Music, de 1972 , se saiu significativamente melhor, alcançando o número 16, provando que War poderia realmente se sustentar por conta própria e preparar o cenário. para O mundo é um gueto.

A capacidade do War de encontrar aceitação comercial sem Burdon deu ao grupo uma nova confiança e liberdade, diz o produtor Jerry Goldstein, que primeiro teve sucesso como co-produtor do hit número um dos Angels de 1963, “My Boyfriend's Back”, e mais tarde como membro do os Strangeloves.

Sentindo que a banda estava em alta criativa, Goldstein reservou o Crystal Studios em Los Angeles por 30 dias consecutivos, para que o ímpeto de War não fosse interrompido. Embora parte do material tenha sido ensaiado antes de entrar em estúdio, a maior parte foi criada na hora com grooves espontâneos, diz ele.

O mundo é um gueto ocorreu em um momento decisivo na carreira de War. “A guerra foi realmente uma acumulação do passado”, diz Goldstein. “Em All Day Music , eles começaram a criar coisas, mas em The World Is a Ghetto eles foram forçados a ser espontâneos. Eles precisavam fazer um álbum e precisavam ser criativos.”

A faixa de abertura, “The Cisco Kid”, foi inspirada no programa de TV de mesmo nome do final dos anos 50. O guitarrista Howard Scott criou o conceito na escadaria de seu apartamento em Compton. “Na verdade, foi baseado no fato de que ele era o único herói não-anglo no final dos anos 50 e 60 com quem eles poderiam se identificar”, diz Goldstein. “Todos os outros super-heróis eram brancos.”

O público não se identificou apenas com os sentimentos de “The Cisco Kid”, mas também com seu contagiante ritmo latino, já que o single se tornou o maior sucesso de War, alcançando o segundo lugar. Posteriormente, a banda presenteou Duncan Renaldo, o homem que interpretou o Cisco Kid na TV, com um disco de ouro.

Embora seis dos sete membros do War fossem afro-americanos e o sétimo dinamarquês, o grupo se especializou em ritmos latinos e mais tarde faria sucesso com “Low Rider”, música que se tornaria um hino para a cultura automobilística latina.

A guerra também era conhecida por seus comentários sociais em cortes como “The Worid Is a Ghetto” e “Four Cornered Room”. No entanto, para muitos, a música era tão importante quanto a mensagem. Goldstein ainda se lembra de ter gravado a faixa-título. Uma versão editada da música de 10 minutos foi lançada como single e alcançou a sétima posição. Diz Goldstein: “Quando Charles Miller tocou aquele solo de sax, eu chorei. Eu nunca tinha ouvido ninguém com esse tipo de sentimento e alma. Sentei-me no estúdio no final da noite e ouvi-o repetidamente até de manhã.”

OS CINCO MELHORES
Semana de 17 de fevereiro de 1973

1. The World Is a Ghetto, War
2. No Secrets, Carly Simon
3. Talking Book, Stevie Wonder
A. Rhymes & Reasons, Carole King
5. Hot August, Night Neil Diamond