Ano: 1970 (LP 1970) Gravadora: Ariola Records (Alemanha), 80 830 IT Estilo: Pop, Oldies País: Avignon, França (22 de julho de 1946) Tempo: 36:50
A cantora francesa Mireille Mathieu é classicamente conhecida por seu ilustre canto francês durante os anos 60 e 70. Nascida em uma família de 14 filhos que trabalhavam na pedra, Mathieu chegou em 22 de julho de 1946, em Avignon, França, e quando criança economizou o dinheiro do trabalho na fábrica para poder pagar aulas de canto. No início dos anos 60, o empresário do vocalista pop francês Johnny Hallyday, Johnny Stark, notou a beleza vocal encantadora de Mathieu e mais tarde transformou-a em sua própria estrela com o clássico penteado de moleque e trajes vibrantes e barulhentos. Ela foi rapidamente aclamada como a próxima Edith Piaf e sua apresentação em 1965 no Olympia de Paris desencadeou seu relacionamento de gravação com a Barclay Records. Singles como "Mon Credo", "C'est Ton Nom" e "Qu'elle Est Belle" fizeram de Mathieu uma estrela internacional na Europa enquanto alcançava um sucesso moderado nas Américas, mas seu cover de "The Last Waltz" de Englebert Humperdinck foi uma impressionante interpretação francesa que causou impacto nas paradas britânicas. Humperdinck retribuiu o favor escolhendo cantar "Les Bicyclettes de Belsize" de Mathieu.
01. A1 Es Geht Mir Gut, Cherie (02:51) 02. A2 Pardonne-moi Ce Caprice D'enfant (03:23) 03. A3 Can A Butterfly Cry (02:22) 04. A4 Au Revoir Mon Amour (03:57) 05. A5 Avec Du Soleil Et De L'eau (02:22) 06. A6 Montmartre, Montmartre (02:04) 07. B1 An Einem Sonntag In Avignon (03:21) 08. B2 Pourquoi Le Monde Est Sans Amour (03:15) 09. B3 Die Kinder Vom Montparnasse (02:58) 10. B4 Le Petit Prince Aux Pieds Nus (03:40) 11. B5 Dear Madame (03:29) 12. B6 Meine Welt Ist Die Musik (03:03)
Ano: 1992 (CD 1992) Gravadora: Virgin Records (Europa), GEN CD 4 Estilo: Pop, Rock Country: Godalming, Surrey, Inglaterra Tempo: 63:06, 70:25
Em vez de lançar o documento ao vivo da turnê We Can't Dance como um CD duplo, o Genesis, ou algum executivo de gravação inteligente, decidiu dividir o material em dois lançamentos separados. O primeiro focaria nos singles pop do grupo, enquanto o segundo conteria seu trabalho mais longo e progressivo. Feito dessa forma, é difícil ter uma noção do ritmo do show: até mesmo as músicas de cada disco são embaralhadas a partir de sua ordem original ao vivo. Pelo que vale, Volume One: The Shorts contém quase todos os singles do Genesis de 1983-1992. A banda raramente se desvia das versões de estúdio de seu material, e com o público quase inaudível e uma coleção de grandes sucessos lançada em 1999, o disco é supérfluo para todos, exceto para os fãs mais obstinados.
01. Land Of Confusion (05:16) 02. No Son Of Mine (07:05) 03. Jesus He Knows Me (05:23) 04. Throwing It All Away (06:01) 05. I Can't Dance (06:55) 06. Mama (06:50) 07. Hold On My Heart (05:40) 08. That's All (04:58) 09. In Too Deep (05:36) 10. Tonight, Tonight, Tonight (03:35) 11. Invisible Touch (05:41)
01. Old Medley (19:32) 02. Driving The Last Spike (10:17) 03. Domino (11:20) 04. Fading Lights (10:54) 05. Home By The Sea/Second Home By The Sea (12:14) 06. Drum Duet (06:05)
Ano: 14 de abril de 1978 (CD 1991) Gravadora: Polydor Records (Europa), 817 988-2 Estilo: Pop, Trilha sonora País: EUA Horário: 63:37
Grease foi um grande sucesso como musical da Broadway antes de chegar às telonas em 1978. Essa foi a versão que transformou Grease em um fenômeno - foi um grande sucesso de bilheteria e depois se tornou um favorito na TV, a cabo e no vídeo. A trilha sonora rivalizava com sua contraparte cinematográfica como uma cultura pop perene, e não é difícil entender por quê - seu pastiche bem-humorado de doo wop e rock & roll antigo é contagiante e charmoso, devido em grande parte a John Travolta e Olivia Newton. -As performances carismáticas e envolventes de John. Eles cantam a maioria dos originais - "Summer Nights", "Hopelessly Devoted to You", "You're the One That I Want", "Sandy", "Greased Lightnin'" - que foram a razão pela qual o filme e a trilha sonora se tornaram sucessos de bilheteria. O fato de os originais terem um desempenho melhor do que as músicas dos anos 50 se deve em grande parte às performances profissionais de Sha Na Na, mas os originais são tão vertiginosamente agradáveis - não apenas o quinteto mencionado acima, mas também "Beauty School Dropout" de Frankie Avalon, Stockard "Look at Me, I'm Sandra Dee" de Channing e a faixa-título de Frankie Valli - que tudo funciona. Alguns ouvintes podem preferir a gravação do elenco da Broadway, mas o fato é que a produção pop elegante que a trilha sonora do filme apresenta e as performances entusiasmadas do elenco contribuem muito para tornar este Grease o Grease definitivo.
01. Grease (03:26) 02. Summer Nights (03:36) 03. Hopelessly Devoted to You (03:05) 04. You're the One That I Want (02:49) 05. Sandy (02:35) 06. Beauty School Dropout (03:59) 07. Look at Me, I'm Sandra Dee (01:40) 08. Greased Lightning (03:14) 09. It's Raining on Prom Night (02:52) 10. Alone at the Drive-In-Movie (02:25) 11. Blue Moon (02:23) 12. Rock 'N' Roll Is Here to Stay (02:02) 13. Those Magic Changes (02:18) 14. Hound Dog (01:25) 15. Born to Hand Jive (04:39) 16. Tears on My Pillow (02:03) 17. Mooning (02:15) 18. Freddy My Love (02:48) 19. Rock 'N' Roll Party Queen (02:11) 20. There Are Worse Things I Could Do (02:23) 21. Look at Me, I'm Sandra Dee (Reprise) (01:30) 22. We Go Together (02:59) 23. Love Is a Many Splendored Thing (01:23) 24. Grease (Reprise) (03:24)
Ano: 20 de abril de 1998 (CD 10 de setembro de 2008) Gravadora: Universal Music (Japão), UICY-93587 Estilo: Rock Country: Middlesex, Inglaterra (9 de janeiro de 1944), Staffordshire, Inglaterra (20 de agosto de 1948) Tempo: 63:51
Walking Into Clarksdale é o álbum que os fãs do Led Zeppelin se resignaram a nunca conseguir. O grupo colocou um limite definitivo em sua carreira quase imediatamente após a morte de John Bonham em 1980, e os três membros sobreviventes - Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones - se reagruparam apenas para apresentações duvidosamente especiais no Live Aid em 1985 e no Atlantic Records' Concerto do 40º aniversário em 1988. Certamente havia um clamor por mais, e Plant e Page, em particular, circularam a ideia participando dos álbuns solo um do outro (Page no Plant's Now e Zen, Plant no Page's Outrider). Essas colaborações mostraram que eles ainda podiam tocar bem juntos, mesmo que não estivessem juntos. A maré mudou com No Quarter: Jimmy Page & Robert Plant Unledded, de 1994, um especial da MTV que virou reunião (sem Jones, amargamente) que retrabalhou um lote de favoritos do Zep e seduziu com quatro músicas. "Nunca" tornou-se "E se?" Quatro anos depois, a dupla Page-Plant responde à última pergunta com um efeito frustrante, embora ocasionalmente agradável. Walking Into Clarksdale não é um álbum do Led Zeppelin – não poderia ser, por tantas razões óbvias e ocultas na complexa teia que é a relação Page-Plant. O que isso faz é devolver os dois a um formato de banda de rock mais básico, um quarteto (com enfeites ocasionais) que busca despojar as ambições orquestradas de No Quarter e trazer Page e Plant de volta à sua zona de conforto. É hora de lançar o verdadeiro Led novamente, ou assim parece, pela primeira vez desde In Through the Out Door em 1979. Mas qualquer um que tenha prestado atenção durante esse ínterim, especialmente ao trabalho de Plant, sabe que não estamos agitados no sebe mais. O cantor incursionou em todos os tipos de terreno sonoro, abraçando influências e ambientes que o separam do Deus Dourado de outrora. Page também fez seus movimentos, mais em Outrider e em sua trilha sonora do que em The Firm, sua parceria de dois álbuns com Paul Rodgers. Crescimento e evolução não são apenas clichês para os dois no final dos anos 90. Page e Plant também estão cientes do que está acontecendo ao seu redor e querem ser relevantes para a cena que surgiu durante a década que antecedeu Clarksdale. Isso os leva a trazer Steve Albini – um chefão do rock alternativo cujo crédito inclui trabalho com Pixies, Nirvana, PJ Harvey e suas bandas Big Black e Shellac – para projetar as sessões e colocar a dupla em uma base sonora contemporânea. Isso é conseguido: Albini traz um tom de amplificador particularmente irregular e barato para a guitarra de Page e um espaço seco e limpo para o ambiente da banda que oferece um tipo de impacto diferente do que obtivemos nos lançamentos do Zeppelin dos anos 70 - mais como um golpe do que um feno e apropriado para a era do CD primitivo. Certamente parece fresco e até crocante,embora demore um minuto para se acostumar se Houses of the Holy ou Physical Graffiti são mais o seu medidor. Clarksdale, lançado em 21 de abril de 1998, começa saindo do território do Led Zeppelin III, com o dedilhado acústico cintilante de "Standing in the Light", embelezado por cordas e uma linha de baixo dançante antes de Page aumentar a parte elétrica para o Refrão. É uma alegre celebração do amor, mais alegre do que “All My Love” do In Through the Out Door e um começo esperançoso para este novo capítulo da associação de Page e Plant. Os destaques incluem "Most High", uma raga rock arrogante com sabor marroquino que atualiza "Kashmir" com a ajuda de Tim Whelan, do Transglobal Underground da Grã-Bretanha, nos teclados. Mais polarizador é "Please Read the Letter", um blues Hill Country abrasivo e eletrificado da varanda da frente com as harmonias de Plant ecoando do grito. Esse equilíbrio entre raízes etéreas e rock moderno é a encruzilhada de Walking Into Clarksdale, incluindo a faixa título que muda de ritmo, o hino “House of Love” e a colisão de blues e surf de “Burning Up”. As duas faixas mais longas, cada uma com mais de seis minutos de duração, são evocativas: "When the World Was Young" é um casamento forçado do Oriente Médio e do desolado Texas com muito ar, espaço e vibração, enquanto "Blue Train" soa assim. foi alvo de The Joshua Tree do U2 até explodir na fuzilaria das últimas músicas de Page. Suas tentativas de recapturar o rock 'n' roll Valhalla em 'Upon a Golden Horse' e o encerramento 'Sons of Freedom' levantam poeira, mas não substituirão 'Whole Lotta Love' ou 'Rock and Roll' em suas listas de reprodução. E essa é a questão de nivelamento aqui: Plant e Page querem as duas coisas em Clarksdale – serem abraçados por causa de seu passado, mas não revivê-lo, o que é admirável, mas desafiador e uma luta eterna para qualquer músico que entra no status de “veterano reverenciado”.
01. Shinning In The Light (04:01) 02. When The World Was Young (06:13) 03. Upon A Golden Horse (03:52) 04. Blue Train (06:45) 05. Please Read The Letter (04:21) 06. Most High (05:36) 07. Heart In Your Hand (03:50) 08. Walking Into Clarksdale (05:18) 09. Burning Up (05:21) 10. When I Was A Child (05:45) 11. House Of Love (05:35) 12. Sons of Freedom (04:07) 13. Whiskey From The Glass (03:01)
.Recém-chegados à lista do A-Disc, o álbum de estreia do Mantra mostrou mais do que algumas tendências comerciais para o pop rock da época, bem como para o funk fusion desidratado e disco. Uma faixa, “Swing Your Thing”, suspeitamente compartilha algumas características com “Hold The Line” do Toto, o que é bastante revelador. “I Sold My Soul (To Rock 'n' Roll?)” é – com ou sem ponto de interrogação – um dos títulos de música mais usados de todos os tempos. Não importa que provavelmente seja usado aqui como uma dica irônica sobre as leves características do hard rock que se infiltram no que é basicamente uma faixa de jazz fusion medíocre. O guitarrista, compositor e arranjador Henrik Janson obviamente gostava do hard rock americano da FM, já que sua forma de tocar está impregnada dele. O álbum é inteiramente instrumental, mas é impossível dizer se isso é para melhor ou para pior, já que “Take It” é mais difícil do que um Hoover anabolizante de qualquer maneira.
Mantra lançou alguns 45s e lançou seu segundo álbum “Mantraction” pelo selo Hill em 1982, antes de Janson iniciar uma carreira prolífica como guitarrista de estúdio. Ele também foi membro da banda de apoio de Mikael Ramel , Harru Lust, no início dos anos 80 (aparecendo em "Strömavbrott" de 1982 e "Bra sak" de 1984), e Ramel também escreveu a letra de uma das músicas do Mantra em "Mantraction"
Terceiro e quarto álbum de Grus I Dojjan, anteriormente apresentado no blog com seu álbum de estreia . Esses álbuns são simplesmente mais do mesmo: uma mistura alegre de antigas tradições folclóricas ocidentais, incluindo a Grã-Bretanha, a América e a Suécia, executadas de uma forma despreocupada. “Slarvigt men säkert” se traduz como “desleixado, mas seguro”, que é a melhor descrição de Grus I Dojjan que você já viu. “Högt spel” tem um som um pouco mais profissional, o que de certa forma contradiz o halo caseiro de Grus I Dojjan. Se você é uma das duas últimas pessoas (não pode sobrar mais do que isso) que ainda ama esse estilo, você também vai adorar esses álbuns.
Uma das bandas 'perdidas' do hard rock sueco dos anos 70, com apenas um de sete polegadas lançado em 1973 pelo selo Efel. E que sete polegadas é! Especialmente o lado 'B' “Svarta skogen” é um clássico do hard rock. A outra faixa, “Speed”, pode ser prejudicada pela pronúncia embaraçosamente pobre do inglês e alguns vocais monótonos, mas a música em si ainda é boa. Então, meu interesse aumentou quando a Subliminal Sounds anunciou um lançamento de arquivo de Alexander Lucas. Especialmente após o poderoso lançamento de Great Ad pela gravadora, que permanecerá como uma das melhores limpezas de arquivos de fitas suecas por muitos anos.
Há muito o que gostar em “Alexander Lucas”, mas também revela as deficiências da banda – os vocais em particular eram obviamente um problema constante que infelizmente enfraquece um pouco o impacto. Os machismos adolescentes que ocorrem ocasionalmente são absolutamente dignos de nota, mesmo para uma banda de hard rock, e o material também é um tanto inconsistente. Faixas inferiores incluem “Race To Heaven”, “The Saint”, um cover completamente inútil de “Johnny B. Goode” e – o pior de tudo – a absolutamente terrível “You’re Gonna Die” que não só tem letras seriamente embaraçosas, mas também a tentativa mais boba de vocais “assustadores” de todos os tempos. A compilação certamente teria se beneficiado de uma seleção menos tolerante – teria apresentado Alexander Lucas sob uma luz geralmente melhor e o ouvinte teria menos momentos irritantes. Nada aqui é tão bom quanto as 45 faixas que abrem o álbum, mas ainda há algumas coisas aqui que se destacam bastante e merecem ser ouvidas. A guitarra também é ótima, com um toque agradável e algumas influências orientais. Também posso sentir pequenos pedaços de Black Sabbath, Pentagram, November e até Deep Purple espalhados entre as faixas. “Free To Ride” até parece um projeto inicial para um Motörhead que ainda não havia lançado seu álbum de estreia!
Eu não chamaria isso de essencial para o ouvinte casual, mas se você estiver interessado no hard rock obscuro dos anos 70, certamente será uma audição bem-vinda, especialmente se você aproveitar suas expectativas e estiver preparado para alguns fracassos ao longo do caminho.
LP ultra-raro de uma banda de psicologia pesada pouco conhecida de Houston. É assim que foi classificado aqui, pelo menos. Hard rock pode ser mais adequado. Cerveja bebendo pedra. Existem algumas influências psicológicas auxiliares, pelo menos nos tons difusos, na bateria rolante e nas jams às vezes prolongadas. Pense em Bando de Ciganos. Banda de bar matadora, de fato - ela arrasa com os riffs, os vocais podem ser irregulares, mas não é um obstáculo. Previsivelmente, há um pouco de material descartável, nomeadamente a capa ignorável de “Gimme Shelter”. Mas não é nada que um final verdadeiramente matador para o álbum - a faixa-título de 17 minutos de duração lenta - não possa consertar.
Hard Rock "Swampy" com bases de Blues e salpicado de elementos de Psicodelia e certos trechos de Boogie, portanto esta banda (sulista) apresenta uma performance bastante respeitável e uma execução instrumental densa, ácida e pesada que resulta em um som sólido e "PESADO". " Josefus é uma das muitas bandas de "Rock&Blues-Psych" que surgiram no final dos anos 60 e início dos anos 70, por isso assimila e assume influências de Blue Cheer, Black Sabbath, Cream e Zeppelin. Não há mais nada a dizer sobre eles; O álbum Dead Man é uma prova conclusiva da qualidade da banda e dos novos tempos que chegaram e endureceram o som atroz do rock. Este é um álbum PESADO, sombrio e envolto em um manto de CULT, um trabalho enorme com uma proposta já vista mas ainda com muita personalidade.
Dead man se destaca nas apresentações do Blues&Rok e sobe ao topo graças à sua enorme atuação e à sua visão de criar um som mais alinhado aos novos tempos. O álbum é uma amostra irreverente do som elétrico pesado que penetra fortemente na proposta mais feroz do rock mais sludgiest. Dentro dessa “proposta” isso atinge um nível muito alto, os músicos estão à altura da tarefa e mais do que demonstram isso com manifestações psicodélicas de alta octanagem, músicas como Proposition , Gimme Shelter ou DEAD MAN são hinos lisérgicos de ferocidade em tempos difíceis, o rock uniu forças completamente com a chegada do Black Sabbath e isso foi ponta de lança para muitas bandas que optaram por endurecer seu som e elevá-los para caminhos mais ligados "AO FUTURO" que estariam ancorados para o surgimento do Metal - lembre-se que “THE EVERYTHING” é um processo de contribuições e eventos que irão inaugurar o novo - portanto Josefus é uma daquelas bandas que bebeu da fonte do Black Sabbath; Sua performance e execução instrumental têm muitos deles, embora você também possa apreciar a explosão furiosa do Cream assim como as posturas psicodélicas do Iron Butterfly, é uma banda com muito poder, escuridão e ferocidade. Você poderia definir o som deles como uma manifestação de "blues elétrico psicodélico pantanoso" que atinge forte desde o primeiro momento. A evolução para a nova era era evidente, 1970 foi um ano chave e desde o início já sabíamos que rumo a banda iria tomar.
Dead Man é um álbum muito interessante, seu som é puramente lisérgico e sua proposta, embora já seja conhecida, tem muita personalidade, em certo momento me lembra um pouco The Groundhogs mas obviamente vai além, esse digamos que exala um aroma mais ligado ao que pesa na psicodelia e não se apoia tanto nas pretensões do Blues elétrico, porém, você pode ver em seus grooves muita postura do Blues que se encaixa perfeitamente com sua fórmula, dando-lhe assim um som bestial e uma firmeza com sua postura que chama muita atenção porque até a capa já mostra sua natureza e o que você possivelmente irá encontrar. Minhas impressões são boas, não tão altas, mas hoje tudo tomou um rumo muito abrupto, voltando ao caminho. Estou surpreso que este álbum emita muita eletricidade e nos apresenta um caminho sombrio, pesado e com uma postura proto-metal dentro seu desempenho , portanto temos em mãos uma obra poderosa que cumpre muito bem o objetivo pois possui os 3 requisitos fundamentais: bom som, boa proposta e boa execução. Até nos vermos novamente.
Mini fatos: *Josefus foi uma banda texana realmente valiosa que trabalhou com o produtor Bob Shad (o fundador do selo Mainstream, onde gravaram seu álbum autointitulado Josefus).
*Pelo selo Hookah lançaram “Dead Man” (1970), álbum gravado quando a banda era formada pelo vocalista Pete Bailey, também gaitista, o guitarrista Dave Mitchell, o baixista Ray Turner e o baterista Dave Tull.
*Em 1969, David Mitchell e Ray Turner, que vieram do grupo "West Rip", decidiram se juntar a Doug Tull e Pete Bailley para formar o grupo. No final daquele ano gravaram "Get Off My Case" que curiosamente só viu a luz do dia muitos anos depois. Devido a esta situação, o grupo decide gravar mais um álbum “Dead Man” e fazer uma tiragem inicial de 3.000 exemplares para distribuir em toda a região.
01.Crazy Man 02.I Need A Woman 03.Gimme Shelter 04.Country Boy 05.Proposition 06.Situation 07.Dead Man
Nei Lisboa morou em diversas capitais do país e nos EUA, mas gravou seu primeiro disco aqui mesmo, em 1983. Antes disso já tinha frequentado o Liceu Musical Palestrina e ingressou no Curso de Composição e Regência de UFRGS, isso em 77. Em 79 inicia sua carreira participando em espetáculos teatrais, como "Lado a lado" e "Deu pra ti, anos 70". Esse último virou trilha de filme homônimo em 81, com participação do ator Werner Schünemann (!!!). Nessa época, Nei trabalhava bastante em parceria com o (até então) futuro guitarrista do Engenheiros do Havaí, Augusto Licks, que já estava com ele em "Verde", show que apresentavam em 81.
"Pra viajar no cosmo..." foi gravado e lançado de forma independente, com dinheiro que Nei conseguiu com amigos. Mesmo sendo um disco indie e de estreia, impressiona pela qualidade da gravação, a riqueza de arranjos e instrumentos usados nas canções, como por exemplo:
1. A tribo toda em dia de festa
Primeira faixa, já mostra a que veio. Um reggae cheio de instrumentos de percussão (muitos mesmo!), atabaques, bongôs, agogô, carrilhão, sinos, até barulhinhos de pássaros. Doidera. Tem uma harmonia instrumental muito bem feita, tudo conversando bem. A letra é uma viagem pop, mas já mostra algum tipo de engajamento político de Nei (que depois se torna mais forte). O meio da faixa tem uma quebra de tempo, uma levada mais pop, com melodias jazzy, quebra essa bem característica das faixas desse disco. Essa entrou no "Deu pra ti, anos 70".
2. Me chama de Robert
Essa faixa é demais, letra extremamente debochada e hedonista ("Quando bebo bebo até cair, quando fumo viro chaminé"), um frevinho nervoso (meio marchinha de carnaval, também), que também tem uma quebra de tempo incidental, um 4/4 bem lentinho, genial. Acho que é a faixa mais divertida do disco. Uma verdadeira ode aos vícios, diversão, prazeres e ressacas.
3. Não me pergunte a hora
Mais lentinha, uma coisa meio blues, meio jazz, bem mais melódica que as anteriores e uma das mais dramáticas. Com um tom romântico/nostálgico no som e na letra, tem dois belos solos de piano e guitarra, no melhor estilo "piano bar". Essa, aliás, foi feita em parceria com o Licks.
4. Síndrome de Abstinência
Essa tem caráter bem regional, pelo menos na estética do som, lembra algo muito popular da região dos pampas, Paraguai (que aliás está na letra). A letra é genial porque de forma bem sutil Nei fala de uma espécie de "seca" de maconha ("Lembro dos tempos de fartura, Maria, Joana, todo mundo tinha..."). Um cool jazz incidental traduz bem a "viagem" do cara. Ou a falta dela, rs. Maravilhoso exemplo de como Nei usa referências regionais combinadas com temas globais.
5. Doody II
Som mais melancólico, intimista, apenas violão e voz. Parece que Nei faz algum tipo de auto reflexão na letra, fala de se olhar no espelho. Outra que entrou no "Deu pra ti, anos 70".
6. Pra viajar no cosmo não precisa gasolina
Outra parceria de Nei e Licks. Tem um pouco da pegada de blues/jazz de "Não me pergunte a hora", um tanto mais bem arranjada, mais complexa em harmonia, mas também tem uma roupagem mais pop. Além de uma guitarrinha bem blues do Licks. A letra é bem sarcástica, também com uma conotação bem mais política ("O povo tem fome, o povo quer comer"). Aliás, o Nei era irmão do Luiz Eurico Tejera Lisbôa, perseguido e desaparecido político durante o regime militar dos anos 60.
7. No, No Chance
Canção de Luiz Carlos Galli, o "Boina", compositor gaúcho amigo e parceiro de Nei e Licks ("Verdes" era uma parceria entre os três). Cool jazz bem comportado, é na verdade uma grande piada, porque a letra diz basicamente "I have no chance in jazz, because a sing brazilian songs", e aquele jazzínho maroto de fundo. Aí vem o melhor, quando ele canta "I sing the samba" o tempo quebra num 2/4 sincopado, e quando ele canta "I sing the frevo", o frevo come solto, caindo sempre de volta pro jazz. Simplesmente genial.
8. Rabo de Foguete
Minha faixa favorita. Que coisa linda a harmonia entre teclados, guitarra e baixo. Aliás, todos os instrumentos aqui merecem atenção. Os riffs precisos de guitarra, o teclado que "leva" o som, uma linha de baixo sofisticadíssima. E a bateria, então? Muito bem marcada, dinâmica, cheia de "truques". Não sei descrever bem a estética, mas é um som bem positivo, marcação forte de chimbal (no melhor estilo "bate estaca"), melodias suaves, harmonias jazzísticas, sei lá. Talvez "fusion melódico brasileiro", kkkkk! E o melhor, a letra fala sobre uma mina doida, dessas que bebe, fuma, fala palavrão e arruma briga, foi escrita em parceria com um tal de Iotomar Polsko.
9. Exaltação
Mais uma regionalista, no que parece ser literalmente uma exaltação ao chimarrão, ou melhor, a erva que vai na bebida, o chimarrão Crioulo. Basicamente isso, são bem bacanas os arranjos de violões, lembra mesmo (se eu não estiver bem enganado) algo como o som da catira.
10. Sinal Azul
Essa faixa tem clima mais ameno, também mais inclinada ao popular e regional, composta por Nei, Licks, Glauco Sagebin (tecladista de Nei) e Peninha (não sei se é o mesmo de "Sonhos"). A letra, porém, é bem tropicalista, mistura índios com anjos e Exu e blue jeans. Parece uma canção que nos lembra que somos todos iguais, nesse sinal azul... digo, planeta azul. Tem um solo lindo de piano no final, um piano bem "campestre", do Glauco.
11. Água Benta
A última faixa é bem animada, tem um instrumental foda também, me lembra o fusion/jazz/soul de bandas como Azymuth e Grupo Medusa, cheios de virtuose e feeling, tempos quebrados. A letra é totalmente naturalista (óbvio), fala da água, da vida, do planeta e do corpo humano. Composta por Nei, Licks e um tal Clóvis Frimm. Fecha bem o disco, é bem pra cima, e mostra o melhor da banda...
Que infelizmente eu não consegui descobrir quem são (fora o Glauco Sagebin). Infelizmente tem pouca informação na web sobre esse disco. Mas vou caçar essa e prometo que faço um post extra. Os títulos das das faixas também são links pras letras. Dá pra ouvir ele na íntegra no YouTube (vídeo abaixo). Espero que tenham gostado. Comentem, por favor. No próximo post o segundo disco, "Noves Fora", de 1984.
