quarta-feira, 5 de junho de 2024

Cervello: Melos (1973)


cérebro melosIntimamente relacionado com Osanna pela localização geográfica e pela presença de Corrado Rustici , irmão de Danilo , o quinteto Cervello nasceu em Nápoles no final de 1972.  Assim que foi formada, a banda recém-formada destacou-se imediatamente em pelo menos quatro Festivais Pop de certa relevância: Palermo Pop, Nettuno Pop, Mestre e sobretudo no 3º Festival de Vanguardas e Novas Tendências organizado na sua cidade natal. Aqui, são apresentados pelos próprios Osanna e obtêm excelente feedback do público e da crítica. Mesmo que a comparação entre os dois grupos de “camaradas” seja quase automática, Cervello consegue rapidamente esculpir uma dimensão sonora própria, refinada e original, o que o leva a assinar um contrato com a Dischi Ricordi . O resultado é um álbum único, " Melos ", que apesar de não ser muito quantitativo para um grupo tão válido, continua sendo um dos álbuns mais sofisticados de todo o Progressivo Italiano ( a começar pela capa em que a caixa de tomates se abre revelando a foto laminada pelo grupo ). Nos " Melos " linhas harmónicas mediterrânicas, étnicas, clássicas, Prog, Rock e Jazz Rock unem-se em grande harmonia e com grande competência técnica e composicional e, apesar do grande número de estilos a que o grupo se refere, o resultado final é extraordinariamente homogéneo e cada uma das sete músicas não tem queda de tom a ponto de renderizar uma obra fluida e fluida. O som, essencialmente baseado em voz, instrumentos de sopro, guitarras, coros e percussão, surpreende tanto pela sua potência e incisividade, como pela sua plenitude timbre que, aliás, quase nunca fez uso de teclados: algo verdadeiramente anómalo para uma banda do início dos anos 70. É, portanto, convincente pensar que toda a massa sonora que se ouve é o resultado de harmonizações entre vozes e instrumentos acústicos com o único auxílio da guitarra elétrica de Rustici: uma obra-prima de arranjo, portanto. Os tapetes são confiados apenas ao entrelaçamento dos instrumentos de sopro ( todos os cinco músicos tocam flauta ) e às complexas alquimias vocais que, aos poucos, vão se tornando o leitmotiv do álbum. Musicalmente " Melos " é severo e bastante existencialista. Quase não tem vestígios daquela brincadeira napolitana que por vezes surgia em Osanna : cada nota é considerada até ao último detalhe e perfeitamente funcional à estrutura da peça, à magnífica voz de


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Gianluigi di Franco (que lembra muito Gianfranco Gaza de Procession ) se encaixa na composição com muito equilíbrio e, mais excelente ainda, é o trabalho de Corrado Rustici, bem equilibrado entre o elétrico e o acústico.

A fase de escuta abre com um cartão de visita oficial (“ Canto del Capro ”) no qual o grupo traça todas as diretrizes do trabalho. Após uma introdução etérea e sonhadora, surgem citações vocais emprestadas da tradição grega ( daí o título do álbum ), um conjunto coral em tempos ímpares e um longo parêntese acústico que electrifica progressivamente até ao final da canção. 
O uso da instrumentação e do ritmo vai crescendo aos poucos até completar e definir o resto do Ellepì. Não faltam pausas acústicas ou corais para embelezar uma obra já extraordinária. Entre uma surpresa harmónica e outra, o álbum desliza sem hesitações até à sua peça mais completa, “ Melos ” em que voz e vibrafone introduzem cinco minutos de grande intensidade musical. É realmente difícil não ficar impressionado. Encontrar defeitos num álbum como este não é fácil: talvez o final um tanto suspenso que não fecha perfeitamente a obra, talvez uma certa repetitividade tímbrica, talvez a acústica excessiva... O facto é que, considerando tudo, " Melos " não não teve o impacto conflituoso que merecia e Cervello sofreu um revés muito duro que causou a sua dissolução: Rustici juntou-se ao irmão em Osanna e depois juntou-se à Nova e Di Franco iniciou uma longa associação com Toni Esposito. Fica para a posteridade um álbum fabuloso, suave, sofisticado e na minha opinião, essencial para qualquer amante do pop italiano dos anos 70.

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Balletto di Bronzo: Ys (1972)

 

balé de bronze em 1972
Dois anos depois do álbum de estreia " Sirio 2222 ", os napolitanos Balletto di Bronzo passam por uma verdadeira transfiguração física e estilística.

Protagonista: o tecladista Gianni Leone, conhecido como LeoNero ,  vindo do primeiro núcleo da extinta Città Frontale .A transformação é radical e, ao lado do próprio Leone , o baixista Vito Manzari (ex-" Quelle bizarre cose che ") também assume o lugar dos mais discretos Michele Cupaiuolo e Marco Cecioni . Leone tem ideias claras, instrumentação adequada e um carisma tão preponderante que carrega toda a sonoridade do grupo desde o pós-beat psicodélico do início até o Prog mais radicalAté a gravadora original RCA , assustada com o novo rumo da banda, entrega-a de bom grado à Polydor , que entretanto se interessa cada vez mais pelo novo Pop de vanguarda ( Latte e Miele , Mauro Pelosi , Bill Gray do Trip ) e o faz. não economiza na produção do quarteto napolitano: suntuosa capa completa com livreto interno, mixagem muito sofisticada do conhecido engenheiro de som Gaetano Ria e prestigiados colaboradores como o Maestro Mariano Detto do Clã Celentano .

Nota curiosa: entre os quatro cantores de estúdio,destaca-se também um certo Giusy Romeo (depois Giuni Russo
 ), destinado a uma brilhante carreira solo dez anos depois. A nova criação do Ballet intitula-se “ Ys ” e já desde o conceito básico fica claro que se trata de uma obra ambiciosa e transcendental.O conto descreve os encontros do último homem sobrevivente na terra antes do apocalipse com três personagens: uma figura de coração partido e agonizante , o Cristo e provavelmente, a própria figura da Morte .Para inspirar tudo, a mítica cidade bretã de Ys, na baía de Finisterra , submersa pelo Oceano Atlântico em 444 a.C. devido, diz-se, à imprudência da jovem princesa Dahout que inesperadamente abriu as comportas, expondo a cidade ao maré devastadora
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(uma versão “anteliteram” do desastre de Chernobyl, se preferir) . 
Para além da teoria, porém, o que fez este álbum entrar para a história foi a sua arquitetura musical revolucionária que, embora homogênea e rigorosa no sentido clássico, apresentava um groove tão desestruturado que tornou toda a obra absolutamente exclusiva para a Itália de 1972. A ausência de melodia é total. As vozes iniciais, sombrias e fúnebres, fluem para polifonias complexas sobre um tapete de teclados dissonantes e preciosos cinzelamentos de guitarra que parecem ter sido emprestados do melhor Robert Fripp . O ritmo é uma sobreposição incessante de síncopes e andamentos estranhos. Mesmo os coros, que no sentido clássico deveriam harmonizar a melodia, são usados ​​para confundi-la e desarticulá-la. O álbum alterna momentos eletrônicos com atmosferas de hard jazz num continuum de evocações, alucinações harmônicas, sequências multirrítmicas, citações barrocas e narrações cantadas . Em outras palavras: puro rock progressivo . Cada movimento é fragmentado em diversas passagens (que se desenvolvem mesmo no espaço de alguns segundos) que denotam não apenas uma impressionante imaginação composicional, mas também uma extraordinária habilidade de montagem. Os sons são constantemente diversificados pela artilharia de teclado de Gianni Leone . O epílogo que descreve o apocalipse é um cruzamento entre Bach e Quartieri Spagnoli : quase bonito demais para ser descrito, e talvez igualmente difícil de apreciar.  Infelizmente, Ys foi " apocalíptico " não só na sua forma artística, mas também para o próprio Ballet de Bronze que deixou de existir pouco depois: oprimido por divergências internas, por uma vida indisciplinada e, sobretudo, desiludido pela substancial incompreensão com que recebeu sua obra-prima. Pessoalmente não creio que " Ys " tenha tido muita influência na cena Prog italiana. Mesmo admitindo que foi uma obra transgressora e única no seu género, na verdade, foi também tão grandiloquente que acabou por ser mais hedonista do que comunicativa . Afinal, a única vanguarda, mesmo que levada aos mais altos níveis


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, não é suficiente para retornar um caminho universalmente reconhecido: a comunicação também é necessária, e Ys certamente não tinha nenhuma.

















Em Junho de 1972, o LP do Jethro Tull "Thick as a Brick" ficou em #1 na parada de álbuns da Billboard 200 dos EUA (3 de junho).


  Em Junho de 1972, o LP do Jethro Tull "Thick as a Brick" ficou em #1 na parada de álbuns da Billboard 200 dos EUA (3 de junho).

Outra obra-prima do Jethro Tull...
O álbum contém uma peça de música contínua, dividida em dois lados de um álbum LP, e é uma paródia do gênero conceitual do álbum.
A embalagem original, projetada como um jornal, afirma que o álbum é uma adaptação musical de um poema épico do gênio fictício Gerald Bostock, embora as letras tenham sido realmente escritas pelo vocalista da banda, Ian Anderson.
“Thick as a Brick” é um clássico absoluto do gênero rock prog.
Anderson também disse que "o álbum foi uma paródia para os álbuns de Yes e Emerson, Lake & Palmer, muito parecido com o filme Airplane! tinha estado no Airport" e mais tarde observou que era um "um pouco de sátira sobre todo o conceito de álbuns conceituais baseados em grand rock".
O álbum foi até o #1 nos EUA, Austrália, Canadá e Dinamarca, #2 na Itália, #3 na Noruega e Holanda, #4 na Alemanha e Finlândia, e #5 no Reino Unido.




Em Junho de 1972, o LP Derek & the Dominos “Layla and Other Sorted Love Songs” voltou a entrar na parada de álbuns da Billboard 200 dos EUA na #91 (3 de junho).


Em Junho de 1972, o LP Derek & the Dominos “Layla and Other Sorted Love Songs” voltou a entrar na parada de álbuns da Billboard 200 dos EUA na #91 (3 de junho).
Inicialmente considerado como uma decepção crítica e comercial, foi o único álbum de estúdio da banda, com dois dos maiores guitarristas do rock: Eric Clapton, e Duane Allman, que tocaram guitarra e slide em 11 das 14 músicas, incluindo a música que se tornaria um clássico do rock: "Layla".
Como é que o Duane Allman estava no álbum?
Depois que Clapton passou por aqui para assistir a um show dos Allman Brothers, Duane Allman perguntou a Clapton se ele poderia vir ao estúdio para assistir algumas sessões de gravação, mas Clapton convidou-o diretamente para lá, dizendo: "Traga sua guitarra; você tem que tocar! "
Improvisando juntos durante a noite, os dois se juntaram; o produtor veterano Tom Dowd relatou que eles "estavam trocando lambidas, estavam trocando guitarras, estavam falando de trabalho e informações e se divertindo - sem barras, apenas admiração pela técnica e instalação um do outro. "
Clapton escreveu mais tarde em sua autobiografia que ele e Allman eram inseparáveis durante as sessões na Flórida; ele falou sobre Allman como o "irmão musical que eu nunca tive, mas gostaria de ter".
O álbum falhou nas paradas quando foi lançado pela primeira vez em 1970 na Grã-Bretanha e alcançou a posição #16 nos EUA.
Ele retornou à parada de álbuns dos EUA 200 novamente em 1972, 1974 e 1977, e desde então foi certificado Ouro pela RIAA.

O álbum finalmente estreou na UK Albums Chart em 2011, atingindo a posição #68. 



Arooj Aftab - Night Reign (2024)

Night Reign (2024)
Arooj Aftab emergiu nos últimos anos como um dos cantores e compositores mais interessantes da indústria musical. Com sua combinação de influências de várias partes da diáspora do sul da Ásia (ou seja, Paquistão) e uma presença assustadora por trás do microfone, Aftab é uma das vozes de seu tipo mais instantaneamente reconhecíveis no momento. Mesmo assim, ela não existe há tempo suficiente para justificar plenamente chamá-la de mestre em seu ofício (mesmo que discos como Vulture Prince de 2021, seu último álbum de estúdio totalmente solo, sejam ótimos). Night Reign, seu último álbum de estúdio, bem como seu primeiro disco inteiramente solo em três anos, acrescenta outro disco a uma discografia impecável que parece encorajar legitimamente uma série de pessoas a considerá-la uma das musicistas folk mais marcantes da década. distante.

Talvez a coisa mais imediatamente interessante sobre Night Reign seja a maneira como ele capta influências jazzísticas de uma forma indiscutivelmente nunca antes vista no catálogo solo de Arooj Aftab. Isso pode ser fortemente atribuído ao seu álbum de 2023, Love in Exile, onde ela cruzou o caminho com os artistas decididamente mais baseados no jazz, Vijay Iyer e Shahzad Ismaily. Embora o álbum mencionado acima não parecesse nada especialmente inovador para nenhuma das partes envolvidas, obviamente teve um impacto em como Night Reign se desenvolveu estilisticamente (e para melhor, aliás). Essas influências do jazz vêm em uma variedade de formas ao longo do álbum, desde performances vocais ocasionais no estilo Billie Holiday de Aftab em faixas como "Last Night Reprise" (um feito impressionante, considerando que ela já tem uma voz muitas vezes deslumbrante, sem abraçar ainda mais o arquétipo melancolia de muitos grandes vocalistas de jazz de uma época há muito passada) ao baixo vertical cru e não filtrado de pessoas como Petros Klampanis e Linda Oh em grande parte do disco. Certamente ajuda o fato de vários músicos de jazz (ou, pelo menos, artistas que experimentaram o gênero no passado) terem vindo aqui. Isso inclui, mas não está limitado a, a poderosa performance de palavra falada de Moor Mother em "Bolo Na", a performance multi-instrumental estilo ECM do Chocolate Genius na faixa de encerramento do álbum "Zameen" e o trabalho de piano de Vijay Iyer cruzando o caminho com Aftab novamente em "Saaqi". Todas essas aparições de vários indivíduos que se dedicam ou pelo menos experimentam o jazz permitem que Night Reign desenvolva uma identidade criativa que é amplamente baseada no flerte com conceitos baseados no jazz, mais do que Aftab jamais fez antes. Mais importante, sem dúvida, é o fato de que as influências do jazz aqui se inclinam fortemente para os temas geralmente noturnos nos quais o álbum está profundamente enraizado.

Como se pode adivinhar pelo título do álbum, Night Reign é um disco que se baseia fortemente na noite e nos vários sentimentos que a acompanham. Com Aftab citando a noite e seus hábitos de coruja noturna como inspiração direta por trás da criação de Night Reign e da atmosfera que o acompanha, parece justo chamar este disco de um dos trabalhos mais misteriosos de Aftab até hoje. Há algo particularmente especial e comovente na serenidade vazia da quietude da noite se você estiver no lugar certo na hora certa quando o sol termina de se pôr, e esses mesmos tons são capturados na íntegra em Night Reign. A beleza da noite e a sua quietude, permitindo assim que os meandros subtis da existência brilhem no nosso dia-a-dia, é algo que parece reflectido com precisão aqui, com Aftab a conseguir captar os sentimentos da noite num campo vazio e em uma cidade agora adormecida da mesma forma. Na verdade, a variação de tom que ocorre ao longo do Night Reign, apesar do fato de manter uma atmosfera noturna relativamente consistente, é um ponto de venda extremamente importante para o álbum como um todo, pois significa que Night Reign é capaz de fluir e mudar. durante todo o seu tempo de execução, sem nunca se desviar totalmente das qualidades que o tornam tão especial em primeiro lugar. 

Arooj Aftab é um compositor e intérprete profundamente único, e Night Reign continua a provar essa verdade. Mais importante ainda, graças a uma nova abordagem de seu ambiente característico que aprimora algumas influências do jazz e um abraço pacífico da noite, isso parece mais um passo em frente criativamente para Aftab. É consistentemente impressionante como as coisas são tratadas aqui em quase todos os aspectos, desde a atmosfera até uma série de recursos excelentes de colaboradores pré-estabelecidos e novos para Aftab. Se ela está atualmente criando uma das discografias mais sólidas da música de cantores e compositores em geral, então Night Reign é Arooj Aftab dando mais um passo em direção à grandeza.


The Marías - Submarine (2024)

Submarine (2024)
O primeiro disco completo dos Marías foi uma cama de dossel forrada em luxuoso veludo vermelho, um material igualado apenas pelos tons sedosos do vocalista da banda. Nomeado por sua experiência na arte de relaxar nas altas horas da noite e se fundir em projeções oníricas de ficção e fantasia, Cinema preparou o cenário para um home run em nome da eventual cena do segundo ano deste grupo de pop alternativo californiano. A bola de cristal é limpa de fumaça com Submarino de 2024, onde as expectativas do público não são apenas atendidas, mas manipuladas de maneiras inesperadas e exultantes.

Assim como seu antecessor cumpriu suas promessas ao se instalar nos cantos da tela prateada adormecida, Submarine é criativo com as conotações de seu título. As Marías aprimoraram seu estilo de produção com uma chuva intencionalmente nebulosa, aprimorando sutilmente seu conhecimento dos meandros da cena pop suave, mas ramificando-se lateralmente para dar as boas-vindas ao trip hop e ao lounge. Em nenhum momento a essência líquida do álbum é um fardo – pelo contrário, apenas faz tudo parecer mais leve.

Algumas dessas quatorze músicas parecem mais aquáticas do que outras, mas isso só mostra como o grupo mediu a pressão e a diversidade de seu ecossistema local. Os tambores brilhantes de Hamptons e as reflexões poéticas de Vicious Sensitive Robot saltam em conjunto ao longo do fundo do oceano, mas Run Your Mouth e Love You Anyway dão saltos acima da superfície do mar como golfinhos treinados. Uma bola de discoteca pulsante afunda lenta mas flexívelmente nas areias da Vida Real, ondulando e refletindo em ondas crescentes e decrescentes de admiração romântica. Lejos de Ti e Ay No Puedo expandem o conjunto de habilidades de Marías tanto no lado lírico quanto no instrumental, mas nada pode corresponder ao auge que é Paranoia, um pedaço fascinante e suculento de perfeição pop.

Uma atmosfera ao ar livre às vezes dificulta a parte do “quarto” do típico som pop de quarto das Marías, mas Submarine é uma progressão promissora e uma forma musical de hidratação revigorante.


Bat for Lashes - The Dream of Delphi (2024)

Encantador, gracioso, terno e paciente. 'The Dream of Delphi' não aparece como muitos de seus discos anteriores, mas repousa em um bolso emocional mais profundo. Menos brilho artístico pop e mais introspecção pop de câmara ambiente sonhadora. O que ela poderia ter renunciado no imediatismo foi mais do que compensado pela beleza de coração mole.

Liricamente, Khan construiu o álbum em torno de sua experiência de paternidade e dos momentos de alegria, admiração, amor e medo devastadores que ela produz. Mesmo quando não há letra alguma (o que acontece com bastante frequência), Khan comunica cada emoção mista da paternidade com uma sensibilidade e elegância que é realmente especial de compartilhar. Em 'The Midwives Have Left', por exemplo, seus vocais sem palavras capturam perfeitamente o momento lindo e aterrorizante quando você fica sozinha com seu bebê.

E é esse sentimento que retiro principalmente de 'The Dream of Delphi' . Cheio de esperança e ansiedade. E muito amor profundamente sentido. Como deveria ser qualquer momento de redespertar existencial.


Radiohead - Amnesiac (2001)

Amnesiac (2001)
Embora regularmente considerado Kid A B-Sides, Amnesiac oferece uma experiência totalmente nova, que parece muito distante de seu antecessor. Embora o material seja originário do mesmo período, fica claro que os álbuns irmãos mostram os dois lados da mesma moeda. Enquanto Kid A é fortemente eletrônico, melancólico e alienígena, Amnesiac é muito mais orgânico, doloroso e real.

A cada lançamento até agora, o Radiohead se esforçou ainda mais, evoluindo naturalmente de um lado para o outro. Com The Bends eles amadureceram em suas composições. Durante OK Computer a banda se viu experimentando e levando o rock ao seu limite absoluto. A experimentação, a eletrônica e a ansiedade assumiram completamente o controle de Kid A , então onde isso deixa Amnesiac ? Bem, qualquer consistência ou tema foi jogado pela janela, e o que temos aqui é miséria pura e abstrata.

O álbum inteiro parece corrompido, misterioso e diferente de tudo que a banda criou ou criaria. Desde a ansiosa abertura, a angustiante balada de piano 'Pyramid Song', ou a sombriamente desconfortável 'Knives Out', fica claro que há algo profundamente sinistro e perturbador abaixo da superfície. Parece que o “protagonista” deste álbum está em espiral, como se a música estivesse fora de seu controle, deixando-os, nas palavras de Thom Yorke, “presos em uma fechadura específica em seu coração”.

O único problema real deste álbum é uma faca de dois gumes. Por melhores que sejam essas músicas, algumas carecem de conexão real com o resto do material, como o interlúdio 'Hunting Bears', que simplesmente existe no disco sem motivo. Como resultado, o álbum parece muito desarticulado, o que é ao mesmo tempo uma bênção e uma maldição. Outro Iron Lung para a banda, suponho.

No final das contas, Amnesiac é um álbum muito bom no catálogo incrivelmente consistente do Radiohead, mesmo que seja injustamente retratado como um estranho.


Fleet Foxes - Fleet Foxes (2008)

Fleet Foxes (2008)
Descrevendo sua música como "jams pop barrocas e harmônicas", os Fleet Foxes aspiram alegremente a uma tradição anterior de antigas canções folclóricas inglesas e de seus posteriores descendentes americanos. Embora essa abordagem pudesse ter resultado em um álbum de estreia artificial ou indulgente, a banda efetivamente utiliza a contenção e estrutura seus floreios em canções pop cheias de melodias vibrantes e harmonias cheias de simbolismo vívido. Ao longo de Fleet Foxes , imagens universais como montanhas, pássaros, família e morte se unem para induzir uma estética cuidadosamente rural e rústica. Além disso, as harmonias do Fleet Foxes - uma atração principal - são naturais e impressionantes, com sofisticação e nitidez nos arranjos. Completos e abrangentes, os vocais de Robin Pecknold também são claros, expressivos e às vezes cavernosos. Com faixas atraentes, satisfatórias e seguras, Fleet Foxes oferece muito mais do que uma nova visão de influências familiares. Essas músicas soam quase atemporais e fornecem uma noção impressionante do que o Fleet Foxes representa como banda.


Richard Dawson - Peasant (2017)

Peasant (2017)
Temos a história da música gravada ao nosso alcance, a aparente quintessência do imediatismo. E, no entanto, somos apenas levados para mais longe da fonte, alienados da nossa música e muitas vezes entediados pelo cânone esmagador que pode ser explorado por capricho.

Este álbum é uma rebelião contra essa estagnação. Isso tira você do seu estupor, te sacode e acorda. Exige uma atenção que nem sempre é exigida em nosso mundo. É para ser estudado (já ouvi inúmeras vezes e sempre encontro alguma corda nova sendo batida, algum zumbido de traste novo, uma mudança bizarra de acorde que eu não tinha notado antes).

Tal como a melhor arte, literatura, cinema, este álbum é totalmente escapista, aparentemente totalmente afastado da realidade (é difícil sublinhar a autenticidade do tema medieval), mas ao mesmo tempo utiliza esta remoção da realidade para iluminar com maior detalhe a nossa modernidade. doenças com maior precisão do que se não estivessem veladas em alegorias e metáforas. Em uma das mais belas exibições de exploração histórica bizarra, Dawson aborda todos os temas universais de amor, morte, perda, privação, com catarse extática.

Falando nisso, este é um dos álbuns mais literários que conheço. Não vou entrar em todos os temas de cada música (pois todos habitam diferentes narradores camponeses durante o Reino de Byrneich [400 - 600 dC], apenas saiba que é tão envolvente quanto a melhor ficção histórica nesse sentido.

Apesar de sua ambição , seus grandes gestos, melodias barrocas, narração em primeira pessoa (que, nas mãos erradas, seria totalmente pretensiosa), com Dawson parece íntimo, confessional e honesto, talvez mais do que poderia ser sem a ajuda de suas personas camponesas.

A produção é algo envolvente e amoroso, seu calor e natureza orgânica chamando você como um abraço da velha senhora da aldeia. Os instrumentos são tocados com um vigor raramente encontrado na música moderna. É principalmente acústico, mas mais pesado do que a maioria dos schlock indie/punk. em camadas de fuzz surgindo hoje em dia, cada música leva tempo para se desenrolar, sendo tocada com cada vez mais intensidade, e o melhor costuma ser guardado para o final, com cantos medievais e instrumentação terrena sendo tocados com uma fúria tão forte que você pensa que Dawson está escalando. seu caminho para os céus, levando você junto com ele.


Destaque

Pip Pyle's Bash! - Belle Illusion (2004)

  E continuamos com mais Canterbury em mais um post curto e direto. Se o Soft Heap estava apenas nos dando as boas-vindas, com "Belle I...